Mulholland Drive (film) - Mulholland Drive (film)

Mulholland Drive
Theatrical release poster showing the film's title against a dark blue image of the Hollywood Sign in Los Angeles atop another still shot of Laura Elena Harring in a blonde wig staring at something off camera toward the lower right corner
Affiche de sortie en salle
Réalisé par David Lynch
Écrit par David Lynch
Produit par
Mettant en vedette
Cinématographie Pierre Deming
Édité par Mary Sweeney
Musique par Angelo Badalamenti
Sociétés de
production
Distribué par
Date de sortie
Temps de fonctionnement
146 minutes
Des pays
Langue Anglais
Budget 15 millions de dollars
Box-office 20,1 millions de dollars

Mulholland Drive (stylisé sous le nom de Mulholland Dr. ) est un film mystère surréaliste néo-noir de 2001écrit et réalisé par David Lynch et mettant en vedette Naomi Watts , Laura Harring , Justin Theroux , Ann Miller , Mark Pellegrino et Robert Forster . Il raconte l'histoire d'une actrice en herbe nommée Betty Elms (Watts), nouvellement arrivée à Los Angeles , qui rencontre et se lie d'amitié avec unefemme amnésique (Harring) qui se remet d'un accident de voiture. L'histoire suit plusieurs autres vignettes et personnages, dont un réalisateur hollywoodien (Theroux).

La coproduction américano-française a été conçue à l'origine comme un pilote télévisé , et une grande partie du film a été tournée en 1999 avec le plan de Lynch de le garder ouvert pour une série potentielle. Après avoir visionné la coupe de Lynch, cependant, les dirigeants de la télévision l'ont rejetée. Lynch a ensuite fourni une fin au projet, en faisant un long métrage . Le résultat mi-pilote, mi-métrage, ainsi que le style surréaliste caractéristique de Lynch, ont laissé le sens général des événements du film ouvert à l'interprétation. Lynch a refusé d'expliquer ses intentions pour le récit, laissant le public, les critiques et les membres de la distribution spéculer sur ce qui se passe. Il a donné au film le slogan "Une histoire d'amour dans la ville des rêves".

Classé comme thriller psychologique , Mulholland Drive a valu à Lynch le Prix ​​de la mise en scène (Prix du meilleur réalisateur) au Festival de Cannes 2001 , partageant le prix avec Joel Coen pour L'homme qui n'était pas là . Lynch a également valu un Oscar nomination pour meilleur réalisateur . Le film a lancé la carrière de Harring, a considérablement renforcé le profil hollywoodien de Watts et a été le dernier long métrage mettant en vedette l'actrice vétéran d'Hollywood Ann Miller .

Mulholland Drive est souvent considérée comme l'une des meilleures œuvres de Lynch, a été classée 28e dans le sondage des critiques Sight & Sound de 2012 sur les meilleurs films jamais réalisés et en tête d'un sondage BBC 2016 des meilleurs films depuis 2000.

Terrain

Une femme aux cheveux noirs est la seule survivante d'un accident de voiture sur Mulholland Drive , une route sinueuse perchée dans les collines d'Hollywood . Blessée et sous le choc, elle se rend à Los Angeles et se faufile dans un appartement. Plus tard dans la matinée, une actrice en herbe nommée Betty Elms arrive à l'appartement, qui est normalement occupé par sa tante Ruth. Betty est surprise de trouver la femme, qui souffre d'amnésie et se fait appeler "Rita" après avoir vu une affiche du film Gilda avec Rita Hayworth . Pour aider la femme à se souvenir de son identité, Betty regarde dans le sac à main de Rita, où elle trouve une grosse somme d'argent et une clé bleue inhabituelle.

Dans un restaurant appelé Winkie's, un homme raconte à un autre un cauchemar dans lequel il rêvait de rencontrer une horrible silhouette derrière le restaurant. Lorsqu'ils enquêtent, la silhouette apparaît, faisant s'effondrer l'homme qui a fait le cauchemar de peur. Ailleurs, le réalisateur Adam Kesher fait réquisitionner son film par des truands, qui insistent pour qu'il choisisse une actrice inconnue nommée Camilla Rhodes pour le rôle principal. Adam refuse et rentre chez lui pour trouver sa femme qui le trompe. Les truands lui retirent sa ligne de crédit et lui font rencontrer un mystérieux cow-boy, qui l'exhorte à lancer Camilla pour son propre bien. Pendant ce temps, un tueur à gages maladroit tente de voler un livre plein de numéros de téléphone et fait trois morts.

Tout en essayant d'en savoir plus sur l'accident de Rita, Betty et Rita se rendent chez Winkie et sont servies par une serveuse nommée Diane, ce qui fait que Rita se souvient du nom "Diane Selwyn". Ils trouvent Diane Selwyn dans l'annuaire téléphonique et l'appellent, mais elle ne répond pas. Betty se rend à une audition, où sa performance est très appréciée. Un agent de casting l'emmène sur une scène sonore où est projeté un film intitulé The Sylvia North Story , réalisé par Adam. Lorsque Camilla Rhodes auditionne, Adam capitule pour la lancer. Betty regarde Adam dans les yeux, mais elle s'enfuit avant de pouvoir le rencontrer, disant qu'elle est en retard pour rencontrer un ami. Betty et Rita se rendent à l'appartement de Diane Selwyn, où un voisin ouvre la porte et leur dit qu'elle a changé d'appartement avec Diane. Ils se rendent chez le voisin et entrent par effraction quand personne ne répond à la porte. Dans la chambre, ils retrouvent le corps d'une femme morte depuis plusieurs jours. Terrifiés, ils retournent à l'appartement de Betty, où Rita se déguise avec une perruque blonde. Elle et Betty ont des relations sexuelles cette nuit-là.

À 2 heures du matin, Rita se réveille soudainement, insistant pour qu'ils se rendent tout de suite dans un théâtre appelé Club Silencio. Là, le maître de cérémonie explique dans différentes langues que tout est une illusion ; Rebekah Del Rio entre sur scène et commence à chanter la chanson de Roy Orbison " Crying " en espagnol, puis s'effondre, inconsciente, tandis que sa voix continue. Betty trouve une boîte bleue dans son sac à main qui correspond à la clé de Rita. De retour à l'appartement, Rita récupère la clé et constate que Betty a disparu. Rita déverrouille la boîte et elle tombe au sol.

Diane Selwyn se réveille dans son lit dans le même appartement où Betty et Rita ont enquêté. Elle ressemble exactement à Betty, mais c'est une actrice en difficulté entraînée dans une profonde dépression par sa liaison ratée avec Camilla Rhodes, qui est une actrice à succès et ressemble exactement à Rita. À l'invitation de Camilla, Diane assiste à une fête chez Adam sur Mulholland Drive. Au dîner, Diane déclare qu'elle est venue du Canada à Hollywood lorsque sa tante Ruth est décédée et lui a laissé de l'argent, et elle a rencontré Camilla lors d'une audition pour The Sylvia North Story . Une autre femme qui ressemble à la précédente "Camilla Rhodes" embrasse Camilla, et elles se retournent et sourient à Diane. Adam et Camilla se préparent à faire une annonce importante, mais ils éclatent de rire et s'embrassent pendant que Diane les regarde en pleurant. Plus tard, Diane rencontre le tueur à gages chez Winkie, semblant l'engager pour tuer Camilla. Il lui dit qu'elle trouvera une clé bleue lorsque le travail sera terminé. La figure du rêve de l'homme se révèle avoir la boîte bleue assortie. Dans son appartement, Diane regarde la clé bleue sur sa table basse. Désemparée, elle est terrorisée par des hallucinations et court en hurlant jusqu'à son lit, où elle se tire une balle. Une femme au théâtre murmure : « Silencio.

Jeter

Production

Développement

Conçu à l'origine comme une série télévisée, Mulholland Drive a commencé comme un pilote de 90 minutes produit pour Touchstone Television et destiné au réseau de télévision ABC . Tony Krantz, l'agent responsable du développement de Twin Peaks , était « excité » à l'idée de faire une autre série télévisée. Lynch a vendu l'idée aux dirigeants d'ABC en se basant uniquement sur l'histoire de Rita sortant de l'accident de voiture avec son sac à main contenant 125 000 $ en espèces et la clé bleue, et Betty essayant de l'aider à comprendre qui elle est. Un cadre ABC a rappelé, « Je me souviens du creepiness de cette femme dans cet horrible accident horrible, et David nous taquine avec l'idée que les gens courir après elle. Elle est non seulement « dans » ennuis, elle est trouble., Nous avons demandé à l' évidence, « Que se passe-t-il ensuite ? » Et David a dit: 'Vous devez acheter le pitch pour que je vous le dise. ' " Lynch a montré à ABC un premier montage du pilote. La personne qui l'a vu, selon Lynch, le regardait à six heures du matin et prenait un café et se levait. Il détestait le pilote et ABC l'a immédiatement annulé. Pierre Edleman, l'ami de Lynch de Paris, est venu lui rendre visite et a commencé à lui parler du film comme étant un long métrage. Edleman rentra à Paris. Canal+ voulait donner de l'argent à Lynch pour en faire un long métrage et il a fallu un an pour négocier.

