Drame - Drama

Littérature
Formes principales
Roman Poésie Drame Histoire courte roman
Genres
Aventure Comédie Drame Épique Érotique Absurdité Lyrique mythopée Voyou Romance Satire Fiction spéculative La tragédie Tragi-comédie
Médias
Performance Jouer Livres
Technique
Prose Poésie
Historique et listes
Histoire moderne Contour Glossaire des termes Livres Écrivains Prix ​​littéraires poésie
Discussion
Critique Théorie ( théorie critique ) Sociologie Les magazines
Portail de la littérature
v t e

Le théâtre est le mode spécifique de fiction représenté dans la performance : une pièce de théâtre , un opéra , un mime , un ballet , etc . , joué dans un théâtre , ou à la radio ou à la télévision . Considéré comme un genre de poésie en général, le mode dramatique a été opposée à l' épopée et les lyriques modes jamais depuis Aristote de Poétique (c. 335 BC) -le premier travail de théorie dramatique .

Le terme « drame » vient d'un mot grec « draō » signifiant « faire / agir » ( grec classique : δρᾶμα , drame ), qui est dérivé de « je fais » ( grec classique : δράω , drao ). Les deux masques associés au drame représentent la division générique traditionnelle entre la comédie et la tragédie .

En anglais (comme c'était le cas dans de nombreuses autres langues européennes), le mot play ou jeu (traduction de l' anglo-saxon pleġan ou latin ludus ) était le terme standard pour les drames jusqu'à l'époque de William Shakespeare , tout comme son créateur était un meneur de jeu plutôt qu'un dramaturge et le bâtiment était une maison de jeu plutôt qu'un théâtre .

L'utilisation de « drame » dans un sens plus étroit pour désigner un type spécifique de pièce date de l'ère moderne. Le « drame » renvoie en ce sens à une pièce qui n'est ni une comédie ni une tragédie, par exemple Thérèse Raquin de Zola ( 1873 ) ou Ivanov de Tchekhov ( 1887 ). C'est ce sens plus étroit que les industries du cinéma et de la télévision , ainsi que les études cinématographiques , ont adopté pour décrire le " drame " comme un genre au sein de leurs médias respectifs. Le terme « drame radiophonique » a été utilisé dans les deux sens – à l'origine transmis dans un spectacle vivant. Peut également faire référence à la fin plus sérieuse et plus sérieuse de la sortie dramatique de la radio .

La mise en scène d'une pièce de théâtre , jouée par des comédiens sur une scène devant un public , présuppose des modes de production collaboratifs et une forme collective de réception. La structure des textes dramatiques , contrairement à d'autres formes de littérature , est directement influencée par cette production collaborative et cette réception collective.

Le mime est une forme de drame où l'action d'une histoire n'est racontée qu'à travers le mouvement du corps. Le drame peut être combiné avec la musique : le texte dramatique de l' opéra est généralement chanté de bout en bout ; quant à certains ballets, la danse « exprime ou imite l'émotion, le caractère et l'action narrative ». Les comédies musicales comprennent à la fois des dialogues parlés et des chansons ; et certaines formes de théâtre ont une musique de scène ou un accompagnement musical soulignant le dialogue ( mélodrame et Nō japonais , par exemple). Le drame en placard est une forme qui est destinée à être lue, plutôt qu'exécutée. Dans l' improvisation , le drame ne préexiste pas au moment de la représentation ; les interprètes conçoivent spontanément un scénario dramatique devant un public.

Histoire du drame occidental

Drame grec classique

Le théâtre occidental trouve son origine dans la Grèce classique . La culture théâtrale de la cité-État d' Athènes a produit trois genres dramatiques : la tragédie , la comédie et la pièce satyrique . Leurs origines restent obscures, bien qu'au 5ème siècle avant JC, ils ont été institutionnalisés dans des compétitions organisées dans le cadre des festivités célébrant le dieu Dionysos . Les historiens connaissent les noms de nombreux dramaturges grecs anciens, notamment Thespis , qui est crédité de l'innovation d'un acteur (" hypokrites ") qui parle (plutôt que chante) et imite un personnage (plutôt que de parler en sa propre personne), tout en en interaction avec le chœur et son chef (« coryphée »), qui faisaient traditionnellement partie de l'exécution de la poésie non dramatique ( dithyrambique , lyrique et épique ).

