Industrie du cinéma - Film industry

L'équipe de tournage au milieu du 20e siècle

L' industrie cinématographique ou cinématographique comprend les institutions technologiques et commerciales du cinéma , c'est-à-dire les sociétés de production cinématographique , les studios de cinéma , la cinématographie , l' animation , la production cinématographique , la scénarisation , la pré-production , la post-production , les festivals de cinéma , la distribution et les acteurs, les réalisateurs et d'autres membres de l'équipe de tournage . Bien que les dépenses liées à la réalisation de films aient presque immédiatement conduit la production cinématographique à se concentrer sous les auspices de sociétés de production permanentes, les avancées dans le domaine des équipements cinématographiques abordables, ainsi que l'augmentation des possibilités d'acquérir des capitaux d'investissement en dehors de l'industrie cinématographique elle-même, ont permis au cinéma indépendant production à évoluer.

En 2019, le box-office mondial valait 42,2 milliards de dollars . En incluant les revenus du box-office et du divertissement à domicile , l'industrie cinématographique mondiale valait 136 milliards de dollars en 2018. Hollywood est la plus ancienne industrie cinématographique nationale au monde. Cependant, en 2020, la Chine est devenue le plus grand territoire de box-office, dépassant l'Amérique du Nord au total brut. La transition, longtemps attendue par les analystes, a été accélérée par la pandémie de COVID-19 . Le cinéma indien est la plus grande industrie cinématographique nationale en termes de nombre de films produits, avec 1 813 longs métrages produits chaque année à partir de 2018. En 2011, les industries cinématographiques nationales avec les ventes annuelles de billets les plus élevées au monde étaient le cinéma indien avec 3,5  milliards de billets vendus. , suivi d'Hollywood avec 2,6  milliards de billets vendus.

L'industrie cinématographique moderne

Le marché mondial du cinéma a enregistré un box-office de 42,2 milliards de dollars US en 2019. Les trois principaux continents/régions en termes de recettes brutes au box-office étaient : l'Asie-Pacifique avec 17,8 milliards de dollars US, les États-Unis et le Canada avec 11,4 milliards de dollars US , et l'Europe, le Moyen-Orient et l'Afrique du Nord avec 10,3 milliards de dollars . En 2019, les marchés les plus importants au box-office étaient, par ordre décroissant, les États-Unis, la Chine , le Japon , la Corée du Sud , le Royaume-Uni et la France . En 2019, les pays avec le plus grand nombre de productions cinématographiques étaient l' Inde , le Nigeria et les États-Unis. En Europe, les principaux centres de production cinématographique sont l'Italie, la France, l'Allemagne, l'Espagne et le Royaume-Uni.

États Unis

Le cinéma des États-Unis , souvent généralement appelé Hollywood, a eu un effet profond sur le cinéma à travers le monde depuis le début du 20e siècle. Le cinéma américain (Hollywood) est la plus ancienne industrie cinématographique au monde et aussi la plus grande industrie cinématographique en termes de revenus. Hollywood est le lien principal de l'industrie cinématographique américaine avec des installations d'études cinématographiques établies telles que l' American Film Institute , la LA Film School et la NYFA en cours d'établissement dans la région. Cependant, quatre des six grands studios de cinéma appartiennent à des sociétés de la côte est . Les principaux studios de cinéma d'Hollywood, notamment Metro-Goldwyn-Mayer , 20th Century Fox et Paramount Pictures, sont la principale source des films les plus réussis commercialement au monde , tels que The Sound of Music (1965), Star Wars (1977), Titanic (1997) et Avatar (2009).

Les studios de cinéma américains produisent aujourd'hui collectivement plusieurs centaines de films chaque année, faisant des États-Unis l'un des producteurs de films les plus prolifiques au monde. Seule la Walt Disney Company , propriétaire des Walt Disney Studios , est entièrement basée en Californie du Sud . Et tandis que Sony Pictures Entertainment a son siège à Culver City, en Californie, sa société mère, la Sony Corporation , a son siège à Tokyo , au Japon. La plupart des tournages ont désormais lieu en Californie , à New York , en Louisiane , en Géorgie et en Caroline du Nord . Entre 2009 et 2015, Hollywood a régulièrement rapporté 10 milliards de dollars (ou plus) par an. La cérémonie de remise des prix d'Hollywood, les Academy Awards , officiellement connus sous le nom d'Oscars, est organisée chaque année par l' Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS) et en 2019, plus de 3 000 Oscars ont été décernés.

Atelier Nestor, 1911

Le 27 octobre 1911, Nestor Film Company a créé le premier studio de cinéma permanent d'Hollywood. La météo californienne a permis de filmer toute l'année. En 1912, Universal Studios a été formé, fusionnant Nestor et plusieurs autres sociétés de cinéma, dont Independent Moving Pictures (IMP).

La France

La France est le berceau du cinéma et est à l'origine de bon nombre de ses contributions importantes à la forme d'art et au processus de réalisation lui-même. Plusieurs mouvements cinématographiques importants, dont la Nouvelle Vague , ont débuté dans le pays. Il est connu pour avoir une industrie cinématographique particulièrement forte, en partie grâce aux protections accordées par le gouvernement français .

Le cinéma français se confond parfois avec le cinéma des nations étrangères. Des réalisateurs de pays comme la Pologne ( Roman Polanski , Krzysztof Kieślowski et Andrzej Żuławski ), l' Argentine ( Gaspar Noé et Edgardo Cozarinsky ), la Russie ( Alexandre Alexeieff , Anatole Litvak ), l'Autriche ( Michael Haneke ) et la Géorgie ( Géla Babluani , Otar Iosseliani ) ) occupent une place prépondérante dans les rangs du cinéma français. A l' inverse, certains réalisateurs français ont fait carrière dans d' autres pays, comme Luc Besson , Jacques Tourneur , ou Francis Veber aux États-Unis .

Un autre élément à l'appui de ce fait est que Paris a la plus forte densité de cinémas au monde, mesurée par le nombre de salles de cinéma par habitant, et que dans la plupart des salles de cinéma du « centre-ville de Paris », des films étrangers qui seraient relégués aux « art et essai » les cinémas d'autres endroits sont présentés aux côtés d'œuvres « grand public ». Philippe Binant a réalisé, le 2 février 2000, la première projection de cinéma numérique en Europe , avec la technologie DLP CINEMA développée par Texas Instruments , à Paris. Paris compte également la Cité du cinéma, un grand studio au nord de la ville, et Disney Studio, un parc à thème consacré au cinéma et le troisième parc à thème près de la ville derrière Disneyland et le parc Astérix.

En 2015, la France a enregistré un record de 300 longs métrages produits. Les films américains et britanniques ne représentaient que 44,9 % des entrées totales en 2014. Ceci est largement dû à la force commerciale des productions nationales, qui représentaient 44,5 % des entrées en 2014 (35,5 % en 2015 ; 35,3 % en 2016). Au milieu des années 2000, l'industrie cinématographique française était décrite comme « plus proche de l'autosuffisance que tout autre pays d'Europe, récupérant environ 80 à 90 % de son budget en revenus générés par le marché intérieur ». En 2018, les films français ont enregistré un box-office international de 237 M€ avec 40 millions d'entrées (en baisse de 52 % par rapport à 2017), l'Italie étant le premier marché étranger.

