Musique électronique -Electronic music

La musique électronique est un genre de musique qui utilise des instruments de musique électroniques , des instruments numériques ou une technologie musicale basée sur des circuits dans sa création. Elle comprend à la fois la musique réalisée à l'aide de moyens électroniques et électromécaniques ( musique électroacoustique ). Les instruments électroniques purs dépendaient entièrement de la génération de sons basée sur des circuits, par exemple en utilisant des dispositifs tels qu'un oscillateur électronique , un thérémine ou un synthétiseur . Les instruments électromécaniques peuvent avoir des pièces mécaniques telles que des cordes, des marteaux et des éléments électriques, notamment des capteurs magnétiques , des amplificateurs de puissance et des haut- parleurs . Ces dispositifs électromécaniques comprennent le telharmonium , l'orgue Hammond , le piano électrique et la guitare électrique .

Les premiers appareils musicaux électroniques ont été développés à la fin du XIXe siècle. Au cours des années 1920 et 1930, certains instruments électroniques ont été introduits et les premières compositions les présentant ont été écrites. Dans les années 1940, la bande audio magnétique permettait aux musiciens d'enregistrer des sons puis de les modifier en changeant la vitesse ou la direction de la bande, conduisant au développement de la musique électroacoustique sur bande dans les années 1940, en Égypte et en France. Musique concrète , créée à Paris en 1948, était basée sur le montage en commun de fragments enregistrés de sons naturels et industriels. La musique produite uniquement à partir de générateurs électroniques a été produite pour la première fois en Allemagne en 1953. La musique électronique a également été créée au Japon et aux États-Unis à partir des années 1950 et la composition algorithmique avec des ordinateurs a été démontrée pour la première fois au cours de la même décennie.

Au cours des années 1960, la musique informatique numérique a été lancée, l'innovation dans l'électronique en direct a eu lieu et les instruments de musique électroniques japonais ont commencé à influencer l' industrie de la musique . Au début des années 1970, les synthétiseurs Moog et les boîtes à rythmes japonaises ont contribué à populariser la musique électronique synthétisée. Les années 1970 ont également vu la musique électronique commencer à avoir une influence significative sur la musique populaire , avec l'adoption de synthétiseurs polyphoniques , de batteries électroniques , de boîtes à rythmes et de platines , à travers l'émergence de genres tels que le disco , le krautrock , la nouvelle vague , la synth-pop , le hip . houblon et EDM . Au début des années 1980, les synthétiseurs numériques produits en série , tels que le Yamaha DX7 , sont devenus populaires et le MIDI (Musical Instrument Digital Interface) a été développé. Au cours de la même décennie, avec une plus grande dépendance aux synthétiseurs et l'adoption de boîtes à rythmes programmables, la musique populaire électronique est apparue au premier plan. Au cours des années 1990, avec la prolifération de technologies musicales de plus en plus abordables, la production de musique électronique est devenue une partie intégrante de la culture populaire . La musique électronique contemporaine comprend de nombreuses variétés et va de la musique d'art expérimentale à des formes populaires telles que la musique de danse électronique . La musique électronique pop est plus reconnaissable dans sa forme 4/4 et plus liée au courant dominant que les formes précédentes qui étaient populaires sur les marchés de niche.

Origines : fin du 19e siècle au début du 20e siècle

Première page de Scientific American en 1907, démontrant la taille, le fonctionnement et la popularité du Telharmonium

Au tournant du XXe siècle, l'expérimentation de l'électronique émergente a conduit aux premiers instruments de musique électroniques . Ces inventions initiales n'ont pas été vendues, mais ont plutôt été utilisées dans des démonstrations et des représentations publiques. Le public a été présenté avec des reproductions de musique existante au lieu de nouvelles compositions pour les instruments. Alors que certains étaient considérés comme des nouveautés et produisaient des sonorités simples, le Telharmonium synthétisait le son de plusieurs instruments d'orchestre avec une précision raisonnable. Il a suscité un intérêt public viable et a fait des progrès commerciaux dans le streaming de musique via les réseaux téléphoniques .

Les critiques des conventions musicales de l'époque voyaient des promesses dans ces développements. Ferruccio Busoni a encouragé la composition de musique microtonale permise par les instruments électroniques. Il a prédit l'utilisation de machines dans la musique future, écrivant l'influent Sketch of a New Esthetic of Music (1907). Des futuristes tels que Francesco Balilla Pratella et Luigi Russolo ont commencé à composer de la musique avec du bruit acoustique pour évoquer le bruit des machines . Ils ont prédit des expansions de timbre permises par l'électronique dans le manifeste influent The Art of Noises (1913).

Premières compositions

Leon Theremin démontrant le theremin en 1927

Les développements du tube à vide ont conduit à des instruments électroniques plus petits, amplifiés et plus pratiques pour la performance. En particulier, le thérémine , les ondes Martenot et le trautonium ont été produits commercialement au début des années 1930.

À partir de la fin des années 1920, la praticité accrue des instruments électroniques a incité des compositeurs tels que Joseph Schillinger à les adopter. Ils étaient généralement utilisés dans les orchestres , et la plupart des compositeurs écrivaient des parties pour le thérémine qui pourraient autrement être jouées avec des instruments à cordes .

Les compositeurs d'avant-garde ont critiqué l'utilisation prédominante des instruments électroniques à des fins conventionnelles. Les instruments ont offert des expansions dans les ressources de hauteur qui ont été exploitées par les défenseurs de la musique microtonale tels que Charles Ives , Dimitrios Levidis , Olivier Messiaen et Edgard Varèse . De plus, Percy Grainger a utilisé le thérémine pour abandonner complètement la tonalité fixe, tandis que des compositeurs russes tels que Gavriil Popov l'ont traité comme une source de bruit dans une musique de bruit autrement acoustique .

Enregistrement d'expériences

Les développements des premières technologies d'enregistrement ont été parallèles à ceux des instruments électroniques. Le premier moyen d'enregistrement et de reproduction audio a été inventé à la fin du XIXe siècle avec le phonographe mécanique . Les tourne-disques sont devenus un article ménager courant et, dans les années 1920, les compositeurs les utilisaient pour jouer de courts enregistrements lors de performances.

L'introduction de l'enregistrement électrique en 1925 a été suivie d'une expérimentation accrue avec des tourne-disques. Paul Hindemith et Ernst Toch ont composé plusieurs pièces en 1930 en superposant des enregistrements d'instruments et de voix à des vitesses ajustées. Influencé par ces techniques, John Cage compose Imaginary Landscape No. 1 en 1939 en ajustant les vitesses des tonalités enregistrées.

Parallèlement, les compositeurs ont commencé à expérimenter la nouvelle technologie du son sur film . Les enregistrements pouvaient être fusionnés pour créer des collages sonores , comme ceux de Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann et Dziga Vertov . De plus, la technologie permettait de créer et de modifier graphiquement le son . Ces techniques ont été utilisées pour composer des bandes sonores pour plusieurs films en Allemagne et en Russie, en plus des populaires Dr. Jekyll et Mr. Hyde aux États-Unis. Les expériences avec le son graphique ont été poursuivies par Norman McLaren à partir de la fin des années 1930.

Développement : des années 1940 aux années 1950

Musique de bande électroacoustique

Le premier magnétophone audio pratique a été dévoilé en 1935. Des améliorations de la technologie ont été apportées à l'aide de la technique de polarisation AC , qui a considérablement amélioré la fidélité d'enregistrement. Dès 1942, des enregistrements de test étaient réalisés en stéréo . Bien que ces développements aient été initialement confinés à l'Allemagne, des enregistreurs et des bandes ont été importés aux États-Unis après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Ceux-ci ont servi de base au premier magnétophone produit dans le commerce en 1948.

En 1944, avant l'utilisation de la bande magnétique à des fins de composition, le compositeur égyptien Halim El-Dabh , alors qu'il était encore étudiant au Caire , a utilisé un enregistreur à fil encombrant pour enregistrer les sons d'une ancienne cérémonie du zaar . En utilisant les installations des studios de Middle East Radio, El-Dabh a traité le matériel enregistré en utilisant la réverbération, l'écho, les contrôles de tension et le réenregistrement. On pense que ce qui en a résulté est la première composition de musique sur bande. L'œuvre qui en résulta s'intitulait L'expression de Zaar et fut présentée en 1944 lors d'un événement dans une galerie d'art au Caire. Alors que ses premières expériences de composition sur bande n'étaient pas largement connues en dehors de l'Égypte à l'époque, El-Dabh est également connu pour ses travaux ultérieurs sur la musique électronique au Columbia-Princeton Electronic Music Center à la fin des années 1950.

