Cinéma du Japon - Cinema of Japan

Cinéma du Japon
Japon film clap.svg
Nombre d' écrans 3 583 (2019)
 • Par habitant 2,8 pour 100 000 (2017)
Principaux distributeurs Toho (33,7%)
Walt Disney (13,6%)
Toei Company (10,5%)
Longs métrages produits (2019)
Le total 689
Nombre d'admissions (2019)
Le total 194 910 000
Billetterie brute (2019)
Le total 261.180 milliards de yens ( 2,39 milliards de dollars )
Films nationaux 142,192 milliards de yen (54,4 %)

Le cinéma japonais (日本映画, Nihon eiga , également connu dans le pays sous le nom de 邦画hōga , « cinéma domestique ») a une histoire qui s'étend sur plus de 100 ans. Le Japon possède l'une des industries cinématographiques les plus anciennes et les plus importantes au monde ; en 2021, il était le quatrième en nombre de longs métrages produits. En 2011, le Japon a produit 411 longs métrages qui ont rapporté 54,9 % d'un box-office total de 2,338 milliards de dollars US. Des films sont produits au Japon depuis 1897, date de l'arrivée des premiers cameramen étrangers.

Tokyo Story (1953) s'est classé troisième dans la liste Sight & Sound des 100 plus grands films de tous les temps. Histoire de Tokyo aussitête de 2012 Sight & Sound de sondage d'administration Les 50 plus grands films de tous les temps , détrônant Citizen Kane , alors que Akira Kurosawa est Seven Samurai (1954) a été élu le plus grand film de langue étrangère de tous les temps dans BBC ' s Sondage 2018 auprès de 209 critiques dans 43 pays. Le Japon a remporté le prix de l' Académie pour le Meilleur film international quatre fois, plus que tout autre paysAsie.

Les quatre grands studios de cinéma du Japon sont Toho , Toei , Shochiku et Kadokawa , qui sont membres de la Motion Picture Producers Association of Japan (MPPAJ). Le Japan Academy Film Prize organisé chaque année par la Nippon Academy-shō Association est considéré comme l'équivalent japonais des Oscars .

Histoire

Début de l'ère silencieuse

Le kinétoscope , tout d' abord montré dans le commerce par Thomas Edison aux Etats-Unis en 1894, a été montré au Japon en Novembre 1896. Le Vitascope et les Frères Lumière de Cinématographe ont d' abord été présentées au Japon au début de 1897, par des hommes d' affaires tels que Inabata Katsutaro . Les cameramen de Lumière ont été les premiers à tourner des films au Japon. Les images animées, cependant, n'étaient pas une expérience entièrement nouvelle pour les Japonais en raison de leur riche tradition d'appareils pré-cinématiques tels que le gentō ( utsushi-e ) ou la lanterne magique . Le premier film japonais à succès à la fin de 1897 a montré des vues à Tokyo.

En 1898, quelques films de fantômes ont été réalisés, les courts métrages de Shirō Asano Bake Jizo (Jizo l'Épouvanteur / 化け地蔵) et Shinin no sosei (Résurrection d'un cadavre). Le premier documentaire, le court métrage Geisha no teodori (芸者の手踊り), a été réalisé en juin 1899. Tsunekichi Shibata a réalisé un certain nombre de premiers films, dont Momijigari , un enregistrement de 1899 de deux acteurs célèbres interprétant une scène d'un célèbre kabuki. jouer. Les premiers films ont été influencés par le théâtre traditionnel – par exemple, le kabuki et le bunraku .

À l'aube du vingtième siècle, les théâtres japonais embauchaient des benshi , des conteurs qui s'asseyaient à côté de l'écran et racontaient des films muets. Ils étaient les descendants du kabuki jōruri, des conteurs kōdan , des aboyeurs de théâtre et d'autres formes de narration orale. Benshi pouvait être accompagné de musique comme les films muets du cinéma occidental . Avec l'avènement du son au début des années 1930, le benshi déclina progressivement.

En 1908, Shōzō Makino , considéré comme le réalisateur pionnier du cinéma japonais, commence sa carrière influente avec Honnōji gassen (本能寺合戦), produit pour Yokota Shōkai . Shōzō a recruté Matsunosuke Onoe , un ancien acteur de kabuki , pour jouer dans ses productions. Onoe est devenu la première star de cinéma du Japon , apparaissant dans plus de 1 000 films, principalement des courts métrages, entre 1909 et 1926. Le duo a été le pionnier du genre jidaigeki . Tokihiko Okada était un leader romantique populaire de la même époque.

Le premier studio de production cinématographique japonais a été construit en 1909 par la société Yoshizawa Shōten à Tokyo .

La première interprète japonaise à apparaître professionnellement dans un film est la danseuse/actrice Tokuko Nagai Takagi , qui apparaît dans quatre courts métrages pour la Thanhouser Company basée aux États-Unis entre 1911 et 1914.

Kintaro Hayakawa , l'une des plus grandes stars d'Hollywood à l'époque du cinéma muet des années 1910 et 1920.