Chine

Vieux cinéma chinois à Qufu , Shandong

Le cinéma chinois est l'un des trois fils historiques distincts du cinéma de langue chinoise avec le cinéma de Hong Kong et le cinéma de Taiwan . Le cinéma a été introduit en Chine en 1896 et le premier film chinois, Dingjun Mountain , a été tourné en 1905, l'industrie cinématographique étant centrée sur Shanghai dans les premières décennies. La Chine abrite le plus grand studio de cinéma au monde, les Hengdian World Studios , et en 2010, elle avait la troisième industrie cinématographique en nombre de longs métrages produits chaque année. Pendant la décennie suivante, les sociétés de production appartenaient principalement à des étrangers et l'industrie cinématographique nationale était centrée sur Shanghai, un entrepôt prospère et la plus grande ville d' Extrême-Orient . En 1913, le premier scénario chinois indépendant , Le couple difficile , est tourné à Shanghai par Zheng Zhengqiu et Zhang Shichuan .

Alors que la sixième génération gagnait en visibilité internationale, de nombreux films ultérieurs étaient des coentreprises et des projets avec des bailleurs de fonds internationaux, mais restaient résolument discrets et à petit budget. Jia's Platform (2000) a été financé en partie par la maison de production de Takeshi Kitano , tandis que Still Life a été tourné en vidéo HD. Still Life était un ajout surprise et lauréat du Lion d'or du Festival international du film de Venise en 2006. Still Life , qui concerne les travailleurs provinciaux de la région des Trois Gorges , contraste fortement avec les œuvres de réalisateurs chinois de cinquième génération comme Zhang Yimou et Chen Kaige qui produisaient à l'époque House of Flying Daggers (2004) et The Promise (2005). Il ne mettait en vedette aucune star de renommée internationale et était principalement joué par des non-professionnels. En 2012, le pays est devenu le deuxième plus grand marché au monde en termes de recettes au box-office. En 2014, le box-office brut en Chine était de 29,6 milliards de yens ( 4,82 milliards de dollars US ), les films nationaux représentant 55 %. La Chine est également devenue une plaque tournante majeure pour les studios hollywoodiens.

En 2018, le box-office brut de la Chine était de 8,9 milliards de dollars US En 2013, le box-office brut de la Chine était de 21,8 milliards de yens (3,6 milliards de dollars US), le deuxième marché cinématographique au monde en termes de recettes au box-office Il est passé à 4,8 milliards de dollars en 2014 au box-office plus gros dans l'industrie cinématographique. En 2020, la Chine a dépassé l'Amérique du Nord en tant que plus grand box-office au monde, étant le premier pays à atteindre ce statut.

Inde

Une scène de Raja Harishchandra (1913) - crédité comme le premier long métrage cinématographique indien.

L'Inde est le plus grand producteur de films au monde et la deuxième plus ancienne industrie cinématographique au monde. Le pays abrite l'une des villes les plus importantes de l'industrie cinématographique mondiale, Mumbai (anciennement Bombay). En 2009, l'Inde a produit un total de 2 961 films sur celluloïd ; ce chiffre comprend 1 288 longs métrages. En plus d'être le plus grand producteur de films au monde, l'Inde a également le plus grand nombre d'entrées. L'industrie cinématographique indienne est multilingue et la plus importante au monde en termes de ventes de billets, mais la troisième en termes de revenus, principalement en raison du fait que les prix des billets sont parmi les plus bas au monde. L'industrie est principalement vue par un vaste public indien cinéphile, et les films indiens gagnent en popularité dans le reste du monde, notamment dans les pays comptant un grand nombre d'Indiens expatriés. L'industrie cinématographique indienne est également la principale source de films et de divertissements dans ses pays voisins d' Asie du Sud . L'industrie cinématographique la plus importante et la plus populaire en Inde est l' industrie cinématographique hindi , suivie du cinéma telugu et du cinéma tamoul . L'industrie cinématographique hindi s'est principalement concentrée à Mumbai (Bombay) et est communément appelée Bollywood , un portemanteau de Bombay et d'Hollywood. Industrie du bois de santal (cinéma Kannada) concentrée à Bangalore . L'industrie Mollywood concentrée dans l'état du Kerala fait référence au cinéma malayalam . Kollywood (cinéma tamoul) et Tollywood (cinéma télougou) se sont concentrés principalement à Chennai et Hyderabad .

Outre les films commerciaux grand public, l'Inde propose également une approche différente du cinéma - le cinéma parallèle. Le mouvement du cinéma parallèle est né au Bengale occidental vers les années 1950. Le cinéma parallèle est un terme générique désignant un certain type de films qui s'éloignent des conventions du cinéma grand public populaire. Le cinéma parallèle a pris diverses formes au fil des ans. Les cinéastes associés au cinéma parallèle sont Satyajit Ray , Mrinal Sen , Ritwik Ghatak . Les films parallèles se caractérisent par leur rejet des formes populaires comme les chansons et les séquences de combat, leur affinité avec les décors ruraux, l'utilisation de comédiens méthodiques et des palettes de couleurs atténuées. Quelques exemples de tels films sont Raincoat , Dhobi Ghat , Mithya .

Les films indiens ont gagné en popularité non seulement sur le marché intérieur mais aussi sur les marchés internationaux avec Dangal ayant un revenu brut à l'étranger de 260 millions de dollars, Secret Superstar et Bajrangi Bhaijaan avec un revenu brut de 80,4 millions de dollars, et Baahubali: The Beginning et Baahubali 2 : La conclusion un blockbuster récent de l'industrie telugu connu sous le nom de Tollywood.

Les autres grandes industries du cinéma sont le cinéma malayalam , le cinéma bengali ( cinéma du Bengale occidental ) et le cinéma marathi , qui sont situés à Kochi , Kolkata et Mumbai respectivement. La portion majoritaire restante est répartie dans le nord, l'ouest, l'est et le sud de l'Inde (avec Gujarati , Punjabi , Odia , Bhojpuri , Assamese Cinema ). Cependant, il existe plusieurs petits centres d'industries cinématographiques indiennes dans les langues régionales centrés dans les États où ces langues sont parlées. Le cinéma indien englobe plusieurs formes d'art telles que la musique classique indienne, la musique folklorique de différentes régions du pays, la danse classique indienne, la danse folklorique et bien plus encore. Bollywood, Kollywood et Tollywood constituent la plus grande partie de l'industrie cinématographique indienne et sont visionnés dans tout le sous-continent indien et sont de plus en plus populaires au Royaume-Uni, aux États-Unis, en Australie, en Nouvelle-Zélande, en Asie du Sud-Est , en Afrique , dans les pays du Golfe , dans les pays européens , Asie de l'Est et Chine. Le plus grand complexe de studios de cinéma au monde est Ramoji Film City situé à Hyderabad , en Inde, qui a ouvert ses portes en 1996 et mesure 674 ha (1 666 acres). Composé de 47 plateaux sonores, il dispose de décors permanents allant des gares aux temples.