Musique concrète

Phonogene (1953), un magnétophone pour modifier la structure sonore, développé par Pierre Schaeffer et al. au GRMC
Pierre Schaeffer présentant l' Acousmonium (1974) composé de 80 haut-parleurs pour la lecture de bandes, au GRM

Suite à son travail avec le Studio d'Essai de Radiodiffusion Française (RDF), au début des années 1940, Pierre Schaeffer est à l'origine de la théorie et de la pratique de la musique concrète. À la fin des années 1940, des expériences de composition sonore utilisant des tourne-disques en gomme laque ont été menées pour la première fois par Schaeffer. En 1950, les techniques de la musique concrète ont été élargies lorsque des magnétophones ont été utilisés pour explorer des pratiques de manipulation du son telles que la variation de vitesse ( pitch shift ) et l'épissage de bande .

Le 5 octobre 1948, RDF diffuse l' Étude aux chemins de fer de Schaeffer . Ce fut le premier « mouvement » des Cinq études de bruits , et marqua le début des réalisations en studio et de la musique concrète (ou art acousmatique). Schaeffer a utilisé un tour de découpe de disque , quatre platines, un mélangeur à quatre canaux, des filtres, une chambre d'écho et une unité d'enregistrement mobile. Peu de temps après, Pierre Henry a commencé à collaborer avec Schaeffer, un partenariat qui aurait des effets profonds et durables sur la direction de la musique électronique. Un autre associé de Schaeffer, Edgard Varèse , a commencé à travailler sur Déserts , une œuvre pour orchestre de chambre et bande. Les parties de bande ont été créées au studio de Pierre Schaeffer et ont ensuite été révisées à l'Université de Columbia.

En 1950, Schaeffer donne le premier concert public (non diffusé) de musique concrète à l' École Normale de Musique de Paris . "Schaeffer a utilisé un système de sonorisation , plusieurs platines et des mélangeurs. La performance ne s'est pas bien déroulée, car la création de montages en direct avec des platines n'avait jamais été faite auparavant." Plus tard cette même année, Pierre Henry collabore avec Schaeffer sur Symphonie pour un homme seul (1950), la première grande œuvre de musique concrète. A Paris en 1951, dans ce qui allait devenir un important courant mondial, RTF établit le premier studio de production de musique électronique. Toujours en 1951, Schaeffer et Henry produisent un opéra, Orphée , pour voix et sons concrets.

En 1951, le travail de Schaeffer, du compositeur- percussionniste Pierre Henry et de l'ingénieur du son Jacques Poullin avait reçu une reconnaissance officielle et le Groupe de Recherches de Musique Concrète , Club d'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française a été créé à la RTF à Paris, l'ancêtre de l' ORTF .

Musique électronique

Karlheinz Stockhausen dans le studio de musique électronique de WDR, Cologne, en 1991

Karlheinz Stockhausen a travaillé brièvement dans le studio de Schaeffer en 1952, puis pendant de nombreuses années au Studio de musique électronique du WDR Cologne .

1954 a vu l'avènement de ce qui serait désormais considéré comme des compositions électriques et acoustiques authentiques - une instrumentation acoustique augmentée / accompagnée d'enregistrements de sons manipulés ou générés électroniquement. Trois œuvres majeures sont créées cette année-là : Les Déserts de Varèse , pour ensemble de chambre et sons de bande, et deux œuvres d' Otto Luening et Vladimir Ussachevsky : Rhapsodic Variations for the Louisville Symphony et A Poem in Cycles and Bells , toutes deux pour orchestre et bande. Parce qu'il avait travaillé au studio de Schaeffer, la partie bande de l'œuvre de Varèse contient beaucoup plus de sons concrets qu'électroniques. "Un groupe composé d'instruments à vent, de percussions et de piano alterne avec les sons mutés des bruits d'usine et des sirènes et moteurs de bateaux, provenant de deux haut-parleurs."

Lors de la première allemande de Déserts à Hambourg, dirigée par Bruno Maderna , les commandes à bande ont été opérées par Karlheinz Stockhausen. Le titre Déserts suggérait à Varèse non seulement "tous les déserts physiques (de sable, de mer, de neige, de l'espace, des rues vides), mais aussi les déserts de l'esprit de l'homme ; non seulement ces aspects dépouillés de la nature qui suggèrent la nudité, distance, intemporalité, mais aussi cet espace intérieur lointain qu'aucun télescope ne peut atteindre, où l'homme est seul, un monde de mystère et de solitude essentielle."

À Cologne, ce qui allait devenir le studio de musique électronique le plus célèbre au monde, a été officiellement ouvert dans les studios de radio du NWDR en 1953, même s'il en était à l'état de projet dès 1950 et que les premières compositions ont été réalisées et diffusées en 1951. Imaginé par Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer et Herbert Eimert (qui en devint le premier directeur), le studio fut bientôt rejoint par Karlheinz Stockhausen et Gottfried Michael Koenig . Dans sa thèse de 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthesche Sprache , Meyer-Eppler a conçu l'idée de synthétiser la musique entièrement à partir de signaux produits électroniquement; de cette manière, elektronische Musik se différenciait nettement de la musique concrète française , qui utilisait des sons enregistrés à partir de sources acoustiques.

En 1953, Stockhausen compose ses Studie I , suivies en 1954 par Elektronische Studie II - la première pièce électronique à être publiée sous forme de partition. En 1955, des studios plus expérimentaux et électroniques ont commencé à apparaître. Notamment la création du Studio di fonologia musicale di Radio Milano , un studio à la NHK à Tokyo fondé par Toshiro Mayuzumi , et le studio Philips à Eindhoven , aux Pays-Bas, qui a déménagé à l' Université d'Utrecht en tant qu'Institut de Sonologie en 1960 .

"Avec Stockhausen et Mauricio Kagel en résidence, il est devenu une ruche toute l'année d'avant-gardisme charismatique [ sic ]" combinant à deux reprises des sons générés électroniquement avec des orchestres relativement conventionnels - dans Mixtur ( 1964) et Hymnen, dritte Region mit Orchester ( 1967). Stockhausen a déclaré que ses auditeurs lui avaient dit que sa musique électronique leur avait donné une expérience de "l'espace", des sensations de vol ou d'être dans un "monde de rêve fantastique". Plus récemment, Stockhausen s'est tourné vers la production de musique électronique dans son propre studio à Kürten , sa dernière œuvre dans ce médium étant Cosmic Pulses (2007).

Musique électronique japonaise

Yamaha Magna Organ et le cabinet de tonalité désigné (1935)

Le premier groupe d'instruments de musique électroniques au Japon, l' orgue Yamaha Magna , a été construit en 1935. Cependant, après la Seconde Guerre mondiale, des compositeurs japonais tels que Minao Shibata connaissaient le développement des instruments de musique électroniques. À la fin des années 1940, les compositeurs japonais ont commencé à expérimenter la musique électronique et le parrainage institutionnel leur a permis d'expérimenter des équipements de pointe. Leur infusion de musique asiatique dans le genre émergent soutiendra finalement la popularité du Japon dans le développement de la technologie musicale plusieurs décennies plus tard.

Après la fondation de la société d'électronique Sony en 1946, les compositeurs Toru Takemitsu et Minao Shibata ont indépendamment exploré les utilisations possibles de la technologie électronique pour produire de la musique. Takemitsu avait des idées similaires à la musique concrète , dont il n'était pas au courant, tandis que Shibata prévoyait le développement des synthétiseurs et prédisait un changement radical de la musique. Sony a commencé à produire des enregistreurs à bande magnétique populaires pour le gouvernement et le public.

Le collectif d'avant-garde Jikken Kōbō (Atelier expérimental), fondé en 1950, s'est vu offrir l'accès à la technologie audio émergente par Sony. La société a engagé Toru Takemitsu pour faire la démonstration de ses magnétophones avec des compositions et des performances de musique électronique sur bande. Les premiers morceaux de bande électronique du groupe étaient "Toraware no Onna" ("Femme emprisonnée") et "Piece B", composés en 1951 par Kuniharu Akiyama. Bon nombre des morceaux de bandes électroacoustiques qu'ils ont produits ont été utilisés comme musique de scène pour la radio , le cinéma et le théâtre . Ils ont également organisé des concerts utilisant un diaporama synchronisé avec une bande sonore enregistrée. Des compositeurs extérieurs au Jikken Kōbō, tels que Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga et Shirō Fukai , ont également expérimenté la musique sur bande radiophonique entre 1952 et 1953.

La musique concrète a été introduite au Japon par Toshiro Mayuzumi , influencé par un concert de Pierre Schaeffer. À partir de 1952, il compose des morceaux de musique sur bande pour un film comique, une émission radiophonique et un drame radiophonique. Cependant, le concept d' objet sonore de Schaeffer n'était pas influent parmi les compositeurs japonais, qui étaient principalement intéressés à surmonter les restrictions de la performance humaine. Cela a conduit plusieurs musiciens électroacoustiques japonais à utiliser le sérialisme et les techniques dodécaphoniques , comme en témoigne la pièce dodécaphonique "Concerto da Camera" de Yoshirō Irino en 1951 , dans l'organisation des sons électroniques dans "X, Y, Z for Musique Concrète" de Mayuzumi. , et plus tard dans la musique électronique de Shibata en 1956.