Lynch a décrit l'attrait de l'idée d'un pilote, malgré la connaissance que le média de la télévision serait contraignant : « Je suis un aspirant pour une histoire continue... Théoriquement, vous pouvez obtenir une histoire très profonde et vous pouvez aller ainsi profondément et ouvrir le monde si joliment, mais cela prend du temps pour le faire." L'histoire comprenait des éléments surréalistes , un peu comme la série précédente de Lynch Twin Peaks . Les bases ont été jetées pour des arcs narratifs , tels que le mystère de l'identité de Rita, la carrière de Betty et le projet de film d'Adam Kesher.

L'actrice Sherilyn Fenn a déclaré dans une interview en 2014 que l'idée originale est venue lors du tournage de Twin Peaks , en tant que film dérivé pour son personnage d' Audrey Horne .

Fonderie

Four people stand beside each other facing off-camera, from left to right: a blonde woman wearing a tan dress suit, a man with salt-and-pepper hair wearing a blazer over white shirt and slacks, a brunette wearing red pants and a black top, and a dark-haired man wearing a black leather jacket over black clothes.
Naomi Watts, David Lynch, Laura Elena Harring et Justin Theroux au Festival de Cannes 2001

Lynch a choisi Naomi Watts et Laura Harring par leurs photographies. Il les a appelés séparément pour des entretiens d'une demi-heure et leur a dit qu'il n'avait vu aucune de leurs œuvres précédentes au cinéma ou à la télévision. Harring a considéré comme fatidique qu'elle ait été impliquée dans un accident de voiture mineur sur le chemin de la première interview, seulement pour apprendre que son personnage serait également impliqué dans un accident de voiture dans le film. Watts est arrivé en jean pour la première interview, directement depuis l'avion de New York. Lynch lui a demandé de revenir le lendemain "plus glamour". On lui a offert le rôle deux semaines plus tard. Lynch a expliqué sa sélection de Watts : "J'ai vu quelqu'un qui, selon moi, avait un talent énorme, et j'ai vu quelqu'un qui avait une belle âme, une intelligence, des possibilités pour beaucoup de rôles différents, donc c'était un beau package complet." Justin Theroux a également rencontré Lynch directement après son vol en avion. Après un long vol avec peu de sommeil, Theroux est arrivé tout de noir vêtu, les cheveux en désordre. Lynch a aimé le look et a décidé de choisir Adam portant des vêtements similaires et la même coiffure.

Tournage

Le tournage du pilote de télévision a commencé sur place à Los Angeles en février 1999 et a duré six semaines. En fin de compte, le réseau n'était pas satisfait du pilote et a décidé de ne pas le placer sur son calendrier. Les objections comprenaient le scénario non linéaire, les âges de Harring et Watts (qu'ils considéraient trop vieux), le tabagisme du personnage d'Ann Miller et un plan rapproché d'excréments de chien dans une scène. Lynch se souvient : "Tout ce que je sais, c'est que j'ai adoré le faire, ABC l'a détesté et je n'aime pas la coupe que j'ai tournée. J'étais d'accord avec ABC pour dire que la coupe la plus longue était trop lente, mais j'ai été obligé de la découper parce que nous avions une date limite, et nous n'avions pas le temps de peaufiner quoi que ce soit. Cela a perdu de la texture, des grandes scènes et des intrigues, et il y a 300 copies de bande de la mauvaise version qui circulent. Beaucoup de gens l'ont vu, ce qui est embarrassant, car ils ce sont aussi des bandes de mauvaise qualité. Je ne veux pas y penser.

Un soir, je me suis assis, les idées sont venues, et ce fut une très belle expérience. Tout a été vu sous un angle différent... Maintenant, en regardant en arrière, je vois que [le film] a toujours voulu être ainsi. Il a juste fallu ce début étrange pour que ce soit ce qu'il est.

David Lynch, 2001

Le script a ensuite été réécrit et étendu lorsque Lynch a décidé de le transformer en un long métrage. Décrivant la transition d'un pilote ouvert à un long métrage avec une sorte de résolution, Lynch a déclaré: "Une nuit, je me suis assis, les idées sont venues et ce fut une expérience des plus belles. Tout a été vu sous un angle différent ... Maintenant, en regardant en arrière, je vois que [le film] a toujours voulu être ainsi. Il a juste fallu ce début étrange pour qu'il devienne ce qu'il est. " Le résultat était dix-huit pages supplémentaires de matériel qui incluaient la relation amoureuse entre Rita et Betty et les événements qui se sont produits après l'ouverture de la boîte bleue. Watts était soulagé que le pilote ait été largué par ABC. Elle a trouvé Betty trop unidimensionnelle sans la partie la plus sombre du film qui a été montée par la suite. La plupart des nouvelles scènes ont été tournées en octobre 2000, financées par 7 millions de dollars de la société de production française StudioCanal .

Theroux a décrit l'approche du tournage sans comprendre entièrement l'intrigue: "Vous obtenez tout le script, mais il pourrait aussi bien retenir les scènes dans lesquelles vous n'êtes pas, car le tout s'avère plus mystificateur que les parties. David accepte les questions, mais il ne répondra à aucune d'entre elles... Vous travaillez un peu les yeux bandés. S'il était réalisateur pour la première fois et n'avait démontré aucune maîtrise de cette méthode, j'aurais probablement des réserves. Mais cela fonctionne évidemment pour lui ." Theroux a noté que la seule réponse que Lynch a fournie était qu'il était certain que le personnage de Theroux, un réalisateur hollywoodien, n'était pas autobiographique de Lynch. Watts a déclaré qu'elle avait essayé de bluffer Lynch en prétendant qu'elle avait compris l'intrigue et qu'il se réjouissait de la frustration des acteurs.

Thèmes et interprétations

La version originale du DVD contient une carte intitulée "David Lynch's 10 Clues to Unlocking This Thriller". Les indices sont :

  1. Faites particulièrement attention au début du film : Au moins deux indices sont révélés avant le générique.
  2. Remarquez les apparitions de l'abat-jour rouge.
  3. Pouvez-vous entendre le titre du film pour lequel Adam Kesher auditionne des actrices ? Est-il mentionné à nouveau?
  4. Un accident est un événement terrible—notez l'emplacement de l'accident.
  5. Qui donne une clé et pourquoi ?
  6. Remarquez le peignoir, le cendrier, la tasse à café.
  7. Qu'est-ce qui est ressenti, réalisé et recueilli au Club Silencio ?
  8. Le talent à lui seul a-t-il aidé Camilla ?
  9. Notez les événements entourant l'homme derrière Winkie's.
  10. Où est tante Ruth ?

Encart édition DVD 2002

Ne donnant au film que le slogan "Une histoire d'amour dans la ville des rêves", David Lynch a refusé de commenter la signification ou le symbolisme de Mulholland Drive , ce qui a donné lieu à de nombreuses discussions et à de multiples interprétations. Le critique de cinéma du Christian Science Monitor , David Sterritt, s'est entretenu avec Lynch après la projection du film à Cannes et a écrit que le réalisateur "a insisté pour que Mulholland Drive raconte une histoire cohérente et compréhensible", contrairement à certains des films précédents de Lynch comme Lost Highway . D'un autre côté, Justin Theroux a déclaré à propos des sentiments de Lynch sur les multiples significations que les gens perçoivent dans le film : "Je pense qu'il est vraiment heureux que cela signifie tout ce que vous voulez. Il adore quand les gens proposent des interprétations vraiment bizarres. David travaille à partir de son subconscient."

Rêves et réalités alternatives

Une première interprétation du film utilise l' analyse des rêves pour affirmer que la première partie est un rêve de la vraie Diane Selwyn, qui s'est présentée comme l'innocente et pleine d'espoir "Betty Elms", reconstruisant son histoire et son personnage en quelque chose comme un vieux film hollywoodien. Dans le rêve, Betty a du succès, est charmante et vit la vie fantastique d'une actrice qui sera bientôt célèbre. Le dernier cinquième du film présente la vraie vie de Diane, dans laquelle elle a échoué tant sur le plan personnel que professionnel. Elle s'arrange pour que Camilla, une ex-amante, soit tuée, et incapable de faire face à la culpabilité, la ré-imagine comme la Rita amnésique dépendante et malléable. Des indices de sa disparition inévitable, cependant, continuent d'apparaître tout au long de son rêve.

Cette interprétation était similaire à ce que Naomi Watts a interprété, lorsqu'elle a déclaré dans une interview: "Je pensais que Diane était le vrai personnage et que Betty était la personne qu'elle voulait être et qu'elle avait rêvé. Rita est la demoiselle en détresse et elle est dans l'absolu besoin de Betty, et Betty la contrôle comme si elle était une poupée. Rita est le fantasme de Betty de qui elle veut que Camilla soit. Les premières expériences de Watts à Hollywood sont parallèles à celles de Diane. Elle a enduré une certaine frustration professionnelle avant de réussir, a auditionné pour des rôles auxquels elle ne croyait pas et a rencontré des gens qui n'ont pas donné suite aux opportunités. Elle s'est souvenue : "Il y avait beaucoup de promesses, mais rien n'a été fait. J'ai manqué d'argent et je me suis sentie assez seule." Michael Wilmington, écrivant pour The Chicago Tribune, a découvert que "tout dans "Mulholland Drive" est un cauchemar. C'est une représentation du rêve doré d'Hollywood qui devient rance, se transforme en un ragoût empoisonné de haine, d'envie, de compromis sordide et d'échec meurtrier ". en notant que "c'est le ventre de nos fantasmes glamour, et la zone que Lynch montre ici est dépeinte de manière réaliste".

