Art militaire - Military art

La reddition de Breda de Diego Velázquez (1634-35) montre une scène bondée alors que les deux parties se rencontrent pacifiquement pour rendre la ville.
La bataille de Poitiers en 1356, dans un manuscrit des Chroniques de Froissart de c. 1410

L'art militaire est un art avec un sujet militaire , quel que soit son style ou son support. La scène de bataille est l'un des plus anciens types d'art dans les civilisations développées, car les dirigeants ont toujours tenu à célébrer leurs victoires et à intimider leurs adversaires potentiels. La description d'autres aspects de la guerre, en particulier la souffrance des victimes et des civils, a mis beaucoup plus de temps à se développer. En plus des portraits de personnalités militaires, les représentations de soldats anonymes loin du champ de bataille sont très courantes ; depuis l'introduction des uniformes militaires, ces travaux se concentrent souvent sur la présentation de la variété de ceux-ci.

Les scènes navales sont très courantes, et les scènes de bataille et les "portraits de navires" sont pour la plupart considérés comme une branche de l'art marin ; le développement d'autres grands types d'équipements militaires tels que les avions de combat et les chars a conduit à de nouveaux types de travaux les décrivant, soit en action, soit au repos. Dans les guerres du 20e siècle, des artistes de guerre officiels ont été retenus pour représenter les militaires en action ; bien que les artistes soient maintenant très proches de l'action, la scène de bataille est principalement laissée aux médias graphiques populaires et au cinéma. Le terme art de guerre est parfois utilisé, principalement en relation avec l'art militaire du 20e siècle réalisé en temps de guerre.

Histoire

Ancien monde

La mosaïque romaine d' Alexandre montrant Alexandre le Grand (à gauche) battant Darius III de Perse ; une mosaïque au sol excavée de Pompéi , c. 100 avant JC

L'art représentant des thèmes militaires a existé tout au long de l'histoire. La palette du champ de bataille , une palette cosmétique de la période protodynastique de l'Égypte (environ 3 500 à 3 000 av. J.-C. ) est incomplète, mais montre des prisonniers emmenés et des animaux sauvages se régalant des morts. La Palette Narmer de la même époque montre une victoire militaire dans un style plus symbolique. La Stèle des Vautours , vers 2500 avant JC, est l'une des nombreuses « stèles de la victoire » mésopotamiennes . Également vers 2500 avant JC, la plus ancienne représentation connue d'une ville assiégée se trouve dans la tombe d'Inti, un fonctionnaire du 21e nome de Haute-Égypte , qui a vécu à la fin de la Ve dynastie. La scène montre des soldats égyptiens escaladant les murs d'une forteresse proche-orientale sur des échelles. Bien que la bataille de Kadesh en 1274 avant JC semble avoir été peu concluante, les reliefs érigés par Ramsès II le montrent en train de disperser ses adversaires hittites avec son char.

L' art assyrien survivant se compose principalement de grands reliefs en pierre montrant des scènes détaillées de campagnes militaires ou de chasse; les reliefs de Lakis en sont un exemple. Les anciens marbres grecs du Parthénon montrent de longs défilés de la force de cavalerie volontaire de la ville , et de nombreux vases grecs montrent des scènes de combat. Dans la Chine de la dynastie Han , un célèbre relief en pierre de c. 150-170 après JC des sanctuaires de la famille Wu montre une bataille entre les forces de cavalerie dans la campagne contre Dong Zhuo .

Dans l'art romain antique, les colonnes triomphales romaines les plus élaborées montraient de très longs reliefs de campagnes militaires s'enroulant autour du corps d'énormes colonnes ; parmi les plus impressionnants sont ceux de Trajan et Marc Aurèle à Rome. La mosaïque d'Alexandre est une grande scène de bataille dramatique montrant Alexandre le Grand battant Darius III de Perse ; il s'agit d'un sol en mosaïque excavé de Pompéi , copiant probablement un tableau perdu. De nombreux sarcophages hellénistiques et romains montraient des scènes de combat bondées, parfois mythologiques (une amazonomachie est un terme désignant une scène de bataille entre Amazones et Grecs ), et généralement sans rapport avec une bataille en particulier ; ceux-ci n'étaient pas nécessairement utilisés pour enterrer des personnes ayant une expérience militaire. De telles scènes ont eu une grande influence sur les scènes de bataille de la Renaissance. À la fin de l'Empire romain, le revers des pièces montrait très souvent des soldats et portait une inscription louant « nos garçons », sans doute dans l'espoir de retarder la prochaine révolte militaire.

Médiéval

L'ensemble de la tapisserie de Bayeux de 70 mètres (230 pieds) de long . Les images individuelles de chaque scène sont à Bayeux Tapestry tituli . (Balayez vers la gauche ou la droite.)