En 1986, la production cinématographique annuelle de l'Inde était passée de 741 films produits par an à 833 films par an, faisant de l'Inde le plus grand producteur de films au monde. En 2014, Bollywood représente 45℅ des revenus nets du box-office indien, tandis que Tollywood représente 36%, et le reste des industries cinématographiques régionales constitue 21% du cinéma indien.

Royaume-Uni

William Friese Greene
L'IMAX de Londres possède le plus grand écran de cinéma de Grande-Bretagne avec une taille totale d'écran de 520 m².

Le Royaume-Uni possède une industrie cinématographique importante depuis plus d'un siècle. Alors que la production cinématographique a atteint un sommet sans précédent en 1936, on pense généralement que « l'âge d'or » du cinéma britannique s'est produit dans les années 1940, au cours desquelles les réalisateurs David Lean , Michael Powell , (avec Emeric Pressburger ) et Carol Reed ont produit leur œuvre la plus acclamée. De nombreux acteurs britanniques ont acquis une renommée mondiale et un succès critique, tels que Maggie Smith , Roger Moore , Michael Caine , Sean Connery , Daniel Day-Lewis , Gary Oldman et Kate Winslet . Certains des films avec les plus gros retours au box-office ont été réalisés au Royaume-Uni, y compris les troisième et quatrième séries de films les plus lucratives ( Harry Potter et James Bond ).

Le premier film a été tourné à Leeds par Louis Le Prince en 1888 et les premiers films développés sur film celluloïd ont été réalisés à Hyde Park, Londres en 1889 par l'inventeur britannique William Friese Greene , qui a breveté le procédé en 1890.

Deux des huit films les plus rentables au monde de tous les temps ont des dimensions historiques, culturelles ou créatives britanniques : Titanic (1997), Harry Potter et les reliques de la mort – Partie 2 (2011), Le Seigneur des anneaux : Le retour de the King (2003), réalisé en Nouvelle-Zélande, et Pirates des Caraïbes : Dead Man's Chest (2005). L'ajout de quatre autres films Harry Potter et d'un autre film Le Seigneur des Anneaux , ainsi que la version Tim Burton d' Alice au pays des merveilles (2010), et plus de la moitié des vingt films les plus réussis financièrement, avaient une dimension britannique substantielle.

L'influence britannique peut également être observée avec le "Cycle anglais" des films d'animation Disney, qui incluent Alice au pays des merveilles (1951), Peter Pan (1953), Cent et un Dalmatiens (1961), L'épée dans la pierre (1963), et Le livre de la jungle (1967). Disney s'est d'abord intéressé aux films d'action réelle comme moyen d'utiliser les réserves financières accumulées en Grande-Bretagne et ne pouvant être rapatriées en raison du contrôle des changes, en réalisant deux films à partir de sources écossaises et anglaises. Il s'agit de Treasure Island (1950) et The Story of Robin Hood and His Merrie Men (1952), qui ont tous deux été des succès au box-office. Le studio a continué à s'appuyer sur des sources britanniques pour ses films d'animation après la mort de Walt Disney en 1967, avec les longs métrages d'animation Robin Hood (1973), The Rescuers (1976) et The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977), l'un des nombreux Disney à s'inspirer des personnages de AA Milne .

Dans les années 1970 et 1980, les studios britanniques se sont fait une réputation d'excellents effets spéciaux dans des films tels que Superman (1978), Alien (1979) et Batman (1989). Une partie de cette notoriété a été fondée sur le noyau de talents réunis pour le tournage de 2001 : A Space Odyssey (1968) qui ont ensuite travaillé ensemble sur des séries et des longs métrages pour Gerry Anderson . Aardman Animations, basée à Bristol, est connue pour son animation en stop-motion.

À la fin de 1998, Channel 4 a lancé leur free-to-air canal film Film4 - un canal spécialement conçu pour montrer des films. Il diffuse de 11h00 BST et est en concurrence avec la télévision payante réseau de films Sky Cinema .

La société d' effets visuels basée à Londres Framestore , avec Tim Webber le superviseur des effets visuels , a travaillé sur les films The Dark Knight (2008) et Gravity (2013), avec de nouvelles techniques impliquées dans Gravity en trois ans.

Pologne

L'histoire du cinéma de Pologne est presque aussi longue que l'histoire de la cinématographie , et elle a des réalisations universellement reconnues, même si les films polonais ont tendance à être moins disponibles dans le commerce que les films de plusieurs autres pays européens.

Après la Seconde Guerre mondiale , le gouvernement communiste a construit un cinéma national d' auteur , formé des centaines de nouveaux réalisateurs et leur a donné les moyens de faire des films. Des cinéastes comme Roman Polański , Krzysztof Kieślowski , Agnieszka Holland , Andrzej Wajda , Andrzej Żuławski , Andrzej Munk et Jerzy Skolimowski ont eu un impact sur le développement du cinéma polonais. Ces dernières années, l'industrie a été dirigée par les producteurs, la finance étant la clé du tournage d'un film, et avec de nombreux cinéastes indépendants de tous genres, les productions polonaises ont tendance à s'inspirer davantage du cinéma américain .

L' école de cinéma polonaise était fortement influencée par les néoréalistes italiens . Il a profité des changements libéraux en Pologne après l'octobre polonais de 1956 pour décrire la complexité de l'histoire polonaise pendant la Seconde Guerre mondiale et l'occupation allemande. Parmi les sujets les plus importants figuraient la génération d'anciens soldats de l' Armée de l'Intérieur et leur rôle dans la Pologne d'après-guerre et les tragédies nationales comme les camps de concentration allemands et l' Insurrection de Varsovie . Les changements politiques ont permis au groupe de parler plus ouvertement de l'histoire récente de la Pologne. Cependant, la règle de la censure était encore forte en ce qui concerne l'histoire après 1945 et il y avait très peu de films sur les événements contemporains. Cela a marqué la différence majeure entre les membres de l'école de cinéma polonaise et les néoréalistes italiens.

L'école polonaise de cinéma a été la première à souligner le caractère national des Polonais et l'un des premiers mouvements artistiques d'Europe centrale à s'opposer ouvertement aux orientations officielles du réalisme socialiste . Les membres du mouvement ont tendance à souligner le rôle de l'individu par opposition à la collectivité. Il y avait deux tendances au sein du mouvement : les jeunes réalisateurs comme Andrzej Wajda étudiaient généralement l'idée d'héroïsme, tandis qu'un autre groupe (le plus notable étant Andrzej Munk ) analysait le personnage polonais via l'ironie, l'humour et une dissection des mythes nationaux.