The Guardian a demandé à six critiques de cinéma bien connus leurs propres perceptions de la signification globale de Mulholland Drive . Neil Roberts de The Sun et Tom Charity de Time Out souscrivent à la théorie selon laquelle Betty est la projection de Diane d'une vie plus heureuse. Roger Ebert et Jonathan Ross semblent accepter cette interprétation, mais tous deux hésitent à suranalyser le film. Ebert déclare: "Il n'y a pas d'explication. Il n'y a peut-être même pas de mystère." Ross observe qu'il y a des intrigues qui ne mènent nulle part : "C'étaient peut-être des restes du pilote qu'il était à l'origine destiné à être, ou peut-être que ces choses sont les non-sequiturs et le subconscient des rêves." Philip French de The Observer y voit une allusion à la tragédie hollywoodienne, tandis que Jane Douglas de la BBC rejette la théorie de la vie de Betty comme le rêve de Diane, mais met également en garde contre une trop grande analyse.

Le théoricien des médias Siobhan Lyons est également en désaccord avec la théorie du rêve, affirmant qu'il s'agit d'une « interprétation superficielle [qui] sape la force de l'absurdité de la réalité qui a souvent lieu dans l'univers de Lynch ». Au lieu de cela, Lyons postule que Betty et Diane sont en fait deux personnes différentes qui se ressemblent, un motif commun chez les starlettes d'Hollywood. Dans une interprétation similaire, Betty et Rita et Diane et Camilla peuvent exister dans des univers parallèles qui s'interconnectent parfois. Une autre théorie proposée est que le récit est une bande de Möbius , une bande tordue qui n'a ni début ni fin. Ou tout le film est un rêve, mais l'identité du rêveur est inconnue. Les références répétées aux lits, aux chambres et au sommeil symbolisent la forte influence des rêves. Rita s'endort plusieurs fois; entre ces épisodes, des scènes déconnectées telles que les hommes ayant une conversation chez Winkie, l'arrivée de Betty à Los Angeles et le coup raté ont lieu, suggérant que Rita les rêve peut-être. Le plan d'ouverture du film zoome sur un lit contenant un dormeur inconnu, inculquant, selon Ruth Perlmutter, spécialiste du cinéma, la nécessité de se demander si ce qui suit est la réalité. Le professeur d'études des rêves Kelly Bulkeley soutient que la première scène au restaurant, comme la seule dans laquelle les rêves ou le rêve sont explicitement mentionnés, illustre « la vérité révélatrice et l' incertitude épistémologique dans le film de Lynch ». L'être monstrueux du rêve, qui fait l'objet de la conversation des hommes de Winkie's, réapparaît à la fin du film juste avant et après le suicide de Diane. Bulkeley affirme que la seule discussion sur les rêves dans cette scène présente une ouverture vers « une nouvelle façon de comprendre tout ce qui se passe dans le film ».

Le philosophe et théoricien du cinéma Robert Sinnerbrink note de la même manière que les images qui suivent le suicide apparent de Diane sapent l'interprétation "rêve et réalité". Après que Diane se tire une balle, le lit est consumé par la fumée, et Betty et Rita sont montrées rayonnantes l'une de l'autre, après quoi une femme sur le balcon du Club Silencio chuchote « Silencio » alors que l'écran devient noir. Sinnerbrink écrit que "les images finales flottent dans une zone indéterminée entre le fantasme et la réalité, qui est peut-être la dimension véritablement métaphysique de l'image cinématographique", notant également qu'il se pourrait que la "dernière séquence comprenne les images fantastiques de la conscience mourante de Diane, concluant avec le vrai moment de sa mort : le Silencio final ". Se référant à la même séquence, le théoricien du cinéma Andrew Hageman note que « la quatre-vingt-douzième coda qui suit le suicide de Betty/Diane est un espace cinématographique qui persiste après que le rideau soit tombé sur sa conscience vivante, et cet espace persistant est le théâtre même où le l'illusion de l'illusion est continuellement démasquée".

Le théoricien du cinéma David Roche écrit que les films de Lynch ne racontent pas simplement des histoires policières, mais forcent plutôt le public à devenir lui-même des détectives pour donner un sens aux récits, et que Mulholland Drive , comme les autres films de Lynch, frustre « le besoin du spectateur de une diégèse rationnelle en jouant sur l'erreur du spectateur selon laquelle narration est synonyme de diégèse". Dans les films de Lynch, le spectateur est toujours « un pas derrière la narration » et ainsi « la narration l'emporte sur la diégèse ». Roche note également qu'il y a plusieurs mystères dans le film qui restent finalement sans réponse par les personnages qui se retrouvent dans des impasses, comme Betty et Rita, ou cèdent aux pressions comme Adam le fait. Bien que le public ait encore du mal à donner un sens aux histoires, les personnages n'essaient plus de résoudre leurs mystères. Roche conclut que Mulholland Drive est un film mystère non pas parce qu'il permet au public de voir la solution à une question, mais le film lui-même est un mystère qui est maintenu "par le désir du spectateur-détective de lui donner un sens".

Une « valentine empoisonnée à Hollywood »

The street lights and homes of San Fernando Valley lit up at night
La vue sur Los Angeles depuis Mulholland Drive est devenue une représentation emblématique des opportunités de la ville.

Malgré la prolifération des théories, les critiques notent qu'aucune explication ne satisfait toutes les questions et questions qui découlent du film. Stephen Holden du New York Times écrit : « Mulholland Drive a peu à voir avec la vie amoureuse ou l'ambition professionnelle d'un seul personnage. Le film est une réflexion toujours plus profonde sur l'attrait d'Hollywood et sur les multiples jeux de rôle et l'auto-invention. que promet l'expérience cinématographique... Quel plus grand pouvoir y a-t-il que le pouvoir d'entrer et de programmer la vie onirique de la culture ?" J. Hoberman de The Village Voice fait écho à ce sentiment en le qualifiant de "valentine empoisonnée à Hollywood".

Mulholland Drive a été comparé au film noir classique de Billy Wilder , Sunset Boulevard (1950), un autre conte sur les rêves brisés à Hollywood, et au début du film, Rita est montrée traversant Sunset Boulevard la nuit. Mis à part les deux titres portant le nom de rues emblématiques de Los Angeles, Mulholland Drive est « le récit unique de Lynch sur ce qui a également retenu l'attention de Wilder : la putréfaction humaine (un terme que Lynch a utilisé plusieurs fois lors de sa conférence de presse au New York Film Festival 2001) dans une ville d'illusions mortelles". Le titre du film est une référence à la culture emblématique d'Hollywood. Lynch habite près de Mulholland Drive et a déclaré dans une interview : "La nuit, vous roulez sur le toit du monde. Le jour, vous roulez aussi sur le toit du monde, mais c'est mystérieux, et il y a un cheveu de peur parce qu'il va dans des régions éloignées. Vous ressentez l'histoire d'Hollywood dans cette route. " Watts avait également de l'expérience avec la route avant que sa carrière ne soit établie: "Je me souviens avoir conduit dans la rue plusieurs fois en sanglotant de tout mon cœur dans ma voiture, en disant:" Qu'est-ce que je fais ici? " "

Le critique Gregory Weight met en garde les téléspectateurs contre une interprétation cynique des événements du film, déclarant que Lynch présente plus que « la façade et qu'il ne croit que le mal et la tromperie se cachent en dessous ». Autant Lynch fait une déclaration sur la tromperie, la manipulation et les faux prétextes dans la culture hollywoodienne, il insuffle également la nostalgie tout au long du film et reconnaît que le véritable art vient du cinéma classique alors que Lynch rend hommage aux acteurs vétérans Ann Miller , Lee Grant et Chad Everett . Il décrit également Betty comme extraordinairement talentueuse et que ses capacités sont remarquées par des personnes puissantes de l'industrie du divertissement. Commentant les positions contrastées entre la nostalgie du cinéma et la putréfaction d'Hollywood, Steven Dillon écrit que Mulholland Drive critique la culture d'Hollywood autant qu'il condamne la « cinéphilie » (la fascination du cinéma et les fantasmes qui y sont associés) .

Harring a décrit son interprétation après avoir vu le film : « Quand je l'ai vu pour la première fois, j'ai pensé que c'était l'histoire des rêves, de l'illusion et de l'obsession d'Hollywood. une star de cinéma d'Hollywood. La deuxième et la troisième fois que je l'ai vu, j'ai pensé qu'il traitait de l'identité. Savons-nous qui nous sommes ? c'est un film qui vous fait continuellement réfléchir, vous fait poser des questions. J'ai entendu maintes et maintes fois : « C'est un film que je reverrai » un film que vous devez revoir. Cela vous intrigue. Vous voulez l'obtenir, mais je ne pense pas que ce soit un film à obtenir. Il a atteint son objectif s'il vous fait poser des questions. "

Contenu romantique

Les relations entre Betty et Rita, et Diane et Camilla ont été diversement décrites comme « touchantes », « émouvantes », ainsi que « excitantes ». Le critique de cinéma Glenn Kenny , dans une critique du film pour Premiere , a déclaré que la relation entre Betty et Rita est "peut-être la relation amoureuse la plus saine et la plus positive jamais décrite dans un film de Lynch", tandis que le critique français Thierry Jousse, dans sa critique pour les Cahiers du cinéma , a déclaré que l'amour entre les femmes représentées est "d'un lyrisme pratiquement sans égal dans le cinéma contemporain". Dans les pages de Film Comment , Phillip Lopate déclare que l'interlude romantique entre Betty et Rita a été rendu poignant et tendre par Betty "comprenant pour la première fois, avec étonnement, que toute sa serviabilité et sa curiosité pour l'autre femme avaient un point : le désir... C'est un beau moment, rendu d'autant plus miraculeux par sa tendresse méritée, et ses distances avec tout ce qui est sordide." Stephanie Zacharek du magazine Salon a déclaré que « l'érotisme de la scène [était] si puissant qu'il recouvre tout le film, coloriant chaque scène qui a précédé et celle qui suit ». Betty et Rita ont été choisies par Independent Film Channel comme le couple romantique emblématique des années 2000. L'écrivain Charles Taylor a déclaré: "Betty et Rita sont souvent encadrées contre l'obscurité si douce et veloutée que c'est comme un nimbe planant , prête à les avaler si elles se réveillent du rêve du film. Et quand elles sont avalées, quand la fumée remplit le cadre comme si le le soufre de l'enfer lui-même obscurcissait notre vision, nous avons l'impression que non seulement une romance a été brisée, mais que la beauté du monde a été maudite."

