Contrebasse - Double bass

Contrebasse
AGK bass1 full.jpg
Vues latérale et frontale d'une contrebasse moderne avec un archet à la française
Instrument à cordes
Autres noms Contrebasse, contrebasse, contrebasse, contrebasse acoustique, contrebasse acoustique, contrebasse, contrebasse de viole, contrebasse de viole, contrebasse, contrebasse, violon taureau, contrebasse et contrebasse
Classification Instrument à cordes ( baissée ou pincées )
Classement Hornbostel-Sachs 321,322-71
(Composite cordophone sonné par un arc )
Développé 15e-19e siècle
Plage de jeu
Gamme contrebasse.png
Instruments connexes
Les musiciens
Extrait sonore
Échantillon d'une contrebasse jouant une ligne de basse ambulante.

La contrebasse , aussi connu simplement comme la basse (ou par d' autres noms ), est le plus grand et le plus bas en pente inclinée (ou pincées) instrument à cordes dans le moderne orchestre symphonique (excluant peu orthodoxes comme le octobasse ). De structure similaire au violoncelle, il a quatre, bien que parfois cinq, cordes.

La basse est un membre standard de l'orchestre section de cordes , ainsi que la bande de concert , et est présenté dans des concertos , solo et musique de chambre dans la musique classique occidentale . La basse est utilisée dans une gamme d'autres genres, tels que le jazz , le blues et le rock and roll des années 1950 , le rockabilly , le psychobilly , la musique country traditionnelle , le bluegrass , le tango et la musique folk .

La basse est un instrument de transposition et est généralement notée une octave plus haut que l'accordé pour éviter des lignes de registre excessives sous la portée. La contrebasse est le seul instrument moderne à cordes frottées qui est accordé en quartes (comme une guitare basse ou une viole ), plutôt qu'en quintes, avec des cordes généralement accordées en Mi 1 , A 1 , D 2 et G 2 .

La lignée exacte de l'instrument fait encore l'objet d'un débat, les chercheurs étant divisés sur la question de savoir si la basse est dérivée de la viole ou de la famille des violons .

La contrebasse se joue avec un archet (arco), ou en pinçant les cordes ( pizzicato ), ou via une variété de techniques étendues . Dans le répertoire orchestral et la musique de tango, l'arco et le pizzicato sont utilisés. Dans le jazz, le blues et le rockabilly, le pizzicato est la norme. La musique classique et le jazz utilisent le son naturel produit acoustiquement par l'instrument, tout comme le bluegrass traditionnel . Dans le funk, le blues, le reggae et les genres apparentés, la contrebasse est souvent amplifiée .

La description

Ellen Andrea Wang se produit au festival de jazz d'Oslo

La contrebasse mesure environ 180 cm (6 pieds) du rouleau à l'extrémité. Cependant, d' autres tailles sont disponibles, comme un 1 / 2 ou 3 / 4 , qui servent à accueillir la hauteur et la taille main d'un joueur. Ces tailles ne reflètent pas la taille par rapport à une taille normale, ou 44 basse; un 1 / 2 basses sont pas la moitié de la longueur d'un 4 / 4 bar, mais est seulement d' environ 15% plus petit. Il est généralement construit à partir de plusieurs types de bois, dont l'érable pour le dos, l'épicéa pour la table et l'ébène pour la touche. Il n'est pas certain que l'instrument soit un descendant de la viole de gambe ou du violon, mais il est traditionnellement aligné avec la famille des violons. Alors que la contrebasse est presque identique dans sa construction à d'autres instruments de la famille des violons, elle incarne également des caractéristiques trouvées dans l'ancienne famille des violes .

Les notes des cordes à vide sont E 1 , A 1 , D 2 et G 2 , les mêmes qu'une guitare basse acoustique ou électrique . Cependant, la résonance du bois, combinée à la construction en forme de violon et à la grande longueur d'échelle donne à la contrebasse un son beaucoup plus riche que la guitare basse, en plus de la possibilité d'utiliser un archet, tandis que la touche sans frette accueille des glissandos lisses et legatos .

Le style de jeu

Comme les autres violons et instruments à cordes de la famille des violes, la contrebasse se joue soit avec un archet (arco) soit en pinçant les cordes ( pizzicato ). Lorsqu'il utilise un arc, le joueur peut soit l'utiliser de manière traditionnelle, soit frapper le bois de l'arc contre la corde. Dans le répertoire orchestral et la musique de tango, l'arco et le pizzicato sont utilisés. Dans le jazz, le blues et le rockabilly, le pizzicato est la norme, à l'exception de certains solos et de certaines parties écrites occasionnelles du jazz moderne qui nécessitent l'archet.

Dans la pédagogie classique, presque tout l'accent est mis sur la performance avec l'archet et la production d'un bon son d'archet ; il y a peu de travail fait sur le développement de compétences pizzicato significatives. Les notes frottées dans le registre le plus grave de l'instrument produisent un effet sombre, lourd, puissant, voire menaçant, lorsqu'elles sont jouées avec une dynamique fortissimo ; cependant, les mêmes notes basses jouées avec un pianissimo délicat peuvent créer une ligne d'accompagnement sonore et moelleuse. Les élèves de basse classique apprennent toutes les différentes articulations d'archet utilisées par d'autres joueurs de la section des cordes (par exemple, le violon et le violoncelle ), telles que détaché , legato , staccato , sforzato , martelé ( style "martelé"), sul ponticello , sul tasto , tremolo , spiccato et sautillé . Certaines de ces articulations peuvent être combinées ; par exemple, la combinaison de sul ponticello et de trémolo peut produire des sons étranges et fantomatiques. Les bassistes classiques jouent des parties de pizzicato en orchestre, mais ces parties nécessitent généralement des notes simples (noires, blanches, notes entières), plutôt que des passages rapides.

La contrebasse est un instrument standard dans les groupes de bluegrass.

Les joueurs classiques exécutent à la fois des notes à archet et des notes pizz en utilisant le vibrato , un effet créé en berçant ou en faisant trembler le doigt de la main gauche qui entre en contact avec la corde, qui transfère ensuite une ondulation de hauteur au ton. Le vibrato est utilisé pour ajouter de l'expression au jeu des cordes. En général, les passages très forts et de registre grave sont joués avec peu ou pas de vibrato, car l'objectif principal avec des hauteurs basses est de fournir une basse fondamentale claire pour la section des cordes . Les mélodies de registre moyen et supérieur sont généralement jouées avec plus de vibrato. La vitesse et l'intensité du vibrato sont variées par l'interprète pour un effet émotionnel et musical.

Dans le jazz , le rockabilly et d'autres genres apparentés, l'accent est mis en grande partie ou en totalité sur le jeu du pizzicato. Dans le jazz et le jump blues , les bassistes doivent jouer des lignes de basse rapides en pizzicato pendant de longues périodes. Les bassistes de jazz et de rockabilly développent des techniques de pizzicato virtuoses qui leur permettent de jouer des solos rapides qui incorporent des triolets rapides et des doubles croches. Les lignes de basse pizzicato interprétées par les plus grands professionnels du jazz sont beaucoup plus difficiles que les lignes de basse pizzicato que les bassistes classiques rencontrent dans la littérature orchestrale standard, qui sont généralement des notes entières, des demi-notes, des noires et des passages occasionnels de croches. Dans le jazz et les styles connexes, les bassistes ajoutent souvent des « notes fantômes » semi-percussives dans les lignes de basse, pour ajouter à la sensation rythmique et pour ajouter des remplissages à une ligne de basse.

Le contrebassiste se tient debout ou assis sur un tabouret haut et appuie l'instrument contre son corps, légèrement tourné vers l'intérieur pour mettre les cordes à portée de main. Cette position est l'une des principales raisons des épaules inclinées de la basse, qui la distinguent des autres membres de la famille des violons - les épaules plus étroites facilitent le jeu des cordes dans leurs registres supérieurs.

Histoire

Certaines des premières basses étaient des conversions de violones existants. Ce tableau de 1640 montre un violone joué.

La contrebasse est généralement considérée comme un descendant moderne de la famille des instruments à cordes originaires d'Europe au XVe siècle et, en tant que telle, a été décrite comme un violon basse. Avant le 20e siècle, de nombreuses contrebasses n'avaient que trois cordes, contrairement aux cinq à six cordes typiques des instruments de la famille des violes ou aux quatre cordes des instruments de la famille des violons. Les proportions de la contrebasse sont différentes de celles du violon et du violoncelle ; par exemple, il est plus profond (la distance d'avant en arrière est proportionnellement beaucoup plus grande que le violon). De plus, alors que le violon a des épaules bombées, la plupart des contrebasses ont des épaules sculptées avec une pente plus aiguë, comme les membres de la famille des violes. De nombreuses contrebasses très anciennes ont eu les épaules coupées ou inclinées pour faciliter le jeu avec les techniques modernes. Avant ces modifications, la conception de leurs épaules était plus proche des instruments de la famille des violons.

La contrebasse est le seul instrument moderne à cordes frottées qui est accordé en quartes (comme une viole), plutôt qu'en quintes (voir Accord ci-dessous). La lignée exacte de l'instrument est encore un sujet de débat, et la supposition que la contrebasse est un descendant direct de la famille des violes n'a pas été entièrement résolue.

Dans son A New History of the Double Bass , Paul Brun affirme que la contrebasse a pour origine la véritable basse de la famille du violon . Il déclare que, tandis que l'extérieur de la contrebasse peut ressembler à la viole de gambe, la construction interne de la contrebasse est presque identique aux instruments de la famille des violons et très différente de la structure interne des violes.

Le professeur de contrebasse Larry Hurst soutient que « la contrebasse moderne n'est pas un véritable membre de la famille du violon ou de la viole ». Il dit que "sa première forme générale était probablement celle d'un violone, le plus grand membre de la famille des violes. Certaines des premières basses existantes sont des violones (y compris des rosaces en forme de C) qui ont été équipées de pièges modernes." Certains instruments existants, tels que ceux de Gasparo da Salò , ont été convertis à partir de violons de contrebasse à six cordes du XVIe siècle .

Terminologie

Le bassiste de jazz Ron Carter en photo jouant avec son quatuor à "Altes Pfandhaus" à Cologne

Une personne qui joue de cet instrument est appelée « bassiste », « contrebassiste », « contrebassiste », « contrebassiste », « contrebassiste » ou « bassiste ». Les noms contrebasse et contrebasse font référence à la tessiture de l'instrument et utilisent une octave plus bas que le violoncelle (c'est-à-dire doublant au violoncelle). Les termes pour l'instrument parmi les interprètes classiques sont contrebasse (qui vient du nom italien de l'instrument, contrabbasso), basse à cordes (pour la distinguer des instruments de basse en cuivre dans un orchestre d'harmonie , comme les tubas ), ou simplement basse .

Dans le jazz , le blues , le rockabilly et d'autres genres en dehors de la musique classique, cet instrument est communément appelé contrebasse , contrebasse ou basse acoustique pour le distinguer de la guitare basse (généralement électrique) . Dans la musique folk et bluegrass , l'instrument est également appelé "basse violon" ou "basse violon" (ou plus rarement "doghouse bass" ou "bull fiddle"). En tant que membre de la famille des violons, la construction de la contrebasse est assez différente de celle de la guitare basse acoustique , car cette dernière est un dérivé de la guitare basse électrique, et généralement construite comme une variante plus grande et plus robuste de une guitare acoustique .

La contrebasse est parfois appelée de manière confuse le violone , la basse de viole ou la basse de viole . D'autres noms ou surnoms colorés se trouvent dans d'autres langues. En hongrois, la contrebasse s'appelle nagybőgő , ce qui se traduit approximativement par « grand crieur », en référence à sa grande voix. Au Brésil, plus précisément dans la région du nord-est, on l'appelle aussi rabecão , ce qui signifie « grand rabeca ». La rabeca (ou rabeca chuleira) est un type de violon du nord-est du Brésil et du nord du Portugal utilisé dans la musique forró brésilienne. La rabeca descend du rebec médiéval .

Concevoir

Exemple de contrebasse en forme de Busetto : remake d'un Matthias Klotz (1700) de Rumano Solano
Parties principales de la contrebasse

En général, il existe deux approches principales pour la forme du contour de conception de la contrebasse : la forme du violon (montrée dans l'image étiquetée dans la section de construction) ; et la forme de viole de gambe (montrée dans l'image d'en-tête de cet article). Un troisième design moins courant, appelé forme busetto , peut également être trouvé, tout comme la forme encore plus rare de guitare ou de poire . Le dos de l'instrument peut varier d'un dos rond et sculpté semblable à celui du violon à un dos plat et incliné semblable à la famille des violes.

La contrebasse comporte de nombreuses pièces similaires aux membres de la famille des violons, notamment un chevalet en bois sculpté pour soutenir les cordes, deux trous en f , un cordier dans lequel les extrémités sphériques des cordes sont insérées (avec le cordier ancré autour la pique de montage), une plante ornementale défilement à proximité du chevillier, un écrou avec des rainures pour chaque chaîne à la jonction de la touche et le chevillier et un solide, épaisse après son , qui transmet les vibrations à partir de la partie supérieure de l'instrument au corps creux et supporte la pression de la tension de la corde. Contrairement au reste de la famille du violon, la contrebasse reflète encore les influences de, et peut être considéré comme dérivé en partie, de la violes famille d'instruments, en particulier le violone , le plus aigu et le plus grand membre de basse de la famille des violes. Par exemple, la basse est accordée en quartes, comme une viole, plutôt qu'en quintes, ce qui est la norme dans le groupe de violons. Notez également que les «épaules» rencontrent le manche dans une courbe, plutôt que l'angle aigu observé parmi les violons. Comme avec les autres instruments de la famille des violons et des violes qui sont joués avec un archet (et contrairement aux instruments principalement pincés ou cueillis comme la guitare), le chevalet de la contrebasse a une forme incurvée en forme d'arc. Ceci est fait car avec les instruments à archet, le joueur doit être capable de jouer des cordes individuelles. Si la contrebasse avait un chevalet plat, il serait impossible d'incliner les cordes A et D individuellement.

La contrebasse diffère également des membres de la famille des violons en ce que les épaules sont généralement inclinées et le dos est souvent incliné (à la fois pour permettre un accès plus facile à l'instrument, en particulier dans la gamme supérieure). Les accordeurs mécaniques sont toujours installés, contrairement au reste de la famille des violons, où les chevilles à friction traditionnelles en bois sont toujours le principal moyen d'accordage. Le manque de standardisation dans la conception signifie qu'une contrebasse peut sonner et être très différente d'une autre.