Seule une petite fraction de l'œuvre de cinq dramaturges, cependant, a survécu à ce jour : nous avons un petit nombre de textes complets des tragédiens Eschyle , Sophocle et Euripide , et les auteurs de bandes dessinées Aristophane et, à partir de la fin du IVe siècle, Ménandre . La tragédie historique d'Eschyle, Les Perses, est le plus ancien drame conservé, bien que lorsqu'il remporta le premier prix au concours City Dionysia en 472 av. La compétition (« agon ») pour les tragédies peut avoir commencé dès 534 av. les archives officielles (" didaskaliai ") commencent à partir de 501 avant JC lorsque le jeu de satyre a été introduit. Les dramaturges tragiques devaient présenter une tétralogie de pièces (bien que les œuvres individuelles ne soient pas nécessairement liées par une histoire ou un thème), qui consistait généralement en trois tragédies et une pièce de satyre (bien que des exceptions aient été faites, comme avec Alceste d'Euripide en 438 av. . La comédie a été officiellement reconnue avec un prix dans le concours de 487 à 486 av.

Cinq dramaturges comiques ont concouru au City Dionysia (bien que pendant la guerre du Péloponnèse, cela ait pu être réduit à trois), chacun proposant une seule comédie. La comédie grecque antique est traditionnellement divisée entre la « comédie ancienne » (Ve siècle av. J.-C.), la « comédie moyenne » (IVe siècle av.

Drame romain classique

Après l'expansion de la République romaine (509-27 avant JC) dans plusieurs territoires grecs entre 270-240 avant JC, Rome a rencontré le drame grec . A partir des dernières années de la république et par le biais de l' Empire romain (27 av. Le théâtre romain était plus varié, étendu et sophistiqué que celui de toute autre culture avant lui.

Alors que le drame grec a continué à être joué tout au long de la période romaine, l'année 240 avant JC marque le début du drame romain régulier . Dès le début de l'empire, cependant, l'intérêt pour les longs métrages dramatiques déclina au profit d'une plus grande variété de divertissements théâtraux. Les premières œuvres importantes de la littérature romaine étaient les tragédies et comédies qui Livius Andronicus a écrit à partir de 240 av. Cinq ans plus tard, Gnaeus Naevius a également commencé à écrire des drames. Aucune pièce de théâtre de l'un ou l'autre écrivain n'a survécu. Alors que les deux dramaturges composaient dans les deux genres , Andronicus était surtout apprécié pour ses tragédies et Naevius pour ses comédies ; leurs successeurs ont eu tendance à se spécialiser dans l'un ou l'autre, ce qui a conduit à une séparation du développement ultérieur de chaque type de drame.

Au début du IIe siècle av. J.-C., le théâtre était fermement établi à Rome et une guilde d'écrivains ( collegium poetarum ) avait été formée. Les comédies romaines qui ont survécu sont toutes des fabula palliata (comédies basées sur des sujets grecs) et proviennent de deux dramaturges : Titus Maccius Plautus (Plautus) et Publius Terentius Afer (Terence). En retravaillant les originaux grecs, les dramaturges comiques romains abolirent le rôle du chœur dans la division du drame en épisodes et introduisirent un accompagnement musical à son dialogue (entre un tiers du dialogue dans les comédies de Plaute et les deux tiers dans celles de Térence). L'action de toutes les scènes se déroule dans l'emplacement extérieur d'une rue et ses complications découlent souvent de l' écoute clandestine .