L'art chrétien produit pour l'église évitait généralement les scènes de bataille, bien qu'un rare motif de l' Antiquité tardive montre le Christ habillé en empereur victorieux en costume général, ayant vaincu le diable, en Christ marchant sur les bêtes et autres iconographies . Les goûts violents de l' élite anglo-saxonne ont réussi à ajouter le Harrowing of Hell , conçu comme un raid sur la forteresse de Satan, dirigé par le Christ, au groupe de scènes standard pour un cycle sur la Vie du Christ . Les saints soldats , représentés en tenue militaire, étaient extrêmement populaires, tout comme les images de l' archange Michel poignardant Satan comme un dragon avec une croix avec une pointe de lance à sa base. Certains manuscrits enluminés illustraient les nombreuses batailles de l' Ancien Testament .

Les œuvres profanes produites pour des mécènes profanes montrent souvent des thèmes militaires, par exemple dans des copies manuscrites enluminées d'histoires comme le Froissart du XVe siècle de Louis de Gruuthuse (BnF Fr 2643-6) , où la plupart des 112 miniatures montrent des scènes militaires. Le siège du château de l'amour , souvent trouvé sur des miroirs gothiques en ivoire , montrait des chevaliers attaquant un château défendu par des dames, métaphore de la littérature de l'amour courtois . La Tapisserie de Bayeux du XIe siècle est un récit panoramique linéaire des événements entourant la conquête normande et la bataille d'Hastings en 1066, le seul exemple survivant d'un type de tenture brodée avec laquelle les riches anglo-saxons décoraient leurs maisons. Dans l'art islamique, la scène de bataille, souvent issue d'une œuvre fictive de poésie épique , était un sujet fréquent dans les miniatures persanes , et le point de vue élevé qu'ils adoptaient rendait les scènes plus facilement compréhensibles que de nombreuses images occidentales.

De la Renaissance aux guerres napoléoniennes

Après la bataille de Marignano , dessin d' Urs Graf , 1521

La peinture de la Renaissance italienne a vu une grande augmentation de l'art militaire par les principaux artistes, des peintures de bataille présentant souvent des scènes presque contemporaines telles que l'énorme ensemble de trois toiles de La bataille de San Romano (vers 1445) de Paolo Uccello et la bataille avortée de Cascina (1504-1506) de Michel-Ange et Bataille d'Anghiari de Léonard de Vinci (1503-1506), qui devaient être placés l'un en face de l'autre dans le Palazzo Vecchio à Florence , mais dont aucun n'a été achevé. Pour les artistes de la Renaissance avec leurs nouvelles compétences dans la représentation de la figure humaine, les scènes de bataille leur ont permis de démontrer toutes leurs compétences dans la représentation de poses compliquées ; Michel-Ange a choisi un moment où un groupe de soldats a été surpris en train de se baigner, et presque tous les personnages sont nus. La bataille de Léonard était une bataille de cavalerie, dont la partie centrale était très largement vue avant d'être détruite, et extrêmement influente : elle « a exercé un changement fondamental sur toute l'idée de la peinture de bataille, une influence qui a duré jusqu'à la Renaissance jusqu'aux machines héroïques des peintres napoléoniens et même aux compositions de bataille de Delacroix », selon l'historien de l'art Frederick Hartt .

Tous ceux-ci représentaient des actions franchement mineures où Florence avait vaincu les villes voisines, mais les batailles importantes de l'histoire lointaine étaient tout aussi populaires. Les Triomphes de César d' Andrea Mantegna montrent le défilé triomphal romain de Jules César , tout en se concentrant sur le butin plutôt que sur l'armée qui le suit ; la série imprimée Triomphes de Maximilien montre les deux, menant à Maximilien II, empereur du Saint-Empire à cheval sur un énorme carrosse. La bataille du pont Milvius de Giulio Romano a apporté une scène de bataille énorme et « séminale » dans les salles Raphaël du palais du Vatican . L'inhabituelle La bataille d'Alexandre à Issus (1528-159) d' Albrecht Altdorfer a réussi à faire l'une des scènes de bataille de la Renaissance les plus appréciées, malgré, ou peut-être à cause, d'avoir un format vertical, dicté par le cadre prévu; il a été commandé comme l'un d'un ensemble de huit peintures de bataille par divers artistes. "C'était l'image de bataille la plus détaillée et la plus panoramique de son époque", et son point de vue aérien devait être très largement suivi au cours des siècles suivants, bien que rarement avec un effet aussi dramatique.

