Art afro-américain - African-American art

L'art afro-américain est un terme général décrivant l'art visuel créé par des Américains qui s'identifient également comme Noirs. L'éventail de l'art qu'ils ont créé et continue de créer pendant plus de deux siècles est aussi varié que les artistes eux-mêmes. Certains se sont inspirés des traditions culturelles d'Afrique et d'autres parties du monde. D'autres se sont inspirés des formes traditionnelles d' art plastique afro-américain , notamment le tissage de paniers , la poterie , la courtepointe , la sculpture sur bois et la peinture , qui sont tous parfois classés comme « artisanat » ou « art populaire ».

Beaucoup ont également été inspirés par les traditions artistiques européennes, ainsi que par l'expérience personnelle de la vie, du travail et des études là-bas. Comme leurs collègues occidentaux, beaucoup travaillent dans les styles réaliste , moderniste et conceptuel , et toutes les variations entre les deux, y compris le mouvement expressionniste abstrait américain, une approche de l'art vue dans le travail de Howardena Pindell , McArthur Binion et Norman Lewis , parmi autres.

Comme leurs pairs, les artistes afro-américains travaillent également dans un éventail de médias, notamment la peinture, la gravure, le collage, l'assemblage, le dessin, la sculpture et plus encore. Leurs thèmes sont tout aussi variés, bien que beaucoup abordent également, ou estiment devoir aborder, les problèmes de la noirceur américaine.

Autrefois connue sous le nom de "sculpteur d'horreurs", Meta Vaux Warrick Fuller privilégiait un mélange de réalisme conceptuel et de symbolisme , et s'inspirait des histoires de fantômes. Mentorée par Henry Osawa Tanner , critiquée par Auguste Rodin , et exposée au Salon de 1903, elle a reconnu qu'une carrière continue fondée sur « répondre [ant] les demandes de travail fondées sur la race des plus grands savants noirs, des militants et des sommités qui contrôlaient la conduite de la commission. » en acceptant cette réalité, WEB du Bois est devenu l' un de ses clients, et elle est devenue la première femme afro-américaine à recevoir une commission fédérale… pour des dioramas sur le thème du progrès pour le tricentenaire de Jamestown… et, plus tard, pour la célébration du cinquantième anniversaire de la Proclamation d'émancipation », mais tout cela a eu un certain prix.

Un autre extrême est illustré par un artiste comme Emory Douglas , l'ancien ministre de la Culture du Black Panther Party , dont l'art était consciemment radical, et est depuis devenu iconique. « [C]rédité avec la popularisation du terme« cochons » pour les policiers corrompus», son imagerie la plus connue était souvent sévèrement critique à l'égard de la structure du pouvoir existante, ouvertement violente et, comme toute iconographie politique, destinée à persuader.

Trois sculpteurs
Edmonia Lewis a été chargée de faire le portrait du président Grant, vers 1870.
Augusta Savage avec 'Realization', son projet d'art fédéral WPA , 1938.
Meta Vaux Warrick Fuller était le protégé de Rodin , 1910.

La sculptrice Edmonia Lewis , en revanche, a financé son premier voyage en Europe en 1865 en vendant des sculptures de l'abolitionniste John Brown et de Robert Gould Shaw , le colonel de l' Union qui a dirigé le 54th Massachusetts Infantry Regiment pendant la guerre de Sécession . Elle incorporera plus tard les questions de race plus subtilement, en utilisant des thèmes modernes et des symboles anciens dans la sculpture néoclassique à des fins suggestives. En réponse à un buste que Lewis avait fait d'elle, sa mécène Anna Quincey Waterston écrivit d'elle avec admiration : Il convient qu'une fille de la race / Dont les chaînes se brisent reçoive un cadeau / Aussi rare que le génie.