Plaute, le plus populaire des deux, a écrit entre 205 et 184 avant JC et vingt de ses comédies survivent, dont ses farces sont les plus connues ; il était admiré pour l' esprit de son dialogue et son utilisation d'une variété de mètres poétiques . Les six comédies écrites par Terence entre 166 et 160 av. la complexité de ses intrigues, dans lesquelles il combine souvent plusieurs originaux grecs, est parfois dénoncée, mais ses doubles intrigues permettent une présentation sophistiquée de comportements humains contrastés. Aucune tragédie romaine primitive ne survit, bien qu'elle fût très appréciée à l'époque ; les historiens connaissent trois premiers tragédiens : Quintus Ennius , Marcus Pacuvius et Lucius Accius .

De l'époque de l'empire, l'œuvre de deux tragédiens survit : l'un est un auteur inconnu, tandis que l'autre est le philosophe stoïcien Sénèque . Neuf des tragédies de Sénèque survivent, toutes étant des fabula crepidata (tragédies adaptées d'originaux grecs) ; sa Phèdre , par exemple, était basée sur l' Hippolyte d' Euripide . Les historiens ne savent pas qui a écrit le seul exemple existant de la fabula praetexta (tragédies basées sur des sujets romains), Octavia , mais dans les temps anciens, il a été attribué à tort à Sénèque en raison de son apparition en tant que personnage de la tragédie.

Médiéval

À partir du début du Moyen Âge , les églises ont mis en scène des versions théâtralisées d'événements bibliques, connus sous le nom de drames liturgiques , pour animer les célébrations annuelles. Le premier exemple est le trope de Pâques Qui cherchez-vous ? (Quem-Quaeritis) (c. 925). Deux groupes chantions en réactive latine , mais pas l' usurpation d' identité des personnages était impliqué. Au XIe siècle, il s'était répandu à travers l'Europe jusqu'en Russie , en Scandinavie et en Italie ; à l'exclusion de l'Espagne de l'ère islamique .

Au Xe siècle, Hrosvitha écrivit six pièces en latin sur le modèle des comédies de Terence , mais qui traitaient de sujets religieux. Ses pièces sont les premières connues à être composées par une femme dramaturge et le premier drame occidental identifiable de l'ère post-classique. Plus tard, Hildegarde de Bingen écrivit un drame musical , Ordo Virtutum (vers 1155).

L'une des premières pièces profanes les plus célèbres est la pastorale courtoise Robin et Marion , écrite au XIIIe siècle en français par Adam de la Halle . L'Interlude de l'étudiant et de la fille (vers 1300), l'un des plus anciens connus en anglais, semble être le plus proche par le ton et la forme des farces françaises contemporaines , telles que Le garçon et l'aveugle .

De nombreuses pièces ont survécu de la France et de l' Allemagne à la fin du Moyen Âge , lorsqu'un certain type de drame religieux était joué dans presque tous les pays européens. Beaucoup de ces pièces contenaient de la comédie , des diables , des méchants et des clowns . En Angleterre, des corporations de métiers commencèrent à jouer des « pièces mystérieuses » vernaculaires , qui étaient composées de longs cycles de nombreuses saynètes ou « reconstitutions historiques », dont quatre existent encore : York (48 pièces), Chester (24), Wakefield (32) et la soi-disant " N-Town " (42). The Second Shepherds' Play du cycle Wakefield est une histoire grotesque d'un mouton volé que son protagoniste , Mak, essaie de faire passer pour son nouveau-né endormi dans un berceau; elle se termine lorsque les bergers qu'il a volés sont convoqués à la Nativité de Jésus .

Les pièces de moralité (un terme moderne) ont émergé comme une forme dramatique distincte vers 1400 et ont prospéré au début de l' ère élisabéthaine en Angleterre. Les caractères étaient souvent utilisés pour représenter différents idéaux éthiques. Everyman , par exemple, comprend des personnages tels que les bonnes actions, la connaissance et la force, et cette caractérisation renforce le conflit entre le bien et le mal pour le public. Le Château de la persévérance (vers 1400-1425) représente la progression d'un archétype de la naissance à la mort. Horestes (vers 1567), une "moralité hybride" tardive et l'un des premiers exemples d'une pièce de vengeance anglaise , rassemble l'histoire classique d' Oreste avec un vice de la tradition allégorique médiévale , alternant des scènes comiques et burlesques avec des scènes graves et tragiques. ceux. Les drames folkloriques du Mummers Play , joués pendant la saison de Noël , étaient également importants à cette époque . Les masques de cour étaient particulièrement populaires sous le règne d' Henri VIII .

