Art indigène australien - Indigenous Australian art

Art rupestre de Gwion Gwion trouvé dans la région nord-ouest de Kimberley en Australie occidentale
Pictogrammes connus sous le nom de Wandjina dans les gorges de Wunnumurra, Barnett River , Kimberley, Australie occidentale

L'art indigène australien comprend l'art réalisé par les peuples aborigènes australiens et insulaires du détroit de Torres , y compris des collaborations avec d'autres. Il comprend des œuvres dans un large éventail de médias , y compris la peinture sur les feuilles, peinture à l'écorce , la sculpture sur bois , sculpture sur pierre , peinture à l'aquarelle , sculpture , cérémonie vêtements et peinture sable ; art des Australiens indigènes antérieurs à la colonisation européenne de plusieurs milliers d'années, jusqu'à nos jours.

Art autochtone traditionnel

Il existe plusieurs types et méthodes utilisés dans la fabrication de l'art aborigène, notamment la peinture rupestre, la peinture par points , les gravures rupestres, la peinture sur écorce, les sculptures, le tissage et l'art à cordes. L'art aborigène australien est la plus ancienne tradition artistique ininterrompue au monde.

Art de la pierre

Peinture rupestre aborigène au parc national de Namadgi représentant un kangourou , des dingos , des émeus , des humains et un échidné ou une tortue
Cette photo montre la peinture de Baiame réalisée par un artiste inconnu de Wiradjuri dans la « grotte de Baiame », près de Singleton, NSW. Remarquez la longueur de ses bras qui s'étendent jusqu'aux deux arbres de chaque côté.

L'art rupestre, y compris la peinture et la gravure ou la sculpture ( pétroglyphes ), peut être trouvé sur des sites dans toute l'Australie. Des exemples d'art rupestre ont été trouvés qui sont censés représenter une mégafaune éteinte telle que Genyornis et Thylacoleo à l' ère pléistocène ainsi que des événements historiques plus récents tels que l'arrivée de navires européens.

Les plus anciens exemples d' art rupestre , dans la région de Pilbara en Australie-Occidentale et dans le district d' Olary en Australie-Méridionale , sont estimés à environ 40 000 ans. La plus ancienne preuve fermement datée de la peinture d'art rupestre en Australie est un dessin au fusain sur un petit fragment de roche trouvé lors de l'excavation de l' abri sous roche Narwala Gabarnmang dans le sud-ouest de la Terre d'Arnhem dans le Territoire du Nord . Datée de 28 000 ans, c'est l'une des plus anciennes pièces d'art rupestre connues sur Terre avec une date confirmée. On pense que ce fragment décoré a peut-être déjà fait partie d'une œuvre d'art de plafond plus grande, cependant, la forme du motif original est inconnue. Le plus ancien motif d'art rupestre in situ sans ambiguïté daté de manière fiable en Australie est une grande peinture d'un macropode provenant d'un abri sous roche dans la région de Kimberley en Australie-Occidentale , datée par radiométrie dans une étude de février 2021 à environ 17 300 ans.

L'art rupestre de Gwion Gwion (les "peintures rupestres de Bradshaw", également appelées Giro Giro"), initialement nommé d'après Joseph Bradshaw , qui les a signalées pour la première fois en 1891, consiste en une série de peintures rupestres sur des grottes de la région de Kimberley en Australie occidentale Une étude de 2020 situe cet art à environ 12 000 ans.