Des navires hollandais éperonnent des galères espagnoles au large de la côte flamande en octobre 1602 , 1617, par Hendrick Vroom

Surtout en Europe du Nord, de petits groupes de soldats sont devenus un sujet populaire pour les peintures et surtout les gravures de nombreux artistes, dont Urs Graf , qui a la particularité d'avoir été mercenaire professionnel suisse pendant de nombreuses années. Ces œuvres ont commencé à présenter une vision moins héroïque des soldats, qui représentaient souvent une menace considérable pour les populations civiles même en temps de paix, bien que les costumes extravagants des Landsknecht soient souvent traités comme glamour. Pour Peter Paret, dès la Renaissance « la glorification du chef temporel et de son système politique - qui avait bien sûr également été présente dans l'art médiéval - remplace la foi chrétienne comme force d'interprétation déterminante » dans l'art militaire.

La peinture navale est devenue conventionnelle dans la peinture hollandaise de l'âge d'or du 17ème siècle , et à partir de ce moment-là, les artistes ont eu tendance à s'y spécialiser ou à ne pas l'essayer; en dehors de tout le reste "Les artistes marins ont toujours eu affaire à une classe de mécènes particulièrement exigeante", comme l'a découvert JMW Turner lorsque le "Sailor King" Guillaume IV du Royaume-Uni a rejeté sa version de La bataille de Trafalgar en raison de son inexactitude. Hendrick Vroom fut le premier vrai spécialiste, suivi par l'équipe père - fils de Willem van de Velde , qui émigra à Londres en 1673, et fonda effectivement la tradition anglaise de la peinture navale, « produisant un enregistrement visuel époustouflant de la marine anglo-néerlandaise. guerres, qui ont fixé les conventions de la peinture de bataille maritime pour les 150 prochaines années". Vroom avait également travaillé pour des mécènes anglais, concevant un grand ensemble de tapisseries de la défaite de l' Armada espagnole qui a été détruite lors de l' incendie du Parlement en 1834.

Les XVIIe et XVIIIe siècles ont vu des représentations de batailles adoptant pour la plupart une vue à vol d'oiseau , comme depuis une colline voisine ; cela les rendait moins intéressants à peindre, et les grands artistes avaient désormais tendance à les éviter. Une vision très différente de la guerre est présentée dans Les Grandes Misères de la guerre ("Les malheurs de la guerre"), un ensemble de douze eaux-fortes réalisées par Jacques Callot pendant la guerre de Trente Ans qui suit un groupe de soldats ravageant la campagne avant d'être finalement rassemblés de leur côté et exécutés. Toujours dans la première moitié du XVIIe siècle, une branche de la peinture de genre dans la peinture hollandaise de l'âge d'or s'est spécialisée dans les scènes de poste de garde de soldats plutôt désordonnés, pas souvent au combat, mais saccageant des fermes ou assis dans un poste de garde de camp. Les peintures de Salvator Rosa , essentiellement des paysages , montraient souvent des groupes diversement décrits comme des bandits ou des soldats tapi dans la campagne du sud de l'Italie. La reddition de Breda par Velázquez (1634-1635) montre une scène bondée alors que les deux parties se rencontrent pacifiquement pour rendre la ville ; un thème plus souvent copié dans la peinture navale que dans l'art militaire terrestre.

À partir de la fin du XVe siècle au moins, les ensembles de tapisseries sont devenus le moyen le plus grandiose de « l'art militaire officiel » ; les tapisseries portugaises Pastrana (1470) en étaient un exemple précoce. Un décor réalisé pour le duc de Marlborough montrant ses victoires était varié pour différents clients, et même vendu à l'un de ses adversaires, Maximilien II Emmanuel, électeur de Bavière , après avoir retravaillé les visages du général et d'autres détails.

Au milieu du XVIIIe siècle, un certain nombre d'artistes, en particulier en Grande-Bretagne, ont cherché à faire revivre l'art militaire avec de grandes œuvres centrées sur un incident héroïque qui remettrait le genre au premier plan dans la peinture d'histoire , comme il l'avait été à la Renaissance. . La scène de bataille contemporaine standard avait tendance à être regroupée dans la catégorie modeste de la peinture topographique , couvrant des cartes et des vues de maisons de campagne. La mort du général Wolfe (1771) de Benjamin West , La mort du capitaine James Cook (1779) de Johann Zoffany , La défaite des batteries flottantes à Gibraltar, septembre 1782 et La mort du major Pierson (1784) de John Singleton Copley sont des exemples phares du nouveau type, qui ignorait les plaintes concernant l'inadaptation des vêtements modernes aux sujets héroïques. Cependant de telles œuvres ont eu une influence plus immédiate en France qu'en Grande-Bretagne.