élisabéthain et jacobin

L'une des plus grandes floraisons dramatiques en Angleterre s'est produite aux XVIe et XVIIe siècles. Beaucoup de ces pièces ont été écrites en vers, en particulier le pentamètre iambique . En plus de Shakespeare, des auteurs tels que Christopher Marlowe , Thomas Middleton et Ben Jonson étaient des dramaturges de premier plan au cours de cette période. Comme à l' époque médiévale , des pièces historiques célébraient la vie des rois passés, rehaussant l'image de la monarchie Tudor . Les auteurs de cette période ont tiré certaines de leurs histoires de la mythologie grecque et de la mythologie romaine ou des pièces de théâtre d'éminents dramaturges romains tels que Plaute et Terence .

Comédie anglaise de restauration

La comédie de la Restauration fait référence aux comédies anglaises écrites et jouées en Angleterre pendant la période de la Restauration de 1660 à 1710. La comédie de moeurs est utilisée comme synonyme de comédie de la Restauration. Après l'interdiction du théâtre public par le régime puritain , la réouverture des théâtres en 1660 avec la Restauration de Charles II marque une renaissance du théâtre anglais . La comédie de restauration est connue pour son caractère sexuel explicite, son esprit urbain et cosmopolite , son écriture d'actualité à la minute près et ses intrigues bondées et animées. Ses dramaturges ont volé librement à la scène française et espagnole contemporaine , aux pièces de théâtre jacobéenne et caroline anglaises , et même aux comédies classiques grecques et romaines , combinant les différentes intrigues de manière aventureuse. Les différences de ton résultantes dans une seule pièce étaient appréciées plutôt que désapprouvées, car le public appréciait la « variété » à l'intérieur et entre les pièces. La comédie de la restauration a culminé à deux reprises. Le genre a atteint une maturité spectaculaire au milieu des années 1670 avec une extravagance de comédies aristocratiques . Vingt années de vaches maigres ont suivi ce court âge d'or, bien que la réalisation de la première dramaturge professionnelle, Aphra Behn , dans les années 1680 soit une exception importante. Au milieu des années 1690, une brève seconde renaissance de la comédie de la Restauration est née, destinée à un public plus large. Les comédies des heures de pointe dorées des années 1670 et 1690 sont très différentes les unes des autres.

Les comédies sans sentiments ou « dures » de John Dryden , William Wycherley et George Etherege reflétaient l'atmosphère de la Cour et célébraient avec franchise un style de vie macho aristocratique d'intrigues et de conquêtes sexuelles incessantes. Le comte de Rochester , véritable râteau de la Restauration, courtisan et poète, est dépeint de manière flatteuse dans The Man of Mode d' Etherege (1676) comme un aristocrate turbulent, spirituel, intellectuel et sexuellement irrésistible, un modèle pour l'idée de la postérité du glamour râteau de la Restauration (en fait jamais un personnage très commun dans la comédie Restauration). La pièce unique qui soutient le plus l'accusation d' obscénité portée alors et maintenant à la comédie de la restauration est probablement le chef-d'œuvre de Wycherley The Country Wife (1675), dont le titre contient un jeu de mots obscène et dont la fameuse "scène chinoise" est une série de doubles sens soutenus. .