Certains théoriciens du cinéma ont fait valoir que Lynch insère la queerness dans le contenu esthétique et thématique du film. Le film non linéaire est « incapable de maintenir la cohérence narrative », comme Lee Wallace soutient que « le lesbianisme dissout les conventions idéologiques du réalisme narratif, fonctionnant comme le point de commutation pour les univers narratifs en compétition dans le film minutieusement tracé de Lynch ». La présence de miroirs et de doppelgangers tout au long du film "sont des représentations courantes du désir lesbien". La co-dépendance dans la relation entre Betty et Rita, qui confine à pur et simple obsession a été comparé aux relations féminines dans deux films similaires, Ingmar Bergman « s Persona (1966) et Robert Altman » s 3 femmes (1977), qui dépeignent également des identités de femmes vulnérables qui s'emmêlent, s'échangent et finissent par se confondre : « Les couples féminins se reflètent également, leurs interactions mutuelles confondant le culte des héros (ine) avec le désir homosexuel ». Lynch rend un hommage direct à Persona dans la scène où Rita enfile la perruque blonde, coiffée exactement comme les propres cheveux de Betty. Rita et Betty se regardent ensuite dans le miroir "attirant l'attention sur leur similitude physique, liant la séquence au thème de l'étreinte, du couplage physique et de l'idée de fusion ou de dédoublement". La mise en miroir et les doubles, qui sont des thèmes dominants tout au long du film, servent à perturber davantage la forme et le contenu du film.

Plusieurs théoriciens ont accusé Lynch de perpétuer les stéréotypes et les clichés sur les lesbiennes, les bisexuels et les relations lesbiennes. Rita (la femme fatale) et Betty (l'écolière) représentent deux personnages lesbiens classiques ; Heather Love identifie deux clichés clés utilisés dans le film : « Lynch présente le lesbianisme sous sa forme innocente et expansive : le désir lesbien apparaît comme une grande aventure, une entrée dans un territoire glamour et inconnu ». Simultanément, il présente le tragique triangle lesbien, "dans lequel une femme séduisante mais indisponible largue une femme moins séduisante qui est figurée comme exclusivement lesbienne", perpétuant le stéréotype de la bisexuelle "finissant avec un homme". Maria San Filippo reconnaît que Lynch s'appuie sur des archétypes classiques du film noir pour développer la trahison éventuelle de Camilla : ces archétypes « s'enracinent à un tel degré que les téléspectateurs sont immédiatement avertis que « Rita » n'est pas ce qu'elle semble et que ce n'est qu'une question de temps avant qu'elle ne révèle sa nature de duplicité." Pour Love, le désir exclusivement lesbien de Diane est « entre le succès et l'échec, entre le sex-appeal et l'abjection, voire entre la vie et la mort » si elle est rejetée. Diane est le cliché tragique des lesbiennes languissant après le bisexuel dans la relation hétérosexuelle. L'analyse du film par Love note la réponse particulière des médias au contenu lesbien du film : plus." Elle souligne que le film a utilisé un thème classique de la littérature et du cinéma décrivant les relations lesbiennes : Camilla comme douloureusement belle et disponible, rejetant Diane pour Adam. La réaction populaire au film suggère que les relations contrastées entre Betty et Rita et Diane et Camilla sont " comprises à la fois comme la chose la plus chaude sur terre et, en même temps, comme quelque chose de fondamentalement triste et pas du tout érotique " comme " l'affirme l'ordre hétérosexuel elle-même avec des effets écrasants pour la femme abandonnée".

L'hétérosexualité en tant que primaire est importante dans la seconde moitié du film, car la disparition ultime de la relation de Diane et Camilla découle du mariage du couple hétérosexuel. À la fête d'Adam, ils commencent à annoncer que Camilla et Adam se marient ; à force de rires et de baisers, la déclaration est retardée car elle est évidente et attendue. La fermeture hétérosexuelle de la scène est interrompue par un changement de scène. Comme le suggère Lee Wallace, en planifiant un coup contre Camilla, "Diane contourne la fermeture hétérosexuelle de l'histoire de l'industrie mais seulement en passant à son univers narratif, un acte qui s'avère fatal pour les deux femmes, les relations de cause à effet du thriller étant fondamentalement incompatible avec l'intrigue du lesbianisme telle que la présente le film". Pour Joshua Bastian Cole, le personnage d'Adam sert de repoussoir à Diane, ce qu'elle ne pourra jamais être, c'est pourquoi Camilla la quitte. Dans son fantasme, Adam a sa propre intrigue secondaire qui mène à son humiliation. Alors que cette intrigue secondaire peut être comprise comme un fantasme de vengeance né de la jalousie, Cole soutient qu'il s'agit d'un exemple du regard transgenre de Diane : "Adam fonctionne comme un miroir - un objet masculin sur lequel Diane pourrait se projeter". Le contact visuel prolongé de Diane avec Dan chez Winkie est un autre exemple du regard trans. Pour Cole, "l'étrange reconnaissance de Dan par Diane, qui n'est pas tout à fait une identification mais quelque chose d'autre, se sent trans dans sa ligne oblique, tracée entre des doubles impossibles" et leurs noms similaires (Dan/Diane) ce qui n'est pas une erreur. Il souligne que la compréhension lesbienne du film a éclipsé les interprétations trans potentielles ; sa lecture du regard trans de Diane est une contribution à la narration queer du film .

Les représentations médiatiques des opinions de Naomi Watts et Laura Elena Harring sur leurs relations à l'écran étaient variées et contradictoires. Watts a déclaré à propos du tournage de la scène: "Je ne le vois pas comme érotique, même si peut-être que cela joue de cette façon. La dernière fois que je l'ai vu, j'avais les larmes aux yeux parce que je savais où allait l'histoire. Elle m'a un peu brisé le cœur." Cependant, dans une autre interview, Watts a déclaré: "J'ai été étonné de voir à quel point tout cela a l'air honnête et réel à l'écran. Ces filles ont l'air vraiment amoureuses et c'était curieusement érotique." Alors que Harring a été cité en disant: "La scène d'amour vient de se produire dans mes yeux. Rita est très reconnaissante pour l'aide que Betty lui a apportée, alors je lui dis au revoir et bonne nuit, merci, du fond du cœur, je l'embrasse elle et puis il y a juste une énergie qui nous prend [over]. Bien sûr, je suis amnésique, donc je ne sais pas si je l'ai déjà fait, mais je ne pense pas que nous soyons vraiment lesbiennes. " Heather Love était quelque peu d'accord avec la perception de Harring lorsqu'elle a déclaré que l'identité à Mulholland Drive n'est pas aussi importante que le désir : « qui nous sommes ne compte pas pour grand-chose – ce qui compte à la place, c'est ce que nous sommes sur le point de faire, ce que nous voulons faire. »

Personnages

Naomi Watts beaming and facing into soft light holding the arm of an older woman while they take a down escalator at Los Angeles International Airport
Betty (Watts) arrive à Los Angeles ; photographié avec Irene ( Jeanne Bates ). Betty est brillante et optimiste, contrairement à Diane – également jouée par Watts – dans la dernière partie du film.

Betty Elms (Naomi Watts) est la nouvelle venue brillante et talentueuse à Los Angeles, décrite comme « saine, optimiste, déterminée à prendre d'assaut la ville » et « absurdement naïve ». Sa gentillesse et son approche intrépide pour aider Rita parce que c'est la bonne chose à faire rappelle Nancy Drew pour les critiques. Tout son personnage au début est un cliché apparent de la naïveté d'une petite ville. Mais c'est l'identité de Betty, ou sa perte, qui semble être au centre du film. Pour un critique, Betty a joué le rôle de la conscience et de l'inconscient du film. Watts, qui a modelé Betty sur Doris Day , Tippi Hedren et Kim Novak , a observé que Betty est une chercheuse de sensations fortes, quelqu'un « qui se retrouve dans un monde auquel elle n'appartient pas et est prête à adopter une nouvelle identité, même si c'est à quelqu'un d'autre". Cela a également conduit un théoricien à conclure que depuis que Betty était entrée naïvement, mais avec empressement, dans le système hollywoodien, elle était devenue un "acteur complice" qui avait "embrassé la structure même qui" l'avait détruite. Dans une explication de son développement du personnage de Betty, Watts a déclaré:

Je devais donc prendre mes propres décisions sur ce que cela signifiait et ce que ce personnage traversait, ce qu'était le rêve et la réalité. Mon interprétation pourrait finir par être complètement différente, à la fois de David et du public. Mais je ne dois concilier tout cela, et les gens semblent penser qu'il fonctionne.