À l' époque napoléonienne , la France a ajouté le romantisme à son style et a commencé à représenter des soldats individuels avec plus de caractère. Les peintures de bataille ont été de plus en plus produites pour les grands bâtiments publics et sont devenues plus grandes que jamais. Le baron Gros peint surtout des glorifications de Napoléon et de ses victoires, mais son tableau de 1808 de la bataille d'Eylau ne néglige pas les souffrances des morts et des blessés sur le champ de bataille gelé. En revanche, les grands tableaux de Goya Le 2 mai 1808 et Le 3 mai 1808 , peut-être consciemment conçus comme une riposte à Gros, et sa série de 82 eaux - fortes , Les désastres de la guerre (espagnol : Los Desastres de la Guerra ) , a souligné la brutalité des forces françaises pendant la guerre d'Espagne en Espagne. Les représentations britanniques des guerres napoléoniennes ont continué les modèles de la fin du XVIIIe siècle, souvent à plus grande échelle, avec la mort de l'amiral Horatio Nelson produisant rapidement de grandes œuvres d' Arthur William Devis ( La mort de Nelson, 21 octobre 1805 ) et West ( La mort de Nelson ). JMW Turner faisait partie des artistes qui ont produit des scènes des victoires de Nelson, avec La bataille de Trafalgar . La British Institution a organisé des concours pour des croquis d'art commémorant les victoires britanniques, les œuvres gagnantes étant ensuite commandées.

10e régiment de hussards, par Carle Vernet

Au cours de cette période, l'imprimé d'uniforme, se concentrant sur une représentation détaillée de l'uniforme d'un ou plusieurs personnages debout, généralement colorié à la main, est également devenu très populaire dans toute l'Europe. Comme les autres estampes, celles-ci étaient généralement publiées sous forme de livre, mais également vendues individuellement. En Grande-Bretagne, les 87 estampes des Loyal Volunteers of London (1797–98) de Thomas Rowlandson , publiées par Rudolph Ackermann , marquent le début de la période classique. Bien que Rowlandson fasse généralement la satire de ses sujets dans une certaine mesure, ici les soldats étaient « représentés comme eux, et en particulier leurs colonels qui payaient leurs uniformes, préféraient se voir », ce qui restait la représentation habituelle dans de telles gravures. Un ensemble d'estampes de Carle Vernet des splendides uniformes de la Grande Armée de 1812 montrait la plupart des fantassins par paires dans le camp, dans une variété de poses détendues qui montraient l'un de face et l'autre de dos. Une peinture à l'huile rare par un artiste de premier plan qui traite des soldats dans l'esprit de l'uniforme est Soldiers of the 10th Light Dragoons (le "Prince of Wales Own") peint en 1793 par George Stubbs pour leur colonel en chef , le futur George IV du Royaume-Uni. D' autres peintures de soldats célibataires étaient plus dramatique, comme Théodore Géricault « s La charge Chasseur (c. 1812).

XIXe siècle

Scène de bataille à Tápióbicske par Mór Than , 1849

Eugène Delacroix , qui a également peint de nombreuses scènes de combat plus petites, a terminé son Le massacre de Chios en 1824, montrant une attaque alors notoire contre des civils grecs par les forces ottomanes pendant la guerre d'indépendance grecque , qui sont montrées sous un jour entièrement négatif. Il a eu un impact plus immédiat sur l'art européen que le Tres de Mayo ( Le 3 mai 1808 ) de Goya quelques années plus tôt, qui n'était apparemment même exposé au musée du Prado que quelques années plus tard. En revanche, la liberté de Delacroix guidant le peuple de 1830 montrait les combats sous un jour positif, mais pas le "militaire" car il montre des révolutionnaires civils armés de la Révolution de Juillet , avançant contre les forces en uniforme invisibles du gouvernement. Les atrocités turques devaient rester un thème récurrent dans la peinture du XIXe siècle, en particulier dans les anciens territoires ottomans échappés de l'empire en déclin (souvent des scènes de pré-viol traitées de manière assez salace), et les sentiments anti-militaires généraux, auparavant principalement présents dans les gravures, étaient également à émerger régulièrement dans de grandes peintures à l'huile.

L'art militaire est resté populaire pendant le reste du 19ème siècle dans la plupart de l'Europe. Des artistes français tels qu'Ernest Meissonier , Edouard Detaille et Alphonse de Neuville ont établi la peinture de genre militaire au Salon de Paris . Les nouvelles formes d'art militaire qui se sont développées dans les années 1850 ont rencontré une opposition considérable de la part de la Royal Academy du Royaume-Uni.

Les artistes européens dans un style généralement académique qui étaient bien connus comme peintres de scènes de bataille, encore souvent de sujets des guerres napoléoniennes ou de conflits plus anciens, comprenaient Albrecht Adam , Nicaise de Keyser , Piotr Michałowski Antoine Charles Horace Vernet , Emile Jean Horace Vernet , Wilhelm Camphausen et Emil Hünten . La montée du nationalisme a favorisé la peinture de bataille dans des pays comme la Hongrie (grande attention portée aux uniformes), la Pologne (forces énormes) et les terres tchèques . L'énorme bataille de Grunwald (1878) de Jan Matejko reflète le sentiment panslave , montrant diverses forces slaves se réunissant pour briser le pouvoir des chevaliers teutoniques .