Modélisant le studio NWDR à Cologne, NHK a créé un studio de musique électronique à Tokyo en 1955, qui est devenu l'une des principales installations de musique électronique au monde. Le studio NHK était équipé de technologies telles que des équipements de génération de tonalité et de traitement audio, des équipements d'enregistrement et de radiophonie, des ondes Martenot, Monochord et Melochord , des oscillateurs sinusoïdaux , des magnétophones, des modulateurs en anneau , des filtres passe-bande , et quatre et huit mélangeurs à canaux . Les musiciens associés au studio comprenaient Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi et Toru Takemitsu. Les premières compositions électroniques du studio ont été achevées en 1955, y compris les pièces de cinq minutes de Mayuzumi "Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prime Number", "Music for Modulated Wave by Proportion of Prime Number" et "Invention for Square Wave and Sawtooth Wave" produit en utilisant les diverses capacités de génération de sons du studio, et la pièce stéréo de 20 minutes de Shibata "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast".

Musique électronique américaine

Aux États-Unis, la musique électronique se crée dès 1939, lorsque John Cage publie Imaginary Landscape, n° 1 , utilisant deux platines à vitesse variable, des enregistrements de fréquence, un piano en sourdine et une cymbale, mais aucun moyen de production électronique. Cage a composé cinq autres "Paysages imaginaires" entre 1942 et 1952 (un retiré), principalement pour ensemble de percussions, bien que le n ° 4 soit pour douze radios et le n ° 5, écrit en 1952, utilise 42 enregistrements et doit être réalisé sous forme magnétique. ruban. Selon Otto Luening, Cage a également exécuté un William [ sic ] Mix à Donaueschingen en 1954, en utilisant huit haut-parleurs, trois ans après sa prétendue collaboration. Williams Mix a été un succès au Festival de Donaueschingen , où il a fait "forte impression".

Le projet Music for Magnetic Tape a été formé par des membres de la New York School ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor et Morton Feldman ) et a duré trois ans jusqu'en 1954. Cage a écrit à propos de cette collaboration : ténèbres, par conséquent, le travail d'Earle Brown, Morton Feldman et Christian Wolff continue de présenter une lumière brillante, pour la raison qu'aux différents points de la notation, de la performance et de l'audition, l'action est provocante."

Cage a terminé Williams Mix en 1953 tout en travaillant avec le projet Music for Magnetic Tape. Le groupe n'avait pas d'installation permanente et devait compter sur du temps emprunté dans des studios de son commerciaux, y compris le studio de Louis et Bebe Barron .

Columbia-Princeton Center

La même année , l'Université de Columbia a acheté son premier magnétophone - une machine Ampex professionnelle - pour enregistrer des concerts. Vladimir Ussachevsky, qui faisait partie de la faculté de musique de l'Université de Columbia, a été chargé de l'appareil et a presque immédiatement commencé à l'expérimenter.

Herbert Russcol écrit: "Bientôt, il fut intrigué par les nouvelles sonorités qu'il pouvait obtenir en enregistrant des instruments de musique puis en les superposant les uns aux autres." Ussachevsky a déclaré plus tard: "J'ai soudainement réalisé que le magnétophone pouvait être traité comme un instrument de transformation du son." Le jeudi 8 mai 1952, Ussachevsky a présenté plusieurs démonstrations de musique / effets de bande qu'il a créés lors de son Forum des compositeurs, au McMillin Theatre de l'Université de Columbia. Celles-ci comprenaient la transposition, la réverbération, l'expérience, la composition et la valse sous -marine . Dans une interview, il a déclaré: "J'ai présenté quelques exemples de ma découverte lors d'un concert public à New York avec d'autres compositions que j'avais écrites pour des instruments conventionnels." Otto Luening, qui avait assisté à ce concert, a fait remarquer : « L'équipement à sa disposition se composait d'un magnétophone Ampex... et d'un simple appareil en forme de boîte conçu par le brillant jeune ingénieur, Peter Mauzey, pour créer une rétroaction, une forme de réverbération mécanique. D'autres équipements ont été empruntés ou achetés avec des fonds personnels.

À peine trois mois plus tard, en août 1952, Ussachevsky se rendit à Bennington, dans le Vermont, à l'invitation de Luening pour présenter ses expériences. Là, les deux ont collaboré sur diverses pièces. Luening a décrit l'événement: "Équipé d'écouteurs et d'une flûte, j'ai commencé à développer ma première composition pour magnétophone. Nous étions tous les deux des improvisateurs fluides et le médium a enflammé notre imagination." Ils ont joué quelques premiers morceaux de manière informelle lors d'une fête, où "un certain nombre de compositeurs nous ont presque solennellement félicités en disant:" C'est ça "(" ça "signifiant la musique du futur)."

La nouvelle est rapidement parvenue à New York. Oliver Daniel a téléphoné et a invité le couple à "produire un groupe de courtes compositions pour le concert d'octobre parrainé par l'American Composers Alliance et Broadcast Music, Inc., sous la direction de Leopold Stokowski au Museum of Modern Art de New York. Après quelques hésitation, nous avons accepté... Henry Cowell a mis sa maison et son studio à Woodstock, New York, à notre disposition. Avec l'équipement emprunté à l'arrière de la voiture d'Ussachevsky, nous avons quitté Bennington pour Woodstock et sommes restés deux semaines... fin septembre 1952, le laboratoire itinérant atteignit le salon d'Ussachevsky à New York, où nous terminâmes finalement les compositions."

Deux mois plus tard, le 28 octobre, Vladimir Ussachevsky et Otto Luening ont présenté le premier concert de Tape Music aux États-Unis. Le concert comprenait Fantasy in Space de Luening (1952) - "une pièce virtuose impressionniste " utilisant des enregistrements manipulés de flûte - et Low Speed ​​(1952), une "composition exotique qui a amené la flûte bien en dessous de sa gamme naturelle". Les deux pièces ont été créées chez Henry Cowell à Woodstock, New York. Après que plusieurs concerts aient fait sensation à New York, Ussachevsky et Luening ont été invités à une émission en direct du Today Show de NBC pour faire une démonstration d'interview - la première performance électroacoustique télévisée. Luening a décrit l'événement: "J'ai improvisé des séquences [de flûte] pour le magnétophone. Ussachevsky puis et là les a soumises à des transformations électroniques."

La partition de Forbidden Planet , de Louis et Bebe Barron , a été entièrement composée à l'aide de circuits électroniques et de magnétophones fabriqués sur mesure en 1956 (mais pas de synthétiseurs au sens moderne du terme).

Australie

CSIRAC , le premier ordinateur numérique d'Australie, exposé au Melbourne Museum

Le premier ordinateur au monde à jouer de la musique était CSIRAC , qui a été conçu et construit par Trevor Pearcey et Maston Beard. Le mathématicien Geoff Hill a programmé le CSIRAC pour jouer des mélodies musicales populaires du tout début des années 1950. En 1951, il joua publiquement la Marche du colonel Bogey , dont aucun enregistrement connu n'existe, seulement la reconstitution exacte. Cependant, le CSIRAC a joué un répertoire standard et n'a pas été utilisé pour étendre la pensée musicale ou la pratique de la composition. CSIRAC n'a jamais été enregistré, mais la musique jouée a été reconstituée avec précision. Les plus anciens enregistrements connus de musique générée par ordinateur ont été joués par l' ordinateur Ferranti Mark 1 , une version commerciale de la Baby Machine de l' Université de Manchester à l'automne 1951. Le programme musical a été écrit par Christopher Strachey .

Milieu à la fin des années 1950

L'impact des ordinateurs se poursuit en 1956. Lejaren Hiller et Leonard Isaacson composent Illiac Suite pour quatuor à cordes , la première œuvre complète de composition assistée par ordinateur utilisant la composition algorithmique . "... Hiller a postulé qu'un ordinateur pouvait apprendre les règles d'un style particulier, puis être appelé à composer en conséquence." Les développements ultérieurs comprenaient le travail de Max Mathews aux Bell Laboratories , qui a développé le programme influent MUSIC I en 1957, l'un des premiers programmes informatiques à jouer de la musique électronique. La technologie Vocoder a également été un développement majeur à cette époque. En 1956, Stockhausen compose Gesang der Jünglinge , la première grande œuvre de l'atelier de Cologne, basée sur un texte du Livre de Daniel . Un développement technologique important de cette année-là fut l'invention du synthétiseur Clavivox par Raymond Scott avec un sous-ensemble par Robert Moog .