La petite-fille d'esclaves, graveur et sculpteur Elizabeth Catlett était également une militante. Bien qu'une partie de son art comprenne des symboles conflictuels du mouvement Black Power , elle est surtout connue pour ses représentations de héros afro-américains : MLK, Malcolm X, Harriet Tubman - et de fortes femmes maternelles. Le travail du sculpteur Augusta Savage était tout aussi édifiant. Dans une grande commande pour l' Exposition universelle de New York de 1939 , " Lift Every Voice and Sing ", qui est souvent décrit comme l' hymne national noir , a inspiré un appelé Lift Every Voice and Sing , également connu sous le nom de The Harp car il dépeint les chanteurs noirs comme les cordes de l'instrument.

La peintre Faith Ringgold , connue pour son art politisé, a été décrite comme ayant un "magnifique coup de poing dans les tripes". Son "American People Series #20", qui dépeint un affrontement sanglant entre des figures cubistes noires et blanches, a récemment été accrochée face aux Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso dans le MOMA récemment rénové , pour mieux engager une conversation entre la "force sauvage" de leurs compositions respectives. L' artiste conceptuel Fred Wilson se concentre sur d'autres types de composition, « juxtaposant des objets extrêmement anormaux, tels qu'une statue d'esclave et un ensemble de porcelaine fine ». Récipiendaire de la « subvention génie » de MacArthur en 1999 , son travail encourage « le déballage et le renversement des hypothèses sur la race et l'histoire qui les entourent ».

Des artistes narratifs comme Jacob Lawrence utilisent la peinture d'histoire pour raconter une histoire en images, comme le montre sa propre série Migration . L'épopée de 60 panneaux dépeint la relocalisation d'un million d'Afro-Américains dans le Nord industrialisé après la Seconde Guerre mondiale. Comme dans les cas de Kehinde Wiley et d' Amy Sherald , la peinture d'histoire peut aussi impliquer le portrait ; en l'occurrence, les portraits officiels de Barack et Michelle Obama, respectivement.

Des artistes comme Horace Pippen et Romare Bearden ont choisi des sujets plus ordinaires, s'appuyant sur la vie contemporaine pour inspirer des images non controversées. L'influent Henry Tanner l' a également fait dans des peintures comme La Leçon de banjo et Les pauvres reconnaissants, bien que ces peintures - comme beaucoup de ses paysages et scènes bibliques - semblent souvent illuminées de l'intérieur. Premier Afro-Américain à s'inscrire à la prestigieuse Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie en 1880, Tanner étudie avec le peintre réaliste Thomas Eakens . Il est devenu le premier artiste afro-américain à obtenir une renommée internationale. Il est élu à l' Académie nationale de design en 1910 et nommé chevalier honoraire de l'Ordre de la Légion d'honneur en 1923.

Premier art afro-américain

Ères précoloniales, Antebellum et guerre civile

Premier art afro-américain
Corne à poudre sculptée par John Bush , 1754.
Gravure d'une esclave enchaînée par Patrick H. Reason , 1835. Souvent diffusée avec la légende "Ne suis-je pas une femme et une sœur ?"
Harriet Powers , courtepointe biblique, techniques mixtes. 1898.

La première preuve de l'art afro-américain aux États-Unis est le travail d'esclaves artisans qualifiés de la Nouvelle-Angleterre . Deux catégories d'objets d'artisanat d'esclaves survivent de l'Amérique coloniale : les articles créés pour un usage personnel par les esclaves et les articles créés pour un usage public. Des exemples de la période comprise entre le 17e siècle et le début du 19e siècle comprennent : des petits tambours, des courtepointes, des figurines en fer forgé, des paniers, des récipients en céramique et des pierres tombales.

Bon nombre des artisans esclaves les plus qualifiés d'Afrique ont été loués par des propriétaires d'esclaves. Avec le consentement de leurs maîtres, certains artisans esclaves ont également pu conserver un petit pourcentage du salaire gagné pendant leur temps libre pour économiser suffisamment d'argent pour acheter leur liberté et celle des membres de leur famille.

