Métronome - Metronome

Un métronome mécanique à remontage

Un métronome , du grec ancien μέτρον ( métron , "mesure") et νέμω ( némo , " je gère ", " je dirige "), est un appareil qui produit un clic audible ou un autre son à intervalle régulier qui peut être réglé par l'utilisateur, généralement en battements par minute (BPM) . Les métronomes peuvent inclure un mouvement visuel synchronisé. Les musiciens utilisent l'appareil pour s'entraîner à jouer à un rythme régulier .

Une sorte de métronome figurait parmi les inventions du polymathe andalou Abbas ibn Firnas (810-887). En 1815, l'inventeur allemand Johann Maelzel a breveté son métronome mécanique à remontage en tant qu'outil pour les musiciens, sous le titre « Instrument/Machine pour l'amélioration de toutes les performances musicales, appelé métronome ». Au 20ème siècle, les métronomes électroniques et les métronomes logiciels ont été inventés.

Les musiciens s'entraînent avec des métronomes pour améliorer leur timing, en particulier la capacité de s'en tenir à un tempo régulier . La pratique du métronome aide à intérioriser un sens clair du timing et du tempo. Les compositeurs et les chefs d'orchestre utilisent souvent un métronome comme référence de tempo standard et peuvent jouer, chanter ou diriger vers le métronome. Le métronome est utilisé par les compositeurs pour dériver les battements par minute s'ils veulent l'indiquer dans une composition. Les chefs d'orchestre utilisent un métronome pour noter leur tempo préféré dans chaque section.

Lorsqu'ils interprètent l'émotion et d'autres qualités de la musique, les interprètes jouent rarement exactement sur chaque temps ; Un rubato expressif et flexible peut parfois être utilisé. En règle générale, chaque battement d'une performance musicalement expressive ne s'aligne pas exactement avec chaque clic d'un métronome. Cela a conduit certains musiciens à critiquer l'utilisation d'un métronome, car le temps du métronome est différent du temps musical .

Étymologie

Le mot métronome est apparu pour la première fois en anglais en 1815, et est d'origine grecque, dérivé de métron— "mesure" et nomos— "régulation, loi". Le brevet déposé par Maelzel à Londres fait référence à l'instrument en tant que « métronome ou garde-temps musical ».

Histoire

Un métronome à remontage mécanique Wittner en mouvement

Selon Lynn Townsend White Jr. , l' inventeur andalou Abbas Ibn Firnas a tenté de créer un métronome.

Galileo Galilei a d' abord étudié et découvert des concepts impliquant le pendule à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle. En 1696, Etienne Loulié a utilisé avec succès un pendule réglable pour fabriquer le premier métronome mécanique. Cependant, sa conception ne produisait aucun son et n'avait pas d' échappement pour maintenir le pendule en mouvement. Pour obtenir le pouls correct avec ce genre d'appareil visuel, le musicien regarde le pendule comme s'il regardait la baguette d'un chef d'orchestre.

Le chronomètre musical mécanique plus familier a été inventé par Dietrich Nikolaus Winkel à Amsterdam en 1814. Par une pratique discutable, Johann Maelzel , incorporant les idées de Winkel, a ajouté une échelle, l'a appelé un métronome et a commencé à fabriquer le métronome sous son propre nom en 1816 : "Maelzel's Métronome." Le texte original du brevet de Maelzel en Angleterre (1815) peut être téléchargé.

Ludwig van Beethoven fut peut-être le premier compositeur notable à indiquer des marques de métronome spécifiques dans sa musique. Cela fut fait en 1815, avec la copie corrigée de la partition de la Cantate op. 112 contenant la première marque de métronome de Beethoven.

Usage

Les musiciens s'entraînent à jouer au métronome pour développer et maintenir un sens du timing et du tempo. Les métronomes sont également utilisés comme outil d'entraînement pour augmenter la vitesse de performance. Le tempo est presque toujours mesuré en battements par minute (BPM). Même les morceaux qui ne nécessitent pas un tempo strictement constant (comme avec rubato) fournissent parfois un marquage BPM pour indiquer le tempo général.