Parmi les intellectuels, les critiques du cinéma japonais se sont multipliées dans les années 1910 et se sont finalement développées en un mouvement qui a transformé le cinéma japonais. La critique cinématographique a commencé avec les premiers magazines de cinéma tels que Katsudō shashinkai (commencé en 1909) et un livre complet écrit par Yasunosuke Gonda en 1914, mais de nombreux premiers critiques de cinéma se sont souvent concentrés sur la réprimande du travail de studios comme Nikkatsu et Tenkatsu pour être trop théâtral. (en utilisant, par exemple, des éléments du kabuki et du shinpa tels que l' onnagata ) et de ne pas utiliser ce qui était considéré comme des techniques plus cinématographiques pour raconter des histoires, en s'appuyant plutôt sur le benshi. Dans ce qui a été nommé plus tard le Mouvement du film pur , les écrivains de magazines tels que Kinema Record ont appelé à une utilisation plus large de ces techniques cinématographiques. Certains de ces critiques, comme Norimasa Kaeriyama , ont continué à mettre leurs idées en pratique en réalisant des films tels que The Glow of Life (1918), qui a été l'un des premiers films à utiliser des actrices (dans ce cas, Harumi Hanayagi ). Des efforts parallèles ont été déployés ailleurs dans l'industrie cinématographique. Dans son film de 1917 La fille du capitaine , Masao Inoue a commencé à utiliser des techniques nouvelles à l'ère du cinéma muet, telles que le gros plan et le cut back. Le mouvement du film pur a joué un rôle central dans le développement du gendaigeki et de l' écriture de scénario .

années 1920

De nouveaux studios créés vers 1920, tels que Shochiku et Taikatsu , ont aidé la cause de la réforme. À Taikatsu, Thomas Kurihara a réalisé des films scénarisés par le romancier Junichiro Tanizaki , qui était un ardent défenseur de la réforme du cinéma. Même Nikkatsu a produit des films réformistes sous la direction d' Eizō Tanaka . Au milieu des années 1920, les actrices avaient remplacé les onnagata et les films utilisaient davantage les dispositifs mis au point par Inoue. Certains des films muets japonais les plus discutés sont ceux de Kenji Mizoguchi , dont les œuvres ultérieures (notamment Ugetsu / Ugetsu Monogatari ) conservent une très haute réputation.

Les films japonais ont gagné en popularité au milieu des années 1920 contre les films étrangers, en partie alimentés par la popularité des stars de cinéma et un nouveau style de jidaigeki . Des réalisateurs tels que Daisuke Itō et Masahiro Makino ont réalisé des films de samouraï comme A Diary of Chuji's Travels et Roningai mettant en vedette des anti-héros rebelles dans des scènes de combat rapides qui ont été à la fois acclamées par la critique et des succès commerciaux. Certaines stars, telles que Tsumasaburo Bando , Kanjūrō ​​Arashi , Chiezō Kataoka , Takako Irie et Utaemon Ichikawa , se sont inspirées de Makino Film Productions et ont formé leurs propres sociétés de production indépendantes où des réalisateurs tels que Hiroshi Inagaki , Mansaku Itami et Sadao Yamanaka ont perfectionné leurs compétences. Le réalisateur Teinosuke Kinugasa a créé une société de production pour produire le chef-d'œuvre expérimental A Page of Madness , avec Masao Inoue, en 1926. Beaucoup de ces sociétés, tout en survivant à l'ère du silence contre les grands studios comme Nikkatsu , Shochiku , Teikine et Toa Studios , pourraient pas survivre au coût impliqué dans la conversion en son.

Avec la montée des mouvements politiques et des syndicats de gauche à la fin des années 1920, il y a eu des films dits de tendance avec des tendances de gauche. Les réalisateurs Kenji Mizoguchi , Daisuke Itō , Shigeyoshi Suzuki et Tomu Uchida en sont des exemples marquants. Contrairement à ces films 35 mm produits commercialement , la Ligue du film prolétarien marxiste du Japon (Prokino) a réalisé des œuvres indépendamment dans des calibres plus petits (tels que 9,5 mm et 16 mm ), avec des intentions plus radicales. Les films de tendance ont souffert d'une censure sévère avant les années 1930, et les membres de Prokino ont été arrêtés et le mouvement a été effectivement écrasé. De telles mesures du gouvernement ont eu des effets profonds sur l'expression de la dissidence politique dans le cinéma des années 1930. Les films de cette période incluent : Sakanaya Honda , Jitsuroku Chushingura , Horaijima, Orochi , Maboroshi, Kurutta Ippeji , Jujiro , Kurama Tengu : Kyōfu Jidai et Kurama Tengu .

Une version ultérieure de la fille du capitaine a été l' un des premiers walkie films. Il utilisait le système Mina Talkie . L'industrie cinématographique japonaise s'est ensuite divisée en deux groupes; l'un a conservé le Mina Talkie System, tandis que l'autre a utilisé le Eastphone Talkie System utilisé pour réaliser les films de Tojo Masaki.

