Adolph Gottlieb - Adolph Gottlieb

Adolphe Gottlieb
Adolph Gottlieb dans East Hampton.jpg
Adolph Gottlieb à East Hampton
( 1903-03-14 )14 mars 1903
New York , New York, États-Unis
Décédés 4 mars 1974 (1974-03-04)(à 70 ans)
New York , New York, États-Unis
Nationalité américain
Éducation Art Students League of New York , Académie de la Grande Chaumière , Parsons School of Design , Cooper Union
Connu pour Peinture , sculpture
Mouvement Expressionniste abstrait

Adolph Gottlieb (14 mars 1903 - 4 mars 1974) était un peintre , sculpteur et graveur expressionniste abstrait américain .

Première vie et éducation

Adolph Gottlieb, l'un des membres de la "première génération" d' expressionnistes abstraits , est né à New York en 1903 de parents juifs. De 1920 à 1921, il étudie à l' Art Students League de New York , après quoi, déterminé à devenir artiste, il quitte le lycée à l'âge de 17 ans et effectue son passage vers l'Europe sur un navire marchand. Il a voyagé en France et en Allemagne pendant un an. Il a vécu à Paris pendant 6 mois durant lesquels il a visité le musée du Louvre tous les jours et a auditionné des classes à l' Académie de la Grande Chaumière . Il passa l'année suivante à voyager en Allemagne, en Autriche, en Tchécoslovaquie et dans d'autres parties de l'Europe centrale, visitant des musées et des galeries d'art. À son retour, il était l'un des artistes new-yorkais les plus voyagés. Après son retour à New York, il a étudié à l'Art Students League de New York, à la Parsons School of Design , à la Cooper Union et à la Educational Alliance .

Années 1920 et 1930

Gottlieb a eu sa première exposition personnelle aux Dudensing Galleries de New York en 1930. Au cours des années 1920 et au début des années 1930, il a noué des amitiés de longue date avec d'autres artistes tels que Barnett Newman , Mark Rothko, David Smith, Milton Avery et John Graham . En 1935, lui et un groupe d'artistes dont Ben-Zion , Joseph Solman , Ilya Bolotowsky , Ralph Rosenborg , Louis Harris, Mark Rothko et Louis Schanker , connu sous le nom de " The Ten ", exposent leurs œuvres ensemble jusqu'en 1940.

De septembre 1937 à juin 1938, Gottlieb a vécu dans le désert de l' Arizona , à l'extérieur de Tucson. Au cours de ces 9 mois, il a radicalement changé son approche de la peinture. Il est passé d'un style expressionniste-réaliste à une approche combinant des éléments de surréalisme et d'abstraction formaliste, utilisant des objets et des scènes de l'environnement local comme symboles pour supprimer la temporalité de son travail. Il est passé de cela à des œuvres plus surréalistes comme Sea Chest , qui affiche de mystérieuses incongruités sur un paysage par ailleurs normal. C'est alors qu'il transmet au spectateur l'étendue qu'il a dû ressentir en regardant le ciel du désert de l'Arizona, bien qu'il distille cette étendue dans une forme abstraite plus basique. "Je pense que le sentiment émotionnel que j'ai eu était que c'était comme être en mer… Ensuite, il y a l'énorme clarté - en Arizona, il y a une énorme clarté de lumière et la nuit, les nuages ​​semblent très proches." Lorsque ces œuvres d'Arizona ont été exposées à New York après le retour de Gottlieb, elles ont créé une rupture avec l'ancien cercle de collègues de Gottlieb, dont plusieurs ont condamné son nouveau travail pour être « trop abstrait ».

Années 1940-1950

Gottlieb et un petit cercle d'amis ont apprécié le travail du groupe surréaliste qu'ils ont vu exposé à New York dans les années 1930. Ils s'échangeaient également des exemplaires de la revue « Cahiers d'art » et connaissaient bien les idées courantes sur l'écriture automatique et l'imagerie subconsciente. Gottlieb peint quelques œuvres dans un style surréaliste en 1940 et 1941. Les résultats de ses expériences se manifestent dans sa série « Pictographs » qui s'étend de 1941 à 1950. Dans son tableau Voyager's Return [1] , il juxtapose ces images dans des espaces cloisonnés. Ses images ressemblent à celles des populations indigènes d' Amérique du Nord et du Proche-Orient ancien. S'il découvrait qu'un de ses symboles n'était pas original, il ne l'utilisait plus. Il voulait que son art ait le même impact sur tous ses spectateurs, frappant une corde sensible non pas parce qu'ils l'avaient vu auparavant, mais parce qu'il était si basique et élémentaire qu'il résonnait en eux.