Nigeria

Le cinéma du Nigeria , souvent appelé de manière informelle Nollywood L'industrie cinématographique nigériane est la plus grande industrie cinématographique au monde - en termes de production, produisant des films chaque année , est la troisième en termes de revenus globaux générés, en 2013. Cinéma du Nigeria Son l'histoire remonte à la fin du 19e siècle et à l' ère coloniale au début du 20e siècle. L'histoire et le développement de l'industrie cinématographique nigériane sont parfois généralement classés en quatre grandes époques : l' ère coloniale , l'âge d'or , l' ère du film vidéo et le nouveau cinéma nigérian émergent .

Le film en tant que média est arrivé au Nigeria à la fin du XIXe siècle, sous la forme de judas d'appareils cinématographiques . Ceux-ci ont été rapidement remplacés au début du 20e siècle par des dispositifs améliorés d'exposition de films, avec la première série de films projetés au Glover Memorial Hall à Lagos du 12 au 22 août 1903. Le premier long métrage réalisé au Nigeria est Palaver de 1926 produit par Geoffrey Barkas ; le film a également été le premier film à présenter des acteurs nigérians dans un rôle parlant. En 1954, des camionnettes de cinéma mobiles ont été diffusées devant au moins 3,5 millions de personnes au Nigeria, et les films produits par la Nigerian Film Unit étaient projetés gratuitement dans les 44 cinémas disponibles. Le premier film entièrement sous copyright de l'unité Nigerian Film est Fincho (1957) de Sam Zebba ; qui est aussi le premier film nigérian à être tourné en couleur .

Après l'indépendance du Nigeria en 1960, le secteur du cinéma s'est rapidement développé, avec la création de nouvelles salles de cinéma. En conséquence, les films nigérians dans les cinémas ont augmenté à la fin des années 1960 dans les années 1970, en particulier les productions du Nigeria occidental , grâce à la transition d'anciens praticiens du théâtre tels que Hubert Ogunde et Moses Olaiya vers le grand écran. En 1972, le décret sur l' indigénisation a été publié par Yakubu Gowon , qui exige le transfert de propriété d'environ 300 cinémas au total de leurs propriétaires étrangers aux Nigérians, ce qui a permis à davantage de Nigérians de jouer un rôle actif dans le cinéma et le cinéma. Le boom pétrolier de 1973 à 1978 a également énormément contribué à l'essor spontané de la culture du cinéma au Nigeria, car l'augmentation du pouvoir d'achat au Nigeria a permis à un large éventail de citoyens d'avoir un revenu disponible à dépenser pour aller au cinéma et pour les téléviseurs domestiques. Après plusieurs films à performance modérée, Papa Ajasco (1984) de Wale Adenuga est devenu le premier blockbuster, rapportant environ 61 000 (environ 21 552 673 en 2015) en trois jours. Un an plus tard, Mosebolatan (1985) de Moses Olaiya est également allé de l'avant pour un brut de 107 000 (environ 2015 44 180 499) en cinq jours.

Egypte

Depuis 1976, le Caire accueille chaque année le Festival international du film du Caire (CIFF), accrédité par la Fédération internationale des associations de producteurs de films. En 1996, l'Egyptian Media Production City (EMPC) a été inaugurée dans la ville du 6 octobre au sud du Caire, bien qu'en 2001, un seul des 29 studios prévus était opérationnel. La censure, autrefois un obstacle à la liberté d'expression, a considérablement diminué en 2012, lorsque le cinéma égyptien a commencé à s'attaquer avec audace à des problèmes allant des problèmes sexuels aux critiques sévères du gouvernement.

Les années 40, 50 et 60 sont généralement considérées comme l' âge d'or du cinéma égyptien. Comme en Occident, les films ont répondu à l'imagination populaire, la plupart tombant dans des genres prévisibles (les fins heureuses étant la norme) et de nombreux acteurs faisant carrière en jouant des rôles fortement typés. Selon les mots d'un critique, « Si un film égyptien destiné à un public populaire manquait de l'une de ces conditions préalables, il constituait une trahison du contrat non écrit avec le spectateur, dont les résultats se manifesteraient au box-office. » Depuis les années 1990, le cinéma égyptien a pris des directions différentes. Les films d'art plus petits attirent l'attention internationale mais la fréquentation est clairsemée à la maison. Films populaires, souvent de larges comédies telles que What A Lie! , et les œuvres extrêmement lucratives du comédien Mohamed Saad , se battent pour retenir le public soit attiré par les films occidentaux, soit, de plus en plus, méfiant de l'immoralité perçue du film.

L'Iran

Le cinéma d'Iran ( persan : سینمای ایران ) ou cinéma de Perse fait référence au cinéma et aux industries cinématographiques en Iran qui produisent une variété de films commerciaux chaque année. Les films d'art iraniens ont acquis une renommée internationale et bénéficient désormais d'un public mondial.

Avec la Chine, l'Iran a été salué comme l'un des meilleurs exportateurs de cinéma dans les années 1990, selon Jamsheed Akrami . Certains critiques classent désormais l'Iran comme le cinéma national le plus important au monde, sur le plan artistique, avec une importance qui invite à la comparaison avec le néoréalisme italien et les mouvements similaires des dernières décennies. Le cinéaste allemand Werner Herzog a salué le cinéma iranien comme l'un des cinémas artistiques les plus importants au monde.

Japon

Le Japon possède l'une des industries cinématographiques les plus anciennes et les plus importantes au monde ; à partir de 2010, c'était le quatrième plus grand nombre de longs métrages produits. Des films sont produits au Japon depuis 1897, lorsque les premiers cameramen étrangers sont arrivés.

Dans une liste Sight & Sound des meilleurs films produits en Asie , les œuvres japonaises représentaient huit des 12 premiers, avec Tokyo Story (1953) classé numéro un. Histoire de Tokyo aussi en tête de 2012 Sight & Sound de sondage d'administration Les 50 plus grands films de tous les temps , détrônant Citizen Kane , alors que Akira Kurosawa est Seven Samurai (1954) a été élu le plus grand film de langue étrangère de tous les temps dans BBC ' s Sondage 2018 auprès de 209 critiques dans 43 pays. Le Japon a remporté le prix de l' Académie pour les meilleur film étranger quatre fois ( Rashomon , Porte de l' Enfer , Samurai I: Musashi Miyamoto et départs ), plus que tout autre pays d' Asie.

Corée

Le terme cinéma de Corée (ou cinéma coréen) englobe les industries cinématographiques de la Corée du Nord et du Sud . Comme pour tous les aspects de la vie coréenne au cours du siècle dernier, l'industrie cinématographique a souvent été à la merci des événements politiques, de la fin de la dynastie Joseon à la guerre de Corée en passant par l'ingérence du gouvernement national. Alors que les deux pays ont aujourd'hui des industries cinématographiques relativement robustes, seuls les films sud-coréens ont acquis une large renommée internationale. Les films nord-coréens ont tendance à dépeindre leurs thèmes communistes ou révolutionnaires.