Au cours de la deuxième vague de comédies de la Restauration dans les années 1690, les comédies "plus douces" de William Congreve et John Vanbrugh ont tenté de plaire à un public plus diversifié sur le plan social avec un fort élément de classe moyenne, ainsi qu'à des spectatrices. L'accent comique passe des jeunes amants déjouant la génération plus âgée aux vicissitudes des relations conjugales. Dans L' amour pour l'amour de Congreve (1695) et La Voie du monde (1700), les scènes de concessions mutuelles de couples testant leur attirance l'un pour l'autre se sont muées en débats prénuptiales pleins d'esprit à la veille du mariage, comme dans l'histoire de ce dernier. célèbre scène "Proviso". The Provoked Wife (1697) de Vanbrugh a une touche légère et des personnages plus humainement reconnaissables, tandis que The Relapse (1696) a été admiré pour son esprit jetable et la caractérisation de Lord Foppington, un vaurien burlesque extravagant et affecté avec un côté sombre. La tolérance pour la comédie de la Restauration, même sous sa forme modifiée, s'épuise à la fin du XVIIe siècle, car l'opinion publique se tourne vers la respectabilité et le sérieux encore plus rapidement que les dramaturges. Lors de la très attendue première des étoiles en 1700 de La Voie du monde , la première comédie de Congreve depuis cinq ans, le public n'a montré qu'un enthousiasme modéré pour cette œuvre subtile et presque mélancolique. La comédie du sexe et de l'esprit allait être remplacée par la comédie sentimentale et le drame de la morale exemplaire.

Moderne et postmoderne

Les contributions essentielles et novatrices du dramaturge norvégien du XIXe siècle Henrik Ibsen et du praticien de théâtre allemand du XXe siècle Bertolt Brecht dominent le théâtre moderne ; chacun a inspiré une tradition d'imitateurs, qui comprend nombre des plus grands dramaturges de l'ère moderne. Les œuvres des deux dramaturges sont, à leurs manières différentes, à la fois modernistes et réalistes , incorporant l' expérimentation formelle , la méta-théâtralité et la critique sociale . Au regard du discours théorique traditionnel du genre, l'œuvre d'Ibsen a été décrite comme l'aboutissement de la « tragédie libérale », tandis que celle de Brecht s'est alignée sur une comédie historicisée .

D'autres dramaturges importants de l'ère moderne incluent Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Tchekhov , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Dario Fo , Heiner Müller et Caryl Churchill .

Opéra

L'opéra occidental est une forme d'art dramatique qui est apparue à la Renaissance dans une tentative de faire revivre le drame grec classique dans lequel le dialogue, la danse et le chant étaient combinés. Étant fortement lié à la musique classique occidentale , l'opéra a subi d'énormes changements au cours des quatre derniers siècles et c'est une forme de théâtre importante jusqu'à ce jour. Il convient de noter l'influence majeure du compositeur allemand du XIXe siècle Richard Wagner sur la tradition de l'opéra. À son avis, il n'y avait pas de juste équilibre entre la musique et le théâtre dans les opéras de son temps, car la musique semblait être plus importante que les aspects dramatiques de ces œuvres. Pour rétablir le lien avec le drame classique, il renouvelle entièrement la forme lyrique pour souligner l'égale importance de la musique et du drame dans des œuvres qu'il appelle « drames musicaux ».

L'opéra chinois a connu un développement plus conservateur sur une période un peu plus longue.

Pantomime

Pantomime (officiellement panto ), est un type de production théâtrale de comédie musicale , conçue pour le divertissement familial. Il a été développé en Angleterre et est toujours joué dans tout le Royaume-Uni, généralement pendant la saison de Noël et du Nouvel An et, dans une moindre mesure, dans d'autres pays anglophones. La pantomime moderne comprend des chansons, des gags, des comédies burlesques et des danses, emploie des acteurs transgenres et combine un humour d'actualité avec une histoire vaguement basée sur un conte de fées, une fable ou un conte populaire bien connu . Il s'agit d'une forme de théâtre participative, dans laquelle le public est censé chanter avec certaines parties de la musique et crier des phrases aux interprètes.

Ces histoires s'inscrivent dans la tradition des fables et des contes populaires . Habituellement, il y a une leçon apprise, et avec l'aide du public, le héros/héroïne sauve la situation. Ce type de pièce utilise des personnages courants vus dans le masque et encore une fois dans la commedia dell'arte , ces personnages incluent le méchant (docore), le clown/serviteur (Arlechino/Arlequin/boutons), les amants, etc. Ces pièces mettent généralement l'accent sur la morale. dilemmes , et le bien triomphe toujours du mal, ce genre de jeu est également très divertissant, ce qui en fait un moyen très efficace d'atteindre de nombreuses personnes.

