Musique - Music

Allégorie de la musique , par François Boucher , 1764

La musique est l' art d'arranger les sons dans le temps à travers les éléments de la mélodie, de l'harmonie, du rythme et du timbre. C'est l'un des aspects culturels universels de toutes les sociétés humaines. Les définitions générales de la musique incluent des éléments communs tels que la hauteur (qui régit la mélodie et l' harmonie ), le rythme (et ses concepts associés tempo , mètre et articulation ), la dynamique (intensité et douceur) et les qualités sonores du timbre et de la texture (qui sont parfois appelée la « couleur » d'un son musical). Différents styles ou types de musique peuvent accentuer, atténuer ou omettre certains de ces éléments. La musique est jouée avec une vaste gamme d' instruments et de techniques vocales allant du chant au rap ; il y a uniquement des pièces instrumentales , uniquement des pièces vocales (comme des chansons sans accompagnement instrumental ) et des pièces qui combinent chant et instruments. Le mot dérive du grec μουσική ( mousiké ; " (art) des Muses ").

Dans sa forme la plus générale, les activités décrivant la musique comme une forme d'art ou une activité culturelle comprennent la création d'œuvres musicales ( chansons , airs, symphonies , etc.), la critique de la musique , l' étude de l'histoire de la musique , et l' examen esthétique de la musique . Les philosophes grecs et indiens de l' Antiquité ont défini la musique en deux parties : les mélodies, en tant que tons ordonnés horizontalement, et les harmonies en tant que tons ordonnés verticalement. Des dictons courants tels que "l' harmonie des sphères " et "c'est de la musique à mes oreilles" indiquent que la musique est souvent ordonnée et agréable à écouter. Cependant, le compositeur du 20ème siècle John Cage pensait que n'importe quel son peut être de la musique, en disant, par exemple, "Il n'y a pas de bruit , seulement du son."

La création, la performance, la signification et même la définition de la musique varient selon la culture et le contexte social. En effet, tout au long de l' histoire, de nouvelles formes ou styles de musique ont été critiqués comme « ne pas être la musique », dont Beethoven de la Grosse Fuge quatuor à cordes en 1825, au début de jazz au début des années 1900 et le punk hardcore dans les années 1980. Il existe plusieurs types de musique, y compris la musique populaire , la musique traditionnelle , la musique de l' art , la musique écrite pour les cérémonies religieuses et des chants de travail tels que Chanteys . La musique va de compositions strictement organisées, telles que les symphonies de musique classique des années 1700 et 1800, jusqu'à la musique d'improvisation jouée spontanément comme le jazz et les styles avant-gardistes de la musique contemporaine basée sur le hasard des 20e et 21e siècles.

La musique peut être divisée en genres (par exemple, la musique country ) et les genres peuvent être divisés en sous-genres (par exemple, la country alternative et la pop country sont deux des nombreux sous-genres country), bien que les lignes de démarcation et les relations entre les genres musicaux soient souvent subtiles, parfois ouvert à l'interprétation personnelle, et parfois controversé. Par exemple, il peut être difficile de tracer la ligne entre le hard rock du début des années 80 et le heavy metal . Au sein des arts , la musique peut être classée comme un art du spectacle , un bel art ou un art auditif. La musique peut être jouée ou chantée et entendue en direct lors d'un concert de rock ou d'un orchestre, entendue en direct dans le cadre d'une œuvre dramatique (un spectacle de théâtre musical ou un opéra), ou elle peut être enregistrée et écoutée sur une radio, un lecteur MP3, un CD lecteur , smartphone ou comme musique de film ou émission de télévision.

Dans de nombreuses cultures, la musique est une partie importante du mode de vie des gens, car elle joue un rôle clé dans les rituels religieux , les cérémonies de rite de passage (par exemple, la remise des diplômes et le mariage), les activités sociales (par exemple, la danse ) et les activités culturelles allant de l'amateur chant karaoké, jouer dans un groupe de funk amateur ou chanter dans une chorale communautaire . Les gens peuvent faire de la musique comme passe-temps, comme un adolescent jouant du violoncelle dans un orchestre de jeunes , ou travailler comme musicien ou chanteur professionnel. L' industrie de la musique comprend les personnes qui créent de nouvelles chansons et pièces musicales (comme les auteurs-compositeurs et compositeurs), les personnes qui interprètent de la musique (y compris les musiciens d'orchestres, de groupes de jazz et de rock, les chanteurs et les chefs d'orchestre), les personnes qui enregistrent de la musique (producteurs de musique et ingénieurs du son ), les personnes qui organisent des tournées de concerts et les personnes qui vendent des enregistrements, des partitions et des partitions à des clients. Même une fois qu'une chanson ou une pièce a été interprétée, les critiques musicaux , les journalistes musicaux et les spécialistes de la musique peuvent évaluer et évaluer la pièce et sa performance.