En 1957, Kid Baltan ( Dick Raaymakers ) et Tom Dissevelt sortent leur premier album, Song Of The Second Moon , enregistré au studio Philips aux Pays-Bas. Le public est resté intéressé par les nouveaux sons créés dans le monde, comme en témoigne l'inclusion du Poème électronique de Varèse , qui a été diffusé sur quatre cents haut-parleurs au pavillon Philips de l' Exposition universelle de Bruxelles de 1958 . Cette même année, Mauricio Kagel , un compositeur argentin , compose Transición II . Le travail a été réalisé au studio WDR à Cologne. Deux musiciens jouaient au piano, l'un à la manière traditionnelle, l'autre jouant sur les cordes, le cadre et la caisse. Deux autres interprètes ont utilisé une bande pour unir la présentation des sons en direct avec l'avenir des matériaux préenregistrés de plus tard et son passé d'enregistrements effectués plus tôt dans la performance.

En 1958, Columbia-Princeton a développé le RCA Mark II Sound Synthesizer , le premier synthétiseur programmable . Des compositeurs éminents tels que Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt , Charles Wuorinen , Halim El-Dabh, Bülent Arel et Mario Davidovsky ont largement utilisé le synthétiseur RCA dans diverses compositions. L'un des compositeurs les plus influents associés aux premières années du studio était l'Égyptien Halim El-Dabh qui, après avoir développé la première musique électronique connue en 1944, est devenu plus célèbre pour Leiyla and the Poet , une série de compositions électroniques de 1959 qui s'est démarqué par son immersion et sa fusion harmonieuse de la musique électronique et folklorique , contrairement à l'approche plus mathématique utilisée par les compositeurs en série de l'époque tels que Babbitt. El-Dabh's Leiyla and the Poet , sorti dans le cadre de l'album Columbia-Princeton Electronic Music Center en 1961, serait cité comme une forte influence par un certain nombre de musiciens, allant de Neil Rolnick , Charles Amirkhanian et Alice Shields aux musiciens de rock Frank Zappa et The West Coast Pop Art Experimental Band .

Suite à l'émergence de divergences au sein du GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète), Pierre Henry, Philippe Arthuys et plusieurs de leurs collègues démissionnent en avril 1958. Schaeffer crée un nouveau collectif, le Groupe de Recherches Musicales (GRM) et se lance dans recrutant de nouveaux membres dont Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard Parmegiani et Mireille Chamass-Kyrou. Les arrivées ultérieures comprenaient Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton et François Bayle .

Agrandissement : années 1960

Ce furent des années fertiles pour la musique électronique, pas seulement pour le monde universitaire, mais aussi pour les artistes indépendants à mesure que la technologie des synthétiseurs devenait plus accessible. À cette époque, une forte communauté de compositeurs et de musiciens travaillant avec de nouveaux sons et instruments s'est établie et s'est développée. 1960 voit la composition des Gargouilles de Luening pour violon et bande ainsi que la création de Kontakte de Stockhausen pour sons électroniques, piano et percussions. Cette pièce existait en deux versions - une pour bande à 4 canaux et l'autre pour bande avec des interprètes humains. "Dans Kontakte , Stockhausen a abandonné la forme musicale traditionnelle basée sur le développement linéaire et l'apogée dramatique. Cette nouvelle approche, qu'il a qualifiée de" forme moment ", ressemble aux techniques de" jonction cinématographique "du cinéma du début du XXe siècle."

Le thérémine était utilisé depuis les années 1920, mais il a atteint une certaine reconnaissance populaire grâce à son utilisation dans la bande originale des films de science-fiction dans les années 1950 (par exemple, la partition classique de Bernard Herrmann pour Le jour où la terre s'arrêta ).

Au Royaume-Uni, à cette époque, le BBC Radiophonic Workshop (créé en 1958) s'est fait connaître, en grande partie grâce à leur travail sur la série de science-fiction de la BBC Doctor Who . L'une des artistes électroniques britanniques les plus influentes de cette période était Delia Derbyshire , membre du personnel du Workshop , qui est maintenant célèbre pour sa réalisation électronique en 1963 du thème emblématique de Doctor Who , composé par Ron Grainer .

Le compositeur israélien Josef Tal au studio de musique électronique de Jérusalem (vers 1965) avec le Creative Tape Recorder de Hugh Le Caine (un synthétiseur sonore ) alias "Multi-track"

Pendant le temps de la bourse de l' UNESCO pour les études en musique électronique (1958) , Josef Tal a effectué un voyage d'étude aux États-Unis et au Canada. Il a résumé ses conclusions dans deux articles qu'il a soumis à l'UNESCO. En 1961, il a créé le Centre de musique électronique en Israël à l'Université hébraïque de Jérusalem. En 1962, Hugh Le Caine arrive à Jérusalem pour installer son Creative Tape Recorder au centre. Dans les années 1990, Tal a mené, avec le Dr Shlomo Markel, en coopération avec le Technion - Israel Institute of Technology et la Fondation Volkswagen, un projet de recherche ("Talmark") visant à développer un nouveau système de notation musicale pour la musique électronique.

Milton Babbitt a composé sa première œuvre électronique à l'aide du synthétiseur - sa Composition pour synthétiseur (1961) - qu'il a créée à l'aide du synthétiseur RCA au Columbia-Princeton Electronic Music Center.

Pour Babbitt, le synthétiseur RCA était un rêve devenu réalité pour trois raisons. Tout d'abord, la capacité d'identifier et de contrôler précisément chaque élément musical. Deuxièmement, le temps nécessaire pour réaliser ses structures sérielles élaborées a été mis à portée de main. Troisièmement, la question n'était plus « Quelles sont les limites de l'interprète humain ? mais plutôt "Quelles sont les limites de l'ouïe humaine ?"

Les collaborations ont également eu lieu à travers les océans et les continents. En 1961, Ussachevsky invite Varèse au Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Dès son arrivée, Varèse se lance dans une révision des Déserts . Il était secondé par Mario Davidovsky et Bülent Arel .

L'activité intense qui se déroule au CPEMC et ailleurs a inspiré la création du San Francisco Tape Music Center en 1963 par Morton Subotnick , avec des membres supplémentaires Pauline Oliveros , Ramon Sender , Anthony Martin et Terry Riley .

Plus tard, le Centre a déménagé au Mills College , dirigé par Pauline Oliveros , où il est aujourd'hui connu sous le nom de Centre de musique contemporaine.

Simultanément à San Francisco, le compositeur Stan Shaff et le concepteur d'équipements Doug McEachern, présentent le premier concert "Audium" au San Francisco State College (1962), suivi d'une œuvre au San Francisco Museum of Modern Art (1963), conçue comme dans le temps , mouvement contrôlé du son dans l'espace. Douze haut-parleurs entouraient le public, quatre haut-parleurs étaient montés sur une construction rotative de type mobile au-dessus. Dans une performance SFMOMA l'année suivante (1964), le critique musical du San Francisco Chronicle Alfred Frankenstein a commenté, "les possibilités du continuum espace-son ont rarement été aussi largement explorées". En 1967, le premier Audium , un "continuum d'espace sonore" a ouvert ses portes, organisant des représentations hebdomadaires jusqu'en 1970. En 1975, grâce aux fonds de démarrage du National Endowment for the Arts , un nouvel Audium a ouvert, conçu du sol au plafond pour la composition sonore spatiale. et performances. "En revanche, il y a des compositeurs qui ont manipulé l'espace sonore en localisant plusieurs haut-parleurs à divers endroits dans un espace de performance, puis en commutant ou en faisant un panoramique du son entre les sources. Dans cette approche, la composition de la manipulation spatiale dépend de l'emplacement des haut-parleurs. et exploite généralement les propriétés acoustiques de l'enceinte. Les exemples incluent le Poème électronique de Varèse (musique sur bande jouée dans le pavillon Philips de l'Exposition universelle de 1958 à Bruxelles) et l' installation Audium [ sic ] de Stanley Schaff , actuellement active à San Francisco. À travers des programmes hebdomadaires (plus de 4 500 en 40 ans), Shaff "sculpte" le son, interprétant en direct des œuvres spatiales désormais numérisées à travers 176 haut-parleurs.

Un exemple bien connu de l'utilisation du synthétiseur modulaire Moog pleine grandeur de Moog est l' album Switched-On Bach de 1968 de Wendy Carlos , qui a déclenché un engouement pour la musique de synthétiseur.

En 1969 , David Tudor a apporté un synthétiseur modulaire Moog et des magnétophones Ampex à l' Institut national de design d'Ahmedabad avec le soutien de la famille Sarabhai , formant la fondation du premier studio de musique électronique de l'Inde. Ici, un groupe de compositeurs Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur et Atul Desai ont développé des compositions sonores expérimentales entre 1969 et 1973

Outre le synthétiseur modulaire Moog, d'autres marques de cette période comprenaient ARP et Buchla.