Betty, aussi difficile à croire que son personnage est établi, montre une profondeur de dimension étonnante dans son audition. Auparavant répétée avec Rita dans l'appartement, où Rita alimente ses répliques avec bois, la scène est "deck" et "creuse; chaque ligne est indigne de l'engagement d'une véritable actrice", et Betty la joue en répétition aussi mal qu'elle est écrite. Nerveuse mais courageuse comme toujours à l'audition, Betty entre dans la pièce exiguë, mais lorsqu'elle se trouve à quelques centimètres de son partenaire d'audition (Chad Everett), elle en fait une scène de tension sexuelle puissante qu'elle contrôle pleinement et attire chaque personne dans la pièce. . La sexualité s'érode immédiatement à la fin de la scène et elle se tient devant eux en attendant timidement leur approbation. Un analyste de cinéma affirme que la capacité auparavant inconnue de Betty vole la vedette, en particulier, en retirant le sombre mystère à Rita et en se l'attribuant, et par l'utilisation de cette scène par Lynch, il illustre son utilisation de la tromperie dans ses personnages. La capacité d'acteur de Betty incite Ruth Perlmutter à spéculer si Betty joue le rôle de Diane dans un rêve ou une parodie d'un film qui se retourne finalement contre elle.

Rita (Harring) est la victime apparente mystérieuse et impuissante, une femme fatale classique avec son apparence sombre et d'une beauté saisissante. Roger Ebert a été tellement impressionné par Harring qu'il a dit d'elle "tout ce qu'elle a à faire est de rester là et elle est le premier bon argument en 55 ans pour un remake de Gilda ". Elle sert d'objet de désir, directement opposé à la brillante assurance de Betty. Elle est aussi le premier personnage auquel le public s'identifie, et comme les téléspectateurs ne la connaissent que confuse et effrayée, ne sachant pas qui elle est et où elle va, elle représente leur désir de donner un sens au film à travers son identité. Au lieu de la menacer, elle incite Betty à la nourrir, la consoler et l'aider. Son amnésie fait d'elle un personnage vide, ce qui, selon un critique, est "le poste vacant qui s'accompagne d'une beauté extraordinaire et de la volonté du spectateur de projeter sur elle toute combinaison d'angélique et de diabolique". Une analyse des personnages de Rita affirme que ses actions sont les plus authentiques de la première partie du film, car elle n'a pas de mémoire et rien à utiliser comme cadre de référence pour savoir comment se comporter. Todd McGowan, cependant, auteur d'un livre sur les thèmes des films de Lynch, déclare que la première partie de Mulholland Drive peut être interprétée comme le fantasme de Rita, jusqu'à ce que Diane Selwyn soit révélée ; Betty est l'objet qui surmonte l'angoisse de Rita face à sa perte d'identité. Selon l'historien du cinéma Steven Dillon, Diane transforme une ancienne colocataire en Rita : après une scène tendue où la colocataire récupère ses affaires restantes, Rita apparaît dans l'appartement, souriant à Diane.

Laura Elena Harring wet from a shower and wrapped in a red towel, looking into the mirror at a reflection of the theatrical poster for the film Gilda
Harring comme la femme aux cheveux noirs
Poster for the film Gilda with Rita Hayworth
Affiche de Gilda (1946)
La femme aux cheveux noirs prend le nom de "Rita" après avoir vu le nom sur une affiche. Sa recherche de son identité a été interprétée par les spécialistes du cinéma comme représentant le désir du public de donner un sens au film.

Après que Betty et Rita aient trouvé le corps en décomposition, elles fuient l'appartement et leurs images sont séparées et réintégrées. David Roche note que le manque d'identité de Rita provoque une rupture qui « se produit non seulement au niveau du personnage mais aussi au niveau de l'image ; le plan est soumis à des effets spéciaux qui fragmentent leur image et leurs voix sont noyées dans la réverbération. , la caméra semblant écrire l'état mental des personnages". Immédiatement, ils retournent à l'appartement de la tante de Betty où Rita enfile une perruque blonde - ostensiblement pour se déguiser - mais la faisant ressembler remarquablement à Betty. C'est cette transformation qu'un analyste cinématographique suggère comme étant la fusion des deux identités. Ceci est soutenu par des indices visuels, comme des angles de caméra particuliers qui donnent l'impression que leurs visages se fondent en un seul. Ceci est encore illustré peu après par leur intimité sexuelle, suivie par la personnalité de Rita devenant plus dominante alors qu'elle insiste pour qu'ils se rendent au Club Silencio à 2 heures du matin, ce qui conduit finalement à la domination totale de Camilla.

Diane Selwyn (Watts) est la femme manifestement frustrée et déprimée, qui semble avoir chevauché Camilla, qu'elle idolâtre et adore, mais qui ne lui rend pas son affection. Elle est considérée comme la réalité de la trop belle pour être vraie Betty, ou une version ultérieure de Betty après avoir vécu trop longtemps à Hollywood. Pour Steven Dillon, l'intrigue du film « fait de Rita le parfait vase vide pour les fantasmes de Diane », mais parce que Rita n'est qu'une « cover girl vierge », Diane s'est « investie dans le vide », ce qui la conduit à la dépression et apparemment au suicide. . Par conséquent, Diane est la personnification de l'insatisfaction, douloureusement illustrée lorsqu'elle est incapable de jouir en se masturbant, dans une scène qui indique « à travers des prises de vue floues et saccadées du mur de pierre - non seulement ses larmes et son humiliation, mais la désintégration de son fantasme et son désir croissant de vengeance". Une analyse de Diane suggère que sa dévotion à Camilla est basée sur une manifestation de narcissisme , car Camilla incarne tout ce que Diane veut et veut être. Bien qu'elle soit présentée comme faible et la perdante ultime, pour Jeff Johnson, auteur d'un livre sur la morale dans les films Lynch, Diane est le seul personnage de la deuxième partie du film dont le code moral reste intact. Elle est « une personne décente corrompue par les divers mécréants qui peuplent l'industrie cinématographique ». Sa culpabilité et ses regrets sont évidents dans son suicide et dans les indices qui font surface dans la première partie du film. La peur de Rita, le cadavre et l'illusion au Club Silencio indiquent que quelque chose ne va pas dans le monde de Betty et Rita. En se libérant de Camilla, son conditionnement moral la tue.

Camilla Rhodes (Melissa George, Laura Elena Harring) n'est guère plus qu'un visage sur une photo et un nom qui a inspiré de nombreux représentants d'un pouvoir vaguement menaçant pour la placer dans un film contre la volonté d'Adam. Qualifiée de « moll insipide » par un critique, elle fait à peine impression dans la première partie du film, mais une fois la boîte bleue ouverte et elle est interprétée par Harring, elle devient une personne à part entière qui symbolise « la trahison, l'humiliation et l'abandon", et est l'objet de la frustration de Diane. Diane contraste fortement avec Camilla, qui est plus voluptueuse que jamais, et qui semble avoir « aspiré la vie de Diane ». Immédiatement après avoir dit à Diane qu'elle la rend folle, Camilla lui dit qu'ils doivent mettre fin à leur liaison. Sur un plateau de tournage où Adam dirige Camilla, il ordonne que le plateau soit dégagé, à l'exception de Diane - à la demande de Camilla - où Adam montre à un autre acteur comment embrasser correctement Camilla. Au lieu de punir Camilla pour une telle humiliation publique, comme le suggère la conversation de Diane avec le tueur à gages maladroit, un critique considère Rita comme la représentation vulnérable du désir de Diane pour Camilla.

Adam Kesher (Justin Theroux) est établi dans la première partie du film comme un réalisateur "vaguement arrogant", mais apparemment réussi, qui endure une humiliation après l'autre. Theroux a déclaré à propos de son rôle: "C'est en quelque sorte le seul personnage du film qui ne sait pas ce qui [l'enfer] se passe. Je pense que c'est le seul gars que le public dit:" Je suis un peu comme toi en ce moment. Je ne sais pas pourquoi vous êtes soumis à toute cette douleur. ' " Après avoir été dépouillé du contrôle créatif de son film, il est cocu par le nettoyeur de piscine (joué par Billy Ray Cyrus ), et jeté hors de son propre opulent maison au-dessus d'Hollywood. Après s'être enregistré dans un motel miteux et avoir payé en espèces, le directeur arrive pour lui dire que son crédit n'est pas bon. En témoigne Diane, Adam est pompeux et suffisant. Il est le seul personnage dont la personnalité ne semble pas complètement changer de la première partie du film à la seconde. Une analyse du personnage d'Adam soutient que, parce qu'il a capitulé et a choisi Camilla Rhodes pour son film, c'est la fin de la gaieté et de la capacité de Betty à aider Rita, faisant porter la responsabilité de sa tragédie aux représentants du pouvoir des studios. Une autre analyse suggère que « Adam Kesher n'a pas le contrôle, il veut et est prêt à enjamber qui ou ce qui est nécessaire pour consolider sa carrière. Avide de pouvoir, il utilise l'apparence de l'amour ou de la séduction seulement comme un outil de plus. L'amour. car le pouvoir justifie que tout le reste soit oublié, que ce soit la fierté, l'amour ou toute autre considération. Il n'y a pas de regrets, c'est Mulholland Drive à Los Angeles."