En 1941, déçu par l'art qui l'entoure, il développe l'approche qu'il appelle les pictogrammes. Les Pictographs de Gottlieb, qu'il a créés de 1941 à 1954, sont le premier ensemble cohérent de peinture mature d'un Américain de sa génération. Gottlieb a parlé de ses préoccupations dans une déclaration de 1947 :

« Le rôle de l'artiste a toujours été celui de faiseur d'images. Des temps différents exigent des images différentes. Aujourd'hui, alors que nos aspirations se sont réduites à une tentative désespérée d'échapper au mal, et que les temps sont désarticulés, notre esprit obsessionnel, souterrain et pictographique les images sont l'expression de la névrose qui est notre réalité. A mon sens une certaine soi-disant abstraction n'est pas du tout de l'abstraction. Au contraire, c'est le réalisme de notre temps".

En mai 1942, son premier « pictogramme » a été présenté à la deuxième exposition annuelle de la Fédération des peintres et sculpteurs modernes , située aux Wildenstein Galleries de New York. Dans ses pictogrammes, Gottlieb a présenté une nouvelle façon d'aborder l'abstraction qui comprenait des images tirées de son subconscient mais qui s'écartait notamment de l'idée de récit. Pour atteindre cet objectif, Gottlieb a présenté des images insérées dans des sections d'une grille vaguement dessinée. Chaque image existait indépendamment des autres, mais leur disposition sur le même plan, ainsi que les relations de couleur, de texture et de forme, obligent le spectateur à les associer. Le sens est donc intensément personnel – une autre innovation des peintures de Gottlieb Le biomorphisme surréaliste était l'une des sources de ses pictogrammes. Pour Gottlieb, le biomorphisme était un moyen d'exprimer librement son inconscient, dans lequel il était devenu fasciné via [John] Graham, Freud et le surréalisme. Gottlieb a également incorporé l' automatisme - la technique picturale pour la libre association freudienne - était la méthode utilisée par Gottlieb pour générer des formes biomorphiques, qui étaient des formes conçues spontanément dans son inconscient [2] . Ces formes biomorphiques étaient séparées par le quadrillage intégral, qui servait de structure globale à la série de "pictogrammes".

Gottlieb a dit un jour : « Si je faisais une ligne ondulée ou une ligne serpentine, c'était parce que je voulais une ligne serpentine. Après cela suggérerait un serpent mais quand je l'ai fait, cela ne suggérait rien. C'était purement une forme... " . Ces lignes et formes utilisées par Gottlieb étaient facilement interprétées comme signifiant différentes choses par différentes personnes.

En 1950, Gottlieb constate que l' approche « all-over painting » est devenue un cliché pour la peinture abstraite américaine. Il a commencé sa nouvelle série Imaginary Landscapes, il a conservé son utilisation d'un «pseudo-langage», mais a ajouté le nouvel élément de l'espace. Il ne peignait pas des paysages au sens traditionnel du terme, il a plutôt modifié ce genre pour l'adapter à son propre style de peinture. Les paysages imaginaires sont des toiles horizontales divisées en 2 registres, l'un très actif en dessous et l'autre plus contemplatif, qui mettent en place une approche différente de l'abstraction. au milieu du siècle. En 1955, Gottlieb remarqua :

J'entends souvent la question « Que signifient ces images ? » C'est tout simplement la mauvaise question. Les images visuelles n'ont pas à se conformer à la pensée verbale ou aux faits optiques. Une meilleure question serait : « Ces images véhiculent-elles une vérité émotionnelle ?

À la fin de 1956, Gottlieb a formulé l'image qui est devenue connue sous le nom de « Burst » et a passé la majeure partie des deux années suivantes à travailler sur cette approche. Il simplifie sa représentation jusqu'à deux formes de disques et des masses sinueuses. Ses peintures sont des variations avec ces éléments disposés de différentes manières. Cette série, contrairement à la série Imaginary Landscape, suggère un paysage de base avec un soleil et un sol. A un autre niveau, les formes sont si rudimentaires ; ils ne se limitent pas à cette seule interprétation. Gottlieb était également un coloriste magistral et dans la série Burst, son utilisation de la couleur est particulièrement cruciale. Il est considéré comme l'un des premiers peintres de champ de couleur et est l'un des précurseurs de l'abstraction lyrique . La carrière de Gottlieb a été marquée par l'évolution de l'espace et de l'universalité.

années 1960-1970

En 1960, les efforts de Gottlieb sur sa série "Burst" lui ont permis de simplifier considérablement son utilisation de l'imagerie. Gottlieb a créé des peintures de type « Burst » et « Paysage imaginaire » pour le reste de sa carrière mais, contrairement à certains de ses collègues, il ne s'est pas limité à une ou deux images. La discussion sur l'art de Gottlieb se limite généralement aux mentions de « Bursts » ou « Paysages imaginaires », ce qui nuit au large éventail d'idées examinées par cet artiste. Gottlieb a résumé ses objectifs dans une interview de 1967 :

Mais pour moi, tout est nature, y compris les sentiments que j'ai – ou les rêves. Tout fait partie de la nature. Même la peinture est devenue une partie de la nature. Pour préciser davantage : je n'ai pas d'approche idéologique ou doctrinaire de mon travail. Je peins juste à partir de mes sentiments personnels, de mes réflexes et de mes instincts. Je dois leur faire confiance.