Le tremblement de terre de 1923 , le bombardement de Tokyo pendant la Seconde Guerre mondiale et les effets naturels du temps et de l' humidité du Japon sur les films de nitrate inflammables et instables ont entraîné une grande pénurie de films survivants de cette période.

années 1930

Affiche de cinéma pour Sadao Yamanaka 's 1937 Humanity and Paper Balloons

Contrairement à l'Occident, les films muets étaient encore produits au Japon jusque dans les années 1930 ; jusqu'en 1938, un tiers des films japonais étaient muets. Par exemple, Ozu l » An Inn à Tokyo (1935), considéré comme un précurseur du néoréalisme genre, était un film muet. Quelques courts métrages sonores japonais ont été réalisés dans les années 1920 et 1930, mais le premier long métrage parlant japonais était Fujiwara Yoshie no furusato (1930), qui utilisait le Mina Talkie System . Notables talkies de cette période comprennent Mikio Naruse de Wife, Be Like A Rose! ( Tsuma Yo Bara No Yoni , 1935), qui fut l'un des premiers films japonais à sortir en salles aux États-Unis ; Les Sœurs de Gion de Kenji Mizoguchi ( Gion no shimai , 1936) ; Élégie d'Osaka (1936); et L'histoire des derniers chrysanthèmes (1939); et Sadao Yamanaka de l' humanité et les ballons de papier (1937).

La critique cinématographique partageait cette vitalité, avec de nombreuses revues de cinéma telles que Kinema Junpo et des journaux publiant des discussions détaillées sur le cinéma de l'époque, tant dans le pays qu'à l'étranger. Une critique « impressionniste » cultivée poursuivie par des critiques tels que Tadashi Iijima , Fuyuhiko Kitagawa et Matsuo Kishi était dominante, mais contrée par des critiques de gauche tels que Akira Iwasaki et Genjū Sasa qui cherchaient une critique idéologique des films.

L'actrice japonaise Takiko Mizunoe en visite dans le nord de la Chine, 1938

Les années 1930 ont également vu une implication accrue du gouvernement dans le cinéma, symbolisée par l'adoption de la loi sur le cinéma , qui a donné à l'État plus d'autorité sur l'industrie cinématographique, en 1939. Le gouvernement a encouragé certaines formes de cinéma, produisant des films de propagande et faisant la promotion de films documentaires. (également appelé bunka eiga ou "films culturels"), avec des documentaires importants réalisés par des réalisateurs tels que Fumio Kamei . Le réalisme était en faveur; des théoriciens du cinéma tels que Taihei Imamura et Heiichi Sugiyama prônaient le documentaire ou le drame réaliste, tandis que des réalisateurs tels que Hiroshi Shimizu et Tomotaka Tasaka produisaient des films de fiction au style fortement réaliste.

années 40

Films de guerre

En raison de la Seconde Guerre mondiale et de la faiblesse de l'économie, le chômage s'est généralisé au Japon et l'industrie du cinéma en a souffert.

Pendant cette période, alors que le Japon étendait son Empire, le gouvernement japonais considérait le cinéma comme un outil de propagande pour montrer la gloire et l'invincibilité de l' Empire du Japon . Ainsi, de nombreux films de cette période dépeignent des thèmes patriotiques et militaristes. En 1942 Kajiro Yamamoto film de Hawai Mare oki Kaisen ou « La guerre en mer d'Hawaï en Malaisie » dépeint l'attaque sur Pearl Harbor; le film utilisait des effets spéciaux réalisés par Eiji Tsuburaya , y compris un modèle à l'échelle miniature de Pearl Harbor lui-même.

Yoshiko Yamaguchi était une actrice très populaire. Elle est devenue une célébrité internationale avec 22 films de guerre. La Manchukuo Film Association lui a permis d'utiliser le nom chinois Li Xianglan afin qu'elle puisse représenter des rôles chinois dans les films de propagande japonais. Après la guerre, elle a utilisé son nom japonais officiel et a joué dans 29 films supplémentaires. Elle a été élue membre du parlement japonais dans les années 1970 et a servi pendant 18 ans.

Akira Kurosawa a fait ses débuts au cinéma avec Sugata Sanshiro en 1943.

Occupation américaine

En 1945, le Japon a été vaincu lors de la Seconde Guerre mondiale, la domination du Japon par le SCAP ( Commandant suprême des puissances alliées ) a commencé. Les films produits au Japon étaient gérés par l'organisation subordonnée du GHQ, la CIE (Civil Information Educational Section, 民間情報教育局). Ce système de gestion a duré jusqu'en 1952, et c'était la première fois dans le monde du cinéma japonais qu'une gestion et un contrôle par une institution étrangère étaient mis en place. Pendant les étapes de planification et de scénarisation, il a été traduit en anglais, seuls les films approuvés par la CIE ont été produits. Par exemple, « Akatsuki no Dassō » d' Akira Kurosawa (1950) était à l'origine une œuvre représentant une femme de réconfort militaire coréenne avec Yoshiko Yamaguchi , mais avec des dizaines de censure CIE, c'est devenu une œuvre originale. Le film achevé a été censuré une seconde fois par un CCD ( Civil Censorship Detachment ). La censure a également été appliquée rétroactivement aux œuvres cinématographiques passées. Le Japon a été exposé à plus d'une décennie d' animation américaine interdite par le gouvernement en temps de guerre.