Les œuvres d'art publiques produites par les artisans esclaves ont été une contribution importante à l'économie coloniale. En Nouvelle-Angleterre et dans les colonies du centre de l'Atlantique, les esclaves étaient apprentis orfèvres, ébénistes, graveurs, sculpteurs, portraitistes, charpentiers, maçons et ferronniers. La construction et la décoration de la maison Janson , construite sur la rivière Hudson en 1712, étaient l'œuvre d'Afro-Américains. La plupart des bâtiments les plus anciens de la Louisiane, de la Caroline du Sud et de la Géorgie ont été construits par des artisans esclaves.

Au milieu du XVIIIe siècle, John Bush était un sculpteur de cornes à poudre et un soldat de la milice du Massachusetts combattant avec les Britanniques lors de la guerre française et indienne . Patrick H. Reason , Joshua Johnson et Scipio Moorhead ont été parmi les premiers portraitistes connus, de la période 1773-1887. Le patronage de certaines familles blanches permettait des cours particuliers dans des cas particuliers. Beaucoup de ces Blancs parrains étaient des abolitionnistes . Les artistes ont reçu plus d'encouragements et étaient mieux en mesure de subvenir à leurs besoins dans les villes, qui étaient plus nombreuses dans les États du Nord et frontaliers.

Harriet Powers (1837-1910) était une artiste folklorique afro-américaine et une fabricante de courtepointes de la Géorgie rurale , aux États-Unis , née en esclavage. Désormais reconnue à l'échelle nationale pour ses courtepointes , elle a utilisé des techniques d' appliqué traditionnelles pour enregistrer des légendes locales, des histoires bibliques et des événements astronomiques sur ses courtepointes. Seules deux de ses dernières courtepointes ont survécu : Bible Quilt 1886 et Bible Quilt 1898 . Ses courtepointes sont considérées parmi les plus beaux exemples de courtepointe méridionale du XIXe siècle.

Comme Powers, les femmes de Gee's Bend ont développé un style de courtepointe distinctif, audacieux et sophistiqué basé sur les courtepointes traditionnelles américaines (et afro-américaines), mais avec une simplicité géométrique. Bien que largement séparés par la géographie, ils ont des qualités qui rappellent les courtepointes amish et l'art moderne . Les femmes de Gee's Bend ont transmis leurs compétences et leur esthétique à au moins six générations jusqu'à nos jours. À une certaine époque, les érudits pensaient que les esclaves utilisaient parfois des blocs de courtepointe pour alerter les autres esclaves des plans d'évasion à l'époque du chemin de fer clandestin , mais la plupart des historiens ne sont pas d'accord. La courtepointe reste vivante comme forme d'expression artistique dans la communauté afro-américaine.

Reconstruction

Après la guerre civile, il est devenu de plus en plus acceptable pour les œuvres créées par les Afro-Américains d'être exposées dans les musées, et les peintres et sculpteurs ont de plus en plus produit des œuvres à cette fin. Il s'agissait principalement d'œuvres dans les traditions européennes romantiques et classiques de paysages et de portraits. Edward Mitchell Bannister , Henry Ossawa Tanner et Edmonia Lewis sont les plus notables de cette période. D'autres incluent Meta Vaux Warrick Fuller , une artiste féminine qui, comme Edmonia Lewis, était sculpteur, ainsi que Grafton Tyler Brown et Nelson A. Primus .

L'objectif d'une reconnaissance généralisée au-delà des frontières raciales a d'abord été assoupli dans les grandes villes américaines, notamment Philadelphie , Boston , Chicago , New York et la Nouvelle-Orléans . Même dans ces endroits, cependant, il y avait des restrictions discriminatoires . A l'étranger, cependant, les Afro-Américains étaient bien mieux reçus. En Europe - en particulier à Paris, en France - ces artistes étaient plus libres d'expérimenter des techniques en dehors de l'art occidental traditionnel. La liberté d'expression était beaucoup plus répandue à Paris et, dans une moindre mesure, à Munich et à Rome .