L'usage du terme « art militaire » a évolué depuis le milieu du XIXe siècle. En France, Charles Baudelaire a discuté de l'art militaire et de l'impact de la photographie sur celui-ci, au Salon de Paris de 1859. Un critique britannique de l' exposition de la Royal Academy de 1861 a observé que

Les peintres britanniques n'ont jamais complètement lutté avec l'art militaire , ils n'ont fait que planer sur les bords, toucher et rogner. -- William Michael Rossetti

En revanche, l'artiste britannique Elizabeth Thompson (Lady Butler) a expliqué qu'elle "n'a jamais peint pour la gloire de la guerre, mais pour en représenter le pathétique et l'héroïsme". Les séquelles de la bataille ont été représentées dans des peintures telles que Calling the Roll After An Engagement, Crimea , exposée à la Royal Academy en 1874. Cette perspective est également visible dans Remnants of an Army qui montrait William Brydon luttant pour Jalalabad sur un cheval mourant. Le Dr Brydon était le seul survivant de la retraite de 1842 de Kaboul, au cours de laquelle 16 000 personnes ont été massacrées par des tribus afghanes.

Gravure d'après Melton Prior de la bataille de Majuba Hill , pour l' Illustrated London News , 1881

Le marché britannique a commencé à se développer au milieu du 19e siècle. Les relations entre l'État et son armée, et les idéologies qui sont impliquées dans cette relation ont affecté l'œuvre d'art, les artistes et les perceptions publiques des œuvres d'art et des artistes.

À l'époque de la guerre de Sécession et de la guerre de Crimée, les photographes ont commencé à rivaliser fortement avec les artistes pour la couverture des scènes dans le camp et les suites de la bataille, mais les temps d'exposition étaient généralement trop longs pour leur permettre de prendre des photos de batailles de manière très efficace. La photographie de guerre n'est pas abordée dans cet article. Les illustrations pour les journaux et les magazines ont continué un style héroïque avec peut-être plus de confiance que les peintres, et Melton Prior a suivi les forces britanniques autour des points chauds impériaux pendant des décennies, travaillant pour l' Illustrated London News ; ses scènes « ont contribué à établir un style de dessin d'action qui a laissé une empreinte indélébile sur l'art de la bande dessinée ». Le prieur et d'autres "envoyés spéciaux" tels que Frédéric Villiers étaient connus sous le nom de "spécialistes". Richard Caton Woodville Jr. et Charles Edwin Fripp étaient des "spécialistes" et aussi des peintres qui ont exposé à la Royal Academy et ailleurs.

XXe siècle

Stormtroopers Advancing Under Gas , eau-forte et aquatinte par Otto Dix de Der Krieg , 1924

La Première Guerre mondiale a très largement confirmé la fin de la glorification de la guerre dans l'art, en déclin depuis la fin du siècle précédent. En général, et malgré la mise en place de grands schémas employant des artistes de guerre officiels , l'art le plus marquant représentant la guerre est celui qui souligne son horreur. Les artistes de guerre officiels étaient nommés par les gouvernements à des fins d'information ou de propagande et pour enregistrer les événements sur le champ de bataille ; mais de nombreux artistes ont combattu comme des soldats normaux et ont enregistré leurs expériences à l'époque et plus tard, y compris les Allemands George Grosz et Otto Dix , qui avaient tous deux combattu sur le front occidental et ont continué à représenter le sujet pour le reste de leur carrière. La tranchée de Dix (1923), montrant les corps démembrés des morts après une agression, fit scandale, et fut d'abord exposée derrière un rideau, avant de provoquer le limogeage du directeur du musée qui avait prévu de l'acheter. Plus tard, après l'avoir exposé dans leur exposition itinérante de 1937 " L' art dégénéré ", le gouvernement nazi l' a brûlé. Il a produit un ensemble de cinquante estampes en 1924 sur Der Krieg ("La guerre"). L'artiste anglais Paul Nash a commencé à faire des dessins de la guerre en combattant sur le front occidental dans les Artists Rifles . Après s'être remis d'une blessure, il a été recruté comme artiste de guerre officiel et a produit bon nombre des images les plus mémorables du côté britannique des deux guerres mondiales. Après la guerre, l'énorme demande de monuments aux morts provoqua un boom pour les sculpteurs, couverts ci-dessous, et les fabricants de vitraux .