Construction

La contrebasse est la plus proche dans la construction des violons, mais a quelques similitudes notables avec le violone ("grande viole"), le membre le plus grand et le plus grave de la famille des violes. Contrairement au violone, cependant, la touche de la contrebasse n'est pas frettée et la contrebasse a moins de cordes (le violone, comme la plupart des violes, avait généralement six cordes, bien que certains spécimens en aient cinq ou quatre). La touche est en ébène sur des instruments de haute qualité ; sur des instruments d'étudiants moins chers, d'autres bois peuvent être utilisés puis peints ou teints en noir (un processus appelé « ébonisation »). La touche est arrondie à l'aide d'une courbe, pour la même raison que le chevalet est courbé : si la touche et le chevalet étaient plats, un bassiste ne serait pas en mesure d'incliner les deux cordes intérieures individuellement. En utilisant un chevalet incurvé et une touche incurvée, le bassiste peut aligner l'archet avec l'une des quatre cordes et les jouer individuellement. Contrairement au violon et à l'alto, mais comme le violoncelle, la touche de la basse est quelque peu aplatie sous la corde de mi (la corde de do du violoncelle), c'est ce qu'on appelle communément un biseau de Romberg . La grande majorité des touches ne peuvent pas être ajustées par l'interprète ; tout ajustement doit être effectué par un luthier. Un très petit nombre de basses chères pour les professionnels ont des touches réglables, dans lesquelles un mécanisme à vis peut être utilisé pour augmenter ou abaisser la hauteur de la touche.

Une distinction importante entre la contrebasse et les autres membres de la famille du violon est la construction de la boîte à chevilles et le mécanisme d'accord. Alors que le violon, l' alto et le violoncelle utilisent tous des chevilles à friction pour les réglages d'accord (serrer et desserrer la tension des cordes pour élever ou abaisser la hauteur de la corde), la contrebasse a des mécaniques et des engrenages en métal . L'un des défis avec les chevilles de réglage est que le frottement entre la cheville en bois et le trou de la cheville peut devenir insuffisant pour maintenir la cheville en place, en particulier si le trou de la cheville s'use et s'agrandit. La clé de l'accordeur d'une contrebasse fait tourner une vis sans fin en métal , qui entraîne un engrenage à vis sans fin qui enroule la corde. Tourner la clé dans un sens tend la corde (augmentant ainsi sa hauteur) ; tourner la clé dans le sens opposé réduit la tension sur la corde (baissant ainsi sa hauteur). Bien que ce développement rende inutiles les accordeurs fins sur le cordier (important pour les joueurs de violon, d'alto et de violoncelle, car leurs instruments utilisent des chevilles à friction pour les réglages majeurs de la hauteur), un très petit nombre de bassistes les utilisent néanmoins. L'une des raisons d'utiliser des accordeurs fins à la basse est que pour les instruments avec l'extension C faible, le système de poulie pour la corde longue peut ne pas transférer efficacement les tours de clé en changements de tension/hauteur de la corde. À la base de la contrebasse se trouve une tige de métal avec une extrémité à pointes ou caoutchoutée appelée la goupille d'extrémité, qui repose sur le sol. Cette pointe est généralement plus épaisse et plus robuste que celle d'un violoncelle, en raison de la masse plus importante de l'instrument.

Les matériaux les plus souvent utilisés dans la construction de contrebasse pour les basses entièrement sculptées (le type utilisé par les bassistes et les solistes d'orchestre professionnels) sont l' érable (dos, manche, côtes), l' épicéa ( table) et l' ébène (touche, cordier). Le cordier peut être fabriqué à partir d'autres types de bois ou de matériaux non ligneux. Les basses moins chères sont généralement construites avec des dessus, des dos et des nervures stratifiés ( contreplaqué ), ou sont des modèles hybrides produits avec des dos et des côtés stratifiés et des dessus en bois massif sculpté. Certaines basses de prix inférieur à moyen de l'ère 2010 sont en saule , les modèles étudiants construits en fibre de verre ont été produits au milieu du 20e siècle et certaines basses (généralement assez chères) ont été construites en fibre de carbone .

Cette photo montre le poste de son épais sur une contrebasse (cerclé en vert).

Les basses stratifiées (contreplaqué), qui sont largement utilisées dans les écoles de musique, les orchestres de jeunes et dans les contextes de musique populaire et folklorique (y compris le rockabilly , le psychobilly , le blues , etc.), sont très résistantes à l'humidité et à la chaleur, ainsi qu'aux abus physiques ils sont susceptibles de se rencontrer dans un environnement scolaire (ou, pour les musiciens de blues et de folk, aux aléas des tournées et des représentations dans les bars). Une autre option est la basse à corps hybride, qui a un dos laminé et un plateau en bois sculpté ou massif. Elle est moins coûteuse et un peu moins fragile (du moins en ce qui concerne son dos) qu'une basse entièrement sculptée.

Le poste de son et la barre de basse sont des composants de la construction interne. Toutes les parties d'une contrebasse sont collées ensemble, à l'exception de la tige, du chevalet et du cordier, qui sont maintenus en place par la tension des cordes (bien que la tige reste généralement en place lorsque les cordes de l'instrument sont desserrées ou retirées, tant que la basse est maintenu sur le dos. Certains luthiers recommandent de ne changer qu'une corde à la fois pour réduire le risque de chute de la tige de son). Si le poteau tombe, un luthier est nécessaire pour remettre le poteau en place, car cela doit être fait avec des outils insérés dans les trous f ; de plus, le placement exact de la tige de son sous le chevalet est essentiel pour que l'instrument sonne au mieux. Les ponts de base sont sculptés dans une seule pièce de bois, qui est personnalisée pour correspondre à la forme du dessus de chaque instrument. Les ponts les moins chers sur les instruments d'étudiant peuvent être personnalisés simplement en ponçant les pieds pour correspondre à la forme du dessus de l'instrument. Un pont sur l'instrument d'un bassiste professionnel peut être richement sculpté par un luthier.

Les bassistes professionnels sont plus susceptibles d'avoir des ponts réglables, qui ont un mécanisme à vis en métal. Cela permet au bassiste d'augmenter ou d'abaisser la hauteur des cordes pour s'adapter aux changements d'humidité ou de température. Les mécaniques de réglage en métal sont fixées sur les côtés de la boîte à chevilles avec des vis en métal. Alors que les mécanismes d'accord diffèrent généralement des instruments à cordes d'orchestre plus aigus, certaines basses ont des chevilles ornementales non fonctionnelles faisant saillie sur le côté de la boîte à chevilles, à l'imitation des chevilles d'un violoncelle ou d'un violon.

Les fabricants de contrebasse célèbres viennent du monde entier et représentent souvent des caractéristiques nationales variées. Les instruments les plus recherchés (et les plus chers) viennent d'Italie et comprennent les basses de Giovanni Paolo Maggini , Gasparo da Salò , la famille Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Paulo Antonio), Celestino Puolotti et Matteo Goffriller . Les basses françaises et anglaises de fabricants renommés sont également recherchées par les joueurs.

Instruments de voyage

À partir de 2010, plusieurs fabricants fabriquent des instruments de voyage, qui sont des contrebasses dont les caractéristiques réduisent la taille de l'instrument afin que l'instrument réponde aux exigences des voyages en avion. Les basses de voyage sont conçues pour les musiciens en tournée. Un type de basse de voyage a un corps beaucoup plus petit que la normale, tout en conservant toutes les caractéristiques nécessaires pour jouer. Bien que ces instruments à corps plus petit semblent similaires aux contrebasses électriques , la différence est que les basses de voyage à petit corps ont toujours une chambre acoustique creuse assez grande, tandis que de nombreux EUB sont à corps solide ou n'ont qu'une petite chambre creuse. Un deuxième type de basse de voyage a un manche articulé ou amovible et un corps de taille régulière. Le col articulé ou amovible rend l'instrument plus petit lorsqu'il est emballé pour le transport.

Cordes

Détail du chevalet et des cordes
Cordes en boyau

L'histoire de la contrebasse est étroitement liée au développement de la technologie des cordes, car c'est l'avènement des cordes en boyau surbobiné , qui a d'abord rendu l'instrument plus généralement praticable, car les cordes enroulées ou surenroulées atteignent des notes basses dans un diamètre global de corde plus petit que cordes non enroulées. Le professeur Larry Hurst soutient que « sans l'apparition de la corde en boyau surbobiné dans les années 1650, la contrebasse se serait sûrement éteinte ». parce que les épaisseurs nécessaires pour les cordes en boyau ordinaires rendaient les cordes graves presque injouables et entravaient le développement d'un jeu fluide et rapide dans le registre grave.

Avant le 20e siècle, les cordes de contrebasse étaient généralement faites de catgut ; cependant, l'acier l'a largement remplacé, car les cordes en acier tiennent mieux leur hauteur et donnent plus de volume lorsqu'elles sont jouées avec l'archet. Les cordes en boyau sont également plus vulnérables aux changements d'humidité et de température, et se cassent plus facilement que les cordes en acier.

Les cordes en boyau sont aujourd'hui principalement utilisées par les bassistes qui se produisent dans des ensembles baroques , des groupes de rockabilly , des groupes de blues traditionnels et des groupes de bluegrass . Dans certains cas, les bas E et A sont enroulés en argent, pour leur donner une masse supplémentaire. Les cordes en boyau fournissent le son sombre et "grossissant" entendu sur les enregistrements des années 1940 et 1950. Le regretté Jeff Sarli, un contrebassiste de blues, a déclaré que « à partir des années 1950, ils ont commencé à réinitialiser les manches des basses pour les cordes en acier ». Les bassistes de rockabilly et de bluegrass préfèrent également le boyau car il est beaucoup plus facile de jouer le style de contrebasse " slapping " (dans lequel les cordes sont frappées de manière percutante et cliquées contre la touche) avec des cordes en boyau qu'avec des cordes en acier, car le boyau ne fait pas mal au pincement les doigts autant. Les cordes en nylon sont une alternative moins coûteuse aux cordes en boyau ; les cordes les plus hautes sont en nylon pur et les cordes les plus basses sont en nylon enveloppé dans du fil, pour ajouter plus de masse à la corde, ralentir la vibration et ainsi faciliter les notes plus basses.

Le passage du boyau à l'acier a également affecté la technique de jeu de l'instrument au cours des cent dernières années. Les cordes en acier peuvent être placées plus près de la touche et, en outre, les cordes peuvent être jouées dans des positions plus élevées sur les cordes inférieures tout en produisant un son clair. La méthode classique de Franz Simandl du XIXe siècle n'utilise pas la corde de mi grave dans les positions les plus élevées, car les cordes en boyau plus anciennes, placées haut sur la touche, ne pouvaient pas produire un son clair dans ces positions plus élevées. Cependant, avec les cordes en acier modernes, les bassistes peuvent jouer avec un son clair dans des positions plus élevées sur les cordes de mi grave et de la, en particulier lorsqu'ils utilisent des cordes en acier modernes de calibre plus léger et de tension plus faible.

Arcs

L' archet de contrebasse se présente sous deux formes distinctes (illustrées ci-dessous). L'archet « français » ou « en surplomb » est similaire dans sa forme et sa mise en œuvre à l'archet utilisé sur les autres membres de la famille des instruments à cordes d'orchestre, tandis que l'archet « allemand » ou « majordome » est généralement plus large et plus court, et est tenu en une position de « poignée de main » (ou « scie à métaux »).

Comparaison des arcs français (supérieur) et allemand

Ces deux archets offrent différentes manières de déplacer le bras et de répartir la force et le poids sur les cordes. Les partisans de l'arc français soutiennent qu'il est plus maniable, en raison de l'angle auquel le joueur tient l'arc. Les partisans de l'arc allemand prétendent qu'il permet au joueur d'appliquer plus de poids de bras sur les cordes. Les différences entre les deux, cependant, sont infimes pour un joueur compétent, et les joueurs modernes des grands orchestres utilisent les deux archets.

arc allemand

Arc à l'allemande

L'arc allemand (parfois appelé arc Butler) est le plus ancien des deux modèles. La conception de l'archet et la manière de le tenir descendent de l'ancienne famille des violes. Avec les violes plus anciennes, avant que les grenouilles n'aient des filets de vis pour serrer l'arc, les joueurs tenaient l'arc avec deux doigts entre le bâton et les cheveux pour maintenir la tension des cheveux. Les partisans de l'utilisation de l'arc allemand affirment que l'arc allemand est plus facile à utiliser pour les coups lourds qui nécessitent beaucoup de puissance.

Par rapport à l'arc français, l'arc allemand a une grenouille plus haute, et le joueur la tient avec la paume inclinée vers le haut, comme avec les membres droits de la famille des violes . Lorsqu'il est tenu de la manière traditionnellement correcte, le pouce applique la puissance nécessaire pour générer le son souhaité. L'index rencontre l'arc au point où la grenouille rencontre le bâton. L'index applique également un couple vers le haut à la grenouille lors de l'inclinaison de l'arc. L'auriculaire (ou « pinky ») soutient la grenouille par le dessous, tandis que l'annulaire et le majeur reposent dans l'espace entre le poil et la hampe.

Arc français

Arc à la française

L'arc français n'était pas très populaire jusqu'à son adoption par le virtuose du XIXe siècle Giovanni Bottesini . Ce style est plus similaire aux archets traditionnels des plus petits instruments de la famille des cordes. Il est tenu comme si la main reposait à côté de l'interprète avec la paume tournée vers la basse. Le pouce repose sur le manche de l'arc, à côté de la grenouille tandis que les autres doigts se drapent de l'autre côté de l'arc. Divers styles dictent la courbe des doigts et du pouce, tout comme le style de la pièce; une courbe plus prononcée et une prise plus légère sur l'archet sont utilisées pour les pièces virtuoses ou plus délicates, tandis qu'une courbe plus plate et une prise plus solide sur l'archet sacrifient une certaine puissance pour un contrôle plus facile dans les coups tels que détaché, spiccato et staccato.

Un bassiste tenant un archet français ; notez comment le pouce repose sur le manche de l'arc à côté de la grenouille.

Construction et matériaux de l'arc

Les archets de contrebasse varient en longueur, allant de 60 à 75 cm (24-30 in). En général, un archet de basse est plus court et plus lourd qu'un archet de violoncelle. Le pernambouc , également connu sous le nom de bois de Brésil, est considéré comme un matériau de bâton d'excellente qualité, mais en raison de sa rareté et de son coût, d'autres matériaux sont de plus en plus utilisés. Les arcs étudiants bon marché peuvent être construits en fibre de verre solide , ce qui rend l'arc beaucoup plus léger qu'un arc en bois (même trop léger pour produire un bon son, dans certains cas). Les archets d'étudiant peuvent également être fabriqués à partir des variétés de bois du Brésil de moindre valeur. Le bois d'amourette et la fibre de carbone sont également utilisés dans des arcs de différentes qualités. La grenouille de l' archet de contrebasse est généralement en ébène , bien que l' amourette et la corne de buffle soient utilisés par certains luthiers . La grenouille est mobile, car elle peut être serrée ou desserrée avec un bouton (comme tous les archets de la famille des violons). L'arc est desserré à la fin d'une séance d'entraînement ou d'une performance. L'arc est tendu avant de jouer, jusqu'à ce qu'il atteigne une tension qui est préférée par le joueur. La grenouille sur un arc de qualité est décorée d' incrustations de nacre .