Pietro Grossi était un pionnier italien de la composition informatique et de la musique sur bande, qui a d'abord expérimenté les techniques électroniques au début des années soixante. Grossi était violoncelliste et compositeur, né à Venise en 1917. Il a fondé le S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) en 1963 pour expérimenter le son et la composition électroniques.

Informatique musicale

Les mélodies musicales ont été générées pour la première fois par l'ordinateur CSIRAC en Australie en 1950. Il y avait des articles de journaux d'Amérique et d'Angleterre (début et récemment) selon lesquels les ordinateurs auraient peut-être joué de la musique plus tôt, mais des recherches approfondies ont démystifié ces histoires car il n'y a aucune preuve pour soutenir le articles de journaux (dont certains étaient manifestement spéculatifs). Des recherches ont montré que les gens spéculaient sur le fait que les ordinateurs jouaient de la musique, peut-être parce que les ordinateurs feraient du bruit, mais rien ne prouve qu'ils l'aient réellement fait.

Le premier ordinateur au monde à jouer de la musique était le CSIRAC , qui a été conçu et construit par Trevor Pearcey et Maston Beard dans les années 1950. Le mathématicien Geoff Hill a programmé le CSIRAC pour jouer des mélodies musicales populaires du tout début des années 1950. En 1951, il joua publiquement la " Marche du colonel Bogey " dont aucun enregistrement connu n'existe. Cependant, le CSIRAC a joué un répertoire standard et n'a pas été utilisé pour étendre la pensée musicale ou la pratique de la composition qui est la pratique actuelle de l'informatique musicale.

La première musique à être interprétée en Angleterre fut une interprétation de l' hymne national britannique programmé par Christopher Strachey sur le Ferranti Mark I, à la fin de 1951. Plus tard cette année-là, de courts extraits de trois morceaux y furent enregistrés par une unité de diffusion extérieure de la BBC . : l'hymne national, " Ba, Ba Black Sheep " et " In the Mood " et ceci est reconnu comme le premier enregistrement d'un ordinateur pour jouer de la musique. Cet enregistrement peut être écouté sur ce site de l'Université de Manchester . Des chercheurs de l' Université de Canterbury , Christchurch ont décoché et restauré cet enregistrement en 2016 et les résultats peuvent être entendus sur SoundCloud .

La fin des années 1950, les années 1960 et les années 1970 ont également vu le développement de la synthèse informatique à grande échelle. À partir de 1957, Max Mathews de Bell Labs a développé les programmes MUSIC, aboutissant à MUSIC V , un langage de synthèse numérique directe.

Laurie Spiegel a développé le logiciel de composition musicale algorithmique « Music Mouse » (1986) pour les ordinateurs Macintosh , Amiga et Atari .

Musique stochastique

Un nouveau développement important a été l'avènement des ordinateurs pour composer de la musique, par opposition à la manipulation ou à la création de sons. Iannis Xenakis a commencé ce qu'on appelle la musique stochastique , ou musique stochastique , qui est une méthode de composition qui utilise des systèmes de probabilités mathématiques. Différents algorithmes de probabilité ont été utilisés pour créer une pièce sous un ensemble de paramètres. Xenakis a utilisé des ordinateurs pour composer des pièces comme ST/4 pour quatuor à cordes et ST/48 pour orchestre (tous deux de 1962), Morsima-Amorsima , ST/10 et Atrées . Il développe le système informatique UPIC pour traduire des images graphiques en résultats musicaux et compose avec celui-ci Mycènes Alpha (1978).

Électronique en direct

En Europe en 1964, Karlheinz Stockhausen compose Mikrophonie I pour tam-tam , microphones à main, filtres et potentiomètres, et Mixtur pour orchestre, quatre générateurs sinusoïdaux et quatre modulateurs en anneau . En 1965, il compose Mikrophonie II pour chœur, orgue Hammond et modulateurs en anneau.

En 1966-1967, Reed Ghazala a découvert et a commencé à enseigner le " circuit bending " - l'application du court-circuit créatif, un processus de court-circuit aléatoire, créant des instruments électroniques expérimentaux, explorant des éléments sonores principalement de timbre et avec moins d'attention à la hauteur ou rythme, et influencé par le concept de musique aléatoire [ sic ] de John Cage .

La carrière artistique et musicale de Cosey Fanni Tutti a exploré le concept de musique « acceptable » et elle a ensuite exploré l'utilisation du son comme moyen de désir ou d'inconfort.

Wendy Carlos a interprété des sélections de son album Switched-On Bach sur scène avec un synthétiseur avec le St. Louis Symphony Orchestra ; une autre performance live était avec le Kurzweil Baroque Ensemble pour "Bach at the Beacon" en 1997.

En juin 2018, Suzanne Ciani a sorti LIVE Quadraphonic , un album live documentant sa première performance solo sur un synthétiseur Buchla en 40 ans. C'était l'une des premières sorties vinyle quadriphoniques depuis plus de 30 ans.

Instruments japonais

Premier orgue électronique : Yamaha Electone D-1 (1959)

Dans les années 1950, les instruments de musique électroniques japonais ont commencé à influencer l' industrie musicale internationale . Ikutaro Kakehashi , qui a fondé Ace Tone en 1960, a développé sa propre version de la percussion électronique qui était déjà populaire sur l'orgue électronique d'outre-mer. Au NAMM 1964, il l'a révélé sous le nom de R-1 Rhythm Ace, un appareil à percussion manuel qui jouait des sons de batterie électroniques manuellement lorsque l'utilisateur appuyait sur des boutons, de la même manière que les pads de batterie électroniques modernes.

Première boîte à rythmes : Korg Donca Matic DA-20 (1963)

En 1963, Korg sort le Donca-Matic DA-20 , une boîte à rythmes électromécanique . En 1965, Nippon Columbia a breveté une boîte à rythmes entièrement électronique. Korg a sorti la boîte à rythmes électronique Donca-Matic DC-11 en 1966, qu'ils ont suivie avec le Korg Mini Pops , qui a été développé en option pour l' orgue électrique Yamaha Electone . Les séries Stageman et Mini Pops de Korg se distinguaient par leurs sons de "percussion métallique naturelle" et incorporaient des commandes pour les " breaks et fill-ins " de batterie.

En 1967, le fondateur d'Ace Tone, Ikutaro Kakehashi , a breveté un générateur de motifs rythmiques prédéfinis utilisant un circuit matriciel à diodes similaire au précédent brevet américain 3 358 068 de Seeburg déposé en 1964 (voir Drum machine#History ), qu'il a publié sous le nom de FR-1 Rhythm Ace. boîte à rythme la même année. Il offrait 16 modèles prédéfinis et quatre boutons pour jouer manuellement chaque son d'instrument ( cymbale , claves , cloche et grosse caisse ). Les motifs rythmiques pouvaient également être mis en cascade en appuyant simultanément sur plusieurs boutons de rythme, et la combinaison possible de motifs rythmiques était supérieure à une centaine. Les boîtes à rythmes Rhythm Ace d'Ace Tone ont trouvé leur place dans la musique populaire de la fin des années 1960, suivies par les boîtes à rythmes Korg dans les années 1970. Kakehashi a ensuite quitté Ace Tone et a fondé Roland Corporation en 1972, les synthétiseurs et boîtes à rythmes Roland devenant très influents au cours des décennies suivantes. L'entreprise allait avoir un impact important sur la musique populaire et faire plus pour façonner la musique électronique populaire que toute autre entreprise.

Platine vinyle à entraînement direct : Technics SL-1200 (introduite en 1972)

Le turntablism trouve son origine dans l'invention des platines à entraînement direct . Les premières platines à entraînement par courroie n'étaient pas adaptées au plateau tournant, car elles avaient un temps de démarrage lent, et elles étaient sujettes à l'usure et à la casse, car la courroie se cassait à cause d'un backspin ou d'un grattage. La première platine à entraînement direct a été inventée par Shuichi Obata, ingénieur chez Matsushita (aujourd'hui Panasonic ), basé à Osaka , au Japon . Il a éliminé les courroies et a plutôt utilisé un moteur pour entraîner directement un plateau sur lequel repose un disque vinyle. En 1969, Matsushita l'a lancé sous le nom de SP-10 , la première platine à entraînement direct sur le marché et la première de leur influente série de platines Technics . Il a été remplacé par les Technics SL-1100 et SL-1200 au début des années 1970, et ils ont été largement adoptés par les musiciens hip hop , le SL-1200 restant la platine vinyle la plus utilisée dans la culture DJ pendant plusieurs décennies.