Les figures de Maliwawa ont été documentées dans une étude dirigée par Paul Taçon et publiée dans Australian Archaeology en septembre 2020. L'art comprend 572 images sur 87 sites au nord - ouest d' Arnhem Land , de la région d' Awunbarna (mont Borradaile) à la chaîne de Wellington . On estime qu'ils ont été dessinés il y a entre 6 000 et 9 400 ans. La découverte est décrite comme très rare, non seulement dans le style, mais dans leur représentation de bilbies (non connus historiquement en terre d'Arnhem) et la première représentation connue d'un dugong . L'art, toutes les peintures de couleur rouge à mûre à l' exception d'un dessin, et dans un style naturaliste , n'avait pas été décrit dans la littérature avant cette étude. Ils sont grands et représentent les relations entre les humains et les animaux, un thème rare dans l'art rupestre. Les bilbies, les thylacines et les dugongs ont disparu des terres d'Arnhem depuis des millénaires. L'art a été vu pour la première fois par les chercheurs de 2008-2009, mais n'a été étudié que dans le cadre de recherches sur le terrain de 2016 à 2018. Les personnages ont été nommés par Ronald Lamilami, un ancien propriétaire traditionnel . Selon Tacon, "Les figures dos à dos de Maliwawa sont les plus anciennes connues de l'ouest de la Terre d'Arnhem et il semble que cette convention de peinture ait commencé avec le style Maliwawa. Elle se poursuit jusqu'à nos jours avec des peintures sur écorce et des peintures sur papier". Taçon établit des comparaisons entre les figures de Maliwawa et le style des figures dynamiques de George Chaloupka , où le sujet est composé d'environ 89 % d'humains, contre 42 % des figures de Maliwawa. Il y a, cependant, beaucoup de complexité et de débats concernant la classification du style d'art rupestre dans la Terre d'Arnhem.

Les autres sites d'art rupestre peint incluent Laura, Queensland , Ubirr , dans le parc national de Kakadu , Uluru et Carnarvon Gorge .

La gravure sur roche, ou pétroglyphes , est créée par des méthodes qui varient en fonction du type de roche utilisé et d'autres facteurs. Il existe plusieurs types d'art rupestre à travers l'Australie, dont le plus célèbre est Murujuga en Australie-Occidentale , les gravures rupestres de Sydney autour de Sydney en Nouvelle-Galles du Sud et l' art rupestre Panaramitee en Australie centrale . Les gravures de Toowoomba , représentant des animaux et des humains sculptés, ont leur propre style particulier que l'on ne trouve nulle part ailleurs en Australie.

Les gravures rupestres de Murujuga seraient la plus grande collection de pétroglyphes au monde et comprendraient des images d'animaux disparus tels que le thylacine. Activité avant la dernière période glaciaire jusqu'à ce que la colonisation soit enregistrée.

Dispositions en pierre

Les arrangements de pierres aborigènes sont une forme d'art rupestre construit par les Australiens aborigènes. Typiquement, ils sont constitués de pierres, chacune pouvant mesurer environ 30 cm, disposées selon un motif s'étendant sur plusieurs mètres ou dizaines de mètres. Chaque pierre est bien enfoncée dans le sol, et beaucoup ont des « pierres de déclenchement » pour les soutenir. Des exemples particulièrement fins se trouvent dans l'état de Victoria , où certains exemples ont de très grosses pierres. Par exemple, l'arrangement en pierre à Wurdi Youang se compose d'environ 100 pierres disposées dans un ovale en forme d'œuf d'environ 50 mètres (160 pieds) de diamètre. L'apparence du site est similaire à celle des cercles de pierres mégalithiques trouvés dans toute la Grande-Bretagne (bien que la fonction et la culture soient probablement complètement différentes). Bien que son association avec les aborigènes australiens soit bien authentifiée et sans aucun doute, le but n'est pas clair, bien qu'il puisse avoir un lien avec les rites d'initiation . Il a également été suggéré que le site pourrait avoir été utilisé à des fins astronomiques. Des arrangements de pierre plus petits se trouvent dans toute l'Australie, comme ceux près de Yirrkala , qui représentent des images précises du praus utilisé par les pêcheurs et les lanceurs de lance de Macassan Trepang .

Sculptures sur bois

La sculpture sur bois a toujours été un élément essentiel de la culture autochtone, nécessitant du bois, de la pierre tranchante pour sculpter, du fil et du feu. Le fil et le feu ont été utilisés pour créer des motifs sur l'objet en chauffant le fil avec le feu et en le plaçant sur la sculpture sur bois.