Un marquage de tempo est un terme qui exprime une gamme étroite de tempos et un caractère associé. Par exemple, le terme "Vivace" peut indiquer un tempo entre 156 et 176 BPM, mais il communique également que la musique doit être jouée avec un caractère vivant. Les métronomes incluront souvent à la fois des marques de BPM et de tempo.

Le tempo d'un métronome est généralement réglable de 40 à 208 BPM. L'arrangement le plus courant des tempos sur un métronome Maelzel commence à 40 battements par minute

et augmente de 2s :

40 42 44 46 48 50 52 54 56 58 60

puis par 3s : 63 66 69 72

puis par 4s : 72 76 80 84 88 92 96 100 104 108 112 116 120

puis par 6s : 126 132 138 144

puis par 8s : 144 152 160 168 176 184 192 200 208. Certains métronomes numériques permettent un réglage sur des tempos plus précis (ex. augmentation de 120 à 121), mais une telle différence est à peine perceptible.

Une autre marque qui dénote le tempo est MM (ou MM), ou le métronome de Mälzel. La notation MM est souvent suivie d'une valeur de note et d'un nombre qui indique le tempo, comme dans MM note du trimestre= 60 .

Les utilisations spécifiques incluent l'apprentissage de jouer les tempos et les battements de manière cohérente - par exemple, une lutte contre une tendance à accélérer peut jouer une phrase à plusieurs reprises tout en ralentissant légèrement le réglage BPM à chaque fois (pour jouer plus régulièrement) - et la pratique de la technique en réglant progressivement le métronome sur vitesses plus élevées jusqu'à ce que la vitesse souhaitée soit atteinte. Cela permet également d'exposer les ralentissements dus à des défis techniques. De plus, les musiciens qui enregistrent utilisent les pistes de clic des métronomes pour aider les ingénieurs du son à synchroniser les pistes audio.

Dans la recherche, les métronomes peuvent être utilisés pour maintenir les cadences souhaitées dans différents tests physiologiques en laboratoire.

Types de métronomes

Métronomes mécaniques

Un métronome mécanique utilise un poids réglable au bout d'une tige de pendule inversée pour contrôler le tempo. Le poids glisse vers le haut de la tige du pendule pour diminuer le tempo, ou vers le bas pour augmenter le tempo. (Ce mécanisme est également appelé pendule à double poids, car il y a un deuxième poids fixe de l'autre côté du pivot du pendule, à l'intérieur du boîtier du métronome.) Le pendule oscille d'avant en arrière dans le tempo, tandis qu'un mécanisme à l'intérieur du métronome produit un clic à chaque oscillation. Métronomes mécaniques ne ont pas besoin de batterie , mais fonctionnent à partir d' un ressort -wound rouage d' horloge échappement.

Métronomes électromécaniques

Les métronomes électromécaniques ont été inventés par Franz Frederick . Au lieu d'utiliser un mécanisme d'horlogerie ou un cristal de quartz , un moteur électrique est utilisé pour générer de l'énergie le mécanisme. La plupart utilisent une combinaison d' entraînement mécanique à vitesse variable avec un interrupteur momentané et une roue à came pour chronométrer les battements. Franz et Yamaha étaient des fabricants courants dans les années 1960 et 1970, comme le Franz LB4. Une caractéristique optionnelle courante était une lampe au néon qui s'allume en rythme avec le rythme. Très peu de métronomes électromécaniques fournissent des carillons de signature rythmique en plus du tempo de base.

Métronomes électroniques

Métronome électronique, modèle Wittner

La plupart des métronomes modernes sont électroniques et utilisent un cristal de quartz pour maintenir une précision comparable à celles utilisées dans les montres-bracelets. Les métronomes électroniques les plus simples ont un cadran ou des boutons pour contrôler le tempo ; certains produisent également des notes d'accord, généralement autour de la gamme A440 (440 hertz ). Les métronomes sophistiqués peuvent produire deux ou plusieurs sons distincts. Les tonalités peuvent différer en hauteur, en volume et/ou en timbre pour délimiter les temps forts des autres temps, ainsi que les signatures rythmiques composées et complexes .