Dub jamaïcain

En Jamaïque , une forme de musique électronique populaire a émergé dans les années 1960, la musique dub , ancrée dans la culture sound system . La musique Dub a été lancée par des ingénieurs de studio, tels que Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry et Scientist , produisant de la musique expérimentale influencée par le reggae avec la technologie du son électronique, dans des studios d'enregistrement et lors de soirées de sonorisation. Leurs expériences comprenaient des formes de composition sur bande comparables à des aspects de la musique concrète , une emphase sur des structures rythmiques répétitives (souvent dépouillées de leurs éléments harmoniques) comparables au minimalisme , la manipulation électronique de la spatialité, la manipulation électronique sonore de matériaux musicaux préenregistrés. des médias de masse, des deejays portant un toast sur de la musique préenregistrée comparable à de la musique électronique en direct , remixant de la musique, du platinisme et du mixage et du scratch de vinyle.

Malgré l'équipement électronique limité dont disposaient les pionniers du dub tels que King Tubby et Lee "Scratch" Perry, leurs expériences dans la culture du remix étaient à la pointe de la musique. King Tubby, par exemple, était propriétaire d'un système de sonorisation et technicien en électronique, dont le petit studio situé dans le ghetto de Waterhouse, dans l'ouest de Kingston , était un site clé de la création de musique dub.

Fin des années 1960 au début des années 1980

Montée de la musique électronique populaire

À la fin des années 1960, des musiciens pop et rock , dont les Beach Boys et les Beatles , ont commencé à utiliser des instruments électroniques, comme le thérémine et le mellotron , pour compléter et définir leur son. Dans son livre Electronic and Experimental Music , Thom Holmes reconnaît l'enregistrement des Beatles de 1966 " Tomorrow Never Knows " comme la chanson qui "a inauguré une nouvelle ère dans l'utilisation de la musique électronique dans la musique rock et pop" en raison de l'incorporation de la bande par le groupe. boucles et sons de bande inversés et manipulés en vitesse.

Toujours à la fin des années 1960, le duo de musique Silver Apples et des groupes de rock expérimental comme White Noise et les États-Unis d'Amérique sont considérés comme des pionniers des genres rock électronique et électronique pour leur travail de fusion du rock psychédélique avec des oscillateurs et des synthétiseurs. L'instrumental « Popcorn » de 1969 écrit par Gershon Kingsley, un compositeur germano-américain qui a sorti deux albums avec le musicien électronique français Jean-Jacques Perrey , est devenu un succès mondial grâce à la version de 1972 réalisée par Hot Butter .

Keith Emerson se produisant à Saint-Pétersbourg en 2008

À la fin des années 1960, le synthétiseur Moog a pris une place de choix dans le son du rock progressif émergent avec des groupes tels que Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer et Genesis , les intégrant à leur son. Le rock progressif instrumental était particulièrement important en Europe continentale, permettant à des groupes comme Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Neu! , et Faust pour contourner la barrière de la langue. Leur " krautrock " lourd de synthétiseur , ainsi que le travail de Brian Eno (pendant un temps le claviériste de Roxy Music ), allaient avoir une influence majeure sur le rock électronique ultérieur .

Le dub ambiant a été lancé par King Tubby et d'autres artistes sonores jamaïcains, utilisant une électronique ambiante inspirée des DJ , avec des décrochages, de l'écho, de l'égalisation et des effets électroniques psychédéliques . Il comportait des techniques de superposition et incorporait des éléments de musique du monde , des lignes de basse profondes et des sons harmoniques. Des techniques telles qu'un long délai d'écho ont également été utilisées. Parmi les autres artistes notables du genre figurent Dreadzone , Higher Intelligence Agency , The Orb , Ott , Loop Guru , Woob et Transglobal Underground .

La musique dub a influencé les techniques musicales électroniques adoptées plus tard par la musique hip hop lorsque le DJ immigrant jamaïcain Kool Herc au début des années 1970 a introduit la culture du système audio jamaïcain et les techniques de musique dub en Amérique. Une de ces techniques qui est devenue populaire dans la culture hip hop consistait à jouer deux copies du même disque sur deux platines en alternance, prolongeant la section préférée des b-dancers . La platine vinyle est finalement devenue l'instrument de musique électronique le plus visible, et parfois le plus virtuose , dans les années 1980 et 1990.

Le rock électronique a également été produit par plusieurs musiciens japonais, dont Electric Samurai: Switched on Rock (1972) d' Isao Tomita , qui présentait des interprétations de synthétiseur Moog de chansons pop et rock contemporaines, et l' album de rock progressif Benzaiten (1974) d' Osamu Kitajima . Le milieu des années 1970 a vu la montée en puissance de musiciens de musique d'art électronique tels que Jean Michel Jarre , Vangelis , Tomita et Klaus Schulze , qui ont eu une influence significative sur le développement de la musique new-age . L' attrait high-tech de ces œuvres a créé pendant quelques années la tendance à répertorier le matériel musical électronique utilisé dans les pochettes d'albums, comme un élément distinctif. La musique électronique a commencé à entrer régulièrement dans les programmes radio et les palmarès des meilleures ventes, comme le groupe français Space avec leur single Magic Fly en 1977 .

À cette époque, le son de musiciens rock comme Mike Oldfield et The Alan Parsons Project (à qui l'on attribue la première chanson rock à comporter un vocodeur numérique en 1975, The Raven ) était arrangé et mélangé avec des effets électroniques et/ou de la musique comme Eh bien, qui est devenu beaucoup plus important au milieu des années 1980. Jeff Wayne a obtenu un succès durable avec sa version musicale rock électronique de 1978 de La guerre des mondes .

Les bandes sonores de films bénéficient également du son électronique. En 1977, Gene Page enregistre une version disco du thème à succès de John Williams du film de Steven Spielberg , Close Encounters of the Third Kind . La version de Page a culminé sur le classement R&B à la 30e place en 1978. La partition du film de 1978 Midnight Express composée par le pionnier du synthé italien Giorgio Moroder a remporté l' Oscar de la meilleure musique originale en 1979 , tout comme en 1981 la partition de Vangelis pour Chars de feu .

Après l'arrivée du punk rock , une forme de rock électronique de base a émergé, utilisant de plus en plus les nouvelles technologies numériques pour remplacer d'autres instruments. Le duo américain Suicide , issu de la scène punk de New York, a utilisé des boîtes à rythmes et des synthétiseurs dans un hybride entre électronique et punk sur leur album éponyme de 1977 .

Parmi les groupes pionniers de la synth-pop qui ont connu le succès pendant des années, citons Ultravox avec leur morceau de 1977 "Hiroshima Mon Amour" sur Ha!-Ha!-Ha! , Yellow Magic Orchestra avec leur album éponyme (1978), The Buggles avec leur premier single de 1979, Video Killed the Radio Star , Gary Numan avec son premier album solo The Pleasure Principle et le single Cars en 1979, Orchestral Maneuvers in the Dark avec leur single Electricity de 1979 figurait sur leur premier album éponyme , Depeche Mode avec leur premier single Dreaming of Me enregistré en 1980 et sorti en 1981 album Speak & Spell , A Flock of Seagulls avec leur single de 1981 Talking , New Order with Ceremony en 1981, et The Human League avec leur hit de 1981 Don't You Want Me de leur troisième album Dare .

New Order en concert au Chili en 2019

La définition du MIDI et le développement de l'audio numérique ont rendu le développement de sons purement électroniques beaucoup plus facile, les ingénieurs du son , les producteurs et les compositeurs explorant fréquemment les possibilités de pratiquement tous les nouveaux modèles d'équipements sonores électroniques lancés par les fabricants. La synth-pop utilisait parfois des synthétiseurs pour remplacer tous les autres instruments, mais il était plus courant que les groupes aient un ou plusieurs claviéristes dans leurs formations avec des guitaristes, des bassistes et / ou des batteurs. Ces développements ont conduit à la croissance de la synth-pop, qui après son adoption par le mouvement New Romantic , a permis aux synthétiseurs de dominer la musique pop et rock du début des années 1980 jusqu'à ce que le style commence à perdre de sa popularité au milieu de la fin. de la décennie. Outre les pionniers à succès susmentionnés, les artistes clés comprenaient Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan et Eurythmics .

La synth-pop a été reprise dans le monde entier, avec des succès internationaux pour des artistes tels que Men Without Hats , Trans-X et Lime du Canada, Telex de Belgique, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda et Alphaville d'Allemagne, Yello de Suisse et Azul y Negro d'Espagne. De plus, le son du synthé est une caractéristique clé de l'Italo-disco .

Certains groupes de synth-pop ont créé eux-mêmes des styles visuels futuristes pour renforcer l'idée que les sons électroniques étaient principalement liés à la technologie, comme les Américains Devo et les Espagnols Aviador Dro .

Les synthétiseurs à clavier sont devenus si courants que même les groupes de heavy metal rock, un genre souvent considéré comme à l' opposé de l'esthétique, du son et du style de vie de celui des artistes pop électroniques par les fans des deux côtés, ont remporté un succès mondial avec des thèmes comme 1983 Jump de Van Halen et 1986 Jump de Van Halen et 1986 Jump de Van Halen. The Final Countdown d' Europe , qui met en évidence les synthés.