Les sculptures sur bois telles que celles de l'artiste d'Australie centrale Erlikilyika en forme d'animaux étaient parfois échangées contre des marchandises avec les Européens. La raison pour laquelle les peuples autochtones ont fait des sculptures sur bois était d'aider à raconter leurs histoires de rêve et de transmettre les traditions de leur groupe et des informations essentielles sur leur pays et leurs coutumes. Ils étaient également utilisés dans les cérémonies , comme l' ilma .

Les aborigènes des îles Tiwi sculptaient traditionnellement des poteaux funéraires pukumani et, depuis les années 1960, sculptent et peignent des figures en bois de fer.

Textiles

Dans la plupart des régions du Pacifique, les hommes supervisent l'art et l'architecture ; les femmes supervisent l'art en tissu feutré qu'elles fabriquent à partir d'écorce d'arbre et de plantes. L'art vestimentaire est supervisé par la responsable de la production. Ces vêtements détaillés étaient portés pour les rituels ; chacun représentait la richesse et le rang dans le groupe. Les vêtements sacrés sont également utilisés dans le commerce et les relations sociales et politiques. Porter le textile puis le retirer et le donner à une autre personne a permis de tisser ou de renforcer des amitiés ou des alliances.

Paniers et tissage

Des paniers , parfois des paniers enroulés , ont été créés en tordant l'écorce, les feuilles de palmier et les plumes; certains des paniers étaient simples et certains ont été créés avec des pendentifs en plumes ou des plumes tissées dans le cadre du panier. Les artistes ont utilisé des colorants minéraux et végétaux pour colorer les feuilles de palmier et l'écorce de l'hibiscus. Ces sacs et paniers en ficelle étaient utilisés lors de cérémonies pour des besoins religieux et rituels ; les paniers servaient peut-être aussi à ramener des choses au village.

Le tissage de paniers est traditionnellement pratiqué par les femmes de nombreux peuples aborigènes australiens à travers le continent depuis des siècles.

Bijoux

Les peuples autochtones ont créé des pendentifs en coquillages qui étaient considérés comme de grande valeur et souvent utilisés pour le commerce de marchandises. Ces coquillages étaient attachés à de la ficelle, qui était faite à la main à partir de cheveux humains et parfois recouverte d'une sorte de graisse et d' ocre rouge . Ces bijoux étaient parfois accrochés autour du cou ou de la taille d'un homme pour être utilisés lors de cérémonies.

Fosses d'ocre en Australie centrale où une variété de pigments de terre argileuse ont été obtenus

Kalti parti

La sculpture Kalti paarti est une forme d'art traditionnelle réalisée en sculptant des œufs d'émeu. Elle n'est pas aussi ancienne que d'autres techniques, puisqu'elle est née au XIXe siècle.

Symboles

Certains symboles au sein du mouvement d'art moderne autochtone conservent la même signification dans toutes les régions, bien que la signification des symboles puisse changer dans le contexte d'une peinture. Lorsqu'ils sont affichés en monochrome, d'autres symboles peuvent sembler similaires, tels que les cercles dans les cercles, parfois représentés seuls, de manière clairsemée ou en groupes groupés. Selon le groupe dont l'artiste est membre, les symboles tels qu'un feu de camp, un arbre, une colline, un trou à creuser, un point d'eau ou une source peuvent avoir une signification différente. L'utilisation du symbole peut être clarifiée davantage par l'utilisation de la couleur, telle que l'eau représentée en bleu ou en noir.

De nombreuses peintures d'artistes aborigènes, comme celles qui représentent une histoire de rêve, sont présentées d'un point de vue aérien. Le récit suit le mensonge de la terre, tel que créé par des êtres ancestraux dans leur voyage ou lors de la création. L'interprétation moderne est une réinterprétation des chansons, des cérémonies, de l'art rupestre, de l'art corporel et des cérémonies (telles que aweye ) qui étaient la norme pendant des milliers d'années.