Les affiches étaient devenues universelles en 1914 et s'adressaient à la fois à l'armée et au « front intérieur » à diverses fins, y compris le recrutement, où le Britannique Lord Kitchener Wants You (pas réellement le slogan) a été répété aux États-Unis avec l' Oncle Sam , et ailleurs avec des figures totémiques similaires. L'Union soviétique a commencé avec des affiches très modernistes telles que Beat the Whites with the Red Wedge de Lazar Markovich Lissitzky mais s'est rapidement tournée vers le réalisme socialiste , utilisé pour la plupart des affiches de la Seconde Guerre mondiale de l'Union soviétique , qui sont parfois similaires à leurs équivalents nazis . Au cours de la Seconde Guerre mondiale, ils ont été encore plus largement utilisés. Des illustrateurs et des dessinateurs tels que Norman Rockwell ont également suivi la tendance à s'éloigner des prises de vue à thème militaire après la Seconde Guerre mondiale et avec l'essor des couvertures photographiques en général.

L'impact de la guerre civile espagnole sur une population non combattante a été dépeint dans le chef-d'œuvre de Picasso , Guernica , montrant le bombardement de Guernica en 1937 ; un traitement très différent d'un sujet similaire est vu dans les dessins d' Henry Moore de civils endormis à l'abri des bombardements du Blitz sur les quais des stations du métro de Londres . Parmi les artistes de guerre officiels de la Seconde Guerre mondiale, Totes Meer de Paul Nash est une image puissante d'une casse d'avions allemands abattus, et le paysagiste Eric Ravilious a produit de très belles peintures avant d'être abattu et tué en 1942. Les images d' Edward Ardizzone concentrés entièrement sur les soldats se relaxant ou exécutant des tâches de routine, et ont été salués par de nombreux soldats : « Il est le seul à avoir saisi l'atmosphère de cette guerre », a estimé Douglas Cooper , le critique d'art et historien, ami de Picasso, puis dans un unité médicale militaire. La photographie et le film étaient désormais capables de capturer des actions rapides et on peut dire à juste titre qu'ils ont produit la plupart des images mémorables enregistrant des combats pendant la guerre, et certainement des conflits ultérieurs comme la guerre du Vietnam , qui était plus notable pour les manifestations spécifiquement anti-guerre. art, dans des affiches et le travail d'artistes comme Nancy Spero . L'art militaire contemporain fait partie du sous-domaine « culture militaire et populaire ».

Formes d'art

Portraits

Les dirigeants ont été montrés en tenue spécifiquement militaire depuis les temps anciens; la différence est particulièrement facile à voir dans la sculpture romaine antique , où les généraux et de plus en plus souvent les empereurs sont représentés avec une armure et la courte tunique militaire. Les effigies de tombes médiévales représentent le plus souvent des chevaliers, des nobles et des rois en armure, qu'ils aient ou non été en service actif. Au début de la période moderne , lorsque les commandants supérieurs avaient tendance à porter leur tenue d'équitation normale même sur le champ de bataille, la distinction entre un portrait militaire et un portrait normal est principalement véhiculée par l'arrière-plan, ou par un plastron ou le pourpoint en cuir chamois porté sous l'armure , mais une fois que même les généraux ont commencé à porter l'uniforme militaire, au milieu du XVIIIe siècle, cela redevient clair, bien qu'initialement les uniformes des officiers étaient proches des costumes civils élégants.

Des portraits en pied et équestres de dirigeants et de généraux les montraient souvent sur le champ de bataille, mais avec l'action en arrière-plan lointain ; une caractéristique remontant probablement au magistral Portrait équestre de Charles V de Titien , qui montre l'empereur après sa victoire à la bataille de Mühlberg mais sans autres soldats présents. Les monarques n'étaient pas souvent peints en uniforme militaire jusqu'à la période napoléonienne, mais au XIXe siècle, cela est devenu typique des portraits formels, peut-être parce que l'uniforme était plus attrayant visuellement. Un type de peinture typiquement hollandais sont un groupe énorme portraits commandés par les riches officiers à temps partiel des compagnies de milice de la ville, dont Rembrandt de Night Watch est bien le plus célèbre, bien que son cadre narratif est atypique du genre. La plupart des exemples montrent simplement les officiers alignés comme s'ils s'apprêtaient à dîner, et certains les montrent en train de le manger. Par ailleurs, les portraits de groupe d'officiers sont assez étonnamment rares jusqu'au XIXe siècle.

Sculpture

L'une des figures du Royal Artillery Memorial à Londres, par Charles Sargeant Jagger
Sculpture réalisée à partir de fusils d'assaut suisses Stgw 57

La plupart des sculptures survivantes de scènes de bataille de l'Antiquité se trouvent dans des reliefs en pierre, recouverts au-dessus. Les artistes et les mécènes de la Renaissance tenaient à faire revivre cette forme, ce qu'ils faisaient principalement dans des scènes beaucoup plus petites en pierre ou en bronze. La tombe à Milan du brillant général français Gaston de Foix, duc de Nemours, comprenait de nombreux reliefs en marbre autour de la base du sarcophage (qui n'a jamais été achevé). Les statues et les monuments funéraires des commandants ont continué à être le site le plus courant jusqu'à ce que le mémorial de guerre plus général commémorant tous les morts commence à émerger à l'époque des guerres napoléoniennes. La colonne Nelson à Londres commémore toujours un seul commandant ; il a de très grands reliefs autour de la base par différents artistes, bien que ceux-ci soient généralement considérés comme moins mémorables que d'autres aspects du monument. La colonne Wellington à Liverpool est également connue sous le nom de "Waterloo Memorial", passant au concept plus moderne lorsque "les morts étaient essentiellement rappelés comme des soldats qui ont combattu au nom de collectifs nationaux".