Art contemporain

Archibald Motley
Autoportrait, 1920
Autoportrait, 1933
Jacob Laurent
Jacob Lawrence a été reconnu à l'âge de 23 ans pour sa série de 60 panneaux "The Migration Series", décrivant la grande migration des Afro-Américains du sud rural vers le nord urbain. Le nom de ce panneau est "Douglass a plaidé contre les pauvres nègres quittant le Sud"
Portrait de Jacob Lawrence, 1941.

La Renaissance de Harlem

La Renaissance de Harlem fait référence à un énorme épanouissement de l'art afro-américain de toutes sortes, y compris l'art visuel. Des idées qui étaient déjà répandues dans d'autres parties du monde à l'époque avaient commencé à se répandre dans les communautés artistiques américaines au cours des années 1920. Les artistes notables de cette période comprenaient Richmond Barthé , Aaron Douglas , Lawrence Harris , Palmer Hayden , William H. Johnson , Sargent Johnson , John T. Biggers , Earle Wilton Richardson , Malvin Gray Johnson , Archibald Motley , Augusta Savage , Hale Woodruff et le photographe James Van Der Zee .

William E. Harmon, mécène et amateur d'art, a créé la Fondation Harmon en 1922, et elle a servi de mécène à grande échelle pour l'art afro-américain jusqu'en 1967, suscitant un intérêt et une reconnaissance pour des artistes qui seraient autrement restés inconnus. . Le prix Harmon et l'exposition annuelle « Exhibition of the Work of Negro Artists » ont également contribué au soutien, tout comme le prix de la Fondation William E. Harmon pour les réalisations distinguées parmi les nègres , qui, bien que non limité aux artistes visuels, a été décerné à plusieurs d'entre eux, dont Hale Woodruff , Palmer Hayden et Archibald Motley . En 1929, le financement a temporairement pris fin en raison de la Grande Dépression , pour reprendre le montage d'expositions et offrir un financement une fois que l'économie a relancé des artistes comme Jacob Lawrence , Laura Wheeler Waring et d'autres.

En 1933, le Département du Trésor américain de travaux publics du projet Art a tenté de fournir un soutien aux artistes en 1933, mais leurs efforts se sont révélés inefficaces. Le président Franklin D. Roosevelt a créé la Works Progress Administration (WPA) en 1935, et ce programme a réussi à fournir à tous les artistes américains, et en particulier aux artistes afro-américains, un moyen de gagner leur vie dans une économie dévastée. Au milieu des années 1930, plus de 250 000 Afro-Américains étaient impliqués dans la WPA, dont Jacob Lawrence , Gwendolyn Knight , le sculpteur William Artis ; le peintre et illustrateur de livres pour enfants Ernest Crichlow , le dessinateur et illustrateur Elton C. Fax , le photographe Marvin Smith , Dox Thrash , qui a inventé la méthode de gravure carborundum Mezzotint , les peintres Georgette Seabrooke et Elba Lightfoot , mieux connus pour leurs peintures murales de l'hôpital de Harlem ; le graveur de Chicago Eldzier Cortor ; et le célèbre artiste de l'Illinois Adrian Troy et bien d'autres. Beaucoup de ces artistes se sont retrouvés attirés par le mouvement de l'entre-deux-guerres connu sous le nom de réalisme social , qui reflétait les opinions politiques et socio-économiques d'une génération qui avait été enrôlée dans la Première Guerre mondiale, pour danser à travers les années 1920 et s'écraser dans la Grande Dépression.

Les villes importantes avec des populations noires importantes et d'importants cercles d'art afro-américains comprenaient Philadelphie, Boston, San Francisco et Washington, DC La WPA a conduit à une nouvelle vague d'importants professeurs d'art noir. Les techniques mixtes, l'art abstrait, le cubisme et le réalisme social sont devenus non seulement acceptables, mais souhaitables. Les artistes de la WPA se sont unis pour former la Harlem Artists Guild de 1935 , qui a développé des installations d'art communautaire dans les grandes villes. Les principales formes d'art comprenaient le dessin, la sculpture, la gravure, la peinture, la poterie, la courtepointe, le tissage et la photographie. En 1939, cependant, le coûteux WPA et ses projets ont tous pris fin. En 1943, James A. Porter , professeur au département d'art de l'université Howard , écrivit le premier texte majeur sur l'art et les artistes afro-américains, Modern Negro Art .