Quelle que soit la signification, les interprétations des symboles doivent être faites dans le contexte de l'ensemble de la peinture, de la région d'origine de l'artiste, de l'histoire derrière la peinture et du style de la peinture.

Aspects religieux et culturels de l'art aborigène

Art aborigène à Uluru
Art aborigène montrant des poissons barramundi

Certains sites naturels leur étaient sacrés et étaient également le lieu où se déroulaient les rituels saisonniers. Au cours de ces rituels, les Aborigènes créaient des objets d'art tels que des objets en plumes et en fibres, ils peignaient et créaient des gravures rupestres, ainsi que des peintures sur l'écorce des arbres d' Eucalyptus tetrodonta . Alors que les histoires différaient selon les clans, les groupes linguistiques et les groupes plus larges, le Rêve (ou Jukurrpa) est commun à tous les peuples autochtones. Dans le cadre de ces croyances, pendant les temps anciens, les esprits mythiques des ancêtres aborigènes étaient les créateurs de la terre et du ciel, et en sont finalement devenus une partie. Les croyances spirituelles des peuples autochtones sous-tendent leurs lois, leurs formes d'art et leurs cérémonies. L'art aborigène traditionnel a presque toujours une connotation mythologique liée au Rêve.

Wenten Rubuntja , un artiste paysagiste autochtone, dit qu'il est difficile de trouver un art dépourvu de sens spirituel :

Peu importe le genre de peinture que nous faisons dans ce pays, elle appartient toujours au peuple, à tout le peuple. C'est le culte, le travail, la culture. C'est tout Rêver. Il y a deux manières de peindre. Les deux manières sont importantes, parce que c'est la culture. – source The Weekend Australian Magazine , avril 2002

La narration et la représentation totémique occupent une place prépondérante dans toutes les formes d'œuvres d'art aborigènes. De plus, la forme féminine, en particulier l' utérus féminin dans le style des rayons X , figure en bonne place dans certains sites célèbres de la Terre d'Arnhem . Les styles de rayons X remontent à 2000-1000 avant notre ère. Il s'agit d'une technique autochtone où l'artiste crée des images conceptualisées aux rayons X, transparentes. Les mimi , esprits qui ont enseigné l'art de la peinture aux aborigènes, et les ancêtres sont « libérés » à travers ces types d'œuvres d'art.

Graffiti et autres influences destructrices

De nombreux sites d'importance culturelle de peintures rupestres aborigènes ont été progressivement profanés et détruits par l'empiètement des premiers colons et des visiteurs modernes. Cela comprend la destruction d'œuvres d'art par les travaux de défrichement et de construction, l' érosion causée par un toucher excessif des sites et les graffitis. De nombreux sites appartenant désormais aux parcs nationaux doivent être strictement surveillés par les gardes forestiers, ou fermés au public de façon permanente.

L'art des insulaires du détroit de Torres

La mythologie et la culture, profondément influencées par l'océan et la vie naturelle autour des îles, ont toujours influencé les formes d'art traditionnelles. Les tortues , les poissons, les dugongs , les requins, les oiseaux de mer et les crocodiles d'eau de mer , qui sont considérés comme des êtres totémiques , sont fortement représentés .

Des coiffures élaborées ou dhari (également orthographié dari ), telles qu'elles figurent sur le drapeau insulaire du détroit de Torres , sont créées à des fins de danses cérémonielles. Le dari était historiquement porté par les guerriers du détroit de Torres au combat. Il est considéré comme un puissant symbole du peuple insulaire du détroit de Torres, représentant aujourd'hui la paix et l'harmonie. L'artiste de renommée mondiale Ken Thaiday Snr a créé des dharis élaborés en utilisant des matériaux modernes dans ses œuvres d'art contemporaines.

Les insulaires du détroit de Torres sont la seule culture au monde à fabriquer des masques en écaille de tortue , connus sous le nom de krar (écaille de tortue) dans les îles de l'Ouest et le-op (visage humain) dans les îles de l'Est.