De nombreux claviers musicaux électroniques ont des fonctions de métronome intégrées.

Métronomes logiciels

Les métronomes logiciels fonctionnent soit en tant qu'applications autonomes sur ordinateurs et smartphones, soit dans des progiciels de séquençage de musique et de multipistes audio . Dans les applications de studio d'enregistrement , telles que la musique de film , un métronome logiciel peut fournir une piste de clic pour synchroniser les musiciens.

Applications de métronome et pistes de clic

Les utilisateurs d' iPod et d'autres lecteurs MP3 portables peuvent utiliser des pistes de clic de métronome MP3 préenregistrées, qui peuvent utiliser différents sons et échantillons au lieu du bip habituel du métronome. Les utilisateurs de smartphones peuvent installer une large gamme d'applications de métronome. Le moteur de recherche Google comprend un métronome interactif pouvant jouer entre 40 et 218 BPM. L'une ou l'autre méthode évite d'avoir à apporter un métronome physique aux leçons ou aux séances d'entraînement.

Utilisation du métronome comme instrument

L'utilisation la plus connue et la plus directe du métronome comme instrument est peut-être la composition de György Ligeti de 1962, Poème Symphonique pour 100 métronomes . Deux ans plus tôt, Toshi Ichiyanagi avait écrit Music for Electric Metronomes . Maurice Ravel a utilisé trois métronomes à des vitesses différentes pour l'ouverture de son opéra L'heure espagnole (1911).

Les cliquetis des métronomes mécaniques ont parfois été utilisés pour fournir une piste rythmique douce sans utiliser aucun des instruments de percussion habituels . Paul McCartney l'a fait sur "Distractions" ( Flowers in the Dirt ). Après le métronome, McCartney a exécuté une piste rythmique en frappant différentes parties de son corps. De plus, dans le thème "Adieu à Cheyenne" d' Ennio Morricone (présenté sur Once Upon a Time in the West ), le rythme régulier du clip-clop est fourni par le son délibérément déformé et ralenti d'un métronome mécanique.

"The Refusal of Time" (2012) de William Kentridge présente cinq métronomes dans l'installation vidéo.

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Opinions positives

Le métronome est généralement perçu positivement par les interprètes, les musicologues (qui passent un temps considérable à analyser les marques du métronome), les enseignants et les conservatoires. Il est considéré comme un excellent outil d'entraînement en raison de son rythme régulier, étant « mathématiquement parfait et catégoriquement correct ». Cela supprime les conjectures et aide les musiciens de diverses manières, notamment en gardant les tempos, en contrant les tendances à ralentir ou à accélérer, et en augmentant l'uniformité et la précision, en particulier dans les passages rapides. Les métronomes sont donc couramment utilisés à tous les niveaux de compétence, à la fois par les étudiants et les musiciens professionnels. De même, l'utilisation du métronome est valorisée dans l'apprentissage de divers genres avec des tempos variés, mais peut ne pas être suffisante pour des rythmes plus complexes. Néanmoins, le tempo régulier (qui permet d'identifier quand on joue à contre-courant) est salué comme une ressource inestimable ; dans sa thèse de doctorat, Aaron M. Farrell a décrit le métronome comme un « partenaire parfait de la musique de chambre ». De ce fait, les métronomes sont souvent recommandés aux étudiants en musique sans réserve.

Diverses citations en faveur du métronome peuvent être trouvées dans le livre Techniques du métronome : Pot-pourri de citations .