Les arcs ont un emballage en cuir sur la partie en bois de l'arc près de la grenouille. En plus de l'emballage en cuir, il existe également un emballage en fil, en or ou en argent dans des arcs de qualité. Le poil est généralement du crin de cheval . Une partie de l'entretien régulier d'un arc consiste à faire "répiler" l'arc par un luthier avec du crin frais et à remplacer le cuir et l'emballage en fil de fer. L'arc de contrebasse est enfilé avec du crin de cheval blanc ou noir, ou une combinaison des deux (connue sous le nom de "sel et poivre"), par opposition au crin de cheval blanc habituel utilisé sur les arcs d'autres instruments à cordes. Certains bassistes soutiennent que les cheveux noirs légèrement plus rugueux « attrapent » mieux les cordes les plus lourdes et les plus basses. De plus, certains bassistes et luthiers pensent qu'il est plus facile de produire un son plus doux avec la variété blanche. Les cheveux roux (châtain) sont également utilisés par certains bassistes. Certains des arcs étudiants les moins chers et les moins chers sont fabriqués avec des cheveux synthétiques. Les cheveux synthétiques n'ont pas les minuscules « barbes » que le vrai crin de cheval a, ils n'agrippent donc pas bien la ficelle et n'absorbent pas bien la colophane.

Colophane

Une variété de types de colophane

Les joueurs de cordes appliquent de la colophane sur les cheveux de l'arc afin qu'elle « agrippe » la corde et la fasse vibrer. La colophane de contrebasse est généralement plus douce et plus collante que la colophane de violon pour permettre aux cheveux de mieux saisir les cordes plus épaisses, mais les joueurs utilisent une grande variété de colophanes qui varient d'assez dures (comme la colophane de violon) à assez douces, selon le temps, le l'humidité et la préférence du joueur. La quantité utilisée dépend généralement du type de musique jouée ainsi que des préférences personnelles du joueur. Les bassistes peuvent appliquer plus de colophane dans les œuvres pour grand orchestre (par exemple, les symphonies de Brahms) que pour les œuvres de chambre délicates. Certaines marques de colophane, telles que Wiedoeft ou la colophane pour contrebasse de Pop, sont plus douces et plus susceptibles de fondre par temps chaud. D'autres marques, telles que la colophane pour contrebasse Carlsson ou Nyman Harts, sont plus dures et moins sujettes à la fonte.

Mécanisme de production sonore

En raison de leurs diamètres relativement petits, les cordes elles-mêmes ne déplacent pas beaucoup d'air et ne peuvent donc pas produire beaucoup de son par elles-mêmes. L'énergie vibratoire des cordes doit en quelque sorte être transférée à l'air ambiant. Pour ce faire, les cordes font vibrer le chevalet et celui-ci fait vibrer à son tour la surface supérieure. De très petites amplitudes mais des variations de force relativement importantes (dues à la variation cyclique de la tension dans la corde vibrante) au chevalet sont transformées en plus grandes amplitudes par la combinaison du chevalet et du corps de la basse. Le chevalet transforme les vibrations de force élevée et de faible amplitude en vibrations de force plus faible et d'amplitude plus élevée sur le dessus du corps de la basse. Le dessus est relié au dos au moyen d'un poteau sonore, de sorte que le dos vibre également. L'avant et l'arrière transmettent les vibrations à l'air et agissent pour faire correspondre l'impédance de la corde vibrante à l' impédance acoustique de l'air.

Mécanisme spécifique de production de sons et de sons

Étant donné que la basse acoustique est un instrument non fretté, toute vibration des cordes due au pincement ou à l'archet provoquera un son audible en raison des vibrations des cordes contre la touche près de la position des doigts. Ce son de bus donne à la note son caractère.

Terrain

La clé de basse (ou F) est utilisée pour la plupart des musiques de contrebasse.

La note la plus basse d'une contrebasse est un Mi 1 (sur les basses à quatre cordes standard) à environ 41 Hz ou un Do 1 (≈33 Hz), ou parfois B 0 (≈31 Hz), lorsque cinq cordes sont utilisées. C'est à environ une octave au-dessus de la fréquence la plus basse que l'oreille humaine moyenne peut percevoir comme un ton distinctif. Le haut de la plage de la touche de l'instrument est généralement proche de D 5 , deux octaves et une quinte au-dessus de la hauteur libre de la corde de sol (G 2 ), comme le montre l'illustration de la plage située en tête de cet article. Jouer au-delà de l'extrémité de la touche peut être accompli en tirant légèrement la corde sur le côté.

Les parties de la symphonie de contrebasse indiquent parfois que l'interprète doit jouer des harmoniques (également appelées tons flageolets ), dans lesquelles le bassiste touche légèrement la corde - sans la presser sur la touche de la manière habituelle - à l'emplacement d'une note, puis pince ou s'incline. la note. Les harmoniques frottées sont utilisées dans la musique contemporaine pour leur son « vitreux ». Les harmoniques naturelles et les harmoniques artificielles , où le pouce arrête la note et l'octave ou une autre harmonique est activée en touchant légèrement la corde au point de nœud relatif, étendent considérablement la gamme de l'instrument. Les harmoniques naturelles et artificielles sont utilisées dans de nombreux concertos virtuoses pour contrebasse.

Les parties orchestrales du répertoire classique standard exigent rarement que la contrebasse dépasse une gamme de deux octaves et une tierce mineure, de mi 1 à sol 3 , avec occasionnellement des la 3 apparaissant dans le répertoire standard (une exception à cette règle est Carmina Burana d'Orff , qui demande trois octaves et une quarte parfaite). La limite supérieure de cette gamme est étendue beaucoup pour 20th- et 21e siècle parties d' orchestre (par exemple, Prokofiev de Lieutenant Kijé Suite ( c. 1933) solo de basse, qui appelle à des notes aussi élevées que D 4 et E 4 ). La gamme supérieure qu'un joueur solo virtuose peut atteindre en utilisant des harmoniques naturelles et artificielles est difficile à définir, car elle dépend de l'habileté du joueur particulier. L'illustration de l'harmonique élevée dans la gamme trouvée en tête de cet article peut être considérée comme représentative plutôt que normative.

Les instruments à cinq cordes ont une corde supplémentaire, généralement accordée sur un si grave en dessous de la corde de mi (B 0 ). En de rares occasions, une corde plus haute est ajoutée à la place, accordée au do au-dessus de la corde de sol (do 3 ). Les instruments à quatre cordes peuvent comporter l' extension C étendant la gamme de la corde E vers le bas jusqu'à C 1 (parfois B 0 ).

Traditionnellement, la contrebasse est un instrument de transposition . Étant donné qu'une grande partie de la gamme de la contrebasse se situe en dessous de la clé de fa standard , elle est notée une octave plus haut qu'elle ne sonne pour éviter d'avoir à utiliser des lignes de grand livre excessives sous la portée. Ainsi, lorsque les contrebassistes et les violoncellistes jouent à partir d'une partie combinée basse-violoncelle, comme c'est le cas dans de nombreuses symphonies de Mozart et de Haydn, ils joueront par octaves, avec les basses une octave en dessous des violoncelles. Cette transposition s'applique même lorsque les bassistes lisent le ténor et la clé de sol (qui sont utilisés dans le jeu en solo et dans certaines parties orchestrales). La clé de ténor est également utilisée par les compositeurs pour les parties de violoncelle et de cuivres graves. L'utilisation du ténor ou de la clé de sol évite les lignes de grand livre excessives au-dessus de la portée lors de la notation de la plage supérieure de l'instrument. D'autres traditions de notation existent. La musique solo italienne est généralement écrite à la hauteur tonale, et la "vieille" méthode allemande sonnait une octave en dessous où la notation sauf dans la clé de sol, où la musique était écrite à la hauteur tonale.

Réglage

Accordage régulier

Le contrebassiste Vivien Garry jouant un spectacle à New York en 1947

La contrebasse est généralement accordée en quartes , contrairement aux autres membres de la famille des cordes orchestrales , qui sont accordées en quintes (par exemple, les quatre cordes du violon sont, du plus grave au plus aigu : G–D–A– E). L'accord standard (du plus grave au plus aigu) pour la basse est E–A–D–G, à partir de E en dessous du deuxième Do grave ( hauteur de concert ). C'est le même que l'accordage standard d'une guitare basse et est une octave plus bas que les quatre cordes les plus basses d' un accordage de guitare standard . Avant le XIXe siècle, de nombreuses contrebasses n'avaient que trois cordes ; "Giovanni Bottesini (1821-1889) a favorisé l'instrument à trois cordes populaire en Italie à l'époque", parce que "l'instrument à trois cordes [était considéré comme] étant plus sonore". De nombreux groupes de cobla en Catalogne ont encore des joueurs utilisant des contrebasses traditionnelles à trois cordes accordées A–D–G.

Dans tout le répertoire classique , il y a des notes qui tombent en dessous de la gamme d'une contrebasse standard. Les notes en dessous du mi grave apparaissent régulièrement dans les parties de contrebasse trouvées dans les arrangements et interprétations ultérieurs de la musique baroque . À l' époque classique , la contrebasse doublait généralement la partie de violoncelle une octave en dessous, nécessitant parfois une descente au do en dessous du mi de la contrebasse à quatre cordes. À l' époque romantique et au XXe siècle, des compositeurs tels que Wagner , Mahler , Busoni et Prokofiev ont également demandé des notes en dessous du mi grave.

Il existe plusieurs méthodes pour mettre ces notes à la disposition du joueur. Les joueurs avec des contrebasses standard (E-A-D-G) peuvent jouer les notes en dessous de "E" une octave plus haut ou si cela semble maladroit, le passage entier peut être transposé d'une octave. Le joueur peut accorder la corde de mi grave jusqu'à la note la plus basse requise dans la pièce : ré ou do. Les basses à quatre cordes peuvent être équipées d'une "extension de do grave" ( voir ci-dessous ). Ou le joueur peut utiliser un instrument à cinq cordes, avec la corde inférieure supplémentaire accordée à C, ou (plus communément dans les temps modernes) B, trois octaves et un demi - ton en dessous du milieu C . Plusieurs grands orchestres européens utilisent des basses avec une cinquième corde.

rallongement C

Une extension de Do grave avec des « doigts » mécaniques en bois qui arrêtent la corde à Do , D, E ou E. Pour les passages orchestraux qui ne descendent que vers un mi grave, le « doigt » au sillet est généralement fermé.

En Grande-Bretagne, aux États-Unis, au Canada et en Australie, la plupart des musiciens d'orchestre professionnels utilisent des contrebasses à quatre cordes avec une extension C . Il s'agit d'une section supplémentaire de touche montée sur la tête de la basse. Il prolonge la touche sous la corde la plus basse et donne quatre demi-tons supplémentaires de plage descendante. La corde la plus basse est généralement réglée sur C 1 , une octave en dessous de la note la plus basse du violoncelle (car il est assez courant pour une partie de basse de doubler la partie de violoncelle une octave plus bas). Plus rarement cette chaîne peut être accordée à un faible B 0 , comme quelques œuvres dans l'appel répertoire orchestral pour un tel B, comme Respighi de The Pines de Rome . Dans de rares cas, certains joueurs ont une extension B basse, qui a B comme note la plus basse. Il existe plusieurs variétés d'extensions :

Dans les extensions mécaniques les plus simples, il n'y a pas d'aides mécaniques attachées à l'extension de la touche, à l'exception d'un écrou de blocage ou "gate" pour la note E. Pour jouer les notes d'extension, le joueur revient sur la zone sous le défilement pour appuyer la corde sur la touche. L'avantage de cette extension "à doigts" est que le joueur peut ajuster l'intonation de toutes les notes arrêtées sur l'extension, et il n'y a pas de bruits mécaniques provenant des touches et des leviers métalliques. L'inconvénient de l'extension "à doigts" est qu'il peut être difficile d'effectuer des alternances rapides entre les notes basses sur l'extension et les notes sur la touche normale, comme une ligne de basse qui alterne rapidement entre G 1 et D 1 .

Le type d'aide mécanique le plus simple est l'utilisation de « doigts » ou de « portes » en bois qui peuvent être fermés pour appuyer sur la corde et fretter les notes C , D, E ou E. Ce système est particulièrement utile pour les lignes de basse qui ont un point de pédale répétitif tel qu'un ré grave car une fois que la note est verrouillée en place avec le doigt mécanique, la corde la plus basse sonne une note différente lorsqu'elle est jouée ouverte.

L'aide mécanique la plus compliquée à utiliser avec les extensions est le système de levier mécanique surnommé la machine . Ce système de levier, qui ressemble superficiellement au mécanisme de détrompage des instruments à anches tels que le basson, monte des leviers à côté de la touche ordinaire (près de l'écrou, du côté de la corde de mi), qui activent à distance des "doigts" métalliques sur la touche d'extension. Les systèmes de levier en métal les plus chers donnent également au joueur la possibilité de "verrouiller" les notes sur la touche d'extension, comme avec le système de "doigt" en bois. Une critique de ces appareils est qu'ils peuvent entraîner des bruits de cliquetis métalliques indésirables.

Une fois qu'un "doigt" mécanique de l'extension "doigt" en bois ou de l'extension de machine "doigt" en métal est verrouillé ou enfoncé, il n'est pas facile d'effectuer des réglages de hauteur microtonale ou des effets de glissando , comme cela est possible avec une extension manuelle.

Alors que le type d'extension le plus courant est l'extension C, dans de rares cas, les propriétaires de basses à cinq cordes, dans lesquelles la corde la plus basse est normalement un si grave 0 , peuvent utiliser soit une extension à deux demi-tons, fournissant un la grave, soit le très rare extension basse G.

Autres variantes de réglage

Un petit nombre de bassistes accordent leurs cordes en quintes , comme un violoncelle mais une octave plus bas (Do 1 –G 1 –D 2 –A 2 grave à aigu). Cet accordage a été utilisé par le joueur de jazz Red Mitchell et est utilisé par certains musiciens classiques, notamment le bassiste canadien Joel Quarrington . Les partisans de l'accord de la basse en quintes soulignent que toutes les autres cordes de l'orchestre sont accordées en quintes (violon, alto et violoncelle), ce qui place la basse dans la même approche d'accord. Le cinquième accord fournit au bassiste une gamme de hauteurs plus large qu'une basse standard E-A-D-G, car il s'étend (sans extension) de C 1 à A 2 . Certains joueurs qui utilisent un accord de quintes qui jouent une basse à cinq cordes utilisent une corde supplémentaire de mi aigu 3 (ainsi, du plus bas au plus haut : C-G-D-A-E). Certains bassistes en cinquième accord qui n'ont qu'un instrument à quatre cordes et qui interprètent principalement des œuvres solistes utilisent l'accord G–D–A–E, omettant ainsi la corde de do grave mais obtenant un mi aigu. cordes utilisent un instrument à plus petite échelle, ce qui rend le doigté un peu plus facile. Le traité Berlioz-Strauss sur l'instrumentation (publié pour la première fois en 1844) déclare qu'« un bon orchestre doit avoir plusieurs contrebasses à quatre cordes, dont certaines sont accordées en quintes et tierces ». Le livre montre ensuite un accord de Mi 1 –G 1 –D 2 –A 2 ) de bas en haut de la corde. "Avec les autres contrebasses accordées en quartes, une combinaison de cordes à vide serait disponible, ce qui augmenterait considérablement la sonorité de l'orchestre." Cependant, une contrebasse à six cordes peut être accordée en quintes (Do 1 –G 1 –D 2 –A 2 –E 3 –B 3 ) qui est une gamme beaucoup plus large.