Prolifération des institutions de recherche sur la musique électronique

Elektronmusikstudion (EMS), anciennement connu sous le nom de musique électroacoustique en Suède, est le centre national suédois de la musique électronique et de l'art sonore . L'organisation de recherche a débuté en 1964 et est basée à Stockholm.

L'IRCAM à la Place Igor Stravinsky, Paris

STEIM est un centre de recherche et de développement de nouveaux instruments de musique dans les arts du spectacle électroniques, situé à Amsterdam, aux Pays-Bas. STEIM existe depuis 1969. Il a été fondé par Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen , Reinbert de Leeuw et Konrad Boehmer . Ce groupe de compositeurs néerlandais s'était battu pour la réforme des structures musicales féodales d'Amsterdam; ils ont insisté sur la nomination de Bruno Maderna comme directeur musical de l'Orchestre du Concertgebouw et ont imposé les premiers financements publics pour la musique électronique expérimentale et improvisée aux Pays-Bas.

L'IRCAM à Paris est devenu un centre majeur de recherche en informatique musicale et de réalisation et de développement du système informatique Sogitec 4X , doté alors d'un traitement numérique du signal en temps réel révolutionnaire. Répons de Pierre Boulez (1981) pour 24 musiciens et 6 solistes utilise le 4X pour transformer et acheminer les solistes vers un système de haut-parleurs.

Barry Vercoe décrit l'une de ses expériences avec les premiers sons d'ordinateur :

Sogitec 4X (vers 1983) à la salle des machines de l'IRCAM en 1989

À l'IRCAM de Paris en 1982, le flûtiste Larry Beauregard avait connecté sa flûte au processeur audio 4X de DiGiugno, permettant un suivi de hauteur en temps réel. Sur un Guggenheim à l'époque, j'ai étendu ce concept au suivi de partition en temps réel avec accompagnement synchronisé automatique, et au cours des deux années suivantes, Larry et moi avons fait de nombreuses démonstrations de l'ordinateur en tant que chambriste, jouant des sonates pour flûte de Haendel , Boulez ' s Sonatine pour flûte et piano et en 1984 ma propre Synapse II pour flûte et ordinateur—la première pièce jamais composée expressément pour une telle configuration. Un défi majeur consistait à trouver les bonnes constructions logicielles pour prendre en charge un accompagnement hautement sensible et réactif. Tout cela était pré-MIDI, mais les résultats étaient impressionnants même si de fortes doses de tempo rubato surprenaient continuellement mon interprète synthétique . En 1985, nous avons résolu le problème du tempo rubato en incorporant l'apprentissage des répétitions (chaque fois que vous jouiez de cette façon, la machine s'améliorait). Nous faisions également la chasse au violon, car notre brillant et jeune flûtiste avait contracté un cancer mortel. De plus, cette version utilisait une nouvelle norme appelée MIDI, et ici j'ai été habilement aidé par l'ancien étudiant Miller Puckette, dont il a ensuite développé les concepts initiaux pour cette tâche dans un programme appelé MAX .

Synthétiseurs à clavier

Mini-synthétiseur Moog

Sorti en 1970 par Moog Music , le Mini-Moog a été parmi les premiers synthétiseurs largement disponibles, portables et relativement abordables. Il est devenu autrefois le synthétiseur le plus utilisé à cette époque dans la musique d'art populaire et électronique. Patrick Gleeson , jouant en direct avec Herbie Hancock au début des années 1970, a été le pionnier de l'utilisation des synthétiseurs dans un contexte de tournée, où ils étaient soumis à des contraintes pour lesquelles les premières machines n'étaient pas conçues.

En 1974, le studio WDR de Cologne a acquis un synthétiseur EMS Synthi 100 , que de nombreux compositeurs ont utilisé pour produire des œuvres électroniques remarquables, notamment Fünf deutsche Tänze de Rolf Gehlhaar (1975), Sirius de Karlheinz Stockhausen (1975-1976) et John McGuire ' s Pulse Music III (1978).

Grâce à la miniaturisation de l'électronique dans les années 1970, au début des années 1980, les synthétiseurs à clavier sont devenus plus légers et abordables, intégrant dans une seule unité mince toute l'électronique de synthèse audio nécessaire et le clavier de style piano lui-même, en contraste frappant avec les machines encombrantes. et " câble spaguetty " employé avec les années 1960 et 1970. Premièrement, avec les synthétiseurs analogiques, la tendance s'est poursuivie avec les synthétiseurs numériques et les échantillonneurs également (voir ci-dessous).

Synthétiseurs numériques

En 1975, la société japonaise Yamaha a autorisé les algorithmes de synthèse de modulation de fréquence (synthèse FM) de John Chowning , qui l'avait expérimenté à l'Université de Stanford depuis 1971. Les ingénieurs de Yamaha ont commencé à adapter l'algorithme de Chowning pour une utilisation dans un synthétiseur numérique, ajoutant des améliorations telles que la méthode "key scaling" pour éviter l'introduction de distorsion qui se produit normalement dans les systèmes analogiques lors de la modulation de fréquence .

En 1980, Yamaha a finalement sorti le premier synthétiseur numérique FM, le Yamaha GS-1, mais à un prix élevé. En 1983, Yamaha a présenté le premier synthétiseur numérique autonome, le DX7 , qui utilisait également la synthèse FM et deviendrait l'un des synthétiseurs les plus vendus de tous les temps. Le DX7 était connu pour ses tonalités lumineuses reconnaissables qui étaient en partie dues à un taux d' échantillonnage supérieur de 57 kHz.

Yamaha DX7 , un modèle pour de nombreux synthétiseurs numériques des années 1980

Le Korg Poly-800 est un synthétiseur lancé par Korg en 1983. Son prix catalogue initial de 795 $ en a fait le premier synthétiseur entièrement programmable vendu à moins de 1 000 $. Il avait une polyphonie à 8 voix avec un oscillateur à commande numérique (DCO) par voix.

Le Casio CZ-101 était le premier et le plus vendu des synthétiseurs à distorsion de phase de la gamme Casio CZ . Sorti en novembre 1984, c'était l'un des premiers (sinon le premier) synthétiseurs polyphoniques entièrement programmables disponible pour moins de 500 $.

Le Roland D-50 est un synthétiseur numérique produit par Roland et sorti en avril 1987. Ses caractéristiques incluent la synthèse soustractive , des effets intégrés, un joystick pour la manipulation des données et une conception de mise en page de style synthèse analogique. Le programmeur externe Roland PG-1000 (1987–1990) pourrait également être attaché au D-50 pour une manipulation plus complexe de ses sons.

Échantillonneurs

Un échantillonneur est un instrument de musique électronique ou numérique qui utilise des enregistrements sonores (ou « échantillons ») de sons d'instruments réels (par exemple, un piano, un violon ou une trompette), des extraits de chansons enregistrées (par exemple, un riff de guitare basse de cinq secondes d'un chanson funk ) ou des sons trouvés (par exemple, sirènes et vagues de l'océan). Les échantillons sont chargés ou enregistrés par l'utilisateur ou par un fabricant. Ces sons sont ensuite lus à l'aide du programme d'échantillonnage lui-même, d'un clavier MIDI , d'un séquenceur ou d'un autre dispositif de déclenchement (par exemple, une batterie électronique ) pour jouer ou composer de la musique. Étant donné que ces échantillons sont généralement stockés dans une mémoire numérique, les informations peuvent être rapidement consultées. Un seul échantillon peut souvent être transposé à différentes hauteurs pour produire des gammes et des accords musicaux .

Fairlight CMI (1979–)

Avant les échantillonneurs à base de mémoire informatique, les musiciens utilisaient des claviers de lecture de bande, qui stockent les enregistrements sur bande analogique. Lorsqu'une touche est enfoncée, la tête de bande entre en contact avec la bande en mouvement et émet un son. Le Mellotron était le modèle le plus notable, utilisé par de nombreux groupes à la fin des années 1960 et dans les années 1970, mais de tels systèmes étaient coûteux et lourds en raison des multiples mécanismes de bande impliqués, et la gamme de l'instrument était limitée à trois octaves au maximum. Pour changer les sons, un nouveau jeu de bandes devait être installé dans l'instrument. L'émergence de l' échantillonneur numérique a rendu l'échantillonnage beaucoup plus pratique.

Le premier échantillonnage numérique a été effectué sur le système EMS Musys, développé par Peter Grogono (logiciel), David Cockerell (matériel et interface) et Peter Zinovieff (conception et fonctionnement du système) dans leur studio de Londres (Putney) c. 1969.

Le premier synthétiseur d'échantillonnage disponible dans le commerce était le Computer Music Melodian de Harry Mendell (1976).