Rythme strict : pratique de la performance moderne

Le métronome a été très important dans la pratique de la performance, et largement incontesté dans la pédagogie musicale ou l'érudition, depuis le 20ème siècle. L'auteur Miles Hoffman a déclaré que « la plupart des professeurs de musique considèrent le métronome indispensable, et la plupart des musiciens professionnels, en fait, continuent de pratiquer avec un métronome tout au long de leur carrière ».

L'auteur Bruce Haynes décrit en détail le rôle du métronome dans le style moderne dans son livre La fin de la musique ancienne , car la pratique métronomique est désormais courante dans le monde entier. Il souligne que le style moderne est beaucoup plus rigide rythmiquement, que le tempo est régulier et que les partitions sont lues très littéralement, parfois perçues comme dépourvues d'émotion contrairement au rubato et à la fanfaronnade caractéristiques de la musique romantique . Pour cette raison, le musicologue et critique américain Richard Taruskin appelle le modernisme « refuge dans l'ordre et la précision, l'hostilité à la subjectivité, aux caprices de la personnalité », notant son ordre et sa précision. Ces qualités donnent naissance au terme métronomique , que les critiques utilisent pour décrire une musique plus moderne avec un tempo inflexible, une approche rythmique mécanique et une accentuation égale à tous les sous-intervalles ; Le violoniste américain Sol Babitz le considérait comme un style "machine à coudre" avec une flexibilité limitée. Le musicien américain Robert Hill a également commenté le rythme prévisible et régulier caractéristique du modernisme; il décrit un compromis, en ce sens que "nous compensons notre manque de flexibilité de synchronisation par un sens très développé de la couleur et de la dynamique qui, aussi raffiné et poli qu'il puisse être, tend à abstraire et à dépersonnaliser la création musicale , soulignant son caractère absolu". Il note également que cela a beaucoup changé par rapport au répertoire classique "standard" du 19ème siècle.

Au début du XIXe siècle, le métronome n'était pas utilisé pour faire tic tac tout au long d'un morceau, mais seulement pour vérifier le tempo puis le mettre de côté. Cela contraste fortement avec de nombreux musiciens d'aujourd'hui, qui utilisent le métronome en arrière-plan pour l'intégralité d'un morceau de musique.

Certains auteurs établissent des parallèles entre une société moderne « commandée par l'horloge » et ce qu'ils considèrent comme la pratique de la performance métronomique des musiciens d'aujourd'hui.

Alors que cette section met en évidence les tendances modernes de la performance mécanique stricte comme quelque chose de répandu au 20ème siècle et maintenant, dès 1860, certaines personnes ont préconisé ce type de pratique de performance "moderne". Alors que certains au 19ème siècle ont accueilli le métronome, d'autres ont été critiques (voir ci-dessous).

Critique

L'une des raisons sous-jacentes de la plupart des premières critiques est peut-être le fait que, contrairement aux indications de tempo italiennes traditionnelles, les marques de métronome indiquent un tempo très spécifique et ne sont pas facilement réinterprétées de la même manière que les indications de tempo italiennes traditionnelles. Des changements dans l'esthétique ou dans les instruments eux-mêmes peuvent facilement rendre problématiques les vitesses indiquées précédemment, ce qui peut expliquer pourquoi de nombreux compositeurs notables du XIXe siècle, dont Felix Mendelssohn , Richard Wagner , Giuseppe Verdi et Johannes Brahms, ont critiqué l'utilisation du métronome.

Un métronome ne fournit qu'une impulsion fixe, rigide et continue. Par conséquent, les marques de métronome sur les partitions fournissent une référence, mais ne peuvent pas communiquer avec précision le pouls , le swing ou le groove de la musique. Le pouls est souvent irrégulier, par exemple en accelerando, rallentando, ou dans l'expression musicale comme dans le phrasé (rubato, etc .).

Certains soutiennent qu'une performance métronomique est en conflit avec une performance musicale expressive et culturellement consciente, de sorte qu'un métronome est un outil très limité à cet égard. Même des formes musicales aussi hautement rythmées que la samba , si elles sont exécutées dans un style culturel correct, ne peuvent pas être capturées avec les battements d'un métronome ; le battement régulier d'un métronome néglige le swing caractéristique de la samba. Un style d'exécution d'une régularité infaillible sur le plan rythmique pourrait être critiqué comme étant métronomique .