Le wame (alt. wameya ) est le plus important parmi les formes d' art , de nombreuses figures de ficelle différentes .

Les îles ont une longue tradition de sculpture sur bois , de création de masques et de tambours, et de gravure d'éléments décoratifs sur ces objets et d'autres à usage cérémonial. À partir des années 1970, les jeunes artistes commençaient leurs études à peu près au même moment où se produisait une reconnexion significative aux mythes et légendes traditionnels. Les publications de Margaret Lawrie, Myths and Legends of the Torres Strait (1970) et Tales from the Torres Strait (1972), faisant revivre des histoires presque oubliées, ont fortement influencé les artistes. Alors que certaines de ces histoires avaient été écrites par Haddon après son expédition de 1898 dans le détroit de Torres, beaucoup étaient par la suite tombées en désuétude ou oubliées.

Dans les années 1990, un groupe de jeunes artistes, dont le lauréat Dennis Nona (né en 1973), a commencé à traduire ces compétences en des formes plus portables de gravure , de linogravure et de gravure , ainsi que des sculptures en bronze à plus grande échelle . Parmi les autres artistes remarquables, citons Billy Missi (1970-2012), connu pour ses linogravures en noir et blanc décorées de la végétation et des écosystèmes locaux, et Alick Tipoti (né en 1975). Ces artistes et d'autres artistes du détroit de Torres ont considérablement élargi les formes d'art indigène en Australie, apportant de superbes compétences de sculpture mélanésienne ainsi que de nouvelles histoires et sujets. Le Collège d'enseignement technique et complémentaire de Thursday Island a été un point de départ pour les jeunes insulaires pour poursuivre des études en art. Beaucoup ont poursuivi des études d'art, en particulier dans la gravure, d'abord à Cairns, Queensland et plus tard à l' Université nationale australienne dans ce qui est maintenant la School of Art and Design. D'autres artistes tels que Laurie Nona, Brian Robinson, David Bosun, Glen Mackie, Joemen Nona, Daniel O'Shane et Tommy Pau sont connus pour leur travail de gravure.

Une exposition du travail d'Alick Tipoti, intitulée Zugubal , a été montée à la Cairns Regional Gallery en juillet 2015.

Art autochtone contemporain

Artistes autochtones modernes

Photo d' Albert Namatjira à la galerie Albert Namatjira , zone culturelle d' Alice Springs , en 2007
Serpent arc-en-ciel de John Mawurndjul , 1991

En 1934, le peintre australien Rex Batterbee a enseigné à l'artiste aborigène Albert Namatjira la peinture de paysage à l'aquarelle de style occidental, ainsi qu'à d'autres artistes aborigènes à la mission Hermannsburg dans le Territoire du Nord . Il est devenu un style populaire, connu sous le nom d' école Hermannsburg , et s'est vendu lorsque les peintures ont été exposées à Melbourne, à Adélaïde et dans d'autres villes australiennes. Namatjira est devenu le premier citoyen australien aborigène, en raison de sa renommée et de sa popularité avec ces aquarelles.

En 1966, l'un des dessins de David Malangi a été produit sur le billet d'un dollar australien, à l'origine à son insu. Le paiement ultérieur qui lui a été fait par la Banque de réserve a marqué le premier cas de droit d'auteur aborigène dans la loi australienne sur le droit d'auteur .

En 1988, le Mémorial aborigène a été inauguré à la National Gallery of Australia à Canberra, fabriqué à partir de 200 cercueils en rondins creux , similaires au type utilisé pour les cérémonies mortuaires en Terre d'Arnhem. Il a été réalisé pour le bicentenaire de la colonisation australienne et commémore les aborigènes morts en protégeant leurs terres lors de conflits avec les colons. Il a été créé par 43 artistes de Ramingining et des communautés voisines. Le chemin qui le traverse représente la rivière Glyde.