Étymologie

Dans la mythologie grecque , les neuf Muses ont été l'inspiration de nombreux efforts créatifs, y compris les arts .

Le mot « musique » est dérivé du grec ancien μουσική ( mousiké ) « (art) des Muses ». Dans la mythologie grecque , les neuf Muses étaient les déesses qui ont inspiré la littérature, la science et les arts et qui étaient la source de la connaissance incarnée dans la poésie, les paroles de chansons et les mythes de la culture grecque. Selon le Online Etymology Dictionary , le terme musique est dérivé de « mi-13c., Musike , du vieux français musique (12c.) Et directement du latin musica « l'art de la musique », incluant également la poésie (aussi [la] Source de l' espagnol música , italien musica , ancien haut allemand mosica , allemand Musik , néerlandais muziek , danois musik ) « . Ceci est dérivé du "...grec mousike ( techne ) '(art) des Muses', de fem. de mousikos 'relatif aux Muses', de Mousa 'Muse' (voir muse (n.)). Moderne l'orthographe [date] de [les] années 1630. En Grèce classique , [le terme 'musique' fait référence à] tout art dans lequel les Muses ont présidé, mais surtout la musique et la poésie lyrique ."

Art et divertissement

La musique est composée et jouée à de nombreuses fins, allant du plaisir esthétique, à des fins religieuses ou cérémonielles, ou en tant que produit de divertissement pour le marché. Quand la musique est uniquement disponible via Partitions Partitions, tels que pendant les époques classiques et romantiques, les amoureux de la musique achèterait les partitions de leurs morceaux préférés et des chansons afin qu'ils puissent les réaliser à la maison sur le piano. Avec l'avènement du phonographe , les enregistrements de chansons populaires, plutôt que les partitions, sont devenus le moyen dominant pour les mélomanes d'apprécier leurs chansons préférées. Avec l'avènement des magnétophones domestiques dans les années 1980 et de la musique numérique dans les années 1990, les mélomanes pouvaient faire des cassettes ou des listes de lecture de leurs chansons préférées et les emporter avec eux sur un lecteur de cassettes portable ou un lecteur MP3. Certains mélomanes créent des mix tapes de leurs chansons préférées, qui servent "d'autoportrait, de geste d'amitié, de prescription pour une fête idéale... [et] d'un environnement composé uniquement de ce qui est le plus ardemment aimé".

Les musiciens amateurs peuvent composer ou interpréter de la musique pour leur propre plaisir et tirer leurs revenus ailleurs. Les musiciens professionnels sont employés par diverses institutions et organisations, y compris les forces armées (en fanfares , groupes de concert et des groupes de musique populaire), des églises et des synagogues, des orchestres symphoniques, la diffusion ou la production de films entreprises et écoles de musique . Les musiciens professionnels travaillent parfois en tant qu'indépendants ou musiciens de session , cherchant des contrats et des engagements dans divers contextes. Il existe souvent de nombreux liens entre les musiciens amateurs et professionnels. Les musiciens amateurs débutants prennent des cours avec des musiciens professionnels. Dans les milieux communautaires, des musiciens amateurs avancés se produisent avec des musiciens professionnels dans une variété d'ensembles tels que des fanfares communautaires et des orchestres communautaires.

Une distinction est souvent faite entre la musique jouée pour un public en direct et la musique qui est jouée dans un studio afin qu'elle puisse être enregistrée et distribuée par le système de vente au détail de musique ou le système de diffusion. Cependant, il existe également de nombreux cas où une performance en direct devant un public est également enregistrée et distribuée. Les enregistrements de concerts en direct sont populaires à la fois dans la musique classique et dans les formes de musique populaires telles que le rock, où les concerts en direct enregistrés illégalement sont prisés par les mélomanes. Sur la scène des groupes de jam , les jam sessions improvisées en direct sont préférées aux enregistrements en studio.