D'autres soutiennent que le métronome n'a aucune valeur musicale, au lieu de cela, il coûte à la créativité et nuit au sens du rythme des musiciens au lieu de l'aider. L'utilisation d'un métronome a été comparée à la différence entre le dessin assisté mécaniquement et le dessin à main levée, en ce sens que la sortie avec un métronome est dite rigide et manque de créativité. De même, la vitesse constante contrôlable et la répétition rigide d'un métronome ont été décrites comme pouvant coûter au rythme interne et à la musicalité en cas d'abus ou de surutilisation. Cela contraste avec ceux qui préconisent son utilisation comme outil d'entraînement et d'exercices pour cultiver le sens du rythme.

Le compositeur et critique américain Daniel Gregory Mason a écrit que l'utilisation du métronome est « dangereuse » car elle conduit les musiciens à jouer par la mesure ou le temps au lieu de la phrase , au détriment de la vivacité, de l'instinct et de l'énergie rythmique. Il fait référence au fait que les "bonnes performances" comportent généralement des retards et des accélérations, contrairement au rythme régulier d'un métronome. Cette opinion a également été exprimée par des professeurs de musique ; par exemple, l'enseignante Jennifer Merry relie le rythme régulier d'un métronome à la structure de la musique populaire contemporaine et affirme que les deux facteurs entravent la compréhension du rythme et du tempo chez les jeunes enfants. Ces critiques soulignent l'importance de l'intuition, des nuances et du style, plutôt que le rythme rigide et régulier d'un métronome.

Technique du métronome

La technique du métronome est vaste et a fait l'objet de plusieurs livres. Cette section résume certaines des principales idées et approches. L'approche « intuitive » de la pratique du métronome consiste simplement à jouer avec un métronome. Avec la technique du métronome, les musiciens font des exercices séparés pour renforcer et stabiliser leur sens du rythme et du tempo, et augmenter leur sensibilité au temps musical et à la précision.

Jouer "dans la poche"

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à un tempo de 60 BPM.

La compétence de base requise est la capacité de jouer précisément dans la poche, c'est-à-dire exactement sur le clic du métronome, avec le métronome de manière détendue. Il aide les musiciens à inculquer un sens plus précis du temps de manière claire et précise, à des intervalles correspondant à des fractions de seconde. L'un des défis de cette approche, en particulier pour les pianistes et les percussionnistes, est que le clic du métronome semble disparaître (ou du moins être entendu moins distinctement) lorsque l'on frappe exactement le clic. Les musiciens qui tentent de jouer dans la poche avec un métronome sans technique établie peuvent constater que cela introduit de la tension et de l'effort dans leur technique instrumentale.

Pour remédier à ces difficultés, les musiciens commencent par apprendre à jouer systématiquement en avance ou en retard quand ils le souhaitent. En conséquence, ils développent un sens clair de « où se trouve le clic » et peuvent également s'entraîner à frapper le clic.

Les musiciens écoutent également comment le son de leur jeu fusionne avec le métronome pour créer un nouveau son lorsqu'ils jouent précisément dans la poche. Diverses approches suggèrent qu'en écoutant de cette manière (et à travers d'autres exercices), il est possible de jouer précisément dans la poche avec le métronome de manière détendue. Tout en apprenant à jouer dans la poche, les musiciens travaillent également sur la flexibilité et la capacité de jouer précisément n'importe où dans le rythme (comme dans des rythmes plus complexes).

Précision du timing et sensibilité au temps musical

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à 60 BPM. Cette piste joue 5 mesures puis se tait pendant 2, 3, 4 et 8 mesures (en alternance avec 2 mesures jouées). Un exercice courant dans la technique du métronome est d'aider à intérioriser un sens précis du temps et du tempo.