De plus, dans le cadre de la politique d'occupation, la question de la responsabilité de la guerre s'est étendue à l'industrie cinématographique, et lorsque des voix interdisant les coopérateurs de guerre dans la production de films pendant la guerre ont commencé à s'exprimer, Nagamasa Kawakita , Kanichi Negishi , Shiro Kido en 1947, la personne qui a été impliquée dans de tels films à grand mouvement a été exilée. Cependant, comme dans d'autres activités de genre, la position de responsabilité de la guerre a été vaguement traitée dans l'industrie cinématographique, et les mesures ci-dessus ont été levées en 1950.

Le premier film sorti après la guerre était « Soyokaze » (そよかぜ) 1945 de Yasushi Sasaki , et la chanson thème « Ringo no Uta » de Michiko Namiki a été un grand succès.

Dans la liste d'interdiction de production promulguée en 1945 par David Conde de la CIE, le nationalisme, le patriotisme, le suicide et le massacre, les films violents brutaux, etc. sont devenus des articles interdits, rendant la production de drames historiques pratiquement impossible. En conséquence, des acteurs qui ont utilisé le drame historique comme activité sont apparus dans le drame contemporain. Cela inclut « Bannai Tarao » de Chiezō Kataoka (1946), « Torn Drum (破れ太鼓) » de Tsumasaburō Bandō (1949), « The Child Holding Hands (手をつなぐ子等) » de Hiroshi Inagaki et Daisuke C'est "Roi (王将)".

En outre, de nombreux films de propagande ont été produits en tant qu'œuvres de courtoisie démocratique recommandées par le SCAP. Des films importants parmi eux sont, Setsuko Hara est apparu dans « No Regrets for Our Youth » d' Akira Kurosawa (1946), « A Ball at the Anjo House » de Kōzaburō Yoshimura (1947), « Aoi sanmyaku » de Tadashi Imai ( 1949), etc. Il a acquis une popularité nationale en tant qu'étoile symbolisant le début d'une nouvelle ère. Dans " Hatachi no Seishun (はたちの青春)" de Yasushi Sasaki (1946), la première scène de baiser d'un film japonais a été filmée.

Les premières collaborations entre Akira Kurosawa et l'acteur Toshiro Mifune ont été Drunken Angel en 1948 et Stray Dog en 1949. Yasujirō Ozu a réalisé le succès critique et commercial Late Spring en 1949.

Le Mainichi Film Award a été créé en 1946.

années 1950

Les années 50 sont largement considérées comme l' âge d'or du cinéma japonais. Trois films japonais de cette décennie ( Rashomon , Seven Samurai et Tokyo histoire ) est apparu dans le top dix de Sight & Sound ' critiques de sondages et des administrateurs pour les meilleurs films de tous les temps en 2002. Ils sont apparus aussi dans les sondages de 2012, avec Tokyo Story (1953) détrônant Citizen Kane en tête du sondage des réalisateurs 2012 .

Des films de guerre restreints par le SCAP commencèrent à être produits, « Écoutez les voix de la mer » de Hideo Sekigawa (1950), « Himeyuri no Tô - La tour des lys » de Tadashi Imai (1953), « Vingt-cinq ans » de Keisuke Kinoshita . Four Eyes »(1954), « Kon Ichikawa « de la harpe birmane » (1956), et d' autres travaux visant à la rétrospective tragique et sentimentale de l'expérience de la guerre, l' un après l' autre, il est devenu une influence sociale. D'autres films de Nostalgie tels que Battleship Yamato (1953) et Eagle of the Pacific (1953) ont également été produits en série. Dans ces circonstances, des films tels que « L'empereur Meiji et la guerre russo-japonaise (明治天皇と日露大戦争) » (1957), où Kanjūrō ​​Arashi jouait l' empereur Meiji , sont également apparus. C'était une situation impensable avant la guerre, la commercialisation de l' Empereur censé être sacré et inviolable.

Teizô Toshimitsu sculptant le design final de Godzilla .

La période qui a suivi l' occupation américaine a entraîné une augmentation de la diversité dans la distribution des films grâce à la production et à la popularité accrues des studios de cinéma de Toho , Daiei , Shochiku , Nikkatsu et Toei . Cette période a donné naissance aux quatre grands artistes du cinéma japonais : Masaki Kobayashi , Akira Kurosawa , Kenji Mizoguchi et Yasujirō Ozu . Chaque réalisateur a traité les effets de la guerre et de l'occupation ultérieure par l'Amérique de manière unique et innovante.

La décennie a commencé avec Akira Kurosawa de Rashomon (1950), qui a remporté le Lion d' or au Festival de Venise en 1951 et l' Académie Prix d' honneur du meilleur film en langue étrangère en 1952, et a marqué l'entrée du cinéma japonais sur la scène mondiale. C'était aussi le rôle marquant de la star légendaire Toshiro Mifune . En 1953, Entotsu no mieru basho de Heinosuke Gosho est en compétition au 3e Festival international du film de Berlin .