Les films sud-coréens ont connu un « âge d'or » à la fin des années 50 et dans les années 60. En 2005, la Corée du Sud était devenue l'un des rares pays à regarder plus de films nationaux que de films importés dans les salles en raison principalement des lois limitant le nombre de films étrangers pouvant être projetés par salle et par an. Dans les cinémas, les films coréens doivent être diffusés 73 jours par an depuis 2006. Sur la télévision par câble, le quota de 25 % de films nationaux sera réduit à 20 % après l'ALE KOR-US. Le cinéma de la Corée du Sud avait un brut box - office total dans le pays en 2015 de 884000000000 et avait 113,000,000 admissions, 52% du total des admissions.

Hong Kong

Zhuangzi Tests His Wife (1913) est crédité comme le premier long métrage de Hong Kong

Hong Kong est une plaque tournante du cinéma pour le monde de langue chinoise (y compris la diaspora mondiale ) et l'Asie de l'Est en général. Pendant des décennies, elle a été la troisième industrie cinématographique au monde (après Bollywood et Hollywood) et le deuxième exportateur de films. Malgré une crise de l'industrie à partir du milieu des années 1990 et le retour de Hong Kong à la souveraineté chinoise en juillet 1997, le cinéma hongkongais a conservé une grande partie de son identité distinctive et continue de jouer un rôle de premier plan sur la scène cinématographique mondiale. Contrairement à de nombreuses industries cinématographiques, Hong Kong a bénéficié de peu ou pas de soutien gouvernemental direct, sous forme de subventions ou de quotas d'importation. Cela a toujours été un cinéma entièrement commercial, se concentrant sur des genres qui plaisent à la foule , comme la comédie et l'action, et fortement tributaire des formules, des suites et des remakes. Typiquement des cinémas commerciaux, son cœur est un système de star très développé , qui dans ce cas présente également un chevauchement substantiel avec l' industrie de la musique pop .

Turquie

Le marché du film turc se distingue dans le paysage paneuropéen comme le seul marché où les films nationaux surpassent régulièrement les films américains . En 2013, il totalisait 1,2 million d'entrées et 87 longs métrages sont sortis. Entre 2004 et 2014, les 12,9 millions d'entrées estimées générées sur les marchés européens non nationaux ne représentaient que 7 % des entrées totales des films turcs en Europe (y compris la Turquie). Il s'agit de la troisième part la plus faible parmi les 30 marchés européens pour lesquels de telles données sont disponibles et illustre clairement la forte dépendance des films turcs vis-à-vis du marché intérieur, caractéristique partagée par les films polonais et russes.

En 2014, Kış Uykusu (Le sommeil d'hiver) a remporté le Prix ​​du meilleur film au Festival de Cannes . En 2013, la Turquie se classait toujours derrière les Pays - Bas en termes de box-office avec un peu plus de 200 millions d'euros en tant que huitième plus grand marché de box-office d'Europe devant la Suède et la Suisse avec un net écart par rapport aux 6 premiers marchés qui ont tous enregistré un GBO entre 504 millions d'euros (Espagne) jusqu'à plus d'un milliard d'euros en France, au Royaume - Uni , en Allemagne et dans la Fédération de Russie . Le cinéma est relativement bon marché en Turquie. En 2013, un billet de cinéma coûtait en moyenne 4,0 euros en Turquie, et cela a été estimé comme le prix moyen le plus bas - mesuré en euros - en Europe , légèrement moins cher que sur plusieurs marchés d' Europe centrale et orientale comme la Croatie, la Roumanie, la Lituanie ou la Bulgarie (sous réserve des taux de change).

Pakistan

Le cinéma pakistanais , ou simplement cinéma pakistanais ( ourdou : پاکستانی سنیما ‎ ), fait référence à l' industrie cinématographique pakistanaise . La plupart des longs métrages tournés au Pakistan sont en ourdou , la langue nationale, mais peuvent également inclure des films en anglais, la langue officielle, et des langues régionales telles que le pendjabi , le pashto , le baloutchi et le sindhi . Lahore a été décrite comme l'épicentre du cinéma pakistanais, donnant naissance au terme " Lollywood " comme portemanteau de Lahore et d'Hollywood.

Avant la séparation du Bangladesh, le Pakistan disposait de trois principaux centres de production cinématographique : Lahore , Karachi et Dhaka . Le régime de Muhammad Zia-ul-Haq , les magnétoscopes , le piratage de films , l'introduction de taxes sur le divertissement, des lois strictes basées sur une jurisprudence ultra-conservatrice, ont été un obstacle à la croissance de l'industrie. Autrefois florissant, le cinéma pakistanais s'est soudainement effondré dans les années 1980 et dans les années 2000, « une industrie qui produisait autrefois en moyenne 80 films par an avait désormais du mal à produire même quelques films ». Cependant, avec le boom de l'industrie de la télévision à Karachi, qui a donné naissance à de plus grandes maisons de médias privées, l'industrie cinématographique pakistanaise a été relancée. Karachi est maintenant le plus grand centre de production de l'industrie cinématographique au Pakistan qui produit du cinéma pakistanais en ourdou, en anglais et en sindhi. Lahore est maintenant le deuxième grand producteur de films (principalement des films en ourdou et en pendjabi) suivi de Peshawer où la plupart des films pachtos sont produits. Des films sont également produits à très petite échelle à partir d'Islamabad (films en ourdou et en anglais) et de Quetta (films baloutches). Les films pakistanais gagnent leur marché sur les marchés locaux et internationaux comme les pays du Golfe, le Royaume-Uni-Europe, les États-Unis-Amérique du Nord et Extrême-Orient. De nombreux films pakistanais se sont retrouvés dans la catégorie des films en langue étrangère des Oscars, à savoir Jaago Hua Sawera-The Day Shall Dawn (1953), The Veil (Ghoonghat) (1963), Zinda Bhaag (2013), Dukhtar (2014), Moor (2015) , Mah-e-Mir (2016), Saawan (2017), Cake (2018), Lal Kabootar (2019). Deux films documentaires pakistanais ont remporté l'Oscar du meilleur film documentaire, il s'agit de Saving Face (2012) et A Girl in the River (2016). Les films pakistanais, en particulier les films en ourdou, tournent autour du drame familial, de la romance, des histoires d'amour, de la comédie, du thriller, des questions sociales, des questions politiques. À l'époque contemporaine, certains films pakistanais ont acquis une renommée internationale, notamment Khuda Kay Liye (Au nom de Dieu), Bol, Verna, Zinda Bhaag, Load-Wedding, Wrong Number, Cake, Teefa in Trouble, Lal Kabootar, Mah- e-Meer, Maure, Baaji.

Le cinéma pendjabi est principalement axé sur la romance, le drame familial et l'action, tandis que le cinéma pachto s'articule autour de l'action et des querelles tribales.

Les principaux prix du film comprennent les Lux Style Awards, les ARY Film Awards, les Nigar Awards et les National Film Awards.