Une grande partie de la technique du métronome moderne implique diverses méthodes pour aider à résoudre les problèmes de synchronisation. Il vise à encourager et à développer un sens clair du temps musical et à aider avec les nuances et la précision du timing, mais en même temps doit éviter de créer une dépendance excessive au métronome. De nombreux exercices sont utilisés pour aider à la précision du timing et à la sensibilité au temps, tels que maintenir le rythme (rester dans le temps) pendant que le métronome est silencieux pendant de longues périodes et jouer des clics déplacés ou des polyrythmies sur le métronome.

Rythmes musicalement expressifs

La technique du métronome moderne aborde les rythmes musicaux expressifs de plusieurs manières. Par exemple, une grande partie de la technique du métronome moderne est d'encourager et de développer un sens solide du tempo et du timing, à la fois dans la réflexion et le jeu ; en conséquence, on sera plus rythmiquement conscient.

Des exercices de métronome spéciaux sont utilisés pour aider à garder ce sens fluide du rythme et de la synchronisation lorsque vous travaillez avec le métronome. Certains exercices couramment référencés incluent la dérive progressive d'un temps à l'autre, jouer des temps en avant ou en arrière du clic (pour être à l'aise de jouer n'importe où par rapport au clic du métronome) et commencer à l'unisson avant de pousser progressivement les notes avant le clic et puis en tirant à nouveau à l'unisson du pouls (ou inversement, en tirant d'abord derrière le pouls).

L'auteur Andrew Lewis a déclaré que l'on peut également développer un niveau de conscience plus élevé des nombreux rythmes naturels de la vie quotidienne et utiliser des exercices pour aider à intégrer ces rythmes dans leur musique. De même, l'auteur Mac Santiago souligne que l'utilisation d'un métronome aide à améliorer le sens du temps et le timing exact sans causer aucun des problèmes attendus pour la musicalité et le timing expressif, et le rythme lui-même est naturel pour les êtres humains (bien qu'un sens exact du passage du temps n'est pas) mais doit être formé pour une utilisation en musique. Le livre de Santiago déclare :

Time Feel, le sujet du chapitre 7, est l'une des grandes clés de la musicalité pour les instruments de la section rythmique. Mais pouvoir jouer en retard ou en avance sur le pouls peut également ajouter de l'expression à une ligne mélodique. Ceci, avec de légers changements de dynamique, crée un phrasé dans la musique. La capacité d'entendre le pouls et d'accélérer ou de décélérer légèrement est un excellent moyen d'intégrer le sentiment humain dans une performance musicale. Bien sûr, tout cela est relatif au tempo et est mieux réalisé par rapport à un tempo stable. En d'autres termes, plus votre sens du pouls est précis, meilleure est votre capacité à le manipuler. Cela fonctionne également pour les actions de ritardando et d'accelerando, car elles sont relatives à une impulsion constante et sont mieux exécutées progressivement plutôt que par changements soudains"

Lewis dit également dans son livre qu'une sensibilité accrue au rythme est essentielle pour développer une plus grande précision de synchronisation et un sens plus clair du passage du temps musical - par rapport auquel les musiciens peuvent alors utiliser des rythmes expressifs, naturels et fluides, avec autant de rubato et de tempo. écart comme ils le souhaitent. Le livre de Lewis déclare :

Le rythme est partout. Soyez-y sensible et restez conscient des événements spontanés qui peuvent stimuler le développement rythmique. Écoutez tout le temps et utilisez votre imagination. Devenez une antenne rythmique.

Alternatives à l'utilisation du métronome

Si un musicien décide de ne pas utiliser de métronome, d'autres méthodes sont nécessaires pour gérer les problèmes de synchronisation et de tempo, ainsi que les précipitations et les déplacements. Ces idées peuvent également être utiles comme approche complémentaire avec la technique du métronome.