Rentarō Mikuni , un acteur de cinéma japonais. Il est apparu dans plus de 150 films depuis ses débuts à l'écran en 1951, et a remporté trois Oscars japonais du meilleur acteur et sept autres nominations.
Fujita Yasuko, une actrice japonaise active des années 50.

Le premier film japonais en couleur était Carmen Comes Home réalisé par Keisuke Kinoshita et sorti en 1951. Il y avait aussi une version en noir et blanc de ce film disponible. Tokyo File 212 (1951) est le premier long métrage américain entièrement tourné au Japon. Les rôles principaux étaient joués par Florence Marly et Robert Peyton. Il mettait en vedette la geisha Ichimaru dans une courte apparition. La Tonichi Enterprises Company de Suzuki Ikuzo a coproduit le film. Gate of Hell , un film de 1953 de Teinosuke Kinugasa , a été le premier film tourné avec le film Eastmancolor , Gate of Hell était à la fois le premier film couleur de Daiei et le premier film couleur japonais à sortir en dehors du Japon, recevant un Academy Honorary Award en 1954 pour la meilleure conception de costumes de Sanzo Wada et un prix honorifique pour le meilleur film en langue étrangère. Il a également remporté la Palme d'or au Festival de Cannes , le premier film japonais à obtenir cet honneur.

L'année 1954 a vu la sortie de deux des films les plus influents du Japon. Le premier était l' épopée de Kurosawa Seven Samurai , sur un groupe de samouraïs embauchés qui protègent un village sans défense d'un gang de voleurs rapaces. La même année, Ishirō Honda a réalisé le drame monstre antinucléaire Godzilla , qui est sorti en Amérique sous le nom de Godzilla, le roi des monstres . Bien qu'édité pour sa sortie occidentale, Godzilla est devenu une icône internationale du Japon et a engendré tout un sous-genre de films kaiju , ainsi que la franchise de films la plus longue de l'histoire. Toujours en 1954, un autre film de Kurosawa, Ikiru était en compétition au 4e Festival international du film de Berlin .

En 1955, Hiroshi Inagaki a remporté un Academy Honorary Award du meilleur film en langue étrangère pour la première partie de sa trilogie Samurai et en 1958 a remporté le Lion d'or au Festival du film de Venise pour Rickshaw Man . Kon Ichikawa a réalisé deux drames anti-guerre : The Burmese Harp (1956), qui a été nominé pour le meilleur film en langue étrangère aux Oscars, et Fires On The Plain (1959), avec Enjo (1958), qui a été adapté de Yukio Le roman de Mishima Le Temple du Pavillon d'Or . Masaki Kobayashi a réalisé trois films qui deviendront collectivement connus sous le nom de The Human Condition Trilogy : No Greater Love (1959) et The Road To Eternity (1959). La trilogie s'achève en 1961, avec A Soldier's Prayer .

Kenji Mizoguchi, décédé en 1956, a terminé sa carrière avec une série de chefs-d'œuvre dont La Vie d'Oharu (1952), Ugetsu (1953) et Sansho le Bailli (1954). Il a remporté l'Ours d'argent à la Mostra de Venise pour Ugetsu . Les films de Mizoguchi traitent souvent des tragédies infligées aux femmes par la société japonaise. Mikio Naruse a réalisé Repast (1950), Late Chrysanthemums (1954), The Sound of the Mountain (1954) et Floating Clouds (1955). Yasujirō Ozu a commencé à réaliser des films en couleur en commençant par Equinox Flower (1958), et plus tard Good Morning (1959) et Floating Weeds (1958), qui a été adapté de son précédent film muet A Story of Floating Weeds (1934), et a été tourné par Rashomon et Sansho l'huissier de la photographie Kazuo Miyagawa .

Les Blue Ribbon Awards ont été créés en 1950. Le premier lauréat du meilleur film était Until We Meet Again de Tadashi Imai .

années 1960

Toshiro Mifune était au centre de nombreux films de Kurosawa.

Le nombre de films produits et l'audience du cinéma ont atteint un pic dans les années 1960. La plupart des films ont été projetés en double, la moitié de l'affiche étant une « image de programme » ou un film de série B. Une image de programme typique a été tournée en quatre semaines. La demande de ces images de programme en quantité a entraîné la croissance de séries de films telles que The Hoodlum Soldier ou Akumyo .

L'énorme niveau d'activité du cinéma japonais des années 1960 a également donné lieu à de nombreux classiques. Akira Kurosawa a réalisé le classique Yojimbo de 1961 . Yasujirō Ozu a réalisé son dernier film, Un après - midi d'automne , en 1962. Mikio Naruse a réalisé le mélodrame sur grand écran Quand une femme monte les escaliers en 1960 ; son dernier film était Scattered Clouds de 1967 .