Bangladesh

Le cinéma du Bangladesh est l' industrie cinématographique en langue bengali basée à Dhaka , au Bangladesh . L'industrie est souvent une industrie cinématographique importante depuis le début des années 1970. Le mot "Dhallywood" est un porte-manteau des mots Dhaka et Hollywood . Le style dominant du cinéma bangladais est le cinéma mélodramatique , qui s'est développé de 1947 à 1990 et caractérise la plupart des films à ce jour. Le cinéma a été introduit au Bangladesh en 1898 par Bradford Bioscope Company, crédité d'avoir organisé la première sortie de film au Bangladesh. Entre 1913 et 1914, la première société de production nommée Picture House a été ouverte. Un court métrage muet intitulé Sukumari ( The Good Girl ) a été le premier film produit dans la région en 1928. Le premier long métrage The Last Kiss , est sorti en 1931. De la séparation du Bangladesh du Pakistan, Dhaka est le centre de l'industrie cinématographique bangladaise, et a généré la majorité des revenus, de la production et du public. Les années 1960, 1970, 1980 et la première moitié des années 1990 ont été les années dorées pour les films bangladais, car l'industrie a produit de nombreux films à succès. Le visage et le masque , le premier long métrage bangladais en langue bengali a été produit en 1956. Matir Moina , un film de Tarek Masud en 2002 , est devenu le premier film bangladais à être honoré au Festival de Cannes .

Indonésie

Le plus grand studio de cinéma d'Asie du Sud-Est a ouvert ses portes le 5 novembre 2011 sur 10 hectares de terrain à Nongsa, sur l'île de Batam , en Indonésie . Infinite Frameworks (IFW) est une société basée à Singapour (fermée à l'île de Batam) qui appartient à un consortium détenu à 90 % par l'homme d'affaires et producteur de films indonésien Mike Wiluan. En 2010-2011, en raison de l'augmentation substantielle de la taxe sur la valeur ajoutée appliquée aux films étrangers, les cinémas n'avaient plus accès à de nombreux films étrangers, y compris les films oscarisés. Les films étrangers comprennent les principaux box-offices occidentaux et d'autres grands producteurs de films du monde. Cela a provoqué un effet d'entraînement massif sur l'économie du pays. On suppose que cela a augmenté l'achat de DVD sans licence. Cependant, même les DVD violant le droit d'auteur ont pris plus de temps à obtenir. Le coût minimum pour visionner un film étranger non projeté localement était de 1 million de roupies. Cela équivalait à 100 $ US, car il comprend un billet d'avion pour Singapour.

Malaisie

Le cinéma malaisien se compose de longs métrages produits en Malaisie, tournés dans les langues anglais , tamoul , malais , mandarin et cantonais .

La Malaisie produit environ 60 longs métrages par an et entre 300 et 400 dramatiques et séries télévisées par an, en dehors des productions internes des chaînes de télévision individuelles. Le pays détient également ses propres récompenses cinématographiques annuelles au niveau national, connues sous le nom de Malaysia Film Festival . Il y a environ 150 cinémas et cinémas en Malaisie, diffusant non seulement des films locaux mais aussi des films étrangers.

Trinité-et-Tobago

Le secteur cinématographique de Trinité-et-Tobago a commencé à émerger à la fin des années cinquante et au début des années soixante et à la fin des années soixante-dix, il y avait une poignée de productions locales, tant pour le cinéma que pour la télévision. Le premier long métrage produit à Trinité-et-Tobago était « The Right and the Wrong » (1970) du réalisateur/scénariste/producteur indien Harbance Kumar. Le scénario a été écrit par le dramaturge trinidadien Freddie Kissoon. Le reste du 20e siècle a vu quelques autres longs métrages réalisés dans le pays, avec « Bim » (1974), désigné par Bruce Paddington comme « l'un des films les plus importants à être produit à Trinité-et-Tobago… et l'un des classiques du cinéma caribéen. C'était l'un des premiers films à présenter une distribution et une équipe presque entièrement trinidadiennes. Il y a eu une augmentation de la production cinématographique trinidadienne dans les années 2000. Des films tels que « Ivan le Terrible » (2004), « SistaGod » (2006), « I 'm Santana: The Movie" (2012) et "God Loves the Fighter" (2013) sont sortis à la fois localement et internationalement. "SistaGod" a été présenté en première mondiale au Festival international du film de Toronto en 2006 .

La Trinité-et-Tobago Film Company est l'agence nationale créée en 2006 pour poursuivre le développement de l'industrie cinématographique. Trinité-et-Tobago organise un certain nombre de festivals de films organisés par différents comités et organisations. Il s'agit notamment du Festival du court métrage des écoles secondaires et du Festival du film sur smartphone organisé par la Trinité-et-Tobago Film Company. Il y a aussi un festival annuel du film de Trinité-et-Tobago qui dure deux semaines dans la seconde moitié de septembre.

Népal

Le cinéma népalais n'a pas une très longue histoire cinématographique, mais l'industrie a sa propre place dans le patrimoine culturel du pays. Il est souvent appelé « Népal Chalchitra » (qui se traduit par « films népalais » en anglais). Les termes Kollywood et Kallywood sont également utilisés, comme un portemanteau de « Katmandou » et « Hollywood » ; "Kollywood" est cependant plus fréquemment utilisé pour désigner le cinéma tamoul. Chhakka Panja a été considéré comme le film le plus rentable de tous les temps dans l'industrie cinématographique népalaise et Kohinoor le deuxième. Les films népalais The Black Hen (2015) et Kagbeni (2006) ont reçu une reconnaissance internationale. Le long métrage népalais White Sun (Seto Surya) a reçu le prix du meilleur film au 27e Singapore International Film Festival (SGIFF) en 2016.

Histoire

Une photo de The Story of the Kelly Gang (Australie, 1906 ; 80 min.)

Les frères Lumière sortent la première projection avec le Cinématographe, à Paris le 28 décembre 1895. L'industrie cinématographique française de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle est la plus importante au monde. Auguste et Louis Lumière ont inventé le cinématographe et leur L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat à Paris en 1895 est considérée par de nombreux historiens comme la naissance officielle de la cinématographie. Le premier long métrage à être réalisé fut le film muet australien de 1906 The Story of the Kelly Gang , un récit du gang notoire dirigé par Ned Kelly qui a été réalisé et produit par les Melburnians Dan Barry et Charles Tait . Il a fonctionné, en continu, pendant quatre-vingts minutes.

Au début des années 1910, l'industrie cinématographique avait pleinement émergé avec The Birth of a Nation de DW Griffith . Toujours au début des années 1900, des sociétés de production de films de New York et du New Jersey ont commencé à déménager en Californie en raison du beau temps et des journées plus longues. Bien que les lumières électriques existaient à cette époque, aucune n'était assez puissante pour exposer correctement le film ; la meilleure source d'éclairage pour la production cinématographique était la lumière naturelle du soleil. Outre le climat modéré et sec, ils étaient également attirés par l'État en raison de ses espaces ouverts et de sa grande variété de paysages naturels.

Hollywood

Le premier studio de cinéma de la région d'Hollywood, Nestor Studios , a été fondé en 1911 par Al Christie pour David Horsley . D'autres studios de la côte Est avaient déjà déplacé la production à Los Angeles. Au fil du temps, Hollywood est devenu si fortement associé à l'industrie cinématographique que le mot "Hollywood" est maintenant utilisé familièrement pour désigner l'ensemble de l'industrie cinématographique américaine.