Dans le jeu classique en solo, la contrebasse est généralement accordée un ton entier plus haut (F 1 –B 1 –E 2 –A 2 ). Cet accord supérieur est appelé "accordage solo", tandis que l'accordage régulier est appelé "accordage d'orchestre". Les cordes d'accordage solo sont généralement plus fines que les cordes ordinaires. La tension des cordes diffère tellement entre l'accordage solo et l'accordage orchestral qu'un jeu de cordes différent est souvent utilisé avec un calibre plus léger. Les cordes sont toujours étiquetées pour un accordage solo ou orchestral et la musique solo publiée est arrangée pour un accordage solo ou orchestral. Certains solos et concertos populaires, tels que le Concerto de Koussevitsky, sont disponibles dans des arrangements d'accordage solo et orchestral. Les cordes d'accordage solo peuvent être réglées sur un ton pour jouer en hauteur d'orchestre, mais les cordes manquent souvent de projection dans l'accord d'orchestre et leur hauteur peut être instable.

Certains compositeurs contemporains spécifient des scordatura hautement spécialisées (changeant intentionnellement l'accord des cordes à vide). La modification de la hauteur des cordes à vide rend différentes notes disponibles sous forme de points de pédale et d'harmoniques. Berio , par exemple, demande au joueur d'accorder ses cordes Mi 1 –G 1 –D 2 –G 2 dans la Sequenza XIVb et Scelsi demande à la fois F 1 –A 1 –D 2 –E 2 et F 1 –A 1 – F 2 –E 2 à Nuits . Une variante et une forme beaucoup moins couramment utilisée d'accordage en solo utilisée dans certains pays d'Europe de l'Est est (A 1 -D 2 -G 2 -C 3 ), qui omet la corde de mi grave de l'accord d'orchestre et ajoute ensuite une corde de do aigu. Certains bassistes avec des basses à cinq cordes utilisent une corde C 3 élevée comme cinquième corde, au lieu d'une corde B 0 basse . L'ajout de la corde de do aigu facilite l'exécution du répertoire solo avec une tessiture élevée (gamme). Une autre option consiste à utiliser à la fois une extension de do bas (ou un si bas) et une chaîne de do élevé.

Cinq cordes

Lors du choix d'une basse avec une cinquième corde, le joueur peut décider entre ajouter une corde plus aiguë (une corde de do aigu) ou une corde plus grave (généralement un si grave). Les instruments à six cordes reviennent en popularité après de nombreuses mises à jour. Pour accueillir la cinquième corde supplémentaire, la touche est généralement légèrement élargie et le dessus légèrement plus épais, pour gérer la tension accrue. La plupart des basses à cinq cordes sont donc plus grandes qu'une basse à quatre cordes standard. Certains instruments à cinq cordes sont convertis en instruments à quatre cordes. Parce que ceux-ci n'ont pas de touches plus larges, certains joueurs les trouvent plus difficiles à doigter et à incliner. Les basses à quatre cordes converties nécessitent généralement une nouvelle table plus épaisse ou des cordes plus légères pour compenser la tension accrue.

Six cordes

La contrebasse à six cordes a à la fois un do aigu et un si grave, ce qui la rend très utile, et elle devient plus pratique après plusieurs mises à jour. Il est idéal pour jouer en solo et en orchestre car il a une gamme plus jouable. Beaucoup de gens y sont parvenus sur un violone à six cordes en l'encordant avec des cordes de contrebasse faisant l'accordage B 0 –E 1 –A 1 –D 2 –G 2 –C 3 .

Considérations relatives au jeu et aux performances

Position du corps et des mains

Le contrebassiste et compositeur français Renaud Garcia-Fons lors d'une représentation

Les contrebassistes sont debout ou assis pour jouer de l'instrument. La hauteur de l'instrument est réglée en ajustant la goupille d'extrémité de manière à ce que le joueur puisse atteindre les zones de jeu souhaitées des cordes avec l'archet ou la main pinçante. Les bassistes qui se tiennent debout et s'inclinent règlent parfois la quille en alignant le premier doigt dans la première ou la moitié de la position avec le niveau des yeux, bien qu'il y ait peu de normalisation à cet égard. Les joueurs assis utilisent généralement un tabouret de la hauteur de la longueur d'entrejambe du pantalon du joueur.

Traditionnellement, les contrebassistes se tenaient debout pour jouer en solo et s'asseyaient pour jouer dans l'orchestre ou la fosse d'opéra. Maintenant, il est inhabituel qu'un joueur soit également compétent dans les deux positions, de sorte que certains solistes s'assoient (comme Joel Quarrington , Jeff Bradetich , Thierry Barbé et d'autres) et certains bassistes d'orchestre se tiennent debout.

Lorsqu'il joue dans la plage supérieure de l'instrument (au-dessus de G 3 , le G en dessous du do central), le joueur déplace la main de derrière le manche et l'aplatit, en utilisant le côté du pouce pour appuyer sur la corde. Cette technique, également utilisée au violoncelle, est appelée position du pouce . En jouant en position de pouce, peu de musiciens utilisent le quatrième (petit) doigt, car il est généralement trop faible pour produire un son fiable (cela est également vrai pour les violoncellistes), bien que certains accords extrêmes ou techniques étendues, en particulier dans la musique contemporaine, puissent nécessiter Son usage.

Considérations physiques

Le style rockabilly peut être très exigeant pour la main pinçante, en raison de l'utilisation par le rockabilly du "claquement" sur la touche. Jouer à la basse peut être physiquement exigeant, car les cordes sont soumises à une tension relativement élevée. De plus, l'espace entre les notes sur la touche est grand, en raison de la longueur de la gamme et de l'espacement des cordes, de sorte que les joueurs doivent tenir leurs doigts écartés pour les notes dans les positions les plus basses et changer fréquemment de position pour jouer des lignes de basse. Comme pour tous les instruments à cordes non frettés , les interprètes doivent apprendre à placer leurs doigts avec précision pour produire la hauteur correcte. Pour les bassistes avec des bras plus courts ou des mains plus petites, les grands espaces entre les hauteurs peuvent présenter un défi important, en particulier dans la plage la plus basse, où les espaces entre les notes sont les plus grands. Cependant, l'utilisation accrue de techniques de jeu telles que la position du pouce et les modifications apportées à la basse, telles que l'utilisation de cordes de calibre plus léger à une tension inférieure, ont atténué la difficulté de jouer de l'instrument.

Les parties de basse ont relativement moins de passages rapides, de doubles arrêts ou de grands sauts de gamme. Ces parties sont généralement attribuées à la section de violoncelle, car le violoncelle est un instrument plus petit sur lequel ces techniques sont plus facilement exécutées.

Jusqu'aux années 1990, contrebasses taille des enfants ne sont pas largement disponibles, et la grande taille de la basse ont empêché les enfants de jouer l'instrument jusqu'à ce qu'ils ont grandi à une taille de hauteur et de la main qui leur a permis de jouer un 3 / 4 modèle -size (la taille la plus courante). À partir des années 1990, plus petit 1 / 2 , 1 / 4 , 1 / 8 , et même 1 / 16 instruments -sized sont devenus plus largement disponibles, les enfants pourraient être plus jeunes.

Le volume

Malgré la taille de l'instrument, il n'est pas aussi fort que beaucoup d'autres instruments, en raison de sa faible tonalité musicale . Dans un grand orchestre, généralement entre quatre et huit bassistes jouent la même ligne de basse à l'unisson pour produire suffisamment de volume. Dans les plus grands orchestres, les sections de basse peuvent avoir jusqu'à dix ou douze musiciens, mais les contraintes budgétaires modernes rendent les sections de basse aussi grandes inhabituelles.

Lors de l'écriture de passages en solo pour la basse en musique orchestrale ou de chambre, les compositeurs s'assurent généralement que l' orchestration est légère afin de ne pas obscurcir la basse. Alors que l'amplification est rarement utilisée dans la musique classique, dans certains cas où un soliste de basse interprète un concerto avec un orchestre complet, une amplification subtile appelée amélioration acoustique peut être utilisée. L'utilisation de microphones et d'amplificateurs dans un cadre classique a suscité un débat au sein de la communauté classique, car "... les puristes soutiennent que le son acoustique naturel des voix [classiques] [ou] des instruments dans une salle donnée ne doit pas être altéré".

Le bassiste de Psychobilly Jimbo Wallace sur scène avec le révérend Horton Heat ; A noter son gros bass stack composé d'un baffle 15 pouces, d'un quadruple baffle 10 pouces, et d'un ampli "tête".

Dans de nombreux genres, tels que le jazz et le blues , les joueurs utilisent l'amplification via un amplificateur spécialisé et des haut-parleurs. Un capteur piézoélectrique se connecte à l'amplificateur avec un câble de raccordement de 14 pouces. Les joueurs de bluegrass et de jazz utilisent généralement moins d'amplification que les joueurs de blues, de psychobilly ou de jam band . Dans ces derniers cas, un volume global élevé provenant d'autres amplificateurs et instruments peut provoquer un retour acoustique indésirable , un problème exacerbé par la grande surface et le volume intérieur de la basse. Le problème de larsen a conduit à des correctifs technologiques tels que des dispositifs électroniques d'élimination du Larsen (essentiellement un filtre coupe-bande automatisé qui identifie et réduit les fréquences où se produit le Larsen) et des instruments comme la contrebasse électrique , qui a des caractéristiques de jeu comme la contrebasse mais généralement peu ou pas de caisse de résonance. , ce qui rend les commentaires moins probables. Certains bassistes réduisent le problème de larsen en baissant leur volume sur scène ou en jouant plus loin des haut-parleurs de leur ampli de basse.

Dans le rockabilly et le psychobilly, frapper les cordes de manière percutante contre la touche est une partie importante du style de jeu de la basse. Étant donné que les micros piézoélectriques ne sont pas doués pour reproduire les sons des cordes frappées contre la touche, les bassistes de ces genres utilisent souvent à la fois des micros piézoélectriques (pour les basses graves) et un micro à condensateur miniature (pour capter les sons de frappe percussifs). Ces deux signaux sont mélangés à l'aide d'un simple mélangeur avant que le signal ne soit envoyé à l'ampli de basse.

Transport

La grande taille de la contrebasse et sa relative fragilité la rendent lourde à manipuler et à transporter. La plupart des bassistes utilisent des étuis souples, appelés sacs de transport , pour protéger l'instrument pendant le transport. Celles-ci vont des étuis minces et non rembourrés peu coûteux utilisés par les étudiants (qui ne protègent que contre les rayures et la pluie) aux versions épaisses rembourrées pour les joueurs professionnels, qui protègent également contre les chocs et les impacts. Certains bassistes portent leur archet dans un étui rigide ; les étuis pour basses plus chers ont une grande poche pour un étui à archet. Les joueurs peuvent également utiliser un petit chariot et des roues à broches d'extrémité pour déplacer la basse. Certains étuis rembourrés plus chers ont des roues attachées à l'étui. Une autre option trouvée dans les étuis rembourrés plus chers sont les sangles de sac à dos, pour faciliter le transport de l'instrument.

Flight-cases rigides pour contrebasses

Les flight cases rigides ont des intérieurs rembourrés et des extérieurs robustes en fibre de carbone , graphite , fibre de verre ou Kevlar . Le coût de bonnes valises rigides – plusieurs milliers de dollars américains – et les frais élevés des compagnies aériennes pour les expédier ont tendance à limiter leur utilisation aux professionnels du tourisme.

Accessoires

Une sourdine en bois fixée au chevalet de la basse pour assombrir le ton

Les contrebassistes utilisent divers accessoires pour les aider à jouer et à répéter. Trois types de sourdines sont utilisées dans la musique orchestrale : une sourdine en bois qui glisse sur le pont, une sourdine en caoutchouc qui se fixe au pont et un dispositif en fil avec des poids en laiton qui s'adapte sur le pont. Le joueur utilise la sourdine lorsque l'instruction italienne con sordino ("avec sourdine") apparaît dans la partie de basse, et la supprime en réponse à l'instruction senza sordino ("sans sourdine"). Avec la sourdine activée, le ton de la basse est plus calme, plus sombre et plus sombre. Les parties de basse à archet avec une sourdine peuvent avoir un ton nasal. Les joueurs utilisent un troisième type de sourdine, une lourde sourdine d'entraînement en caoutchouc, pour s'entraîner tranquillement sans déranger les autres (par exemple, dans une chambre d'hôtel).

Un carquois est un accessoire pour tenir l'arc. Il est souvent fait de cuir et se fixe au chevalet et au cordier à l'aide de liens ou de sangles. Il est utilisé pour tenir l'arc pendant qu'un joueur joue des parties de pizzicato.

Un éliminateur de tonalité de loup est utilisé pour réduire les vibrations sympathiques indésirables dans la partie d'une corde entre le chevalet et le cordier qui peuvent causer des problèmes de tonalité pour certaines notes. Il s'agit d'un tube en caoutchouc coupé sur le côté qui est utilisé avec un manchon métallique cylindrique qui a également une fente sur le côté. Le cylindre métallique a une vis et un écrou qui fixent l'appareil à la corde. Différents emplacements du cylindre le long de la corde influencent ou éliminent la fréquence à laquelle le son de loup se produit. Il s'agit essentiellement d'un atténuateur qui décale légèrement la fréquence naturelle de la corde (et/ou du corps de l'instrument) en réduisant la réverbération. Le ton de loup se produit parce que les cordes sous le chevalet résonnent parfois à des hauteurs proches des notes de la partie de jeu de la corde. Lorsque la note voulue fait vibrer la corde sous le pont de manière sympathique, une « note de loup » ou un « ton de loup » dissonant peut se produire. Dans certains cas, le ton du loup est suffisamment fort pour provoquer un son audible de « battement ». Le ton de loup se produit souvent avec la note G à la basse.