La pantomime a une longue histoire théâtrale dans la culture occidentale qui remonte au théâtre classique. Il s'est développé en partie à partir de la tradition de la commedia dell'arte du XVIe siècle en Italie, ainsi que d'autres traditions scéniques européennes et britanniques, telles que les masques et le music-hall du XVIIe siècle . Une partie importante de la pantomime, jusqu'à la fin du XIXe siècle, était l' arlequinade . En dehors de la Grande-Bretagne, le mot « pantomime » est généralement utilisé pour signifier mimer , plutôt que la forme théâtrale discutée ici.

Mime

Le mime est un médium théâtral où l'action d'une histoire est racontée à travers le mouvement du corps, sans l'utilisation de la parole. La performance de mime a eu lieu dans la Grèce antique , et le mot est tiré d'un seul danseur masqué appelé Pantomimus , bien que leurs performances ne soient pas nécessairement silencieuses. Dans l' Europe médiévale , les premières formes de mime, telles que les pièces de mummer et plus tard les dumbshows , ont évolué. Au début du XIXe siècle à Paris , Jean-Gaspard Deburau a solidifié les nombreux attributs que l'on a appris à connaître à l'époque moderne, dont la figure muette au visage blanc.

Jacques Copeau , fortement influencé par la Commedia dell'arte et le théâtre Nô japonais , a utilisé des masques dans la formation de ses comédiens. Étienne Decroux , un de ses élèves, a été fortement influencé par cela et a commencé à explorer et à développer les possibilités du mime et du mime corporel raffiné dans une forme hautement sculpturale, le sortant des domaines du naturalisme . Jacques Lecoq a largement contribué au développement du mime et du théâtre physique par ses méthodes d'entraînement.

Ballet

Alors que certains ballets mettent l'accent sur « les lignes et les modèles de mouvement eux-mêmes », la danse dramatique « exprime ou imite l'émotion, le caractère et l'action narrative ». Ces ballets sont des œuvres théâtrales qui ont des personnages et "racontent une histoire", les mouvements de danse dans le ballet "sont souvent étroitement liés aux formes quotidiennes d'expression physique, utilisé pour transmettre à la fois l'action et les émotions; le mime est également utilisé. Les exemples incluent Pyotr Ilyich Tchaikovsky « s Swan Lake , qui raconte l'histoire d'Odette, une princesse transformée en cygne par une malédiction du sorcier maléfique, Sergei Prokofiev » ballet Roméo et Juliette , basé sur la célèbre pièce de Shakespeare, et Igor Stravinsky de Petrouchka , qui raconte l'histoire des amours et des jalousies de trois marionnettes.

Drame créatif

Le théâtre créatif comprend des activités et des jeux dramatiques utilisés principalement dans des contextes éducatifs avec des enfants. Ses racines aux États-Unis ont commencé au début des années 1900. Winifred Ward est considéré comme le fondateur du théâtre créatif dans l'éducation, établissant la première utilisation académique du théâtre à Evanston, dans l'Illinois.

Drame asiatique

Inde

La première forme de drame indien était le drame sanskrit . Entre le 1er siècle après JC et le 10e fut une période de paix relative dans l' histoire de l'Inde au cours de laquelle des centaines de pièces de théâtre ont été écrites. Avec les conquêtes islamiques qui ont commencé aux Xe et XIe siècles, le théâtre a été découragé ou totalement interdit. Plus tard, dans une tentative de réaffirmer les valeurs et les idées autochtones, le théâtre de village a été encouragé à travers le sous-continent, se développant dans diverses langues régionales du XVe au XIXe siècle. Le mouvement Bhakti était influent dans les performances dans plusieurs régions. Outre les langues régionales, l' Assam a vu l'essor du théâtre vaishnavite dans une langue littéraire artificiellement mélangée appelée Brajavali . Une forme distincte de pièces en un acte appelée Ankia Naat s'est développée dans les œuvres de Sankardev , dont une présentation particulière est appelée Bhaona . Le théâtre indien moderne s'est développé pendant la période de domination coloniale sous l' Empire britannique , du milieu du XIXe siècle jusqu'au milieu du XXe.