Kon Ichikawa a capturé le tournant des Jeux olympiques de 1964 dans son documentaire de trois heures Tokyo Olympiad (1965). Seijun Suzuki a été licencié par Nikkatsu pour « avoir fait des films qui n'ont aucun sens et qui ne rapportent pas d'argent » après son film surréaliste yakuza Branded to Kill (1967).

Les années 1960 ont été les années de pointe du mouvement japonais de la nouvelle vague , qui a commencé dans les années 1950 et s'est poursuivi jusqu'au début des années 1970. Nagisa Oshima , Kaneto Shindo , Masahiro Shinoda , Susumu Hani et Shohei Imamura sont devenus des cinéastes majeurs au cours de la décennie. L' histoire cruelle de la jeunesse d' Oshima , la nuit et le brouillard au Japon et la mort par pendaison , ainsi qu'Onibaba de Shindo , Kanojo to kare de Hani et The Insect Woman d' Imamura , sont devenus quelques-uns des exemples les plus connus du cinéma japonais de la nouvelle vague. Le documentaire a joué un rôle crucial dans la Nouvelle Vague, alors que des réalisateurs tels que Hani, Kazuo Kuroki , Toshio Matsumoto et Hiroshi Teshigahara sont passés du documentaire au film de fiction, tandis que des cinéastes comme Oshima et Imamura ont également réalisé des documentaires. Shinsuke Ogawa et Noriaki Tsuchimoto sont devenus les documentaristes les plus importants : « deux personnages [qui] dominent le paysage du documentaire japonais ».

De Teshigahara femme dans les dunes (1964) a remporté le Prix Spécial du Jury au Festival de Cannes , et a été nominé pour meilleur réalisateur et du meilleur film étranger Oscars . Kwaidan (1965) de Masaki Kobayashi a également remporté le prix spécial du jury à Cannes et a reçu une nomination pour le meilleur film en langue étrangère aux Oscars. Bushido, Samurai Saga de Tadashi Imai a remporté l'Ours d'or au 13e Festival international du film de Berlin . Immortal Love de Keisuke Kinoshita et Twin Sisters of Kyoto et Portrait of Chieko , tous deux de Noboru Nakamura , ont également reçu des nominations pour le meilleur film en langue étrangère aux Oscars. Lost Spring , également de Nakamura, était en compétition pour l'Ours d'or au 17e Festival international du film de Berlin .

années 1970

Les années 1970 voient l'audience du cinéma chuter en raison de la diffusion de la télévision. L'audience totale est passée de 1,2 milliard en 1960 à 0,2 milliard en 1980. Les sociétés cinématographiques ont riposté de diverses manières, telles que les films à plus gros budget de Kadokawa Pictures , ou en incluant des contenus et un langage de plus en plus sexuels ou violents qui ne pouvaient pas être diffusés à la télévision. L' industrie du film rose qui en a résulté est devenue le tremplin pour de nombreux jeunes cinéastes indépendants. Les années soixante-dix ont également vu le début de "l' idole eiga ", des films mettant en vedette de jeunes "idoles" , qui attireraient le public en raison de leur renommée et de leur popularité.

Toshiya Fujita réalise le film de vengeance Lady Snowblood en 1973. La même année, Yoshishige Yoshida réalise le film Coup d'État , portrait d' Ikki Kita , le chef du coup d'État japonais de février 1936. Sa cinématographie expérimentale et sa mise-en- scène, ainsi que sa partition avant-gardiste de Toshi Ichiyanagi , lui ont valu un large succès critique au Japon.

En 1976, le Hochi Film Award est créé. Le premier lauréat du meilleur film est The Inugamis de Kon Ichikawa . Nagisa Oshima a réalisé In the Realm of the Senses (1976), un film détaillant un crime passionnel impliquant Sada Abe dans les années 1930. Controversé pour son contenu sexuel explicite, il n'a jamais été vu non censuré au Japon.

Kinji Fukasaku a terminé la série épique Battles Without Honor et Humanity de films yakuza. Yoji Yamada a introduit le succès commercial Tora-San série , tout en dirigeant d' autres films, notamment le populaire The Yellow Handkerchief , qui a remporté le premier prix de l' Académie du Japon pour le meilleur film en 1978. cinéastes de la Nouvelle vague Susumu Hani et Shohei Imamura se retira au travail documentaire , bien qu'Imamura ait fait un retour dramatique à la réalisation de longs métrages avec Vengeance Is Mine (1979).

Dodes'ka-den d'Akira Kurosawa et Sandakan No. 8 de Kei Kumai ont été nominés à l'Oscar du meilleur film en langue étrangère.

années 1980

Les années 1980 ont vu le déclin des grands studios de cinéma japonais et de leurs chaînes de cinémas associées, les grands studios Toho et Toei restant à peine en activité, Shochiku soutenu presque uniquement par les films Otoko wa tsurai yo et Nikkatsu diminuant encore plus.