En orchestre, les instruments s'accordent sur un la joué par le hautboïste. En raison de l'écart de trois octaves entre l'accordage du hautboïste et la corde de la ouverte à la basse (par exemple, dans un orchestre qui s'accorde à 440 Hz , le hautboïste joue un la 4 à 440 Hz et le la 1 ouvert de la basse est de 55 Hz), il peut être difficile d'accorder la basse à l'oreille pendant la courte période pendant laquelle le hautboïste joue la note d'accord. Les violonistes, quant à eux, accordent leur corde de la à la même fréquence que la note d'accord du hautboïste. Il existe une méthode couramment utilisée pour accorder une contrebasse dans ce contexte en jouant l'harmonique A sur la corde D (qui n'est qu'une octave en dessous du hautbois A) puis en faisant correspondre les harmoniques des autres cordes. Cependant, cette méthode n'est pas infaillible, puisque les harmoniques de certaines basses ne sont pas parfaitement en accord avec les cordes à vide. Pour s'assurer que la basse est accordée, certains bassistes utilisent un accordeur électronique qui indique la hauteur sur un petit écran. Bassistes qui jouent dans des styles qui utilisent un ampli basse , comme le blues, le rockabilly, ou jazz, peuvent utiliser une pédale -format accordeur électronique, qui permet de couper le pick - up de la basse au cours du réglage.

Un support de contrebasse est utilisé pour maintenir l'instrument en place et le soulever de quelques centimètres du sol. Une grande variété de supports est disponible, et il n'y a pas de conception commune.

Répertoire classique

Solo fonctionne pour contrebasse

années 1700

La contrebasse en tant qu'instrument solo a connu une période de popularité au XVIIIe siècle et bon nombre des compositeurs les plus populaires de cette époque ont écrit des pièces pour la contrebasse. La contrebasse, alors souvent appelée Violone , utilisait des accords différents d'une région à l'autre. Le "réglage viennois" (A 1 -D 2 -F 2 -A 2 ) a été populaire, et dans certains cas , une cinquième corde ou même sixième chaîne a été ajoutée (F 1 -A 1 -D 2 -F 2 -A 2 ). La popularité de l'instrument est documentée dans la deuxième édition de Léopold Mozart de sa Violinschule, où il écrit « On peut produire des passages difficiles plus facilement avec le violone à cinq cordes, et j'ai entendu des performances exceptionnellement belles de concertos, trios, solos, etc. ."

Le virtuose de la basse italien Domenico Dragonetti a contribué à encourager les compositeurs à donner des parties plus difficiles pour son instrument.

Le premier concerto connu pour contrebasse a été écrit par Joseph Haydn c. 1763, et est présumé perdu dans un incendie à la bibliothèque d'Eisenstadt. Les plus anciens concertos connus sont ceux de Carl Ditters von Dittersdorf , qui a composé deux concertos pour contrebasse et une Sinfonia Concertante pour alto et contrebasse. Parmi les autres compositeurs qui ont écrit des concertos de cette période, citons Johann Baptist Vanhal , Franz Anton Hoffmeister (3 concertos), Leopold Kozeluch , Anton Zimmermann , Antonio Capuzzi , Wenzel Pichl (2 concertos) et Johannes Matthias Sperger (18 concertos). Alors que beaucoup de ces noms étaient des figures de proue du public musical de leur temps, ils sont généralement inconnus du public contemporain. Wolfgang Amadeus Mozart aria de concert de, Per Questa Bella Mano , K.612 pour la basse, la contrebasse obbligato et orchestre contient l' écriture impressionnante pour contrebasse solo de cette période. Il reste populaire parmi les chanteurs et les contrebassistes aujourd'hui.

La contrebasse a finalement évolué pour répondre aux besoins des orchestres qui nécessitaient des notes plus basses et un son plus fort. Les principaux contrebassistes du milieu à la fin du XVIIIe siècle, tels que Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger et Johannes Mathias Sperger, ont utilisé l'accordage « viennois ». Le bassiste Johann Hindle (1792-1862), qui a composé un concerto pour contrebasse, a été le pionnier de l'accordage de la basse en quartes, ce qui a marqué un tournant pour la contrebasse et son rôle dans les œuvres en solo. Le bassiste Domenico Dragonetti était une figure musicale de premier plan et une connaissance de Haydn et Ludwig van Beethoven . Son jeu était connu depuis son pays natal, l'Italie, jusqu'au tsarisme de Russie et il a trouvé une place de choix dans les concerts de la Philharmonic Society de Londres . L'amitié de Beethoven avec Dragonetti l'a peut-être inspiré à écrire des parties difficiles et séparées pour la contrebasse dans ses symphonies, comme les passages impressionnants du troisième mouvement de la Cinquième Symphonie, le deuxième mouvement de la Septième symphonie et le dernier mouvement de la Neuvième. Symphonie. Ces parties ne doublent pas la partie violoncelle.

Dragonetti a écrit dix concertos pour contrebasse et de nombreuses œuvres en solo pour basse et piano. Pendant le séjour de Rossini à Londres à l'été 1824, il composa son populaire Duetto pour violoncelle et contrebasse pour Dragonetti et le violoncelliste David Salomons. Dragonetti jouait fréquemment sur une contrebasse à trois cordes accordée G–D–A de haut en bas. L'utilisation des trois premières cordes seulement était populaire pour les solistes de basse et les contrebassistes principaux dans les orchestres au 19ème siècle, car elle réduisait la pression sur le dessus en bois de la basse, ce qui était censé créer un son plus résonnant. De plus, les cordes de mi graves utilisées au XIXe siècle étaient des cordes épaisses en boyau, difficiles à accorder et à jouer.

années 1800

Le bassiste et compositeur virtuose du XIXe siècle Giovanni Bottesini avec sa basse Carlo Antonio Testore de 1716

Au XIXe siècle, le chef d'opéra, compositeur et contrebassiste Giovanni Bottesini était considéré comme le « Paganini de la contrebasse » de son temps, une référence au violoniste virtuose et compositeur. Les concertos pour basse de Bottesini ont été écrits dans le style populaire de l' opéra italien du 19ème siècle, qui exploite la contrebasse d'une manière qui n'a pas été vue auparavant. Ils exigent des courses virtuoses et de grands sauts dans les plus hauts registres de l'instrument, voire dans le domaine des harmoniques naturelles et artificielles . De nombreux bassistes du XIXe siècle et du début du XXe siècle considéraient ces compositions injouables, mais dans les années 2000, elles sont fréquemment jouées. Au même moment, une importante école de bassistes de la région tchèque est née, qui comprenait Franz Simandl , Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly et Adolf Mišek . Simandl et Hrabe étaient également des pédagogues dont les manuels de méthode et les études restent en usage dans les années 2000.

des années 1900 à nos jours

La figure de proue de la contrebasse au début du 20e siècle était Serge Koussevitzky , mieux connu comme chef d'orchestre de l' Orchestre symphonique de Boston , qui a popularisé la contrebasse dans les temps modernes en tant qu'instrument solo. En raison des améliorations apportées à la contrebasse avec des cordes en acier et de meilleures configurations, la basse est maintenant jouée à un niveau plus avancé que jamais et de plus en plus de compositeurs ont écrit des œuvres pour la contrebasse. Au milieu du siècle et dans les décennies suivantes, de nombreux nouveaux concertos ont été écrits pour contrebasse, dont le Concerto de Nikos Skalkottas (1942), le Concerto d' Eduard Tubin (1948), le Concertino de Lars-Erik Larsson (1957) , le Concerto de Gunther Schuller (1962), le Concerto de Hans Werner Henze (1966) et le Concerto n° 1 de Frank Proto (1968).

Le Solo Pour Contrebasse est l' une des parties de John Cage de concert pour piano et orchestre et peut être joué en solo ou avec l' une des autres parties à la fois d' orchestre et / ou piano. De même, ses parties de contrebasse solo pour l'œuvre orchestrale Atlas Eclipticalis peuvent également être jouées en solo. Les œuvres indéterminées de Cage telles que Variations I , Variations II , Fontana Mix , Cartridge Music et al. peut être arrangé pour un contrebassiste solo. Son œuvre 26.1.1499 for a String Player est souvent réalisée par un contrebassiste solo, bien qu'elle puisse également être jouée par un violoniste, un altiste ou un violoncelliste.

Des années 1960 à la fin du siècle, Gary Karr était le principal partisan de la contrebasse en tant qu'instrument soliste et a été actif dans la commande ou l'écriture de centaines de nouvelles œuvres et concertos spécialement pour lui. Karr a reçu la célèbre contrebasse solo de Koussevitzky par Olga Koussevitsky et l'a jouée dans des concerts à travers le monde pendant 40 ans avant, à son tour, de donner l'instrument à la Société internationale des bassistes pour que les solistes talentueux l'utilisent en concert. Un autre interprète important de cette période, Bertram Turetzky , a commandé et créé plus de 300 œuvres pour contrebasse.

Serge Koussevitzky a popularisé la contrebasse dans les temps modernes comme instrument soliste.

Dans les années 1970, 1980 et 1990, les nouveaux concertos incluent le Divertimento pour contrebasse et orchestre de Nino Rota (1973), le concerto pour contrebasse et cordes d' Alan Ridout (1974), le Concerto de Jean Françaix (1975), Frank Proto 's Concerto n ° 2, Einojuhani Rautavaara ' s Angel of Dusk (1980), Gian Carlo Menotti le Concerto (1983), Christopher Rouse le Concerto (1985), Henry Brant 'Nets s Ghost (1988) et Frank Proto ' s " Carmen Fantaisie pour contrebasse et orchestre " (1991) et " Quatre scènes d'après Picasso " Concerto n° 3 (1997). Le concerto lyrique Strathclyde n °7 de Peter Maxwell Davies pour contrebasse et orchestre date de 1992.

Au cours de la première décennie du 21e siècle, les nouveaux concertos incluent les "Nine Variants on Paganini" de Frank Proto (2002), le Concerto de Kalevi Aho (2005), le Concerto pour basse de violon de John Harbison (2006), André Previn ' s Double Concerto pour violon, contrebasse et orchestre (2007) et John Woolrich « s à la Silver Bow , pour contrebasse, alto et cordes (2014).

Reinhold Glière a écrit un Intermezzo et Tarentelle pour contrebasse et piano, Op. 9, n° 1 et n° 2 et un Praeludium et Scherzo pour contrebasse et piano, Op. 32 No. 1 et No. 2. Paul Hindemith a écrit une Sonate pour contrebasse rythmiquement stimulante en 1949. Frank Proto a écrit sa Sonate "1963" pour contrebasse et piano. En Union soviétique, Mieczysław Weinberg a écrit sa Sonate n°1 pour contrebasse solo en 1971. Giacinto Scelsi a écrit deux pièces de contrebasse intitulées Nuits en 1972, puis en 1976, il a écrit Maknongan , une pièce pour tout instrument à voix basse, comme la contrebasse, le contrebasson ou le tuba. Vincent Persichetti a écrit des œuvres en solo - qu'il a appelées "Paraboles" - pour de nombreux instruments. Il a écrit la parabole XVII pour contrebasse, op. 131 en 1974. Sofia Gubaidulina a écrit une Sonate pour contrebasse et piano en 1975. En 1976, le compositeur minimaliste américain Tom Johnson a écrit « Failing – a very difficult piece for solo string bass » dans lequel le joueur doit interpréter un solo extrêmement virtuose sur le basse tout en récitant simultanément un texte qui dit à quel point la pièce est très difficile et à quel point il est peu probable qu'il ou elle réussisse l'exécution sans se tromper.

En 1977 , le compositeur néerlandais-hongrois Géza Frid a écrit une série de variations sur l'éléphant de Saint-Saëns ' Le Carnaval des Animaux pour scordatura contrebasse et orchestre à cordes. En 1987, Lowell Liebermann a écrit sa Sonate pour contrebasse et piano op. 24. Fernando Grillo a écrit la "Suite No. 1" pour contrebasse (1983/2005). Jacob Druckman a écrit une pièce pour contrebasse solo intitulée Valentine . Le soliste et compositeur américain de contrebasse Bertram Turetzky (né en 1933) a joué et enregistré plus de 300 pièces écrites par et pour lui. Il écrit de la musique de chambre, de la musique baroque, du classique, du jazz, de la musique de la renaissance, de la musique d'improvisation et de la musique du monde

Le compositeur minimaliste américain Philip Glass a écrit un prélude axé sur le registre inférieur qu'il a composé pour timbales et contrebasse. Le compositeur italien Sylvano Bussotti , dont la carrière de compositeur s'étend des années 1930 à la première décennie du 21e siècle, a écrit une œuvre solo pour basse en 1983 intitulée Naked Angel Face per contrabbasso . Le compositeur italien Franco Donatoni a écrit une pièce intitulée Lem for contrabbasso la même année. En 1989, le compositeur français Pascal Dusapin (né en 1955) a écrit une pièce solo intitulée In et Out pour contrebasse. En 1996, le compositeur libanais formé à la Sorbonne Karim Haddad compose Ce qui dort dans l'ombre sacrée pour le Festival Présence de Radio France. Renaud Garcia-Fons (né en 1962) est un contrebassiste et compositeur français, connu pour s'être inspiré du jazz, du folk et de la musique asiatique pour des enregistrements de ses pièces comme Oriental Bass (1997).

Deux œuvres récentes importantes écrites pour contrebasse solo comprennent Synchronisms No.11 de Mario Davidovsky pour contrebasse et sons électroniques et Figment III d' Elliott Carter , pour contrebasse solo. Le compositeur allemand Gerhard Stäbler a écrit Co-wie Kobalt (1989-90), "... une musique pour contrebasse solo et grand orchestre". Charles Wuorinen a ajouté plusieurs œuvres importantes au répertoire, Spinoff trio pour contrebasse, violon et conga drums, et Trio for Bass Instruments contrebasse, tuba et trombone basse, et en 2007 Synaxis pour contrebasse, cor, hautbois et clarinette avec timbales et cordes. La suite "Seven Screen Shots" pour contrebasse et piano (2005) du compositeur ukrainien Alexander Shchetynsky a une partie de basse solo qui comprend de nombreuses méthodes de jeu non conventionnelles. Le compositeur allemand Claus Kühnl a écrit Offene Weite / Open Expanse (1998) et Nachtschwarzes Meer, ringsum ... (2005) pour contrebasse et piano.In 1997 Joel Quarrington a commandé l'Américain / compositeur canadien Raymond Luedeke pour écrire son « Concerto pour contrebasse et Orchestra", une pièce qu'il a interprétée avec l'Orchestre symphonique de Toronto , avec l' Orchestre symphonique de Saskatoon et, dans une version pour petit orchestre, avec l'Orchestre symphonique de la Nouvelle-Écosse . Le compositeur Raymond Luedeke a également composé une œuvre pour contrebasse, flûte et alto avec narration, "The Book of Questions", avec un texte de Pablo Neruda .

En 2004 , le contrebassiste et compositeur italien Stefano Scodanibbio a fait un arrangement pour contrebasse de l' œuvre pour violoncelle solo de 2002 de Luciano Berio Sequenza XIV avec le nouveau titre Sequenza XIVb .

Musique de chambre avec contrebasse

Puisqu'il n'y a pas d'ensemble instrumental établi qui inclut la contrebasse, son utilisation en musique de chambre n'a pas été aussi exhaustive que la littérature pour des ensembles tels que le quatuor à cordes ou le trio avec piano . Malgré cela, il existe un nombre important d' œuvres de chambre qui intègrent la contrebasse dans les petits et les grands ensembles.