La même année, le nouveau Parlement de Canberra a ouvert ses portes avec un parvis présentant un dessin de Michael Nelson Tjakamarra , posé en mosaïque.

Le regretté Rover Thomas est un autre artiste aborigène australien moderne bien connu. Né en Australie-Occidentale, il a représenté l'Australie à la Biennale de Venise en 1990. Il a connu et encouragé d'autres artistes désormais bien connus à peindre, dont Queenie McKenzie de la région de East Kimberley / Warmun, tout en exerçant une forte influence sur les œuvres de Paddy Bedford et Freddy Timms .

À la fin des années 1980 et au début des années 1990, le travail d' Emily Kngwarreye , de la communauté Utopia au nord-est d' Alice Springs , est devenu très populaire. Bien qu'elle ait été impliquée dans l'artisanat pendant la majeure partie de sa vie, ce n'est qu'à l'âge de 80 ans qu'elle a été reconnue comme peintre. Ses œuvres incluent Earth's Creation . Ses styles, qui changent chaque année, sont perçus comme un mélange d'aborigène traditionnel et d'Australien contemporain. Sa montée en popularité a préfiguré celle de nombreux artistes autochtones du centre, du nord et de l'ouest de l'Australie, comme la nièce de Kngwarreye, Kathleen Petyarre , Angelina Pwerle , Minnie Pwerle , Dorothy Napangardi , Lena Pwerle et des dizaines d'autres, dont toutes les œuvres sont devenues hautement recherché. La popularité de ces artistes souvent âgés, et la pression qui en résulte pour eux et leur santé, est devenue un problème tel que certains centres d'art ont cessé de vendre les peintures de ces artistes en ligne, plaçant plutôt les clients potentiels sur une liste d'attente pour travailler.

Les artistes actuels en vogue incluent Jacinta Hayes, populaire pour sa représentation emblématique de "Bush Medicine Leaves" et "Honey Ants", Rex Sultan (qui a étudié avec Albert Namatjira), Trephina Sultan et Reggie Sultan, Bessie Pitjara et Joyce Nakamara, entre autres.

Malgré les inquiétudes concernant l'offre et la demande de peintures, l'éloignement de nombreux artistes et les problèmes de pauvreté et de santé rencontrés dans les communautés, il existe de nombreuses estimations d'une industrie valant près d'un demi-milliard de dollars australiens chaque année et en croissance rapide.

Papunya Tula et « dot painting »

En 1971-1972, le professeur d'art Geoffrey Bardon a encouragé les aborigènes de Papunya , au nord-ouest d'Alice Springs, à mettre leurs rêves sur la toile. Ces histoires avaient été précédemment dessinées sur le sable du désert , et ont maintenant reçu une forme plus permanente.

Les points ont été utilisés pour couvrir les cérémonies sacrées secrètes. À l'origine, les artistes de Tula ont réussi à former leur propre entreprise avec un nom aborigène, Papunya Tula Artists Pty Ltd, mais une période de désillusion a suivi car les artistes ont été critiqués par leurs pairs pour avoir trop révélé leur héritage sacré. Des conceptions secrètes limitées à un contexte rituel étaient maintenant sur le marché, rendues visibles par la peinture aborigène australienne. Une grande partie de l'art aborigène exposé dans les boutiques touristiques remonte à ce style développé à Papunya. Le plus célèbre des artistes issus de ce mouvement était Clifford Possum Tjapaltjarri . Également de ce mouvement, Johnny Warangkula , dont Water Dreaming at Kalipinya s'est vendu deux fois à un prix record, la deuxième fois à 486 500 $ en 2000.

La collection Papunya du Musée national d'Australie contient plus de 200 artefacts et peintures, y compris des exemples de peintures par points des années 1970.

Problèmes

Albert Namatjira ravitaillement pour un voyage à Alice Springs, vers 1948

Il y a eu des cas de marchands exploiteurs (connus sous le nom de carpetbaggers) qui ont cherché à profiter du succès des mouvements artistiques aborigènes. Depuis l'époque de Geoffrey Bardon et dans les premières années du mouvement Papunya, l'exploitation des artistes en grande partie analphabètes et non anglophones a suscité des inquiétudes.