Composition

Personnes composant de la musique en 2013 à l'aide de claviers électroniques et d'ordinateurs.
Compositeur français de musique baroque Michel Richard Delalande (1657-1726), stylo à la main.

La « composition » est l'acte ou la pratique de créer une chanson, un morceau de musique instrumentale , une œuvre avec à la fois le chant et les instruments, ou un autre type de musique. Dans de nombreuses cultures, y compris la musique classique occidentale, l'acte de composer comprend également la création d'une notation musicale , telle qu'une partition musicale , qui est ensuite interprétée par le compositeur ou par d'autres chanteurs ou musiciens. Dans la musique populaire et la musique traditionnelle, l'acte de composer, qui est généralement appelé écriture de chansons, peut impliquer la création d'un plan de base de la chanson, appelé la feuille principale , qui définit la mélodie , les paroles et la progression des accords . Dans la musique classique, le compositeur orchestre généralement ses propres compositions, mais dans le théâtre musical et dans la musique pop, les auteurs-compositeurs peuvent engager un arrangeur pour faire l'orchestration. Dans certains cas, un auteur-compositeur peut ne pas utiliser la notation du tout et à la place, composer la chanson dans son esprit, puis la jouer ou l'enregistrer de mémoire. Dans le jazz et la musique populaire, les enregistrements notables d'artistes influents reçoivent le poids que les partitions écrites jouent dans la musique classique.

Même lorsque la musique est notée de manière relativement précise, comme dans la musique classique, un interprète doit prendre de nombreuses décisions, car la notation ne spécifie pas avec précision tous les éléments de la musique. Le processus consistant à décider comment interpréter la musique qui a été précédemment composée et notée est appelé « interprétation ». Les interprétations de différents interprètes de la même œuvre musicale peuvent varier considérablement, en termes de tempos choisis et de style de jeu ou de chant ou de phrasé des mélodies. Les compositeurs et auteurs-compositeurs qui présentent leur propre musique interprètent leurs chansons, tout autant que ceux qui interprètent la musique des autres. L'ensemble standard de choix et de techniques présents à un moment et à un endroit donnés est appelé pratique de la performance , tandis que l'interprétation est généralement utilisée pour désigner les choix individuels d'un interprète.

Bien qu'une composition musicale utilise souvent la notation musicale et ait un seul auteur, ce n'est pas toujours le cas. Une œuvre musicale peut avoir plusieurs compositeurs, ce qui se produit souvent dans la musique populaire lorsqu'un groupe collabore pour écrire une chanson, ou dans le théâtre musical, lorsqu'une personne écrit les mélodies, une deuxième personne écrit les paroles et une troisième personne orchestre les chansons . Dans certains styles de musique, comme le blues , un compositeur/auteur-compositeur peut créer, interpréter et enregistrer de nouvelles chansons ou pièces sans jamais les écrire en notation musicale. Un morceau de musique peut également être composé de mots, d'images ou de programmes informatiques qui expliquent ou notent comment le chanteur ou le musicien doit créer des sons musicaux. Les exemples vont de la musique d'avant-garde qui utilise la notation graphique , aux compositions textuelles telles que Aus den sieben Tagen , aux programmes informatiques qui sélectionnent les sons pour les pièces musicales. La musique qui fait un usage intensif du hasard et du hasard est appelée musique aléatoire et est associée à des compositeurs contemporains actifs au XXe siècle, tels que John Cage , Morton Feldman et Witold Lutosławski . Un exemple plus connu de musique basée sur le hasard est le son des carillons éoliens tintant dans une brise.

L'étude de la composition a traditionnellement été dominée par l'examen des méthodes et de la pratique de la musique classique occidentale, mais la définition de la composition est suffisamment large pour inclure la création de chansons de musique populaire et de musique traditionnelle et de pièces instrumentales ainsi que des œuvres spontanément improvisées comme celles de des artistes de free jazz et des percussionnistes africains comme les batteurs Ewe .

Notation

La partition est une représentation écrite de la musique. Arrangement homorythmique (c'est-à-dire de style hymne ) du traditionnel " Adeste Fideles " en format standard à deux portées pour voix mixtes.

Dans les années 2000, la notation musicale désigne généralement l'expression écrite de notes de musique et de rythmes sur papier à l'aide de symboles. Lorsque la musique est écrite, les hauteurs et le rythme de la musique, tels que les notes d'une mélodie , sont notés. La notation musicale fournit aussi souvent des instructions sur la façon d'interpréter la musique. Par exemple, la partition d'une chanson peut indiquer que la chanson est un « slow blues » ou un « fast swing », ce qui indique le tempo et le genre. Pour lire la notation musicale, une personne doit avoir une compréhension de la théorie musicale , de l' harmonie et de la pratique d'interprétation associée à une chanson ou à un genre de morceau particulier.