Parmi l'ancienne génération de réalisateurs, Akira Kurosawa a réalisé Kagemusha (1980), qui a remporté la Palme d'or au Festival de Cannes 1980 , et Ran (1985). Seijun Suzuki fait son retour en commençant par Zigeunerweisen en 1980. Shohei Imamura remporte la Palme d'or au Festival de Cannes pour La Ballade de Narayama (1983). Yoshishige Yoshida a réalisé A Promise (1986), son premier film depuis le Coup d'État de 1973 .

Parmi les nouveaux réalisateurs apparus dans les années 1980, citons l'acteur Juzo Itami , qui a réalisé son premier film, Les funérailles , en 1984, et a connu un succès critique et au box-office avec Tampopo en 1985. Shinji Sōmai , un réalisateur populiste à tendance artistique qui a fait des films comme les jeunes. axé sur les besoins Typhoon du club , et le Roman porno acclamé par la critique amour Hôtel entre autres. Kiyoshi Kurosawa , qui attirera l'attention internationale à partir du milieu des années 1990, a fait ses débuts avec les films roses et l'horreur de genre.

Au cours des années 1980, l' anime a augmenté en popularité, avec de nouveaux films d' animation sortent chaque été et l' hiver, souvent sur la base de la série télévisée animée populaire. Mamoru Oshii a sorti son célèbre Angel's Egg en 1985. Hayao Miyazaki a adapté sa série manga Nausicaä of the Valley of Wind dans un long métrage du même nom en 1984. Katsuhiro Otomo a emboîté le pas en adaptant son propre manga Akira dans un long métrage du même nom en 1988.

La vidéo domestique a rendu possible la création d'une industrie cinématographique en direct sur vidéo .

Les mini cinémas , un type de cinéma indépendant caractérisé par une taille et une capacité de sièges plus petites que les grands cinémas, ont gagné en popularité au cours des années 1980. Les mini-théâtres ont aidé à présenter au public japonais des films indépendants et d' art et d' essai d'autres pays, ainsi que des films produits au Japon par des cinéastes japonais inconnus.

années 90

En raison des récessions économiques, le nombre de salles de cinéma au Japon n'a cessé de diminuer depuis les années 1960. Les années 1990 ont vu le renversement de cette tendance et l'introduction du multiplex au Japon. Dans le même temps, la popularité des mini-théâtres s'est poursuivie.

Takeshi Kitano a émergé comme un cinéaste important avec des œuvres telles que Sonatine (1993), Kids Return (1996) et Hana-bi (1997), qui a reçu le Lion d'or à la Mostra de Venise. Shōhei Imamura remporte à nouveau la Palme d'or (partagée avec le réalisateur iranien Abbas Kiarostami ), cette fois pour The Eel (1997). Il est devenu le cinquième récipiendaire à deux reprises, rejoignant Alf Sjöberg , Francis Ford Coppola , Emir Kusturica et Bille August .

Kiyoshi Kurosawa a acquis une reconnaissance internationale après la sortie de Cure (1997). Takashi Miike a lancé une carrière prolifique avec des titres tels que Audition (1999), Dead or Alive (1999) et The Bird People in China (1998). L'ancien documentariste Hirokazu Koreeda a lancé une carrière de long métrage acclamée avec Maborosi (1996) et After Life (1999).

Hayao Miyazaki a réalisé deux énormes succès au box-office et critiques, Porco Rosso (1992) – qui a battu ET l'extraterrestre (1982) en tant que film le plus rentable au Japon  – et Princess Mononoke (1997), qui a également remporté le premier box-office. place jusqu'au Titanic (1997).

Plusieurs nouveaux réalisateurs d'anime ont été largement reconnus, apportant avec eux des notions d'anime non seulement comme divertissement, mais aussi comme art moderne. Mamoru Oshii a sorti le film d'action de science-fiction philosophique de renommée internationale Ghost in the Shell en 1996. Satoshi Kon a réalisé le thriller psychologique primé Perfect Blue . Hideaki Anno a également obtenu une reconnaissance considérable avec The End of Evangelion en 1997.

années 2000

Le nombre de films projetés au Japon a régulièrement augmenté, avec environ 821 films sortis en 2006. Les films basés sur des séries télévisées japonaises étaient particulièrement populaires au cours de cette période. Les films d'animation représentent désormais 60% de la production cinématographique japonaise. Les années 1990 et 2000 sont considérées comme le « deuxième âge d'or du cinéma japonais », en raison de l'immense popularité des dessins animés, tant au Japon qu'à l'étranger.

Bien que n'étant pas un succès commercial, All About Lily Chou-Chou réalisé par Shunji Iwai a été honoré aux Festivals de Berlin, Yokohama et Shanghai en 2001. Takeshi Kitano est apparu dans Battle Royale et a réalisé et joué dans Dolls and Zatoichi . Plusieurs films d'horreur, Kairo , Dark Water , Yogen , la série Grudge et One Missed Call ont rencontré un succès commercial. En 2004, Godzilla : Final Wars , réalisé par Ryuhei Kitamura , est sorti pour célébrer le 50e anniversaire de Godzilla. En 2005, le réalisateur Seijun Suzuki a réalisé son 56e film, Princess Raccoon . Hirokazu Koreeda a remporté des prix dans les festivals de cinéma du monde entier avec deux de ses films Distance et Nobody Knows . Le film de la réalisatrice Naomi Kawase , The Mourning Forest, a remporté le Grand Prix au Festival de Cannes en 2007. Yoji Yamada , réalisateur de la série Otoko wa Tsurai yo , a réalisé une trilogie de films de samouraï révisionnistes acclamés, Twilight Samurai en 2002 , suivi de The Hidden Blade en 2004 et Love and Honor en 2006. En 2008, Departures a remporté l'Oscar du meilleur film en langue étrangère.