Les personnages mineurs incluent The Cowboy (Monty Montgomery), les frères Castigliani (Dan Hedaya et Angelo Badalamenti) et M. Roque (Michael J. Anderson), qui font tous pression sur Adam pour qu'il jette Camilla Rhodes dans son film. Ces personnages représentent la mort de la créativité pour les spécialistes du cinéma, et ils décrivent une « vision de l'industrie comme un système hiérarchique fermé dans lequel la source ultime du pouvoir reste cachée derrière une série de représentants ». Ann Miller incarne Coco, la propriétaire qui accueille Betty dans son magnifique nouvel appartement. Coco, dans la première partie du film, représente la vieille garde d'Hollywood, qui accueille et protège Betty. Dans la deuxième partie du film, cependant, elle apparaît comme la mère d'Adam, qui réprimande avec impatience Diane pour son retard à la fête et prête à peine attention à l'histoire embarrassée de Diane sur la façon dont elle est devenue actrice.

Style

A short, strange-looking man seated in a large wooden wheelchair under an intense beam of light in a large and sparsely furnished room; a desk is in a far corner and the walls are covered in curtains.
L'acteur nain Michael J. Anderson , dans le rôle de M. Roque, a été équipé de membres prothétiques surdimensionnés pour lui donner l'apparence d'une tête anormalement petite.

Le style cinématographique de David Lynch a été largement décrit en utilisant des descriptions telles que "ultraweird", "sombre" et "bizarre". Todd McGowan écrit : « On ne peut pas regarder un film de Lynch comme on regarde un film noir hollywoodien standard ni comme on regarde les films les plus radicaux. » À travers la juxtaposition de cliché et surréaliste, de cauchemars et de fantasmes, de scénarios non linéaires, de travail de caméra, de son et d'éclairage, Lynch présente un film qui met les spectateurs au défi de suspendre la croyance de ce qu'ils vivent. De nombreux personnages de Mulholland Drive sont des archétypes qui ne peuvent être perçus que comme des clichés : le nouvel espoir hollywoodien, la femme fatale, le réalisateur non-conformiste et les courtiers en puissance louches que Lynch ne semble jamais explorer pleinement. Lynch place ces personnages souvent éculés dans des situations désastreuses, créant des qualités oniriques. En utilisant ces personnages dans des scénarios qui ont des composants et des références à des rêves, des fantasmes et des cauchemars, les téléspectateurs sont laissés à décider, entre les extrêmes, ce qu'est la réalité. Une analyste de cinéma, Jennifer Hudson, écrit à son sujet : « Comme la plupart des surréalistes, le langage de l'inexpliqué de Lynch est le langage fluide des rêves.

David Lynch utilise diverses méthodes de tromperie dans Mulholland Drive . Un personnage sombre nommé M. Roque, qui semble contrôler les studios de cinéma, est interprété par l' acteur nain Michael J. Anderson (également de Twin Peaks ). Anderson, qui n'a que deux lignes et est assis dans un énorme fauteuil roulant en bois, a été équipé de bras et de jambes prothétiques en mousse surdimensionnés afin de représenter sa tête comme anormalement petite. Pendant la fête d'Adam et Camilla, Diane regarde Camilla (jouée par Harring) avec Adam sur un bras, se penche et embrasse profondément la même femme qui est apparue en tant que Camilla (Melissa George) avant l'ouverture de la boîte bleue. Les deux se tournent alors et sourient ostensiblement à Diane. Le critique de cinéma Franklin Ridgway écrit que la description d'un acte "cruel et manipulateur " délibéré ne permet pas de savoir si Camilla est aussi capricieuse qu'elle en a l'air, ou si la paranoïa de Diane permet au public de ne voir que ce qu'elle ressent. Dans une scène immédiatement après l'audition de Betty, le film passe à une femme chantant sans accompagnement apparent, mais alors que la caméra recule, le public voit qu'il s'agit d'un studio d'enregistrement. En réalité, il s'agit d'une scène sonore où Betty vient d'arriver pour rencontrer Adam Kesher, que le public réalise alors que la caméra recule davantage. Ridgway insiste sur le fait qu'une telle tromperie à travers un travail de caméra astucieux met le spectateur dans le doute sur ce qui est présenté : « C'est comme si la caméra, dans sa gracieuse fluidité de mouvement, nous rassure qu'elle (pense qu'elle) voit tout, a tout sous contrôle, même si nous (et Betty) ne le faisons pas."

Selon Stephen Dillon, l'utilisation par Lynch de différentes positions de caméra tout au long du film, telles que des points de vue à main levée, fait que le spectateur "s'identifie au suspense du personnage dans son espace particulier", mais que Lynch à certains moments aussi " déconnecte la caméra d'un point de vue particulier, éliminant ainsi une perspective unique ou même humaine" de sorte que les perspectives multiples empêchent les contextes de fusionner, troublant de manière significative "notre sens de l'individu et de l'humain". Andrew Hageman note de la même manière que le travail de la caméra dans le film "restitue un sentiment de lieu et de présence très troublant", comme la scène de Winkie's où la "caméra flotte irrégulièrement pendant le dialogue plan-contrechamp" par lequel le "spectateur prend conscience qu'un ensemble de plans normalement objectifs sont devenus d'une subjectivité inquiétante". Le chercheur Curt Hersey reconnaît plusieurs techniques d' avant-garde utilisées dans le film, notamment le manque de transitions, les transitions abruptes, la vitesse de mouvement, les mouvements de caméra non traditionnels, l'imagerie générée par ordinateur , les images non diégétiques, la narration non linéaire et l' intertextualité .

Naomi Watts and Laura Elena Harring arguing on two sides of an open door
Une Diane émotionnellement troublée échange des mots avec Camilla. Les scènes de Diane étaient caractérisées par des éclairages différents pour symboliser son appauvrissement physique et spirituel.

La première partie du film qui établit les personnages de Betty, Rita et Adam présente certains des films les plus logiques de la carrière de Lynch. La dernière partie du film qui représente la réalité pour de nombreux téléspectateurs, cependant, présente un changement marqué dans l'effet cinématographique qui lui donne une qualité tout aussi surréaliste que la première partie. Les scènes de Diane présentent un montage plus saccadé et un éclairage plus sale qui symbolisent son appauvrissement physique et spirituel, ce qui contraste avec la première partie du film où "même le décor le plus simple semble scintiller", Betty et Rita brillent de lumière et les transitions entre les scènes sont fluides. Lynch se déplace entre les scènes de la première partie du film en utilisant des plans panoramiques des montagnes, des palmiers et des bâtiments de Los Angeles. Dans la partie la plus sombre du film, le son passe à la scène suivante sans référence visuelle où il se déroule. À la fête de Camilla, lorsque Diane est la plus humiliée, le bruit de la vaisselle qui s'écrase se fait immédiatement entendre sur la scène où la vaisselle a été déposée dans le restaurant, et Diane parle avec le tueur à gages. Sinnerbrink note également que plusieurs scènes du film, comme celle mettant en scène l'hallucination de Diane de Camilla après le réveil de Diane, l'image de l'être derrière Winkie après le suicide de Diane, ou la "répétition, renversement et déplacement d'éléments qui étaient différemment configurés " dans la première partie du film, crée l' effet étrange où les téléspectateurs sont présentés avec des personnages ou des situations familiers à des moments ou des lieux modifiés. De même, Hageman a identifié la première scène chez Winkie comme « extrêmement étrange », car c'est une scène où les « frontières séparant la réalité physique des réalités imaginaires de l'inconscient se désintègrent ». L'auteur Valtteri Kokko a identifié trois groupes de « métaphores étranges » ; le doppelgänger de plusieurs personnages joués par les mêmes acteurs, des rêves et un objet du quotidien - principalement la boîte bleue - qui initie la disparition de Rita et la vie réelle de Diane.

Un autre élément récurrent dans les films de Lynch est son expérimentation avec le son. Il a déclaré dans une interview : « vous regardez l'image et la scène en silence, elle fait le travail qu'elle est censée faire, mais le travail n'est pas terminé. Lorsque vous commencez à travailler sur le son, continuez à travailler jusqu'à ce qu'il vous semble correct. tant de sons faux et instantanément vous le savez. Parfois, c'est vraiment magique. " Dans la scène d'ouverture du film, alors que la femme aux cheveux noirs trébuche sur Mulholland Drive, cela suggère silencieusement qu'elle est maladroite. Après que Lynch ait ajouté "un soupçon de vapeur [de l'épave] et des enfants qui hurlent", cela a transformé Laura Elena Harring de maladroite à terrifiée. Lynch a également infusé des grondements subtils dans certaines parties du film que les critiques ont notés en ajoutant des effets troublants et effrayants. Hageman identifie également « un son ambiant perpétuel et étrange », et met un accent particulier sur la scène où l'homme s'effondre derrière Winkie alors que le son normal est noyé par un rugissement bourdonnant, notant que le bruit « crée une dissonance et un suspense qui attirent le spectateur comme détective pour placer le son et rétablir l'ordre". Mulholland Drive » se terminant par la femme du au Club Silencio chuchotement est un exemple de la tromperie auditive de Lynch et surréalité, selon Ruth Perlmutter, qui écrit: « L'action, les rêves, la quête d'identité, les craintes et les terreurs de soi indéfinie sont finis quand le film est fini, et donc, il n'y a que silence et énigme."