Une peinture représentative de cette période est incluse dans la collection d'art du gouverneur Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza à Albany, NY.

En 1967, alors que Gottlieb se préparait pour l'exposition du Whitney and Guggenheim Museum, il commença à réaliser de petits modèles de sculptures en carton découpé et peint qui, disait-il, lui donnaient l'impression d'être « un jeune sculpteur qui débute ». Ces petites sculptures ont évolué vers des œuvres plus grandes en acier et aluminium découpés, soudés et peints. L'incursion de Gottlieb dans la sculpture n'a duré qu'un an et demi environ, mais au cours de cette brève période, il a créé un corpus d'œuvres qui remettait en question la délimitation entre peinture et sculpture. À l'instar de son ami le sculpteur David Smith, l'expérience de Gottlieb en tant que peintre l'empêchait de visualiser des objets sans couleur. Une fois cela accepté, Gottlieb a été contraint d'utiliser tous les outils qu'il avait développés au cours de sa longue carrière de peintre - le toucher, l'équilibre visuel, la qualité de la surface, etc. sentiment… Je ressens la nécessité de faire en sorte que les couleurs particulières que j'utilise, ou les formes particulières, portent le fardeau de tout ce que je veux exprimer, et tout doit être concentré dans ces quelques éléments. Au total, Gottlieb a créé 42 sculptures, dont trois grandes pièces d'extérieur qui font actuellement partie des collections de la National Gallery of Art de Washington, DC, du Storm King Art Center de New Windsor, NY et du Metropolitan Museum of Art de New York. Ville.

Gottlieb est resté actif tout au long des années 1960. En 1963, il devient le premier artiste américain à recevoir le Gran Premio de la Biennale de São Paulo au Brésil. En 1968, le Guggenheim Museum et le Whitney Museum de New York ont ​​collaboré à une exposition rétrospective de son art qui a rempli les deux musées. Cela reste, à ce jour, le seul projet de collaboration entre ces deux grandes institutions.

Faits saillants de carrière

Tout au long de sa carrière, Adolph Gottlieb a eu 56 expositions individuelles et a été inclus dans plus de 200 expositions de groupe. Ses œuvres d'art font partie des collections de plus de 140 grands musées à travers le monde. Gottlieb a été accompli en tant que peintre, dessinateur, graveur et sculpteur. Il a conçu et supervisé la construction d'une façade en vitrail de 1500 pieds carrés pour le Milton Steinberg Center à New York en 1954, et il a conçu une suite de 18 vitraux pour le Kingsway Jewish Center à Brooklyn. Il fut le premier de sa génération à faire collectionner son art par le Museum of Modern Art (1946) et le Guggenheim Museum (1948).

Mort et héritage

Gottlieb a subi un accident vasculaire cérébral en 1970 qui l'a laissé paralysé, à l'exception de son bras et de sa main droits. Il a continué à peindre et à exposer son art jusqu'à sa mort en mars 1974. Ses funérailles ont eu lieu le mercredi 6 mars 1974 à la maison funéraire Frank E. Campbell et il a été enterré au mont. Cimetière Pleasant, Hawthorne, NY. Il a été élu à l'Académie américaine des arts et des lettres en 1972.

En plus de ses contributions en tant qu'artiste, Gottlieb a plaidé pour le statut professionnel des artistes tout au long de sa vie. Il a aidé à organiser le « Forum 49 » et d'autres événements et colloques dirigés par des artistes à New York et à Provincetown dans les années 1940 et 1950. En 1950, il fut le principal organisateur de la manifestation contre le Metropolitan Museum of Art qui lui permit, ainsi qu'à ses collègues, d'être reconnus comme « Les Irascibles ». Suivant les instructions que Gottlieb a laissées dans son testament, la Fondation Adolph et Esther Gottlieb a été créée en 1976, offrant des subventions aux artistes visuels.

Voir également

Les références

Sources

Lectures complémentaires

  • Les pictogrammes d'Adolph Gottlieb , essais de Lawrence Alloway et al. New York : Hudson Hills Press en association avec la Fondation Adolph & Esther Gottlieb, 1994.
  • " Adolph Gottlieb : una retrospectiva = une exposition-enquête." Valence : Generalitat Valenciana, Conselleria de Cultura, Educació i Ciència, 2001. En association avec la Fondation Adolph & Esther Gottlieb et le Centre IVAM Julio Gonzalez

Liens externes