Milieu du siècle

Petit déjeuner du dimanche matin par Horace Pippin , 1943.
Romare Bearden , « Après l'église », sd

Dans les années 1950 et 1960, peu d'artistes afro-américains étaient largement connus ou acceptés. Malgré cela, The Highwaymen , une association lâche de 26 artistes afro-américains de Fort Pierce , en Floride , a créé des images idylliques, rapidement réalisées du paysage de la Floride et en a colporté quelque 200 000 dans le coffre de leurs voitures. Dans les années 1950 et 1960, il était impossible de trouver des galeries intéressées par la vente d'œuvres d'art d'un groupe d'Afro-américains inconnus et autodidactes. Ils vendaient donc leur art directement au public plutôt que par l'intermédiaire de galeries et d'agents artistiques. Redécouverts au milieu des années 1990, ils sont aujourd'hui reconnus comme une partie importante de l'histoire populaire américaine, et le prix actuel du marché pour une peinture originale de Highwaymen peut facilement rapporter des milliers de dollars. En 2004, le groupe original de 26 a été intronisé au Florida Artists Hall of Fame . Actuellement, huit des 26 sont décédés, dont A. Hair, H. Newton, Ellis et George Buckner, A. Moran, L. Roberts, Hezekiah Baker et, plus récemment, Johnny Daniels. La liste complète des 26 se trouve dans le Florida Artists Hall of Fame, ainsi que sur divers bandits de grand chemin et sites Web d'art de Floride.

Après la Seconde Guerre mondiale , certains artistes ont adopté une approche globale, travaillant et exposant à l'étranger, à Paris, et au fil de la décennie, se sont progressivement installés dans d'autres villes d'accueil telles que Copenhague, Amsterdam et Stockholm : Barbara Chase-Riboud , Edward Clark , Harvey Cropper , Beauford Delaney , Herbert Gentry , Bill Hutson , Clifford Jackson , Sam Middleton , Larry Potter, Haywood Bill Rivers , Merton Simpson et Walter Williams .

Certains artistes afro-américains sont entrés dans d'importantes galeries new-yorkaises dans les années 1950 et 1960 : Horace Pippin , Romare Bearden , Jacob Lawrence , William T. Williams , Norman Lewis , Thomas Sills et Sam Gilliam étaient parmi les rares à avoir réussi reçu dans un cadre de galerie. Le mouvement des droits civiques des années 1960 et 1970 a conduit les artistes à capturer et à exprimer les temps changeants. Des galeries et des centres d'art communautaires se sont développés dans le but d'exposer l'art afro-américain, et des postes d'enseignement collégial ont été créés par et pour des artistes afro-américains. Certaines femmes afro-américaines étaient également actives dans le mouvement artistique féministe dans les années 1970. Faith Ringgold a réalisé des œuvres mettant en vedette des femmes noires et traitant de la conjonction du racisme et du sexisme aux États-Unis, tandis que le collectif Where We At (WWA) a organisé des expositions mettant exclusivement en vedette les œuvres d'art de femmes afro-américaines.

Dans les années 1980 et 1990, les graffitis hip-hop ont commencé à prédominer dans les communautés urbaines. La plupart des grandes villes avaient développé des musées consacrés aux artistes afro-américains. Le National Endowment for the Arts a fourni un soutien croissant à ces artistes.

Fin 20e/début 21e siècle

Midnight Golfer par Eugene J. Martin , collage technique mixte sur papier chiffon, 1990.