Il existe un petit corpus d'œuvres écrites pour quintette avec piano avec l'instrumentation de piano, violon, alto, violoncelle et contrebasse. Le plus célèbre est le Quintette avec piano en la majeur de Franz Schubert , connu sous le nom de « Le Quintette de la truite » pour son ensemble de variations dans le quatrième mouvement de Die Forelle de Schubert . D'autres œuvres pour cette instrumentation écrites à peu près à la même période comprennent celles de Johann Nepomuk Hummel , George Onslow , Jan Ladislav Dussek , Louise Farrenc , Ferdinand Ries , Franz Limmer , Johann Baptist Cramer et Hermann Goetz . Les compositeurs ultérieurs qui ont écrit des œuvres de chambre pour ce quintette incluent Ralph Vaughan Williams , Colin Matthews , Jon Deak , Frank Proto et John Woolrich . Des sextuors légèrement plus grands écrits pour piano, quatuor à cordes et contrebasse ont été écrits par Felix Mendelssohn , Mikhail Glinka , Richard Wernick et Charles Ives .

Dans le genre des quintettes à cordes, il existe quelques œuvres pour quatuor à cordes avec contrebasse. Le Quintette à cordes en sol majeur d' Antonín Dvořák , Op.77 et la Sérénade en sol majeur de Wolfgang Amadeus Mozart , K.525 (" Eine kleine Nachtmusik ") sont les pièces les plus populaires de ce répertoire, avec des œuvres de Miguel del Aguila ( Nostalgica pour quatuor à cordes et basse), Darius Milhaud , Luigi Boccherini (3 quintettes), Harold Shapero et Paul Hindemith . Un autre exemple est le Quintette à cordes d'Alistair Hinton (1969-1977), qui comprend également une partie majeure pour soprano solo; d'une durée de près de 170 minutes, il s'agit presque certainement de la plus grande œuvre de ce type du répertoire.

Des œuvres à cordes légèrement plus petites avec la contrebasse comprennent six sonates à cordes de Gioachino Rossini , pour deux violons, violoncelle et contrebasse écrites à l'âge de douze ans au cours de trois jours en 1804. Celles-ci restent ses œuvres instrumentales les plus célèbres et ont également été adapté pour quatuor à vent. Franz Anton Hoffmeister a écrit quatre quatuors à cordes pour contrebasse solo, violon, alto et violoncelle en ré majeur. Frank Proto a écrit un trio pour violon, alto et contrebasse (1974), 2 duos pour violon et contrebasse (1967 et 2005) et The Games of October pour hautbois/cor anglais et contrebasse (1991).

Grandes œuvres qui intègrent la contrebasse comprennent Beethoven Septuor de E majeur, op. 20, l'une de ses pièces les plus célèbres de son vivant, composée de clarinette, cor, basson, violon, alto, violoncelle et basse. Lorsque le clarinettiste Ferdinand Troyer a commandé une œuvre à Franz Schubert pour des forces similaires, il a ajouté un violon de plus pour son Octuor en fa majeur, D.803. Paul Hindemith a utilisé la même instrumentation que Schubert pour son propre Octuor. Dans le domaine des œuvres encore plus grandes, Mozart a inclus la contrebasse en plus de 12 instruments à vent pour sa Sérénade " Gran Partita ", K.361 et Martinů ont utilisé la contrebasse dans son nonette pour quintette à vent, violon, alto, violoncelle et double basse.

D' autres exemples d'œuvres de chambre qui utilisent la contrebasse dans des ensembles mixtes comprennent Serge Prokofiev mineur Quintette en sol de, op. 39 pour hautbois, clarinette, violon, alto et contrebasse ; Miguel del Aguila de Malambo pour flûte basse et piano et pour quatuor à cordes, basse et basson; le Concertino pour flûte/piccolo, alto et contrebasse d' Erwin Schulhoff ; Frank Proto « s Fragments afro-américains pour clarinette basse, violoncelle, contrebasse et narrateur et Sextuor pour clarinette et cordes; les Valses de Fred Lerdahl pour violon, alto, violoncelle et contrebasse ; Litanies pour contrebasse et quatuor à vent de Mohammed Fairouz ; le Festino de Mario Davidovsky pour guitare, alto, violoncelle et contrebasse; et Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis pour piano, violon, violoncelle et contrebasse. Il existe également de nouveaux ensembles musicaux qui utilisent la contrebasse tels que Time for Three et PROJECT Trio .

Passages orchestraux et solos


\new Score { #(set-default-paper-size "b6") \new Staff { \relative c, { \set Staff.midiInstrument = #"cello" \time 3/4 \key c \minor \clef "bass_8 " \omit Staff.ClefModifier \tempo 4 = 240 \omit Score.MetronomeMark \partial 4 g^\markup { \halign #-0.5 \bold "Allegro" }(\pp | c ees g | c2 ees4 | d2 fis,4 ) |  g2.~ |  g2.  } } }
L'ouverture du troisième mouvement de la Symphonie n° 5 de Beethoven est souvent utilisée comme extrait orchestral lors des auditions de basse .

Dans les périodes baroque et classique, les compositeurs avaient généralement la contrebasse double la partie de violoncelle dans les passages orchestraux. Une exception notable est Haydn, qui a composé des passages en solo pour la contrebasse dans ses Symphonies No. 6 Le Matin , No. 7 Le midi , No. 8 Le Soir , No. 31 Horn Signal , et No. 45 Farewell - mais qui autrement regroupé les parties de basse et de violoncelle. Beethoven a ouvert la voie à des parties de contrebasse séparées, qui sont devenues plus courantes à l'époque romantique. Le scherzo et le trio de la Cinquième Symphonie de Beethoven sont des extraits orchestraux célèbres, tout comme le récitatif au début du quatrième mouvement de la Neuvième Symphonie de Beethoven . Dans de nombreuses symphonies et concertos du XIXe siècle, l'impact typique des parties de basse et de violoncelle séparées était que les parties de basse sont devenues plus simples et les parties de violoncelle ont obtenu les lignes mélodiques et le travail de passage rapide.

Une section de contrebasse d'un orchestre moderne utilise généralement huit contrebassistes, généralement à l' unisson . Les petits orchestres peuvent avoir quatre contrebasses et, dans des cas exceptionnels, les sections de basse peuvent compter jusqu'à dix membres. Si certains contrebassistes ont des extensions de Do grave et d'autres ont des basses régulières (mi grave), ceux avec des extensions de Do grave peuvent jouer certains passages une octave en dessous des contrebasses régulières. En outre, certains compositeurs écrivent des parties divisées (divisi) pour les basses, où les parties supérieures et inférieures de la musique sont souvent attribuées à des joueurs "extérieurs" (plus proches du public) et "intérieurs". Les compositeurs qui écrivent des parties divisi pour basse écrivent souvent des intervalles parfaits , tels que des octaves et des quintes, mais dans certains cas, ils utilisent des tierces et des sixièmes.


\layout { indent = 0 ragged-right = ##t } \new Score { #(set-default-paper-size "b6") \new Staff { \relative c, { \set Staff.midiInstrument = #"cello" \set Score.currentBarNumber = #92 \time 4/4 \key d \major \clef "bass_8" \omit Staff.ClefModifier \tempo 2 = 60 \omit Score.MetronomeMark \bar "" fis2\p^\markup { \ halign #-0.5 \bold "Allegro assai" }( g4 a) |  a4( g fis e) |  d2( e4 fis) |  fis4.( e8) e2 |  \break fis2( g4 a) |  a4( g fis e) |  d2( e4 fis) |  e4.( d8) d2 } } }
Les basses jouent le thème du quatrième mouvement
de la Neuvième Symphonie de Beethoven.

Lorsqu'une composition appelle une partie de basse solo, la basse principale joue invariablement cette partie. Le chef de section (ou principal) détermine également les coups d'archet, souvent basés sur les coups d'archet définis par le violon solo. Dans certains cas, la basse principale peut utiliser un archet légèrement différent de celui du violon solo, pour répondre aux exigences de jouer de la basse. La basse principale mène également les entrées pour la section des basses, généralement en levant l'archet ou en pinçant la main avant l'entrée ou en indiquant l'entrée avec la tête, pour s'assurer que la section commence ensemble. Les grands orchestres professionnels ont généralement un contrebassiste principal adjoint, qui joue des solos et dirige la section des basses si le principal est absent.

Bien que les solos de basse orchestrale soient quelque peu rares, il existe quelques exemples notables. Johannes Brahms , dont le père était contrebassiste, a écrit de nombreuses parties difficiles et importantes pour la contrebasse dans ses symphonies. Richard Strauss a assigné les parties audacieuses de la contrebasse, et ses poèmes symphoniques et ses opéras poussent l'instrument à ses limites. "The Elephant" de Camille Saint-Saëns ' Le Carnaval des animaux est un portrait satirique de la contrebasse, et américain virtuose Gary Karr a fait son jeu débuts télévisé "The Swan" (écrit à l' origine pour le violoncelle) avec le New York Philharmonic dirigé par Leonard Bernstein . Le troisième mouvement de la première symphonie de Gustav Mahler comporte un solo de contrebasse qui cite la chanson pour enfants Frère Jacques , transposée en tonalité mineure. La Suite Lieutenant Kijé de Sergei Prokofiev présente un solo de contrebasse difficile et très aigu dans le mouvement "Romance". Benjamin Britten « s Guide du jeune à l'Orchestre contient un passage important pour la double section basse.

Ensembles de contrebasse

Des ensembles entièrement composés de contrebasses, bien que relativement rares, existent également, et plusieurs compositeurs ont écrit ou arrangé pour de tels ensembles. Des compositions pour quatre contrebasses existent par Gunther Schuller , Jacob Druckman , James Tenney , Claus Kühnl , Robert Ceely, Jan Alm , Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto , Joseph Lauber, Erich Hartmann , Colin Brumby , Miloslav Gajdos et Theodore Albin Findeisen. "Who's on First?" de David A. Jaffe , commandé par l'Orchestre national de Russie, est composé pour cinq contrebasses. Bertold Hummel a écrit une Sinfonia piccola pour huit contrebasses. Parmi les plus grandes œuvres d'ensemble, citons la Composition n° 2 de Galina Ustvolskaya , "Dies Irae" (1973), pour huit contrebasses, piano et cube en bois, "George et Muriel" de José Serebrier (1986), pour contrebasse solo, contrebasse ensemble de basse et chœur, et What of my music de Gerhard Samuel ! (1979), pour soprano, percussions et 30 contrebasses.

Les ensembles de contrebasse comprennent L'Orchestre de Contrebasses (6 membres), Bass Instinct (6 membres), Bassiona Amorosa (6 membres), le Chicago Bass Ensemble (4+ membres), Ludus Gravis fondé par Daniele Roccato et Stefano Scodanibbio , The Bass Gang (4 membres), le London Double Bass Ensemble (6 membres) fondé par des membres du Philharmonia Orchestra of London qui ont produit le LP Music Interludes du London Double Bass Ensemble sur Bruton Music records, Brno Double Bass Orchestra (14 membres) fondé par le professeur de contrebasse à l' Académie de musique et des arts du spectacle Janáček et le contrebassiste principal de l' Orchestre philharmonique de Brno - Miloslav Jelinek, et les ensembles de la Ball State University (12 membres), de l' Université Shenandoah et de la Hartt School of Music . L'Amarillo Bass Base d' Amarillo, au Texas, comptait autrefois 52 contrebassistes, et The London Double Bass Sound, qui a sorti un CD sur Cala Records, compte 10 joueurs.

De plus, les sections de contrebasse de certains orchestres se produisent en ensemble, comme le Lower Wacker Consort du Chicago Symphony Orchestra . Il existe un nombre croissant de compositions et d'arrangements publiés pour des ensembles de contrebasse, et la Société internationale des bassistes présente régulièrement des ensembles de contrebasse (tant de petits ensembles que de très grands ensembles de « basse de masse ») lors de ses conférences, et parraine la biennale David Concours de composition Walter, qui comprend une division pour les œuvres d'ensemble de contrebasse.

Utilisation en jazz

À partir de 1890 environ, l' ensemble de jazz de la Nouvelle-Orléans (qui jouait un mélange de marches, de ragtime et de Dixieland ) était initialement une fanfare avec un tuba ou un sousaphone (ou parfois un saxophone basse ) fournissant la ligne de basse. Au fur et à mesure que la musique se déplaçait dans les bars et les maisons closes, la contrebasse a progressivement remplacé ces instruments à vent vers les années 1920. De nombreux bassistes de la première heure doublaient à la fois la basse en cuivre ( tuba ) et la basse à cordes , comme les instruments étaient alors souvent appelés. Les bassistes ont joué des lignes de basse improvisées « marche » – des lignes basées sur des gammes et des arpèges qui décrivent la progression des accords .

Parce qu'une contrebasse non amplifiée est généralement l'instrument le plus silencieux d'un groupe de jazz, de nombreux musiciens des années 1920 et 1930 utilisaient le style slap , frappant et tirant les cordes pour produire un son rythmique "claque" contre la touche. Le style slap coupe mieux le son d'un groupe que le simple fait de pincer les cordes et rendait la basse plus facilement audible sur les premiers enregistrements sonores, car l'équipement d'enregistrement de l'époque ne privilégiait pas les basses fréquences. Pour en savoir plus sur le style slap, voir Styles de jeu modernes , ci-dessous.

Le bassiste de jazz Charles Mingus était également un chef d'orchestre et un compositeur influent dont les intérêts musicaux allaient du bebop au free jazz.

Les bassistes de jazz sont censés improviser une ligne d'accompagnement ou un solo pour une progression d'accords donnée. On s'attend également à ce qu'ils connaissent les modèles rythmiques appropriés pour différents styles (par exemple, afro-cubain). Les bassistes jouant dans un big band doivent également être capables de lire des lignes de basse écrites, car certains arrangements ont des parties de basse écrites.

De nombreux contrebassistes ont contribué à l'évolution du jazz. Les exemples incluent des joueurs de l'ère du swing tels que Jimmy Blanton , qui a joué avec Duke Ellington , et Oscar Pettiford , qui a été le pionnier de l'utilisation de l'instrument dans le bebop . Paul Chambers (qui a travaillé avec Miles Davis sur le célèbre album Kind of Blue ) est devenu l' un des premiers bassistes de jazz à jouer des solos de bebop avec l'archet. Terry Plumeri a favorisé le développement des solos d'arco (à archet), atteignant une liberté technique semblable à celle d'un cor et un son clair et vocal à archet, tandis que Charlie Haden , mieux connu pour son travail avec Ornette Coleman , a défini le rôle de la basse dans Free Jazz .