L'une des principales raisons pour lesquelles le mouvement Yuendumu a été créé, et plus tard a prospéré, était due au sentiment d'exploitation parmi les artistes :

« Beaucoup d'artistes qui ont joué un rôle crucial dans la fondation du centre d'art étaient conscients de l'intérêt croissant pour l'art aborigène au cours des années 1970 et avaient observé avec inquiétude et curiosité les développements du mouvement artistique à Papunya parmi les personnes avec lesquelles ils étaient étroitement liés. Il y avait aussi un marché privé croissant pour l'art aborigène à Alice Springs. Les expériences des artistes sur le marché privé étaient marquées par des sentiments de frustration et un sentiment d'impuissance lorsque les acheteurs refusaient de payer des prix qui reflétaient la valeur du Jukurrpa ou montraient peu intérêt à comprendre l'histoire. La création de Warlukurlangu était un moyen de garantir aux artistes un certain contrôle sur l'achat et la distribution de leurs peintures. "

D'autres cas d'exploitation incluent :

  • peinture pour un citron (voiture) : « Des artistes sont venus me voir et ont sorti des photos de voitures avec des numéros de téléphone portable à l'arrière. On leur a demandé de peindre 10 à 15 toiles en échange d'une voiture. Quand les « Toyota » se matérialisent , ils arrivent souvent avec un pneu crevé, sans pièces de rechange, sans cric, sans carburant." (Coslovitch 2003)
  • s'en prendre à un artiste malade : « Même venir en ville pour un traitement médical, comme une dialyse, peut faire d'un artiste une proie facile pour les marchands voulant faire un profit rapide qui se rassemblent à Alice Springs » (op.cit.)
  • à la poursuite d'un artiste célèbre : « La regrettée (grande) Emily Kngwarreye... Selon Sotheby's, "Nous prenons environ un tableau d'elle sur 20, et avec ceux dont nous recherchons la provenance, nous pouvons être sûrs à 100%." (op.cit.)

En mars 2006, l'ABC a signalé que la fraude artistique avait frappé les mouvements d'art aborigène d'Australie occidentale. Des allégations ont été faites sur des conditions de type atelier de misère, de fausses œuvres de routards anglais, des prix excessifs et des artistes posant pour des photographies pour des œuvres d'art qui n'étaient pas les leurs. Un détective sur l'affaire a déclaré:

"Les gens en profitent clairement... Surtout les personnes âgées. Je veux dire, ce sont des gens qui, ils ne sont pas éduqués; ils n'ont pas eu beaucoup de contacts avec les Blancs. Ils n'ont pas vraiment de compréhension de base, vous savez, de la loi et même du droit des affaires. De toute évidence, ils n'ont pas vraiment le sens des affaires. Un dollar n'a pas vraiment de sens pour eux, et je pense que traiter quelqu'un comme ça est juste… ce n'est tout simplement pas sur dans ce pays."

En août 2006, à la suite de préoccupations soulevées au sujet de pratiques contraires à l'éthique dans le secteur de l'art autochtone, le Sénat australien a lancé une enquête sur les problèmes du secteur. Il a appris de la ministre de l'Art du Territoire du Nord, Marion Scrymgour , que les routards étaient souvent les artistes de l'art aborigène vendus dans les magasins touristiques à travers l'Australie :

"Le matériel qu'ils appellent l'art aborigène est presque exclusivement le travail de faussaires, de faussaires et de fraudeurs. Leur travail se cache derrière de fausses descriptions et des dessins douteux. L'écrasante majorité de ceux que vous voyez dans les magasins à travers le pays, sans parler de Darling, sont des faux. , purs et simples. Il y a des preuves anecdotiques ici à Darwin au moins, ils ont été peints par des routards travaillant sur la production de bois à l'échelle industrielle. "

Le rapport final de l'enquête a fait des recommandations pour changer le financement et la gouvernance du secteur, y compris un code de pratique.