Les énormes pertes de la guerre civile américaine ont vu le premier très grand groupe de monuments commémoratifs de guerre sculpturaux, ainsi que de nombreux monuments pour les particuliers. Parmi les œuvres les plus remarquables sur le plan artistique, citons le Mémorial à Robert Gould Shaw et le 54e régiment entièrement noir d' Augustus Saint-Gaudens à Boston, avec une deuxième distribution à la National Gallery of Art, Washington . Les pertes encore plus importantes de la Première Guerre mondiale ont conduit même de petites communautés dans la plupart des pays impliqués à élever une forme de mémorial, introduisant l'utilisation généralisée de la forme en Australie, au Canada et en Nouvelle-Zélande, l'augmentation soudaine de la demande conduisant à un boom pour les sculpteurs de art public . Plus encore qu'en peinture, la guerre entraîne une crise de style, tant l'opinion publique juge les styles héroïques traditionnels inappropriés. L'un des mémoriaux britanniques les plus réussis est le Royal Artillery Memorial à Londres, au réalisme austère , le chef-d'œuvre de Charles Sargeant Jagger , qui avait été blessé trois fois pendant la guerre et avait passé la majeure partie de la décennie suivante à le commémorer. Dans les pays vaincus d'Allemagne et d'Autriche, la controverse, qui avait un aspect politique, était particulièrement féroce, et un certain nombre de monuments commémoratifs considérés comme excessivement modernes ont été supprimés par les nazis, dont les propres monuments, tels que le mémorial de Tannenberg, ont été supprimés après la Seconde Guerre mondiale. D'autres solutions consistaient à rendre les mémoriaux plus neutres, comme dans la Neue Wache reconvertie à Berlin, depuis reconsacré plusieurs fois à différents groupes, et les formes architecturales dignes du cénotaphe de Londres (largement imité) et du mémorial naval allemand de Laboe ; les tombeaux du guerrier inconnu et les flammes éternelles étaient d'autres moyens d'éviter la controverse. Certains, comme le Monument commémoratif de guerre du Canada , et la plupart des monuments commémoratifs français, se sont contentés de mettre à jour les styles traditionnels.

Un grand nombre de monuments commémoratifs de la Première Guerre mondiale ont simplement été étendus pour couvrir les morts de la Seconde Guerre mondiale et souvent les conflits ultérieurs. Le rôle désormais dominant de la photographie dans la représentation de la guerre se reflète dans le Mémorial national d'Iwo Jima , qui recrée la photographie emblématique Raising the Flag on Iwo Jima . Le National D-Day Memorial , un projet des années 1990, comprend des sculptures fortement réalistes, contrairement au Vietnam Veterans Memorial à Washington. Des mémoriaux plus innovants ont souvent été érigés pour les victimes civiles de la guerre, surtout celles de l'Holocauste .

Portée

Temps de paix

Distribution de riz à Carrefour en Haïti après le séisme de 2010. Croquis à l'huile par Sgt. Kristopher Battles , USMC

L'art militaire englobe les actions des forces militaires en temps de paix. Par exemple, le sergent USMC. Kristopher Battles , le seul artiste de guerre américain officiel restant en 2010, s'est déployé avec les forces américaines en Haïti pour fournir une aide humanitaire dans le cadre de l' opération Unified Response après le tremblement de terre désastreux de 2010.

Temps de guerre

Les artilleurs canadiens dans la boue, Passchendaele par le lieutenant Alfred Bastien , 1917, huile sur toile. Bastien dépeint un groupe d'artilleurs luttant pour sortir l'un de leurs canons de la boue. L'accent mis sur le canon, plutôt que sur les soldats, souligne l'importance de cette arme pour réussir sur le champ de bataille. -- Musée canadien de la guerre

But

L'art de la guerre crée un compte rendu visuel d'un conflit militaire en montrant son impact alors que des hommes et des femmes attendent, se préparent, se battent, souffrent et célèbrent. Les sujets englobent de nombreux aspects de la guerre et l'expérience individuelle de la guerre, qu'elle soit alliée ou ennemie, service ou civil, militaire ou politique, social ou culturel. La gamme thématique englobe les causes, l'évolution et les conséquences des conflits.