Dans l'anime, Hayao Miyazaki a réalisé Spirited Away en 2001, battant des records au box-office japonais et remportant plusieurs prix, dont l' Oscar du meilleur film d'animation en 2003, suivi de Howl's Moving Castle et Ponyo en 2004 et 2008 respectivement. En 2004, Mamoru Oshii a sorti le film d'animation Ghost in the Shell 2: Innocence qui a reçu des éloges de la critique dans le monde entier. Son film de 2008 The Sky Crawlers a reçu un accueil international tout aussi positif. Satoshi Kon a également sorti trois films plus calmes, mais néanmoins très réussis : Millennium Actress , Tokyo Godfathers et Paprika . Katsuhiro Otomo a sorti Steamboy , son premier projet d'animation depuis la compilation de courts métrages Memories de 1995 , en 2004. En collaboration avec Studio 4C , le réalisateur américain Michael Arias a sorti Tekkon Kinkreet en 2008, acclamé internationalement. Après plusieurs années passées à réaliser principalement des films d'action en direct plus discrets , Hideaki Anno a formé son propre studio de production et a revisité sa franchise Evangelion toujours populaire avec la tétralogie Rebuild of Evangelion , une nouvelle série de films offrant un récit alternatif de l'histoire originale.

En février 2000, le Conseil de promotion de la Commission japonaise du film a été créé. Le 16 novembre 2001, les lois de la Fondation japonaise pour la promotion des arts ont été présentées à la Chambre des représentants . Ces lois visaient à promouvoir la production d'arts médiatiques, y compris les décors cinématographiques, et stipulent que le gouvernement – ​​tant au niveau national que local – doit apporter son aide afin de préserver les médias cinématographiques. Les lois ont été adoptées le 30 novembre et sont entrées en vigueur le 7 décembre. En 2003, lors d'une réunion pour l'Agence des affaires culturelles, douze politiques ont été proposées dans un rapport écrit pour permettre la promotion et la projection de films publics au Film Centre du Musée National d'Art Moderne.

années 2010

Quatre films ont jusqu'à présent reçu une reconnaissance internationale en étant sélectionnés pour concourir dans de grands festivals de cinéma : Caterpillar de Kōji Wakamatsu était en compétition pour l'Ours d'or au 60e Festival international du film de Berlin et a remporté l' Ours d'argent de la meilleure actrice , Outrage de Takeshi Kitano a été En Compétition pour la Palme d'Or au Festival de Cannes 2010 , Himizu de Sion Sono était en compétition pour le Lion d'Or au 68ème Festival International du Film de Venise .

En 2011, Takashi Miike de Hara-Kiri: mort d'un samouraï était en compétition pour la Palme d'Or au Festival de Cannes 2012 , le premier film en 3D jamais à l' écran en compétition à Cannes. Le film a été coproduit par la Colombie - producteur indépendant Jeremy Thomas , qui avait avec succès rompu titres japonais tels que Nagisa Oshima 's Joyeux Noël, M. Lawrence et Tabou , Takeshi Kitano est frère et de Miike 13 Assassins sur la scène internationale en tant que producteur.

En 2018, Hirokazu Kore-eda a remporté la Palme d'Or pour son film Shoplifters au 71e Festival de Cannes , un festival qui a également présenté Ryusuke Hamaguchi de Asako I & II en compétition.

années 2020

En 2020, comme cela s'est produit dans tous les pays, l'industrie cinématographique du Japon a été touchée par la pandémie de COVID-19 . Plusieurs sorties de films ont été reportées et les cinémas ont été fermés pendant des mois, ne rouvrant qu'après avoir adopté plusieurs protocoles de sécurité. Quelque temps après la réouverture des cinémas, le film d'animation Demon Slayer : Mugen Train basé sur la série de mangas Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba a battu tous les records au box-office du pays, devenant non seulement le film le plus rentable de tous les temps au Japon, le film japonais le plus rentable de tous les temps et le film le plus rentable de 2020.

Genres

Les genres de films japonais comprennent :

Box-office

Année Brut
(en milliards
de yens)

Part domestique
Entrées
(en millions)
Sources)
2009 206 57% 169
2010 221 54% 174
2011 181 55% 144.73
2012 195,2 65,7% 155.16
2013 194 60,6% 156
2014 207 58% 161
2015 217.119 55,4% 166,63

Théoriciens du cinéma

Les spécialistes du cinéma japonais sont les suivants :

Voir également

Remarques

Les références

Bibliographie

Liens externes