Les humains s'appuient sur un sens du rythme pour effectuer des activités ordinaires telles que marcher, courir, enfoncer des clous ou couper des légumes. Même la parole et la pensée ont une sorte de rythme. Selon l'auteur Andrew Lewis, une façon de travailler sur les rythmes est de travailler à les mettre en musique, devenant une « antenne rythmique ». Jusqu'au XIXe siècle en Europe, on chantait en travaillant, au rythme de son travail. Les rythmes musicaux faisaient partie de la vie quotidienne; Le musicien anglais Cecil Sharp a rassemblé certaines de ces chansons avant qu'elles ne soient oubliées. (Voir aussi chanson de travail et chants de marins .) Dans de nombreuses régions du monde, la musique reste une partie importante de la vie quotidienne. Il existe de nombreux récits de personnes (en particulier les populations tribales) qui chantent fréquemment et spontanément dans leur vie quotidienne, lorsqu'elles travaillent et lorsqu'elles se livrent à d'autres activités. Par exemple:

« Benny Wenda, un Lani des hauts plateaux, est un leader papou aujourd'hui exilé au Royaume-Uni, et un chanteur. Il y a des chansons pour tout, dit-il : des chansons pour escalader une montagne, des chansons pour le coin du feu, des chansons pour jardiner. "Puisque les gens sont interconnectés avec la terre, les femmes chanteront la graine de la patate douce lorsqu'elles la planteront, ainsi la terre sera heureuse." Pendant ce temps, les hommes chanteront la terre jusqu'à ce qu'elle se ramollisse suffisamment pour creuser. "

Les musiciens peuvent également travailler sur le renforcement de leur sens du pouls en utilisant des sources internes, telles que la respiration et la subdivision des respirations, ou plutôt travailler avec l'imagination, en imaginant un pouls. Ils peuvent également travailler avec leur rythme cardiaque et les rythmes de leurs muscles thoraciques de la même manière. Une autre chose qu'ils font est de jouer de la musique dans l'oreille de leur esprit avec les rythmes de la marche ou d'autres rythmes de la vie quotidienne. D'autres techniques consistent à entendre la musique dans son esprit avant de la jouer. Les musiciens peuvent gérer les problèmes de timing et de tempo en apprenant d'abord à entendre une performance parfaite dans leur esprit.

Dans certains styles de musique, comme les notes inégales de la musique ancienne (selon une interprétation minoritaire), il peut être approprié d'utiliser une approche différente qui ne fonctionne pas tellement avec un sens du pouls intérieur, mais plutôt sur des idées de gestes et est plus étroitement liée aux rythmes de la parole et de la poésie.

Certaines idées sont données par Marianne Ploger et Keith Hill dans The Craft of Musical Communication . Ils déclarent que les notes doivent être subtilement inégales - ne pas avoir trois notes identiques aide à garder la musique vivante et intéressante, contrairement à quelque chose qui pourrait être perçu comme rigide et monotone, et aide à éviter tout sentiment de similitude et d'ennui dans la musique - l'idée de "Entasis". Les notes et les phrases musicales peuvent également être organisées en gestes - des modèles de rythme particuliers qui viennent naturellement - plutôt que des mesures strictes . Une autre alternative consiste à retarder des notes individuelles, comme attendre un peu plus longtemps pour jouer les notes attendues à la fin d'une phrase musicale, créant ainsi une anticipation . De plus, les notes jouées ensemble peuvent être autorisées à sortir un peu du temps les unes avec les autres de manière insouciante "sans souci" - cela peut créer un sentiment de "sans effort détendue" lorsque les notes sont délibérément jouées de manière irrégulière (par rapport à ce qui est noté dans la partition).

Il s'agit d'un point de vue minoritaire sur l'interprétation de ce style de musique, mais remarquable en raison de son approche différente du temps et du rythme musicaux, et de sa pertinence par rapport à la manière dont les rythmes peuvent être pratiqués. L'opinion la plus généralement acceptée est que les notes inégales ont été jouées avec la même quantité de swing presque tout le temps, comme le jazz moderne .

Voir également

Les références

Liens externes