Sorti pour la première fois en 1977-1978, le Synclavier I utilisant la synthèse FM , sous licence de Yamaha et vendu principalement aux universités, s'est avéré très influent parmi les compositeurs de musique électronique et les producteurs de musique, y compris Mike Thorne , l'un des premiers à adopter le commercial. monde, en raison de sa polyvalence, de sa technologie de pointe et de sons distinctifs.

Le premier synthétiseur d'échantillonnage numérique polyphonique était le Fairlight CMI , produit en Australie , disponible pour la première fois en 1979. Ces premiers synthétiseurs d'échantillonnage utilisaient une synthèse basée sur des échantillons à table d'ondes .

Naissance du MIDI

En 1980, un groupe de musiciens et de marchands de musique s'est réuni pour normaliser une interface que de nouveaux instruments pourraient utiliser pour communiquer des instructions de contrôle avec d'autres instruments et ordinateurs. Cette norme a été baptisée Musical Instrument Digital Interface ( MIDI ) et est le résultat d'une collaboration entre les principaux fabricants, initialement Sequential Circuits , Oberheim , Roland - et plus tard, d'autres participants dont Yamaha , Korg et Kawai . Un article a été rédigé par Dave Smith de Sequential Circuits et proposé à l' Audio Engineering Society en 1981. Puis, en août 1983, la spécification MIDI 1.0 a été finalisée.

La technologie MIDI permet à une seule touche, à un mouvement de molette de contrôle, à un mouvement de pédale ou à une commande d'un micro-ordinateur d'activer chaque appareil du studio à distance et de manière synchronisée, chaque appareil répondant selon des conditions prédéterminées par le compositeur.

Les instruments et logiciels MIDI ont rendu le contrôle puissant d'instruments sophistiqués facilement abordable par de nombreux studios et particuliers. Les sons acoustiques ont été réintégrés dans les studios via l'échantillonnage et des instruments basés sur des ROM échantillonnées.

Miller Puckette a développé un logiciel de traitement de signal graphique pour 4X appelé Max (d'après Max Mathews ) et l'a ensuite porté sur Macintosh (avec Dave Zicarelli l'étendant pour Opcode ) pour un contrôle MIDI en temps réel, apportant la disponibilité de la composition algorithmique à la plupart des compositeurs avec une programmation informatique modeste. Contexte.

Séquenceurs et boîtes à rythmes

Le début des années 1980 a vu l'essor des synthétiseurs de basse , le plus influent étant le Roland TB-303 , un synthétiseur de basse et séquenceur sorti à la fin de 1981 qui est devenu plus tard un incontournable de la musique de danse électronique , en particulier de l'acid house . L'un des premiers à l'utiliser fut Charanjit Singh en 1982, bien qu'il ne soit popularisé qu'avec " Acid Tracks " de Phuture en 1987. Les séquenceurs musicaux ont commencé à être utilisés vers le milieu du XXe siècle, et les albums de Tomita au milieu des années 1970 exemples ultérieurs. En 1978, Yellow Magic Orchestra utilisait une technologie informatique en conjonction avec un synthétiseur pour produire de la musique populaire, faisant leur première utilisation du séquenceur Roland MC-8 Microcomposer basé sur un microprocesseur .

Les boîtes à rythmes , également connues sous le nom de boîtes à rythmes, ont également commencé à être utilisées vers la fin des années 1950, avec un exemple ultérieur étant l'album de rock progressif d' Osamu Kitajima Benzaiten (1974), qui utilisait une boîte à rythmes avec une batterie électronique et un synthétiseur. En 1977, " Hiroshima Mon Amour " d' Ultravox est l'un des premiers singles à utiliser les percussions de type métronome d'une boîte à rythmes Roland TR-77 . En 1980, Roland Corporation a lancé la TR-808 , l'une des premières et des plus populaires boîtes à rythmes programmables . Le premier groupe à l'utiliser fut Yellow Magic Orchestra en 1980, et il gagnera plus tard en popularité avec la sortie de " Sexual Healing " de Marvin Gaye et de " Planet Rock " d' Afrika Bambaataa en 1982. Le TR-808 était un outil fondamental de la scène techno de Detroit à la fin des années 1980, et était la boîte à rythmes de choix pour Derrick May et Juan Atkins .

Chiptunes

Le son lo-fi caractéristique de la musique à puce était initialement le résultat des limitations techniques des puces sonores et des cartes son des premiers ordinateurs; cependant, le son est depuis devenu recherché à part entière.

Les puces sonores populaires bon marché courantes des premiers ordinateurs personnels des années 1980 incluent le SID des séries et clones Commodore 64 et General Instrument AY (comme le Yamaha YM2149) utilisés dans les modèles ZX Spectrum , Amstrad CPC , compatibles MSX et Atari ST , entre autres .

Fin des années 1980 aux années 1990

Montée de la musique de danse

La synth-pop s'est poursuivie jusqu'à la fin des années 1980, avec un format qui s'est rapproché de la musique de danse, y compris le travail d'actes tels que les duos britanniques Pet Shop Boys , Erasure et The Communards , remportant le succès pendant une grande partie des années 1990.

La tendance s'est poursuivie jusqu'à nos jours avec des boîtes de nuit modernes du monde entier jouant régulièrement de la musique de danse électronique (EDM). Aujourd'hui, la musique de danse électronique a des stations de radio, des sites Web et des publications comme Mixmag dédiés uniquement au genre. Malgré la tentative de l'industrie de créer une marque EDM spécifique, l'initialisme reste utilisé comme terme générique pour plusieurs genres, y compris la dance-pop , la house , la techno , l' électro et la transe , ainsi que leurs sous-genres respectifs. De plus, le genre a trouvé une importance commerciale et culturelle aux États-Unis et en Amérique du Nord, grâce au son très populaire de la grande salle / EDM qui a été incorporé dans la musique pop américaine et à la montée des raves commerciales à grande échelle telles que Electric Daisy Carnival , Tomorrowland et Ultra Music Festival .

Électronique

D'autre part, un large groupe de styles de musique basés sur l'électronique destinés à l'écoute plutôt qu'à la danse stricte se sont fait connaître sous l'égide "electronica" qui était également une scène musicale au début des années 1990 au Royaume-Uni . Selon un article du Billboard de 1997 , "l'union de la communauté des clubs et des labels indépendants " a fourni l'environnement expérimental et avant-gardiste dans lequel les actes d'électronica se sont développés et ont finalement atteint le grand public, citant des labels américains tels que Astralwerks ( The Chemical Brothers , Fatboy Slim , The Future Sound of London , Fluke ), Moonshine ( DJ Keoki ), Sims et City of Angels ( The Crystal Method ) pour avoir popularisé la dernière version de la musique électronique.

Années 2000 et 2010

Weekend Festival , un événement de musique électronique à Pärnu , Estonie , en 2016

À mesure que la technologie informatique est devenue plus accessible et que les logiciels de musique ont progressé, il est désormais possible d'interagir avec la technologie de production musicale en utilisant des moyens qui n'ont aucun rapport avec les pratiques de performance musicale traditionnelles : par exemple, la performance sur ordinateur portable ( laptronica ), le codage en direct et Algorave . En général, le terme Live PA fait référence à toute performance en direct de musique électronique, que ce soit avec des ordinateurs portables, des synthétiseurs ou d'autres appareils.

À partir de l'an 2000 environ, certains environnements de studio virtuels basés sur des logiciels ont émergé, avec des produits tels que Reason de Propellerhead et Ableton Live qui ont trouvé un attrait populaire. De tels outils offrent des alternatives viables et rentables aux studios de production traditionnels basés sur du matériel, et grâce aux progrès de la technologie des microprocesseurs , il est désormais possible de créer de la musique de haute qualité en utilisant un peu plus qu'un seul ordinateur portable. Ces progrès ont démocratisé la création musicale, entraînant une augmentation massive de la quantité de musique électronique produite à domicile accessible au grand public via Internet. Les instruments logiciels et les unités d'effets (appelés "plugins") peuvent être intégrés dans un studio informatisé à l'aide de la plate-forme VST. Certains de ces instruments sont des répliques plus ou moins exactes de matériel existant (comme le Roland D-50, l'ARP Odyssey, le Yamaha DX7 ou le Korg M1). Dans de nombreux cas, ces instruments logiciels sont acoustiquement indiscernables de leur homologue physique.

Courbure de circuit

La courbure de circuits est la modification de jouets et de synthétiseurs alimentés par batterie pour créer de nouveaux effets sonores involontaires. Il a été lancé par Reed Ghazala dans les années 1960 et Reed a inventé le nom "circuit bending" en 1992.

Le renouveau du synthé modulaire

Suivant la culture du circuit bending, les musiciens ont également commencé à construire leurs propres synthétiseurs modulaires, provoquant un regain d'intérêt pour les conceptions du début des années 1960. Eurorack est devenu un système populaire.

Voir également

Musique électronique en direct

Notes de bas de page

Sources

Lectures complémentaires

Liens externes