L'art de la guerre, une expression importante de toute culture et de ses héritages importants, combine des fonctions artistiques et documentaires pour fournir une représentation picturale des scènes de guerre et montrer « comment la guerre façonne les vies ». Il s'agit d'une tentative de se réconcilier avec la nature et la réalité de la violence. L'art de la guerre est généralement réaliste , capturant des détails factuels, des témoins oculaires ainsi que l'impression émotionnelle et l'impact des événements. L'art et la guerre deviennent "une lutte entre le monde de l'imagination et le monde de l'action" - une tension constante entre la représentation factuelle des événements et l'interprétation d'un artiste de ces événements.

Une partie du combat consiste à déterminer la meilleure façon d'illustrer des scènes de guerre complexes. L' Anzac Book de CEW Bean , par exemple, a influencé les artistes australiens qui ont grandi entre les deux guerres mondiales. Lorsqu'on leur a demandé de dépeindre une deuxième guerre multinationale après 1939, il y avait un précédent et un format à suivre.

L'art de la guerre a été utilisé comme instrument de propagande, comme une fonction d'édification de la nation ou à d'autres fins de persuasion. L'art de la guerre est également capturé dans la caricature, qui offre des perspectives contemporaines. La civilisation occidentale et la tradition esthétique ont toutes deux été clairement marquées par des conflits militaires à travers l'histoire. La guerre a conduit la culture et la culture a conduit la guerre. L'héritage des œuvres d'art inspirées de la guerre se lit comme une série de marqueurs de miles, documentant le cours sinueux de la carte évolutive de la civilisation.

Artistes de guerre

Artiste représentant un sergent (1874), par Ernest Meissonier .

Des artistes de guerre peuvent être impliqués en tant que spectateurs des scènes, des militaires qui répondent à de puissantes envies intérieures de dépeindre une expérience de guerre directe, ou des individus qui sont officiellement chargés d'être présents et d'enregistrer l'activité militaire.

À titre d'exemple des efforts déployés par la nation pour documenter les événements de guerre, des artistes de guerre japonais officiels ont été chargés de créer des œuvres d'art dans le contexte d'une guerre spécifique pour le gouvernement japonais, notamment le sensō sakusen kirokuga (« peinture documentaire de campagne de guerre »). Entre 1937 et 1945, environ 200 images représentant les campagnes militaires du Japon ont été créées. Ces images ont été présentées lors d'expositions à grande échelle pendant les années de guerre; Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, les Américains ont pris possession d'œuvres d'art japonaises.

Certains peuvent choisir de ne pas créer d'art militaire. Au cours de la Seconde Guerre mondiale, les Italiens n'ont créé pratiquement aucun art qui a documenté le conflit. Les Français n'ont commencé à peindre la guerre qu'après la fin de la guerre en 1945.

Exemples classiques

Des exemples d'art de guerre classique incluent les frises de guerriers au temple d'Aphaia en Grèce ou la tapisserie de Bayeux , est un récit panoramique linéaire des événements entourant la conquête normande et la bataille d'Hastings en 1066.

Galerie

Sanctuaire - Edward IV et les fugitifs lancastriens à l'abbaye de Tewkesbury par Richard Burchett , Royaume-Uni, 1867. C'était un incident pendant la guerre des roses
La salle de la maison McLean, à Appomattox CH, dans laquelle le général Lee s'est rendu au général Grant , le 9 avril 1865. Cette lithographie de l'événement montre les deux hommes alors qu'ils attendaient que les termes de paix soient copiés.
Officiers montrés ici
Portraits, de gauche à droite : John Gibbon , George Armstrong Custer , Cyrus B. Comstock , Orville E. Babcock , Charles Marshall , Walter H. Taylor , Robert E. Lee , Philip Sheridan , Ulysses S. Grant , John Aaron Rawlins , Charles Griffin , non identifié, George Meade , Ely S. Parker , James W. Forsyth , Wesley Merritt , Theodore Shelton Bowers, Edward Ord . L'homme non identifié dans la légende de la photo serait le général Joshua Chamberlain , qui a présidé à la remise officielle des armes par l'armée de Lee de Virginie du Nord le 12 avril 1865.
Les Marines traînent leurs sacs jusqu'à l'hélicoptère en attente en Haïti en 2010. Croquis de Battles, USMC
Détruisez cette brute folle - Enrôlez l'armée américaine ( Harry R. Hopps ; 1917)
"Grandes réalisations de la RPC au cours des 3 dernières années" (334 053 057 personnes soutenant un traité de paix P5 , don de masse d'une valeur de 3 710 + combattants, 570 000 + victimes ennemies dont 250 000 + envahisseurs américains), une affiche en Chine continentale sur la guerre de Corée , vers années 1950

Cavalerie

Offrir un verre d'eau à un soldat tombé

Traversées de rivières

La propagande

Voir également

Remarques

Les références

Lectures complémentaires

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Liens externes