Mouvements artistiques autochtones et coopératives

Les mouvements et les coopératives d'art indigène australien ont été au cœur de l'émergence de l'art indigène australien. Alors que de nombreux artistes occidentaux poursuivent une formation formelle et travaillent en tant qu'individus, la plupart de l'art autochtone contemporain est créé dans des groupes communautaires et des centres d'art.

De nombreux centres exploitent des galeries d'art en ligne où les visiteurs locaux et internationaux peuvent acheter des œuvres directement auprès des communautés sans avoir besoin de passer par un intermédiaire. Les coopératives reflètent la diversité de l'art à travers l'Australie indigène de la région du nord-ouest où l'ocre est largement utilisé ; au nord tropical où prévaut l'utilisation des hachures croisées ; au style d'art Papunya des coopératives du désert central. L'art devient de plus en plus une source importante de revenus et de moyens de subsistance pour certaines de ces communautés.

Récompenses

Le président américain George W. Bush examine une peinture d'écorce de Yirrkala au Australian National Maritime Museum , 2007.

Les lauréats des West Australian Indigenous Arts Awards ont été annoncés le 22 août 2013. Sur plus de 137 nominations provenant de toute l'Australie, Churchill Cann a remporté le Best West Australian Piece (10 000 $ A) et l'artiste du nord du Queensland Brian Robinson a remporté le prix du meilleur ensemble (50 000 $ A). ).

Expressions culturelles traditionnelles

Les savoirs traditionnels et les expressions culturelles traditionnelles sont deux types de savoirs autochtones , selon les définitions et la terminologie utilisées dans la Déclaration des Nations Unies sur les droits des peuples autochtones et par le Comité intergouvernemental sur la propriété intellectuelle et les ressources génétiques de l' Organisation mondiale de la propriété intellectuelle (OMPI). , Connaissances traditionnelles et folklore. « expressions culturelles traditionnelles » est utilisée par l'OMPI pour désigner « toute forme d'expression artistique et littéraire dans laquelle la culture et les connaissances traditionnelles sont incarnées. Elles sont transmises d'une génération à l'autre et comprennent des textiles, des peintures, des histoires, des légendes, cérémonies, musique, chants, rythmes et danse".

L'avocate australienne Terri Janke , autorité internationale de premier plan en matière de propriété culturelle et intellectuelle autochtone , déclare qu'au sein des communautés autochtones australiennes, "l'utilisation du mot 'traditionnel' a tendance à ne pas être préférée car elle implique que la culture autochtone est verrouillée dans le temps".

L'art aborigène dans les musées internationaux

L'art indigène australien a été beaucoup étudié ces dernières années et a acquis une grande reconnaissance internationale.

Le Musée d'art aborigène australien "La grange" (à Neuchâtel, Suisse) est l'un des rares musées en Europe à se consacrer entièrement à ce genre d'art. Lors d'expositions saisonnières, des œuvres d'art d'artistes de renommée internationale sont présentées. De plus, le Musée du Quai Branly, Paris, possède une collection "Océanie", qui comprend des œuvres des artistes aborigènes australiens Lena Nyadbi , Paddy Nyunkuny Bedford, Judy Watson, Gulumbu Yunupingu, John Mawurndjul, Tommy Watson, Ningura Napurrula et Michael Riley.

Deux musées qui exposent uniquement de l'art aborigène australien sont le Musée d'art aborigène contemporain , ou Museum voor hedendaagse Aboriginal kunst, (AAMU), à Utrecht , aux Pays-Bas, et la Collection d'art aborigène Kluge-Ruhe de l' Université de Virginie .

Voir également

Les références

Lectures complémentaires

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  • Bardon, G. (1991) Papunya Tula: Art of the Western Desert , Ringwood VIC: McPhee Gribble (Penguin)
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