Un certain nombre d'autres bassistes, tels que Ray Brown , Slam Stewart et Niels-Henning Ørsted Pedersen , ont joué un rôle central dans l'histoire du jazz. Stewart, qui était populaire auprès des beboppers, jouait ses solos avec un archet combiné à un bourdonnement d'octave. Notamment, Charles Mingus était un compositeur très apprécié ainsi qu'un bassiste réputé pour sa virtuosité technique et son son puissant. Scott LaFaro a influencé une génération de musiciens en libérant la basse de la « marche » contrapuntique derrière les solistes au lieu de privilégier des mélodies interactives et conversationnelles. Depuis la disponibilité commerciale des amplificateurs de basse dans les années 1950, les bassistes de jazz ont utilisé l'amplification pour augmenter le volume naturel de l'instrument.

Alors que la guitare basse électrique a été utilisée par intermittence dans le jazz dès 1951, à partir des années 1970, le bassiste Bob Cranshaw , jouant avec le saxophoniste Sonny Rollins , et les pionniers de la fusion Jaco Pastorius et Stanley Clarke ont commencé à substituer couramment la guitare basse à la contrebasse. En dehors des styles de jazz de fusion jazz et de jazz d'influence latine, la contrebasse est toujours l'instrument de basse dominant dans le jazz. Le son et le ton de la contrebasse pincée sont distincts de ceux de la guitare basse frettée. La contrebasse produit un son différent de celui de la guitare basse, car ses cordes ne sont pas arrêtées par des frettes métalliques , mais ont plutôt une gamme tonale continue sur la touche ininterrompue. De plus, les guitares basses ont généralement un corps en bois massif, ce qui signifie que leur son est produit par amplification électronique de la vibration des cordes, au lieu de la réverbération acoustique de la contrebasse.

Des exemples démonstratifs du son d'une contrebasse solo et de son utilisation technique dans le jazz peuvent être entendus sur les enregistrements solo Emerald Tears (1978) de Dave Holland ou Emergence (1986) de Miroslav Vitous . Holland a également enregistré un album au titre représentatif Music from Two Basses (1971) sur lequel il joue avec Barre Phillips alors qu'il passe parfois au violoncelle.

Utilisation en bluegrass et country

La contrebasse est l'instrument de basse le plus couramment utilisé dans la musique bluegrass et est presque toujours pincée, bien que certains bassistes de bluegrass modernes aient également utilisé un archet. Le bassiste bluegrass fait partie de la section rythmique et est chargé de garder un rythme régulier, qu'il soit rapide, lent, en4
4
, 2
4
ou 3
4
temps. La basse maintient également la progression et l'harmonie des accords. Les marques Engelhardt-Link (anciennement Kay ) de basses en contreplaqué stratifié sont depuis longtemps des choix populaires pour les bassistes de bluegrass. La plupart des bassistes bluegrass utilisent les 3 / 4 basse taille, mais la pleine grandeur et 5 / 8 contrebasses de taille sont également utilisés.

Contrebasse utilisée par un groupe de bluegrass; le câble pour un capteur piézoélectrique peut être vu s'étendre du pont.

La musique traditionnelle ancienne pré-bluegrass était souvent accompagnée du violoncelle. La violoncelliste Natalie Haas précise qu'aux États-Unis, on peut trouver "... de vieilles photographies, et même d'anciens enregistrements, d'orchestres à cordes américains avec violoncelle". Cependant, "le violoncelle a disparu de la vue dans la musique folklorique et s'est associé à l'orchestre." Le violoncelle n'est réapparu dans le bluegrass que dans les années 1990 et la première décennie du 21e siècle. Certains groupes de bluegrass contemporains privilégient la basse électrique, car elle est plus facile à transporter que la grosse contrebasse un peu fragile. Cependant, la guitare basse a un son musical différent. De nombreux musiciens estiment que l'attaque plus lente et le son percutant et boisé de la contrebasse lui confèrent un son plus "terrestre" ou "naturel" qu'une basse électrique, en particulier lorsque des cordes en boyau sont utilisées.

Les rythmes courants dans le jeu de basse bluegrass impliquent (à quelques exceptions près) de pincer les temps 1 et 3 dans 4
4
temps; bat 1 et 2 dans2
4
temps, et sur le temps fort dans 3
4
temps (temps de valse). Les lignes de basse bluegrass sont généralement simples, restant généralement sur la racine et la quinte de chaque accord pendant la majeure partie d'une chanson. Il existe deux principales exceptions à cette règle. Les bassistes de bluegrass font souvent un walkup ou walkdown diatonique , dans lequel ils jouent chaque battement d'une mesure pendant une ou deux mesures, généralement lorsqu'il y a un changement d'accord. De plus, si un bassiste reçoit un solo, il peut jouer une ligne de basse ambulante avec une note sur chaque temps ou jouer une ligne de basse influencée par la gamme pentatonique.

Le bassiste de musique country "Too Slim" ( Fred labour of Riders in the Sky ) se produit à Ponca City, Oklahoma, en 2008

L'un des premiers bassistes de bluegrass à se faire connaître était Howard Watts (également connu sous le nom de Cedric Rainwater), qui a joué avec les Blue Grass Boys de Bill Monroe à partir de 1944. Le bassiste classique Edgar Meyer s'est souvent diversifié dans le newgrass , l'ancien, le jazz. , et d'autres genres. « Mon préféré de tous les temps est Todd Phillips », a proclamé le bassiste de Union Station Barry Bales en avril 2005. « Il a apporté une façon complètement différente de penser et de jouer du bluegrass.

Une contrebasse était l'instrument de basse standard dans la musique country western traditionnelle . Alors que la contrebasse est encore parfois utilisée dans la musique country , la basse électrique a largement remplacé sa plus grande cousine dans la musique country, en particulier dans les styles country plus pop des années 1990 et 2000, comme le new country.

Basse de style slap

La basse de style slap est parfois utilisée dans le jeu de la basse bluegrass. Lorsque les bassistes de bluegrass frappent la corde en la tirant jusqu'à ce qu'elle touche la touche ou frappe les cordes contre la touche, cela ajoute le son percussif aigu "clack" ou "claque" aux notes basses graves, ressemblant beaucoup à la claquements d'un danseur de claquettes. Les gifles sont un sujet de controverse mineure sur la scène bluegrass. Même les experts en gifles tels que Mike Bub disent : « Ne giflez pas à chaque concert », ou dans des chansons où ce n'est pas approprié. De plus, les bassistes de bluegrass qui jouent du style slap dans les spectacles en direct giflent souvent moins sur les disques. Bub et son mentor Jerry McCoury font rarement du slap bass sur les enregistrements. Alors que des bassistes tels que Jack Cook giflent de la basse sur la « chanson Clinch Mountain Boys » plus rapide occasionnellement, des bassistes tels que Gene Libbea, Missy Raines , Jenny Keel et Barry Bales [rarement] giflent de la basse.

Le bassiste de Bluegrass Mark Schatz, qui enseigne le slap bass dans son DVD Intermediate Bluegrass Bass reconnaît que le slap bass "... n'a pas été stylistiquement très prédominant dans la musique que j'ai enregistrée". Il note que "Même dans le bluegrass traditionnel, la basse slap n'apparaît que sporadiquement et la plupart de ce que j'ai fait a été du côté le plus contemporain (Tony Rice, Tim O'Brien)." Schatz déclare qu'il serait "... plus susceptible de l'utiliser [claque] dans une situation live que sur un enregistrement - pour un solo ou pour ponctuer un endroit particulier dans une chanson ou un air où je n'effacerais pas le solo de quelqu'un ". Une autre méthode bluegrass, Learn to Play Bluegrass Bass , d'Earl Gately, enseigne également la technique du bluegrass slap bass. Le bassiste allemand Didi Beck joue des claques de triolets rapides, comme le montre cette vidéo.

Utilisation dans la musique populaire

Au début des années 1950, la contrebasse était l'instrument de basse standard dans le style émergent de la musique rock and roll , Marshall Lytle de Bill Haley & His Comets n'en étant qu'un exemple. Dans les années 1940, un nouveau style de musique de danse appelé rhythm and blues s'est développé, incorporant des éléments des styles antérieurs de blues et de swing. Louis Jordan , le premier innovateur de ce style, a présenté une contrebasse dans son groupe, le Tympany Five .

La contrebasse est restée une partie intégrante des formations pop tout au long des années 1950, car le nouveau genre de rock and roll a été construit en grande partie sur le modèle du rhythm and blues, avec des éléments forts également dérivés du jazz, de la country et du bluegrass. Cependant, les contrebassistes utilisant leurs instruments dans ces contextes étaient confrontés à des problèmes inhérents. Ils ont été contraints de rivaliser avec des instruments à cor plus forts (et plus tard des guitares électriques amplifiées ), rendant les parties de basse difficiles à entendre. La contrebasse est difficile à amplifier dans les salles de concert bruyantes, car elle peut être sujette aux hurlements de larsen . De plus, la contrebasse est grande et difficile à transporter, ce qui a également créé des problèmes de transport pour les groupes en tournée. Dans certains groupes, la basse slap a été utilisée comme percussion de groupe au lieu d'un batteur; ce fut le cas de Bill Haley & His Saddlemen (le groupe précurseur des Comets), qui n'utilisa les batteurs sur les enregistrements et les performances live qu'à la fin de 1952 ; avant cela, la basse slap était utilisée pour les percussions, y compris sur des enregistrements tels que les versions de Haley de " Rock the Joint " et " Rocket 88 ".

En 1951, Leo Fender sort sa Precision Bass , la première guitare basse électrique à succès commercial . La basse électrique était facilement amplifiée grâce à ses micros magnétiques intégrés , facilement transportable (moins d'un pied de plus qu'une guitare électrique), et plus facile à jouer juste qu'une contrebasse, grâce aux frettes métalliques. Dans les années 1960 et 1970, les groupes jouaient à des volumes plus élevés et se produisaient dans des salles plus grandes. La basse électrique était capable de fournir le son de basse énorme et hautement amplifié qui remplissait les stades que la musique pop et rock de cette époque exigeait, et la contrebasse s'est éloignée des projecteurs de la scène musicale populaire.

Photos du bassiste Miroslav Vitous :

La contrebasse a commencé à faire un retour dans la musique populaire au milieu des années 1980, en partie en raison d'un regain d'intérêt pour les formes antérieures de la musique folk et country, dans le cadre des tendances roots rock et Americana . Dans les années 1990, les améliorations apportées aux micros et à la conception des amplificateurs pour les basses électroacoustiques horizontales et verticales ont permis aux bassistes d'obtenir plus facilement un bon son amplifié clair à partir d'un instrument acoustique. Certains groupes populaires ont décidé d'ancrer leur son avec une contrebasse au lieu d'une basse électrique, comme les Barenaked Ladies . Une tendance aux performances "unplugged" sur MTV , dans lesquelles des groupes de rock se produisaient uniquement avec des instruments acoustiques, a contribué à renforcer l'intérêt du public pour la contrebasse et les guitares basses acoustiques .

Jim Creeggan de Barenaked Ladies , photographié lors d'un spectacle en 2009

Jim Creeggan de Barenaked Ladies joue principalement de la contrebasse, bien qu'il ait de plus en plus joué de la guitare basse tout au long de la carrière du groupe. Chris Wyse du groupe de rock alternatif Owl utilise une combinaison de basse électrique et de contrebasse. Athol Guy du groupe folk/pop australien The Seekers joue de la contrebasse. Shannon Birchall , du groupe folk-rock australien The John Butler Trio , fait un usage intensif des contrebasses, interprétant de longs solos en direct dans des chansons telles que Betterman. Sur l'album In Ear Park de 2008 du groupe indie/pop Department of Eagles , une contrebasse inclinée est mise en évidence sur les chansons « Teenagers » et « In Ear Park ». Le groupe norvégien de ompa-rock Kaizers Orchestra utilise exclusivement la contrebasse en direct et sur leurs enregistrements.

Le duo de pop contemporaine française "What a day" utilise la technique du pizzicato étendu à la contrebasse avec voix et machine à écrire

Les bassistes de Hank Williams III (Jason Brown, Joe Buck et Zach Shedd, notamment) ont utilisé des contrebasses pour l'enregistrement ainsi que pendant les sets country et Hellbilly des performances live de Hank III avant de passer à la basse électrique pour le set Assjack .

Le genre rockabilly-punk de la fin des années 1970, le psychobilly, a continué et s'est étendu à la tradition rockabilly de la basse slap. Des bassistes tels que Kim Nekroman et Geoff Kresge ont développé la capacité de jouer de la basse slap rapide qui transforme la basse en instrument de percussion.

Styles de jeu modernes

Un ampli basse de taille moyenne utilisé pour amplifier une contrebasse lors d'un petit concert de jazz

Dans les genres musicaux populaires, l'instrument est généralement joué avec amplification et presque exclusivement avec les doigts, à la manière du pizzicato . Le style du pizzicato varie selon les joueurs et les genres. Certains musiciens jouent avec les côtés d'un, deux ou trois doigts, en particulier pour les lignes de basse et les ballades au tempo lent, car cela est censé créer un son plus fort et plus solide. Certains musiciens utilisent le bout des doigts plus agile pour jouer des passages en solo rapides ou pour pincer légèrement pour des airs calmes. L'utilisation de l'amplification permet au joueur d'avoir plus de contrôle sur la tonalité de l'instrument, car les amplificateurs ont des commandes d'égalisation qui permettent au bassiste d'accentuer certaines fréquences (souvent les basses fréquences) tout en désaccentuant certaines fréquences (souvent les hautes fréquences, donc qu'il y ait moins de bruit de doigt).

La tonalité d'une basse acoustique non amplifiée est limitée par la réponse en fréquence du corps creux de l'instrument, ce qui signifie que les très graves peuvent ne pas être aussi forts que les aigus. Avec un amplificateur et des dispositifs d'égalisation, un bassiste peut amplifier les basses fréquences, ce qui modifie la réponse en fréquence. De plus, l'utilisation d'un amplificateur permet d'augmenter le sustain de l'instrument, ce qui est particulièrement utile pour l'accompagnement lors de ballades et pour les solos mélodiques avec des notes tenues.

Dans le jazz traditionnel, le swing , la polka , le rockabilly et le psychobilly, il est parfois joué dans le style slap . Il s'agit d'une version vigoureuse du pizzicato où les cordes sont "claquées" contre la touche entre les notes principales de la ligne de basse, produisant un son percussif de type caisse claire . Les notes principales sont soit jouées normalement, soit en tirant la corde loin de la touche et en la relâchant pour qu'elle rebondisse sur la touche, produisant une attaque percussive distinctive en plus de la hauteur attendue. Des bassistes notables de style slap, dont l'utilisation de la technique était souvent très syncopée et virtuose, interpolaient parfois deux, trois, quatre ou plus entre les notes de la ligne de basse.

Le "style slap" a peut-être influencé les bassistes électriques qui, à partir du milieu des années 60 (en particulier Larry Graham de Sly and the Family Stone), ont développé une technique appelée slap et pop qui utilisait le pouce de la main pinçante pour frapper la corde, faire un son de claquement tout en laissant la note sonner, et l'index ou le majeur de la main pinçante pour tirer la corde vers l'arrière afin qu'elle frappe le manche, obtenant le son pop décrit ci-dessus. Le bassiste de Motown , James Jamerson, utilisait régulièrement une contrebasse pour améliorer la basse électrique en post-production (« adoucissement ») des pistes enregistrées et vice versa dans de nombreux cas.