théâtre sanskrit

Les fragments les plus anciens du drame sanscrit datent du 1er siècle de notre ère. La richesse des témoignages archéologiques des périodes antérieures n'offre aucune indication de l'existence d'une tradition théâtrale. Les anciens Vedas ( hymnes d'entre 1500 et 1000 avant JC qui sont parmi les premiers exemples de littérature dans le monde) n'en contiennent aucune allusion (bien qu'un petit nombre soient composés sous forme de dialogue ) et les rituels de la période védique ne le font pas. semblent s'être transformés en théâtre. Le Mahābhāṣya de Patañjali contient la première référence à ce qui a pu être les germes du drame sanskrit. Ce traité de grammaire de 140 av. J.-C. fournit une date plausible pour les débuts du théâtre en Inde .

La principale source de preuves pour le théâtre sanskrit est A Treatise on Theatre ( Nātyaśāstra ), un recueil dont la date de composition est incertaine (les estimations vont de 200 avant JC à 200 après JC) et dont la paternité est attribuée à Bharata Muni . Le Traité est l'œuvre de dramaturgie la plus complète du monde antique. Il aborde le jeu d' acteur , la danse , la musique , la construction dramatique , l'architecture, les costumes , le maquillage , les accessoires , l'organisation des compagnies, le public, les concours, et propose un récit mythologique de l'origine du théâtre.

Son drame est considéré comme la plus haute réalisation de la littérature sanskrite . Il utilisait des personnages courants , tels que le héros ( nayaka ), l'héroïne ( nayika ) ou le clown ( vidusaka ). Les acteurs peuvent s'être spécialisés dans un type particulier. Il était patronné par les rois ainsi que par les assemblées villageoises. Dramaturges début célèbres incluent Bhasa , Kâlidâsa (célèbre pour Vikrama et Urvashi , Malavika et agnimitra , et la reconnaissance de Shakuntala ), Shûdraka (célèbre pour The Little Clay panier ), Asvaghosa , Dandin et empereur Harsha (célèbre pour Nagananda , Ratnavali , et Priyadarsika ). Śakuntalā (en traduction anglaise) a influencé le Faust de Goethe (1808-1832).

Drame indien moderne

Rabindranath Tagore était un dramaturge moderne pionnier qui a écrit des pièces connues pour leur exploration et leur remise en question du nationalisme, de l'identité, du spiritualisme et de la cupidité matérielle. Ses pièces sont écrites en bengali et incluent Chitra ( Chitrangada , 1892), Le Roi de la Chambre Noire ( Raja , 1910), The Post Office ( Dakghar , 1913) et Red Oleander ( Raktakarabi , 1924). Girish Karnad est un dramaturge réputé, qui a écrit un certain nombre de pièces de théâtre qui utilisent l'histoire et la mythologie pour critiquer et problématiser des idées et des idéaux d'actualité. Les nombreuses pièces de Karnad telles que Tughlaq , Hayavadana , Taledanda et Naga-Mandala sont des contributions significatives au théâtre indien. Vijay Tendulkar et Mahesh Dattani comptent parmi les principaux dramaturges indiens du XXe siècle. Mohan Rakesh en hindi et le danois Iqbal en ourdou sont considérés comme des architectes du drame new age. Aadhe Adhoore de Mohan Rakesh et Dara Shikoh du danois Iqbal sont considérés comme des classiques modernes.

Drame ourdou moderne de l'Inde et du Pakistan

Le théâtre ourdou a évolué à partir des traditions dramatiques dominantes de l'Inde du Nord façonnant les Rahas ou Raas tels que pratiqués par des exposants comme Nawab Wajid Ali Shah (1822 - 1887) d' Awadh . Ses expériences dramatiques ont conduit au célèbre Inder Sabha d'Amanat et plus tard cette tradition a pris la forme du théâtre Parsi. Agha Hashr Kashmiri est le point culminant de cette tradition.