Bande sonore

L'album progresse un peu comme un film typique de Lynch, s'ouvrant sur un Jitterbug rapide et agréable, puis plongeant lentement dans des passages de cordes plus sombres, les sons de guitare nasillards de la musique de diner des années 50 et, enfin, le dessous superposé, dérangeant et souvent déroutant de la partition. .

Neil Shurley, 2002

La bande originale de Mulholland Drive a été supervisée par Angelo Badalamenti , qui a collaboré aux précédents projets Lynch Blue Velvet et Twin Peaks . Badalamenti, qui a été nominé pour des prix de l' American Film Institute (AFI) et de la British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) pour son travail sur le film, a également une apparition en tant qu'amateur d'espresso et gangster.

Les critiques notent que la partition inquiétante de Badalamenti, décrite comme sa "plus sombre à ce jour", contribue au sentiment de mystère alors que le film s'ouvre sur la limousine de la femme aux cheveux noirs, qui contraste avec les tons brillants et pleins d'espoir de la première arrivée de Betty à Los Angeles, avec la partition « agissant comme un guide émotionnel pour le spectateur ». Le journaliste de musique de film Daniel Schweiger fait remarquer que la contribution de Badalamenti à la partition alterne de "la peur des cordes presque immobile au jazz noir et aux retours audio ", avec "les rythmes se transformant en une explosion de ténèbres infinies". Badalamenti a décrit une technique particulière de conception sonore appliquée au film, par laquelle il fournirait à Lynch plusieurs pistes de dix à douze minutes à un tempo lent, qu'ils appelaient « bois de chauffage », dont Lynch « prendrait des fragments et les expérimenterait. résultant en de nombreux paysages sonores étranges du film."

Lynch utilise deux chansons pop des années 1960 directement l'une après l'autre, jouant le rôle de deux actrices auditionnant en les synchronisant les lèvres . Selon un analyste de la musique utilisée dans les films de Lynch, les personnages féminins de Lynch sont souvent incapables de communiquer par les canaux normaux et sont réduits à la synchronisation labiale ou autrement étouffés. " Sixteen Reasons " de Connie Stevens est la chanson chantée pendant que la caméra recule pour révéler plusieurs illusions, et la version de Linda Scott de " I've Told Ev'ry Little Star " est l'audition pour la première Camilla Rhodes, que le spécialiste du cinéma Eric Gans considère comme une chanson d'autonomisation pour Betty. Écrit à l'origine par Jerome Kern en duo, chanté par Linda Scott dans cette interprétation seule, Gans suggère que cela prend une connotation homosexuelle dans Mulholland Drive . Contrairement à "Sixteen Reasons", cependant, des parties de "I've Told Ev'ry Little Star" sont déformées pour suggérer "une identité sonore divisée" pour Camilla. Lorsque la chanson joue, Betty vient d'entrer dans la scène sonore où Adam auditionne des actrices pour son film, et elle voit Adam, fixe les yeux sur lui et s'enfuit brusquement après qu'Adam a déclaré "C'est la fille" à propos de Camilla, évitant ainsi son inévitable rejet.

À la charnière du film se trouve une scène dans un théâtre de fin de soirée inhabituel appelé Club Silencio où un artiste annonce " No hay banda (il n'y a pas de groupe) ... mais pourtant nous entendons un groupe ", variant entre l'anglais, l'espagnol et le français. . Décrite comme "la séquence la plus originale et la plus époustouflante d'un film original et époustouflant", l' interprétation espagnole a cappella de " Crying " par Rebekah Del Rio , nommée " Llorando ", est saluée comme " époustouflante ... sauf qu'il n'y a pas de show to stop" dans le Club Silencio, peu fréquenté. Lynch voulait utiliser la version de "Crying" de Roy Orbison dans Blue Velvet , mais a changé d'avis quand il a entendu " In Dreams " d' Orbison . Del Rio, qui a popularisé la version espagnole et qui a reçu son premier contrat d'enregistrement sur la base de la chanson, a déclaré que Lynch s'était envolée pour Nashville où elle vivait, et elle a chanté la chanson pour lui une fois et ne savait pas qu'il l'enregistrait. Lynch a écrit un rôle pour elle dans le film et a utilisé la version qu'elle a chantée pour lui à Nashville. La chanson séréna tragiquement les amants Betty et Rita, qui sont assis envoûtés et pleurent, quelques instants avant que leur relation ne disparaisse et ne soit remplacée par le dysfonctionnement de Diane et Camilla. Selon un spécialiste du cinéma, la chanson et toute la scène théâtrale marquent la désintégration des personnalités de Betty et Rita, ainsi que leur relation. Avec l'utilisation de plusieurs langues et d'une chanson pour dépeindre de telles émotions primitives, un analyste de cinéma déclare que Lynch montre sa méfiance à l'égard du discours intellectuel et choisit de donner un sens à travers des images et des sons. L'effet désorientant de la musique jouée bien que del Rio n'existe plus est décrit comme « la version musicale du tableau de Magritte Ceci n'est pas une pipe ».

Sortie

Mulholland Drive a été présenté en première au Festival de Cannes 2001 en mai et a été acclamé par la critique. Lynch a reçu le prix du meilleur réalisateur au festival, le partageant avec le co-gagnant Joel Coen pour L'homme qui n'était pas là . Il a attiré des critiques positives de la part de nombreux critiques et certaines des réactions du public les plus fortes de la carrière de Lynch.

Box-office

Universal Pictures a sorti Mulholland Drive en salles dans 66 cinémas aux États-Unis le 12 octobre 2001, rapportant 587 591 $ au cours de son week-end d'ouverture. Il s'est finalement étendu à sa plus grande sortie de 247 cinémas, rapportant finalement 7 220 243 $ au box-office américain. TVA Films a sorti le film en salles au Canada le 26 octobre 2001. Dans d'autres territoires à l'extérieur des États-Unis, le film a rapporté 12 897 096 $, pour un total mondial de 20 117 339 $ lors de la sortie originale du film, plus des sommes bien moindres lors des rééditions ultérieures.

Réception et héritage

Depuis sa sortie, Mulholland Drive a reçu « à la fois certaines des épithètes les plus dures et certains des éloges les plus somptueux de l'histoire cinématographique récente ». Sur le site Web de l' agrégateur de critiques Rotten Tomatoes , le film a une note d'approbation de 84% sur la base de 183 critiques, avec une note moyenne de 7,62/10. Le consensus critique du site Web se lit comme suit : "Le Mulholland Drive onirique et mystérieux de David Lynch est un néo-noir sinueux avec une structure non conventionnelle qui présente une performance fascinante de Naomi Watts en tant que femme à la périphérie sombre d'Hollywood." Sur Metacritic , qui attribue une note normalisée aux critiques, le film a une note moyenne pondérée de 85 sur 100 sur la base de 35 critiques, indiquant une "acclamation universelle".

Roger Ebert du Chicago Sun-Times , qui avait dédaigné le travail de Lynch, a décerné quatre étoiles au film et a déclaré: "David Lynch a travaillé pour Mulholland Drive toute sa carrière, et maintenant qu'il est arrivé là-bas, je lui pardonne pour Wild at Heart et même Lost Highway  ... le film est un paysage onirique surréaliste sous la forme d'un film noir hollywoodien , et moins cela a de sens, plus nous ne pouvons pas arrêter de le regarder". Ebert a par la suite ajouté Mulholland Drive à sa liste de « Grands films ». Dans le New York Times , Stephen Holden a écrit que le film « rangs aux côtés de Fellini « s et d' autres auteuriste fantasias comme une auto-réflexion monumentale » et a ajouté:" Regarda légèrement, il est le carnaval cinématographique grandiose et la plus stupide de venir dans un certain temps... à un niveau plus sérieux, son enquête sur le pouvoir des films perce un vide à partir duquel vous pouvez entendre les cris d'un démon vorace dont les appétits ne peuvent jamais être éteints." Edward Guthmann du San Francisco Chronicle l'a qualifié d'« exaltant … pour ses images oniriques et son imagination féroce et souvent téméraire » et a ajouté, « il y a une qualité fascinante dans son rythme langoureux, son pressentiment et son atmosphère perdue dans le temps. ... il nous tient, envoûtés et amusés, pendant toutes ses 146 minutes folles et succulentes, exaspérantes [et] prouve que Lynch est en forme solide et toujours un expert pour nous piquer les nerfs".

Dans Rolling Stone , Peter Travers a observé : « Mulholland Drive fait revivre les films. Ce plaisir coupable est un nouveau triomphe pour Lynch, et l'un des meilleurs films d'une année désolée. Pour un érotisme visionnaire, évanoui et des couleurs éclatantes. comme le brillant à lèvres d'une pute, il n'y a rien de tel que ce bébé nulle part." J. Hoberman de The Village Voice a déclaré: « Cette fantasmagorie voluptueuse ... est certainement le film le plus fort de Lynch depuis Blue Velvet et peut - être Eraserhead . Les choses qui lui manquaient dans le mauvais garçon rockabilly débâcle de Lost Highway -La atmosphère de franco menace flottante, transmigration inutile des âmes, points d'intrigue lâchés de manière provocante, univers alternatifs gimcrack - sont ici brillamment réhabilités." AO Scott du New York Times a écrit que, alors que certains pourraient considérer l'intrigue comme une "infraction à l'ordre narratif", le film est "une libération enivrante des sens, avec des moments de sentiment d'autant plus puissants qu'ils semblent émerger de la nuit trouble monde de l'inconscient".