Kara Walker , une artiste américaine contemporaine, est connue pour son exploration de la race, du genre, de la sexualité, de la violence et de l'identité dans ses œuvres. Les images de silhouette de Walker travaillent pour jeter un pont sur le folklore inachevé dans le sud d'Antebellum et rappellent les travaux antérieurs de Harriet Powers . Ses images cauchemardesques mais fantastiques incorporent une sensation cinématographique. En 2007, Walker figurait parmi les « 100 personnes, artistes et artistes les plus influents du monde » du Time Magazine . Les artistes textiles font partie de l'histoire de l'art afro-américain. Selon l'enquête de l'industrie 2010 Quilting in America, il y a 1,6 million de quilteuses aux États-Unis. Women of Visions, Inc., située à Pittsburgh, en Pennsylvanie, au Pittsburgh Center for the Arts, est une organisation historique à but non lucratif avec plusieurs membres qui sont des quilters et des artistes de la fibre . Les artistes de WOV Inc, passés et présents, travaillent dans une variété de médiums. Ceux qui ont montré à l'international incluent Renee Stout et Tina Williams Brewer .

Les artistes contemporains influents incluent Larry D. Alexander , Laylah Ali , Amalia Amaki , Emma Amos , Jean-Michel Basquiat , Dawoud Bey , Camille Billops , Mark Bradford , Edward Clark , Willie Cole , Robert Colescott , Louis Delsarte , David Driskell , Leonardo Drew , Mel Edwards , Ricardo Francis , Charles Gaines , Ellen Gallagher , Herbert Gentry , Sam Gilliam , David Hammons , Jerry Harris , Joseph Holston, Richard Hunt , Martha Jackson-Jarvis , Katie S. Mallory , M. Scott Johnson , Rashid Johnson , Joe Lewis , Glenn Ligon , James Little , Edward L. Loper Sr. , Alvin D. Loving , Kerry James Marshall , Eugene J. Martin , Richard Mayhew , Sam Middleton , Howard McCalebb , Charles McGill , Thaddeus Mosley , Sana Musasama , Senga Nengudi, Joe Overstreet , Martin Puryear , Adrian Piper , Howardena Pindell , Faith Ringgold , Gale Fulton Ross , Alison Saar , Betye Saar , John Solomon Sandridge , Raymond Saunders , John T. Scott , Joyce Scott , Gary Simmons , Lorna Simpson , Renee Stout , Kara Walker , Carrie Mae Weems , Stanley Whitney , William T. Williams , Jack Whitten , Fred Wilson , Richard Wyatt Jr. , Richard Yarde et Purvis Young , Kehinde Wiley , Mickalene Thomas , Barkley Hendricks , Jeff Sonhouse , William Walker , Ellsworth Ausby , Che Baraka , Emmett Wigglesworth , Otto Neals , Dindga McCannon , Terry Dixon (artiste) , Frederick J. Brown , et bien d'autres.

Galeries

L'art

Début afro-américain

(La sélection était limitée par la disponibilité.)

la renaissance d'Harlem

(La sélection était limitée par la disponibilité.)

Contemporain

(La sélection était limitée par la disponibilité.)

Les artistes

la renaissance d'Harlem

(La sélection était limitée par la disponibilité.)

Contemporain

(La sélection était limitée par la disponibilité.)

Collections d'art afro-américain

De nombreux musées américains détiennent des œuvres d'artistes afro-américains, y compris les collèges Smithsonian American Art Museum et les universités possédant d'importantes collections comprennent l'université Fisk , le Spelman College et l'université Howard . D'autres collections importantes d'art afro-américain comprennent la collection Walter O. Evans d'art afro-américain , les collections Paul R. Jones de l' Université du Delaware et de l' Université d'Alabama , la collection David C. Driskell Art, la collection Harmon et Harriet Kelley. of African American Art, le Schomburg Center for Research in Black Culture , le Studio Museum de Harlem et la collection Mott-Warsh .

Voir également

Les références

Sources

Liens externes