En 1913, Cecil B. DeMille , en association avec Jesse Lasky , loua une grange avec des installations de studio à Hollywood où The Squaw Man (1914) fut tourné. C'est maintenant l'emplacement du Hollywood Heritage Museum .

Les Charlie Chaplin Studios ont été construits en 1917. Le site a également été utilisé par Kling Studios, pour la série télévisée Superman ; Red Skelton , qui a utilisé les plateaux sonores pour son émission de variétés CBS TV ; et CBS, qui y a tourné la série télévisée Perry Mason . Il a également été la propriété de Herb Alpert de A & M Records et Tijuana Brass Enterprises. C'est actuellement la Jim Henson Company, la maison des Muppets . En 1969, le Los Angeles Cultural Heritage Board l'a nommé monument culturel historique.

Le célèbre panneau Hollywood signait à l' origine "Hollywoodland". Il a été érigé en 1923 pour annoncer un nouveau développement immobilier dans les collines au-dessus d'Hollywood. En 1949, la Chambre de commerce d'Hollywood est intervenue et a supprimé les quatre dernières lettres et réparé les autres. Il s'agit d'une marque déposée et ne peut être utilisée sans l'autorisation de la Chambre de commerce d'Hollywood.

La première cérémonie de remise des Oscars a eu lieu le 16 mai 1929.

La période entre les années 1927 (la fin effective de l'ère du silence) et 1948 est considérée comme l'âge du « système des studios d'Hollywood », ou l' âge d'or d'Hollywood . Dans une décision de justice historique de 1948 , la Cour suprême a statué que les studios de cinéma ne pouvaient pas posséder de salles de cinéma et ne jouer que les films de leur studio et de leurs stars de cinéma ; ainsi s'acheva une ère de l'histoire d'Hollywood.

Bollywood

Un cliché de Raja Harishchandra (1913), le premier film de Bollywood .

Bollywood est l' industrie cinématographique en langue hindi basée à Mumbai (anciennement Bombay ), Maharashtra , en Inde. Le terme est souvent utilisé à tort pour désigner l'ensemble du cinéma indien ; cependant, ce n'est qu'une partie de l'ensemble de l' industrie cinématographique indienne , qui comprend d'autres centres de production produisant des films en plusieurs langues. Bollywood est le plus grand producteur de films en Inde et l'un des plus grands centres de production cinématographique au monde.

Bollywood est officiellement appelé cinéma hindi. D'un point de vue linguistique, les films de Bollywood ont tendance à utiliser l' hindoustani vernaculaire , mutuellement intelligible pour les locuteurs auto-identifiés de l' hindi et de l' ourdou , tandis que les films de Bollywood modernes incorporent également de plus en plus des éléments de Hinglish .

Les lutteurs (1899) et L'homme et ses singes (1899), réalisés et produits par Harischandra Sakharam Bhatawdekar ( HS Bhatavdekar ), ont été les deux premiers films réalisés par des cinéastes indiens, qui étaient tous deux des courts métrages. Il a également été le premier cinéaste indien à réaliser et à produire le premier documentaire et film d'actualité, intitulé The Landing of Sir MM Bhownuggree .

Les années 30 et 40 ont été des périodes tumultueuses : l'Inde a été secouée par la Grande Dépression , la Seconde Guerre mondiale, le mouvement d'indépendance de l' Inde et la violence de la Partition . La plupart des films de Bollywood étaient une évasion sans vergogne , mais il y avait aussi un certain nombre de cinéastes qui se sont attaqués à des problèmes sociaux difficiles ou ont utilisé la lutte pour l'indépendance de l'Inde comme toile de fond pour leurs intrigues.

En 1937, Ardeshir Irani , de la renommée d' Alam Ara , réalisa le premier film couleur en hindi, Kisan Kanya . L'année suivante, il réalise un autre film en couleurs, une version de Mother India .

Après l'indépendance de l'Inde , la période allant de la fin des années 1940 au début des années 1960 est considérée par les historiens du cinéma comme « l'âge d'or » du cinéma hindi. Raj Kapoor , Guru Dutt , Mehboob Khan et Dilip Kumar ont défini les chiffres clés pendant cette période .

Les années 1970, c'est quand le nom "Bollywood" a été inventé, et quand les conventions par excellence des films commerciaux de Bollywood ont été établies. La clé de cela était l'émergence du genre de film masala , qui combine des éléments de plusieurs genres ( action , comédie , romance , drame , mélodrame , comédie musicale ). Le film masala a été lancé au début des années 1970 par le cinéaste Nasir Hussain , avec le duo de scénaristes Salim-Javed , pionnier du format à succès de Bollywood .

Tollywood est l'industrie cinématographique en langue télougou de l'Inde. Lancé par la Royal Bioscope Company en 1898 par Hiralal Sen, avec Matilal Sen, Deboki Lal Sen et Bholanath Gupta. Combinant des représentations théâtrales en direct d'acteurs, l'industrie bengali était remarquable pour utiliser le son comme une partie importante du drame dans son format Bioscope dont le langage cinématographique était extrêmement différent des films muets occidentaux. Cela a été suivi par Jamshedji Framji Madan de la Elphinstone Bioscope Company qui contrôlait également la Madan Theatre Company. JJ Madan est devenu directeur général de Madan Theatres après la mort de son père en 1923 et Madan Theatres a atteint un sommet à la fin des années 1920 lorsqu'il possédait 127 cinémas et contrôlait la moitié du box-office du pays. Madan Theatres a produit un certain nombre de films populaires et marquants jusqu'en 1937, parallèlement aux œuvres de stars bengalis des années 20 comme Dhirendra Nath Ganguly qui a lancé la Indo British Film Co. - la première société de production appartenant à des Bengalis en 1918. L'essor de l'industrie a suivi dans les années 1930 aux années 1940 quand une diversité de films ont été réalisés. De nombreux tirages ont été détruits par le feu. Les copies et les enregistrements des films de 1937 à 1947 ont été en grande partie détruits, mais cette période au Bengale a été l'ère des films politiques en Inde, qui a eu une influence suprême sur la lutte pour l'indépendance indienne. Après 1947, l'industrie a vu une nouvelle ère de collaborateurs du système de studio de création qui ont réalisé des films sous le nom d'Agradoot. Cela a vu une renaissance des films commerciaux et des comédies musicales où des stars comme Uttam Kumar et Suchitra Sen ont hypnotisé le public avec leur présence captivante à l'écran et leurs performances modérées. Ritwick Ghatak, Satyajit Ray, Tapan Sinha, Mrinal Sen et Rituparno Ghosh étaient les autres réalisateurs notables dont les œuvres ont influencé le cinéma mondial au-delà d'un degré incomparable. Le nom de l'industrie a été inventé d'après l'endroit Tollygunge, qui a également servi d'hommage effronté à Hollywood.