Mulholland Drive n'était pas sans détracteurs. Rex Reed de The New York Observer a déclaré que c'était le pire film qu'il avait vu en 2001, le qualifiant de "charge d'ordures débiles et incohérentes". À New York , Peter Rainer a observé: "Bien que je l'aime plus que certains de ses autres freakfests de rêve, c'est toujours une course assez moribonde ... Lynch a besoin de se renouveler avec un afflux du sentiment profond qu'il a pour les gens, pour les parias , et licencier les crétins, les hobgobelins et les zombies pendant un moment." Dans le Washington Post , Desson Howe l'a qualifié d'« opéra d'ambiance prolongé, si vous voulez mettre une étiquette arty sur l'incohérence ». Todd McCarthy de Variety a trouvé de nombreux éloges - "Lynch augmente les niveaux d'humour bizarre, d'incident dramatique et de mystère authentique avec une succession de scènes mémorables, dont certaines se classent parmi les meilleures" - mais a également noté, "le film saute du un terrain solide de cohérence narrative relative dans le pays imaginaire lynchien... À Twin Peaks et ailleurs, le passage soudain aux jeux de tête est décevant car, jusqu'à présent, Lynch avait si merveilleusement réussi à créer une véritable implication. » James Berardinelli l'a également critiqué en déclarant : "Lynch trompe son public en nous tirant l'herbe sous le pied. Il jette tout dans le mélange dans le seul but de nous embrouiller. Rien n'a de sens parce que ce n'est pas censé avoir de sens. Il y a aucun but ou logique aux événements. Lynch nous joue une grosse blague." Le théoricien du cinéma Ray Carney note: "Vous n'auriez pas besoin de tous les retours en arrière émotionnels et de toutes les trappes narratives si vous aviez quelque chose à dire. Vous n'auriez pas besoin de doppelgangers et de figures d'ombre si vos personnages avaient une âme."

Plus tard, Mulholland Drive a été nommé meilleur film de la décennie par la Los Angeles Film Critics Association , les Cahiers du cinéma , IndieWire , Slant Magazine , Reverse Shot , The Village Voice et Time Out New York , qui ont demandé rhétoriquement dans une référence au mois de septembre. 11 attaques , "Peut-il y avoir un autre film qui parle avec autant de résonance, sinon sans le vouloir, du moment horrible qui a marqué notre décennie? ... Mulholland Drive est le monstre derrière le restaurant; c'est le rêve auto-délirant transformé en cauchemar." Il a également été élu meilleur de la décennie dans un sondage Film Comment des « critiques, programmeurs, universitaires, cinéastes et autres » internationaux et par les lecteurs du magazine. Il figurait sur les listes des dix meilleurs films de la décennie, se classant troisième selon The Guardian , le critique de Rolling Stone Peter Travers, la Presse canadienne, le critique d' Access Hollywood Scott Mantz et huitième sur la liste du critique Michael Phillips . En 2010, il a été nommé deuxième meilleur film d'art et d'essai de l' histoire par The Guardian . Le film a été élu 11e meilleur film tourné à Los Angeles au cours des 25 dernières années par un groupe d' écrivains et de rédacteurs en chef du Los Angeles Times avec comme critère principal de communiquer une vérité inhérente à l'expérience de LA. Le magazine Empire a placé Mulholland Drive au numéro 391 de sa liste des cinq cents plus grands films de tous les temps. Il a également été classé numéro 38 sur le programme Channel 4 50 Films to See Before You Die . En 2011, le magazine en ligne Slate a nommé Mulholland Drive dans son article sur "New Classics" comme le film le plus durable depuis 2000.

Dans le sondage Sight & Sound du British Film Institute en 2012 , Mulholland Drive a été classé 28e plus grand film jamais réalisé. Ayant reçu 40 votes de critiques, c'est l'un des deux seuls films du 21e siècle à figurer sur la liste, avec In the Mood for Love des années 2000 . Dans un sondage de la BBC en 2015 , il était classé 21e parmi tous les films américains. L'année suivante, Mulholland Drive a été désigné comme le plus grand film du 21e siècle dans un sondage mené par BBC Culture . En juillet 2021, Mulholland Drive est présenté dans la section Cannes Classics du Festival de Cannes 2021 .

Médias à domicile

Le film est sorti en VHS et DVD par Universal Studios Home Video le 9 avril 2002, aux États-Unis et au Canada, avec quelques fonctionnalités spéciales. Il est sorti sans arrêts de chapitre, une fonctionnalité à laquelle Lynch s'oppose au motif qu'elle "démystifie" le film. Malgré les inquiétudes de Lynch, la sortie du DVD incluait un encart de couverture qui fournissait « Les 10 indices de David Lynch pour débloquer ce thriller », bien qu'un critique de DVD ait noté que les indices pouvaient être « de gros harengs rouges odieux ». Nick Coccellato d'Eccentric Cinema a attribué au film une note de neuf sur dix et le DVD à huit sur dix, affirmant que le manque de fonctionnalités spéciales "ne fait qu'ajouter au mystère que le film lui-même possède, en abondance". Les caractéristiques spéciales des versions ultérieures et des versions étrangères du DVD incluent une interview de Lynch au Festival de Cannes et les faits saillants des débuts du film à Cannes.

Optimum Home Entertainment a lancé Mulholland Drive sur le marché européen sur Blu-ray dans le cadre de sa collection StudioCanal le 13 septembre 2010. Les nouvelles fonctionnalités exclusives de cette version incluent : une introduction par Thierry Jousse ; In the Blue Box , un documentaire rétrospectif mettant en scène réalisateurs et critiques ; deux tournages de documentaires : On the Road to Mulholland Drive et Back to Mulholland Drive , et plusieurs interviews de personnes impliquées dans la réalisation du film. C'est le deuxième film de David Lynch dans cette lignée de Blu-ray après The Elephant Man .

Le 15 juillet 2015, The Criterion Collection a annoncé la sortie de Mulholland Drive , nouvellement restauré via un transfert numérique 4K , sur DVD et Blu-ray le 27 octobre 2015, qui incluent tous deux de nouvelles interviews avec l'équipe du film et le film 2005 édition du livre Lynch on Lynch de Chris Rodley , avec la bande-annonce originale et d'autres extras. C'était le deuxième film de Lynch à recevoir une sortie Criterion Collection sur DVD et Blu-ray, après Eraserhead qui est sorti en septembre 2014.

Le 11 août 2021, Criterion a annoncé que ses premières sorties 4K Ultra HD, une liste de six films, comprendront Mulholland Drive . Le critère a indiqué que chaque titre sera disponible dans un pack combo 4K UHD + Blu-ray comprenant un disque 4K UHD du long métrage ainsi que le film et les fonctionnalités spéciales sur le Blu-ray compagnon. Criterion a confirmé le 16 août 2021 que Mulholland Drive sortira le 16 novembre 2021 sous forme de disque 4K et Blu-ray.

Récompenses et honneurs

Lynch a été nominé pour un Academy Award pour meilleur réalisateur pour le film. De la Hollywood Foreign Press , le film a reçu quatre nominations aux Golden Globes , dont le meilleur film (drame), le meilleur réalisateur et le meilleur scénario. Il a été nommé meilleur film par le New York Film Critics Circle aux New York Film Critics Circle Awards et à la Online Film Critics Society en 2001 .

Prix Catégorie Destinataire Résultat
Oscars Meilleur réalisateur David Lynch Nommé
British Academy Film Awards Meilleure musique Angelo Badalamenti Nommé
Meilleur montage Mary Sweeney A gagné
Prix ​​des Golden Globes Meilleur film – Drame Nommé
Meilleur réalisateur David Lynch Nommé
Meilleur scénario Nommé
Meilleure musique originale Angelo Badalamenti Nommé
Prix ​​AFI Film AFI de l'année Nommé
Directeur de l'année David Lynch Nommé
Acteur de l'année (Femme) Naomi Watts Nommé
Compositeur de l'année Angelo Badalamenti Nommé
festival du film de Cannes Palme d'or David Lynch Nommé
Meilleur réalisateur David Lynch (partagé avec Joel Coen pour L'homme qui n'était pas là ) A gagné
César Meilleur film étranger David Lynch A gagné
Prix ​​ALMA Actrice exceptionnelle dans un film Laura Harring A gagné
Prix ​​de la critique de cinéma de Chicago Meilleur film A gagné
Meilleur réalisateur David Lynch A gagné
Meilleure actrice Naomi Watts A gagné
Prix ​​de l'esprit indépendant Meilleure photographie Pierre Deming A gagné
Association des critiques de cinéma de Los Angeles Meilleur réalisateur David Lynch A gagné
Société nationale des critiques de cinéma Meilleur film A gagné
Meilleur réalisateur David Lynch Nommé
Meilleure actrice Naomi Watts A gagné
Meilleure photographie Pierre Deming Nommé
Prix ​​du Cercle des critiques de cinéma de New York Meilleur film A gagné
Société des critiques de films en ligne Meilleure image A gagné
Meilleur réalisateur David Lynch A gagné
Meilleur scénario original A gagné
Meilleure actrice Naomi Watts A gagné
Meilleure performance révolutionnaire A gagné
Meilleure musique originale Angelo Badalamenti A gagné
Meilleure photographie Pierre Deming Nommé

Voir également

Les références

Bibliographie

Liens externes