La tradition théâtrale ourdou a grandement influencé le théâtre indien moderne . Le théâtre a prospéré en ourdou (appelé hindi par les premiers écrivains), avec le gujrati , le marathi et le bengali . Le théâtre en ourdou a eu une influence importante sur l'industrie cinématographique de Bombay et toutes les premières œuvres du théâtre en ourdou (interprétées par les sociétés Parsi) ont été transformées en films. La tradition dramatique ourdou existe depuis plus de 100 ans.

Le professeur Hasan, Ghulam Jeelani, JN, Kaushal, Shameem Hanfi, Jameel Shaidayi, etc. appartiennent à l'ancienne génération, des écrivains contemporains comme le danois Iqbal, Sayeed Alam, Shahid Anwar, Iqbal Niyazi et Anwar sont quelques dramaturges postmodernes qui contribuent activement au domaine du théâtre ourdou.

Sayeed Alam est connu pour son esprit et son humour et plus particulièrement pour des pièces comme « Ghalib à New Delhi », « Big B » et de nombreuses autres œuvres, qui sont régulièrement mises en scène pour un large public. Maulana Azad est sa pièce la plus importante à la fois pour son contenu et son style.

La pièce Dara Shikoh du danois Iqbal mise en scène par MS Sathyu est un classique moderne qui utilise des techniques théâtrales plus récentes et une perspective contemporaine. Ses autres pièces sont Sahir . sur le célèbre parolier et poète révolutionnaire. Kuchh Ishq kiya Kuchh Kaam est une autre pièce écrite par le danois qui est essentiellement une célébration de la poésie de Faiz , mettant en vedette des événements de la première partie de sa vie, en particulier les événements et les incidents des jours précédant la partition qui ont façonné sa vie et ses idéaux. Chand Roz Aur Meri Jaan – une autre pièce inspirée des lettres de Faiz écrites depuis diverses prisons pendant les jours de la conspiration de Rawalpindi . Il a écrit 14 autres pièces dont Dilli Jo Ek Shehr Thaa et Main Gaya Waqt Nahin hoon . Three B de Shahid est également une pièce importante. Il a été associé à de nombreux groupes comme 'Natwa' et d'autres. Zaheer Anwar a fait flotter le drapeau du théâtre ourdou à Kolkata . Contrairement aux écrivains de la génération précédente Sayeed, Shahid, le danois Iqbal et Zaheer n'écrivent pas de pièces livresques, mais leur travail est le produit de la tradition du spectacle. Iqbal Niyazi de Mumbai a écrit plusieurs pièces en ourdou, sa pièce AUR KITNE JALYANWALA BAUGH? a remporté un prix national d'autres prix. C'est donc la seule génération après Amanat et Agha Hashr qui écrit réellement pour la scène et non pour les bibliothèques.

Chine

Le théâtre chinois a une histoire longue et complexe. Aujourd'hui, il est souvent appelé opéra chinois bien que cela se réfère normalement spécifiquement à la forme populaire connue sous le nom d' opéra de Pékin et de Kunqu ; il y a eu beaucoup d'autres formes de théâtre en Chine, comme le zaju .

Japon

Le théâtre japonais Nō est une forme dramatique sérieuse qui combine le théâtre, la musique et la danse dans une expérience de performance esthétique complète. Il s'est développé aux XIVe et XVe siècles et possède ses propres instruments de musique et techniques d'interprétation, souvent transmis de père en fils. Les interprètes étaient généralement des hommes (pour les rôles masculins et féminins), bien que les amateurs féminins interprètent également des drames Nō. Le théâtre Nō était soutenu par le gouvernement, et en particulier par l'armée, de nombreux commandants militaires ayant leurs propres troupes et se produisant parfois eux-mêmes. Il est encore joué au Japon aujourd'hui.

Kyōgen est le pendant comique du drame Nō. Il se concentre davantage sur le dialogue et moins sur la musique, bien que des instrumentistes Nō apparaissent parfois aussi à Kyōgen. Le théâtre Kabuki , développé à partir du 17ème siècle, est une autre forme comique, qui inclut la danse.

Voir également

Remarques

Sources

Liens externes

• Chronologie des masques grecs et romains