Nollywood

Nollywood est un sobriquet qui faisait à l'origine référence à l' industrie cinématographique nigériane . L'origine du terme remonte au début des années 2000, retracée à un article du New York Times . En raison de l'histoire de l'évolution des significations et des contextes, il n'y a pas de définition claire ou convenue pour le terme, ce qui en a fait l'objet de plusieurs controverses. L'origine du terme « Nollywood » reste incertaine ; Jonathan Haynes a fait remonter la première utilisation du mot à un article de 2002 de Matt Steinglass dans le New York Times , où il était utilisé pour décrire le cinéma nigérian . Charles Igwe a noté que Norimitsu Onishi a également utilisé le nom dans un article de septembre 2002 qu'il a écrit pour le New York Times . Le terme continue d'être utilisé dans les médias pour désigner l'industrie cinématographique nigériane, sa définition étant plus tard supposée être un portemanteau des mots "Nigeria" et " Hollywood ", la plaque tournante du cinéma américain.

La définition des films considérés comme Nollywood a toujours été un sujet de débat. Alex Eyengho défini Nollywood comme « l'ensemble des activités qui se déroulent dans l'industrie cinématographique nigériane, que ce soit en anglais, Yoruba , Hausa , Igbo , Itsekiri , Edo , efik , Ijaw , Urhobos ou tout autre des plus de 300 langues nigérianes ». Il a en outre déclaré que « la trajectoire historique de Nollywood a commencé depuis le Nigeria pré et post indépendant , avec les efforts théâtraux (scène) et cinématographiques ( celluloïd ) du chef Hubert Ogunde , du chef Amata, de Baba Sala , d' Ade Love , d'Eddie Ugbomah. et quelques autres". L'influence de l'industrie cinématographique nigériane, souvent appelée de manière informelle Nollywood, a influencé tous les pays africains.

À la fin de 2013, l'industrie cinématographique aurait atteint un chiffre d'affaires record de 1,72 billion de yens (4,1 milliards de dollars américains). En 2014, l'industrie valait 853,9 milliards de yens (5,1 milliards de dollars américains), ce qui en fait la troisième industrie cinématographique la plus précieuse au monde derrière les États-Unis et l' Inde . Il a contribué à environ 1,4% à l'économie nigériane ; cela a été attribué à l'augmentation du nombre de films de qualité produits et à des méthodes de distribution plus formelles.

Économie

Sorties de films vidéo domestiques DVD à prix réduit vendues aux Pays-Bas

La rentabilité d'un studio de cinéma dépend essentiellement de la sélection des bons projets de films et de l'implication des bonnes équipes de gestion et de création (casting, direction, conception visuelle, musique, photographie, costume, scénographie, montage et de nombreuses autres spécialités), mais aussi dépend fortement du choix de la bonne échelle et de la bonne approche pour la promotion des films , du contrôle des recettes grâce à des technologies telles que la gestion des droits numériques (DRM), des pratiques comptables sophistiquées et la gestion des flux de revenus auxiliaires ; à l'extrême, pour une grande franchise médiatique centrée sur le cinéma, le film pourrait lui-même n'être qu'un élément important de nombreuses contributions importantes aux revenus totaux de la franchise.

L'industrie cinématographique est un brutalement compétitif winner-take-all marché tirée par les fluctuations d'une manière extravagante « processus non linéaires ». Les recettes du box-office sont fortement concentrées dans un petit nombre de films très réussis, et la part de marché de l'industrie cinématographique est également fortement concentrée dans les studios de cinéma assez chanceux pour faire de tels films. Mais le marché est "extrêmement volatil" et il est impossible de prédire à l'avance qui deviendra le gagnant du marché à un moment donné "ou combien de temps durera leur domination". Les films et studios de cinéma dominants « changent de place de façon spectaculaire et souvent ».

Statistiques

Plus grandes industries par nombre de productions cinématographiques

Ce qui suit est une liste des 15 premiers pays par le nombre de longs métrages (fiction, animation et documentaire) produits, selon l' Institut de statistique de l' UNESCO , sauf indication contraire.

Rang Pays Films Année
1 Nigeria Nigeria 2 599 2019
2 Inde Inde 2 446 2019
3 Chine Chine 874 2017
4 Japon Japon 689 2019
5 États Unis États Unis 660 2017
6 Corée du Sud Corée du Sud 339 2016
7 La France La France 300 2017
8 Royaume-Uni Royaume-Uni 285 2017
9 Espagne Espagne 241 2017
dix Allemagne Allemagne 233 2017
11 Argentine Argentine 220 2015
12 Mexique Mexique 176 2017
13 Italie Italie 173 2017
14 Brésil Brésil 160 2017
15 Turquie Turquie 148 2017

Marchés les plus importants par recettes au box-office

Les pays suivants sont les plus grands marchés du box-office en termes de revenus bruts au box-office, selon le THEME Report 2020 de la MPA (Motion Picture Association).

Rang Pays Recettes au box-office
(milliards de $ US )
Année Box office des
films nationaux
N / A Monde 12 2020 N / A
1  Chine 3.0 2020 62 % (2018)
2  États Unis 2.2 2020 88,8 % (2015)
N / A  Union européenne 2.2 2020 N / A
3  Japon 1.3 2020 76,9 % (2020)
4  La France 0,5 2020 36,2 % (2017)
5  Corée du Sud 0,4 2020 52,2 % (2015)
6  Royaume-Uni 0,4 2020 44,3 % (2017)
7  Inde 0,4 2020 85 % (2015)
8  Allemagne 0,4 2020 26,3 % (2017)
9  Russie 0,3 2020 17,4 % (2015)
dix  Australie 0,3 2020

Plus grands marchés par nombre d'entrées au box-office

Les pays suivants sont les plus grands marchés du box-office en termes de nombre de billets vendus en 2019.

Rang Pays Nombre d'entrées
(millions de billets)
Année
1  Chine 1650 2019
2  Inde 1 514 2019
3  États Unis 1 170 2019
4  Mexique 352 2019
5  Corée du Sud 239 2019
6  Russie 209 2019
7  La France 205 2019
8  Japon 194 2019
9  Brésil 177 2019
dix  Royaume-Uni 175 2019

Voir également

Notes de bas de page

Bibliographie

  • Allen J. Scott (2005) On Hollywood: The Place The Industry , Princeton University Press
  • Robertson, Patrick (1988) Le livre Guinness des faits et exploits du film . Londres : Guinness Publishing Limited
  • Arnab Jan Deka (27 octobre 1996) Pères du cinéma indien Bhatawdekar et Torney , Dainik Asam
  • Sanjit Narwekar (1995) Marathi Cinema : In Retrospect , Maharashtra Film, Stage & Cultural Development Corporation Ltd
  • Firoze Rangoonwalla (1979) Une histoire illustrée du cinéma indien , The Hamlyn Publishing Group Limited
  • Barkin, Jordanie. 25 avril 2021. "Quand vous profitez de la soirée des Oscars, l'Amérique gagne". USA Today en ligne.

Liens externes