Contrebassistes

Historique

Moderne

Contemporain (années 1900)

Classique

Soliste de contrebasse Gary Karr

Certains des contrebassistes classiques contemporains les plus influents sont connus autant pour leurs contributions à la pédagogie que pour leurs talents d'interprète, comme le bassiste américain Oscar G. Zimmerman (1910-1987), connu pour son enseignement à l' Eastman School of Music et , pendant 44 étés au Interlochen National Music Camp dans le Michigan et le bassiste français François Rabbath (né en 1931) qui a développé une nouvelle méthode de basse qui divise l'ensemble de la touche en six positions. Les bassistes réputés pour leurs talents de soliste virtuose incluent le pédagogue et interprète américain Gary Karr (né en 1941), le compositeur finlandais Teppo Hauta-Aho (né en 1941), le compositeur italien Fernando Grillo et le joueur-compositeur américain Edgar Meyer . Pour une liste plus longue, voir la Liste des contrebassistes classiques contemporains .

le jazz

Les bassistes de jazz notables des années 1940 aux années 1950 comprenaient le bassiste Jimmy Blanton (1918-1942) dont le court passage dans le groupe Duke Ellington Swing (abrégé par sa mort de tuberculose ) a introduit de nouvelles idées de solo mélodique et harmonique pour l'instrument; le bassiste Ray Brown (1926-2002), connu pour avoir soutenu Beboppers Dizzy Gillespie , Oscar Peterson , Art Tatum et Charlie Parker , et formé le Modern Jazz Quartet ; le bassiste hard bop Ron Carter (né en 1937), qui est apparu sur 3 500 albums, fait de lui l'un des bassistes les plus enregistrés de l'histoire du jazz, y compris les LP de Thelonious Monk et Wes Montgomery et de nombreux artistes de Blue Note Records ; et Paul Chambers (1935-1969), membre du Miles Davis Quintet (y compris l'enregistrement de jazz modal historique Kind of Blue ) et de nombreuses autres sections rythmiques des années 1950 et 1960, était connu pour ses improvisations virtuoses .

Christian McBride (né en 1972), l'un des nouveaux "jeunes lions" de la scène jazz, a remporté quatre Grammy Awards .

L'ère expérimentale d'après les années 1960 et le free jazz et la fusion jazz-rock ont ​​produit plusieurs bassistes influents. Charles Mingus (1922-1979), qui était également compositeur et chef d'orchestre , a produit une musique qui fusionne le hard bop avec la musique gospel noire , le free jazz et la musique classique. Le bassiste de free jazz et post-bop Charlie Haden (1937-2014) est surtout connu pour sa longue association avec le saxophoniste Ornette Coleman et pour son rôle dans le Liberation Music Orchestra des années 1970 , un groupe expérimental. Eddie Gómez et George Mraz , qui ont joué avec Bill Evans et Oscar Peterson , respectivement, et sont tous deux reconnus pour avoir renforcé les attentes en matière de fluidité du pizzicato et de phrasé mélodique. Le virtuose de la fusion Stanley Clarke (né en 1951) se distingue par sa dextérité à la fois à la contrebasse et à la basse électrique. Terry Plumeri est connu pour sa maîtrise de l'arco semblable à un cor et sa sonorité vocale.

Dans les années 1990 et la première décennie du 21e siècle, l'un des nouveaux « jeunes lions » était Christian McBride (né en 1972), qui a joué avec un éventail de vétérans allant de McCoy Tyner aux gourous de la fusion Herbie Hancock et Chick Corea , et qui a sorti des albums tels que Vertical Vision en 2003 . Esperanza Spalding (née en 1984) est une autre jeune bassiste de marque qui, à 27 ans, avait déjà remporté un Grammy du meilleur nouvel artiste.

Autres genres populaires

Scott Owen , contrebassiste du groupe de rock australien The Living End

En plus d'être un joueur classique de renom, Edgar Meyer est bien connu dans les milieux du bluegrass et du newgrass . Todd Phillips est un autre éminent joueur de bluegrass. Les bassistes rockabilly bien connus incluent Bill Black , Marshall Lytle (avec Bill Haley & His Comets ) et Lee Rocker (avec les revivalistes rockabilly des années 1980 les Stray Cats ).

Les revivalistes rockabilly et les artistes psychobilly notables des années 1990 et de la première décennie du 21e siècle incluent Scott Owen (du groupe australien The Living End ), Jimbo Wallace (du groupe américain Reverend Horton Heat ), Kim Nekroman ( Nekromantix ), Patricia Day ( HorrorPops ), Geoff Kresge ( Tiger Army , ex- AFI ). Willie Dixon (1915-1992) était l'une des figures les plus marquantes de l'histoire du rhythm and blues . En plus d'être contrebassiste, il a écrit des dizaines de tubes R&B et a travaillé comme producteur. Il joue également de la basse sur de nombreux tubes rock and roll de Chuck Berry . De nombreux autres groupes de rockabilly comme El Rio Trio (des Pays-Bas) utilisent également cet instrument dans leur travail. Voir aussi la Liste des contrebassistes de la musique populaire .

Pédagogie et formation

La pédagogie et la formation de la contrebasse varient considérablement selon le genre et le pays. La contrebasse classique a une histoire de pédagogie remontant à plusieurs siècles, y compris des manuels d'enseignement, des études et des exercices progressifs qui aident les étudiants à développer l'endurance et la précision de la main gauche et le contrôle de la main d'archet. Les méthodes de formation classiques varient selon les pays : de nombreux grands pays européens sont associés à des méthodes spécifiques (par exemple, la méthode Edouard Nanny en France ou la méthode Franz Simandl en Allemagne). Dans la formation classique, la majorité de l'enseignement de la main droite se concentre sur la production du son d'archet ; peu de temps est consacré à l'étude des variétés de tons pizzicato.

En revanche, dans les genres qui utilisent principalement ou exclusivement le pizzicato (pincement), comme le jazz et le blues, beaucoup de temps et d'efforts sont consacrés à l'apprentissage des variétés de différents styles de pizzicato utilisés pour la musique de différents styles de tempi. Par exemple, dans le jazz, les bassistes en herbe doivent apprendre à jouer un large éventail de tons de pizzicato, notamment en utilisant les côtés des doigts pour créer un son plein et profond pour les ballades, en utilisant le bout des doigts pour des lignes de basse ou des solos à marche rapide. , et en exécutant une variété de notes fantômes percussives en ratissant des cordes assourdies ou partiellement assourdies.

Formation formelle

La chanteuse de jazz/bassiste Esperanza Spalding se produisant le 10 décembre 2009 lors du concert du Prix ​​Nobel de la Paix 2009

De tous les genres, le classique et le jazz ont les systèmes d'enseignement et de formation les plus établis et les plus complets. En milieu classique, les enfants peuvent commencer à prendre des cours particuliers d'instrument et à se produire dans des orchestres d'enfants ou de jeunes. Les adolescents qui aspirent à devenir des bassistes classiques professionnels peuvent poursuivre leurs études dans divers milieux de formation formels, notamment des collèges, des conservatoires et des universités. Les collèges offrent des certificats et des diplômes en performance de basse.

Les conservatoires , qui constituent le système de formation musicale standard en France et au Québec (Canada) dispensent des cours et une expérience d'orchestre amateur aux contrebassistes. Les universités proposent une gamme de programmes de contrebasse, notamment des diplômes de licence, de maîtrise en musique et de doctorat en arts musicaux . De plus, il existe une variété d'autres programmes de formation tels que des camps d'été classiques et des festivals de formation d'orchestre, d'opéra ou de musique de chambre, qui donnent aux étudiants la possibilité de jouer un large éventail de musiques.

Les baccalauréats en performance de basse (appelés B.Mus. ou BM) sont des programmes de quatre ans qui comprennent des cours de basse individuels, une expérience d'orchestre amateur et une séquence de cours d'histoire de la musique, de théorie musicale et de cours d'arts libéraux (par exemple, littérature anglaise), qui donnent à l'étudiant une éducation plus complète. Habituellement, les étudiants en performance de basse interprètent plusieurs récitals de musique de contrebasse solo, tels que des concertos, des sonates et des suites baroques.

Une maîtrise en musique ( M.mus. ) en contrebasse comprend des cours particuliers, une expérience d'ensemble, un encadrement pour jouer des parties de contrebasse orchestrale et des cours d'études supérieures en histoire de la musique et en théorie de la musique, ainsi qu'un ou deux récitals en solo. Une maîtrise en musique (appelée M.Mus. ou MM) est souvent un diplôme requis pour les personnes qui souhaitent devenir professeur de contrebasse dans une université ou un conservatoire.

Le professeur de la Manhattan School of Music, Timothy Cobb, donne une leçon de basse à la fin des années 2000. Sa basse a une extension de Do grave avec une "machine" en métal avec des boutons pour jouer les hauteurs sur l'extension.

Les diplômes de docteur en arts musicaux (appelés DMA, DMA, D.Mus.A. ou A.Mus.D.) en contrebasse offrent une opportunité d'études avancées au plus haut niveau artistique et pédagogique, nécessitant généralement 54 + heures de crédit au-delà d'une maîtrise (ce qui représente environ 30 + crédits au-delà d'un baccalauréat). Pour cette raison, l'admission est très sélective. Des examens d'histoire de la musique, de théorie musicale, de formation auditive/dictée et un récital d'examen d'entrée sont requis. Les étudiants effectuent un certain nombre de récitals (environ six), y compris un récital-conférence avec une thèse de doctorat, des cours avancés et une moyenne minimale de B sont d'autres exigences typiques d'un programme DMA.

Tout au long de l'histoire du jazz, les contrebassistes ont appris l'instrument de manière informelle ou en suivant une formation classique dès le début, comme dans le cas de Ron Carter et Charles Mingus. Dans les années 1980 et 1990, les collèges et universités ont commencé à introduire des diplômes et des grades en interprétation de jazz. Les étudiants des programmes de diplôme de jazz ou de baccalauréat en musique prennent des cours de basse individuels, acquièrent de l'expérience dans de petits combos de jazz avec l'encadrement d'un joueur expérimenté et jouent dans des big bands de jazz. Comme pour les programmes de formation classique, les programmes de jazz comprennent également des cours en classe d'histoire de la musique et de théorie musicale. Dans un programme de jazz, ces cours se concentrent sur les différentes époques de l'histoire du jazz. comme le Swing, le Bebop et la fusion. Les cours théoriques se concentrent sur les compétences musicales utilisées dans l'improvisation jazz et dans la composition de jazz (accompagnement) et la composition d'airs de jazz. Il existe également des camps d'été de jazz et des festivals/séminaires de formation, qui offrent aux étudiants la possibilité d'acquérir de nouvelles compétences et de nouveaux styles.

Formation informelle

Dans d'autres genres, comme le blues, le rockabilly et le psychobilly, les systèmes pédagogiques et les séquences de formation ne sont pas aussi formalisés et institutionnalisés. Il n'y a pas de diplômes en performance de basse blues, ni de conservatoires offrant des diplômes de plusieurs années en basse rockabilly. Cependant, il existe une gamme de livres, de méthodes de jeu et, depuis les années 1990, de DVD d'instructions (par exemple, sur la façon de jouer de la basse slap de style rockabilly). En tant que tels, les interprètes de ces autres genres ont tendance à provenir d'une variété de parcours, y compris l'apprentissage informel en utilisant des livres de méthode de basse ou des DVD, en prenant des cours privés et un coaching, et en apprenant à partir de disques et de CD. Dans certains cas, les bassistes de blues ou de rockabilly peuvent avoir obtenu une formation initiale par le biais des systèmes de pédagogie classique ou jazz (par exemple, orchestre de jeunes ou big band de lycée). Dans des genres tels que le tango, qui utilisent beaucoup de passages à archet et de lignes de pizzicato de style jazz, les bassistes ont tendance à provenir de parcours de formation classique ou jazz.

Carrières

Les carrières en contrebasse varient considérablement selon le genre et selon la région ou le pays. La plupart des bassistes gagnent leur vie à partir d'un mélange d'emplois de performance et d'enseignement. La première étape pour obtenir la plupart des emplois de performance est de jouer à une audition . Dans certains styles de musique, tels que les groupes de scène orientés jazz, les bassistes peuvent être invités à lire à vue de la musique imprimée ou à interpréter des pièces standard (par exemple, un standard de jazz comme Now's the Time ) avec un ensemble. De même, dans un groupe de rock ou de blues, les auditionnés peuvent être amenés à jouer divers standards de rock ou de blues. Un bassiste droit auditionnant pour un groupe de blues peut être invité à jouer dans une ligne de basse ambulante de style swing , une ligne de basse "claquante" de style rockabilly (dans laquelle les cordes sont percutées contre la touche) et une ballade des années 1950 avec des notes longues tenues. On peut s'attendre à ce qu'une personne auditionnant pour un rôle de bassiste dans certains styles de musique pop ou rock démontre la capacité d'interpréter des harmonies vocales en tant que choriste . Dans certains groupes pop et rock, le bassiste peut être amené à jouer de temps à autre d'autres instruments, comme la basse électrique, les claviers ou la guitare acoustique. La capacité de jouer de la basse électrique est largement attendue dans les groupes country, au cas où le groupe interprèterait un rock classique ou une nouvelle chanson country.

Une section de contrebasse allemande en 1952. Le joueur de gauche utilise un archet allemand.

Musique classique

En musique classique , les bassistes auditionnent pour jouer des emplois dans des orchestres et pour être admis dans des programmes ou des diplômes universitaires ou conservatoires. Lors d'une audition de basse classique, l'interprète joue généralement un mouvement d'une suite de JS Bach pour violoncelle seul ou un mouvement d'un concerto pour basse et une variété d'extraits de la littérature orchestrale. Les extraits sont généralement les parties les plus techniquement difficiles des parties de basse et des solos de basse de la littérature orchestrale. Certains des extraits orchestraux les plus demandés lors des auditions de basse sont tirés des Symphonies n° 5, 7 et 9 de Beethoven ; Strauss « s Ein Heldenleben et Don Juan ; les Symphonies n° 35, 39 et 40 de Mozart ; Symphonies n° 1 et 2 de Brahms ; Pulcinella de Stravinsky ; la Symphonie n° 5 de Chostakovitch ; Ginastera de Variaciones Concertante ; la Symphonie n° 4 de Tchaïkovski ; la Symphonie n° 2 de Mahler ; Suite n°2 en si bémol de J. S. Bach ; la Symphonie Fantastique de Berlioz , la Symphonie n° 4 de Mendelssohn ; et les solos de basse de Verdi l 'opéra Otello , Mahler Symphonie n ° 1, Britten ' s Guide du jeune à l'Orchestre et Prokofiev est le lieutenant Kije Suite .

Voir également

Les références

Liens externes

Lectures complémentaires

Général

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Histoire

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