La notation écrite varie selon le style et la période de la musique. Dans les années 2000, la musique notée est produite sous forme de partitions musicales ou, pour les personnes disposant de programmes informatiques de partition , sous forme d'image sur un écran d'ordinateur . Dans les temps anciens, la notation musicale était placée sur des tablettes de pierre ou d'argile. Pour interpréter de la musique à partir de la notation, un chanteur ou un instrumentiste doit comprendre les éléments rythmiques et de hauteur incorporés dans les symboles et la pratique d'interprétation associée à un morceau de musique ou à un genre. Dans les genres nécessitant de l'improvisation musicale , l'interprète joue souvent à partir de musique où seuls les changements d'accord et la forme de la chanson sont écrits, ce qui oblige l'interprète à avoir une grande compréhension de la structure de la musique, de l'harmonie et des styles d'un genre particulier (par exemple, le jazz ou musique country ).

Dans la musique d'art occidentale, les types de notation écrite les plus courants sont les partitions, qui incluent toutes les parties musicales d'une pièce d'ensemble, et les parties, qui sont la notation musicale pour les interprètes ou chanteurs individuels. Dans la musique populaire, le jazz et le blues, la notation musicale standard est la feuille principale , qui note la mélodie, les accords, les paroles (s'il s'agit d'une pièce vocale) et la structure de la musique. Les faux livres sont également utilisés dans le jazz ; ils peuvent être constitués de feuilles de plomb ou simplement de grilles d'accords, qui permettent aux membres de la section rythmique d'improviser une partie d' accompagnement de chansons de jazz. Les partitions et les parties sont également utilisées dans la musique populaire et le jazz, en particulier dans les grands ensembles de jazz comme les « big bands ». Dans la musique populaire, les guitaristes et les bassistes électriques lisent souvent la musique notée en tablature (souvent abrégée en "tab"), qui indique l'emplacement des notes à jouer sur l'instrument à l'aide d'un schéma de la touche de la guitare ou de la basse. La tablature était également utilisée à l'époque baroque pour noter la musique du luth , un instrument à cordes et frettes.

Improvisation

L'improvisation joue un rôle central dans le jazz ; les musiciens apprennent des progressions en utilisant des tonalités d'échelle et d'accord (sur la photo, Johnny Hodges )

L'improvisation musicale est la création d'une musique spontanée, souvent dans (ou basée sur) un cadre harmonique préexistant ou une progression d'accords . Les improvisateurs utilisent les notes de l'accord, diverses gammes associées à chaque accord, ainsi que des ornements chromatiques et des notes de passage qui ne peuvent être ni des notes d'accord ni des gammes typiques associées à un accord. L'improvisation musicale peut se faire avec ou sans préparation. L'improvisation est une partie importante de certains types de musique, tels que le blues , le jazz et le jazz fusion , dans lesquels les interprètes instrumentaux improvisent des solos, des lignes mélodiques et des parties d'accompagnement.

Dans la tradition de la musique d'art occidentale, l'improvisation était une compétence importante à l'époque baroque et à l'époque classique. À l'époque baroque, les interprètes improvisent des ornements et les claviéristes de basse continue improvisent des harmonisations d'accords basées sur la notation de basse chiffrée . De plus, les meilleurs solistes devaient être capables d'improviser des pièces telles que des préludes . À l'époque classique, solistes et chanteurs improvisent des cadences virtuoses lors de concerts.

Cependant, au XXe et au début du XXIe siècle, alors que la « pratique courante » de l' interprétation de la musique d'art occidentale s'est institutionnalisée dans les orchestres symphoniques, les opéras et les ballets, l'improvisation a joué un rôle moindre, car de plus en plus de musique était notée dans les partitions et les parties pour musiciens à jouer. Dans le même temps, certains compositeurs de musique d'art des XXe et XXIe siècles ont de plus en plus inclus l'improvisation dans leur travail créatif. Dans la musique classique indienne , l'improvisation est une composante centrale et un critère essentiel des performances.

Théorie

La théorie musicale englobe la nature et la mécanique de la musique. Cela implique souvent d'identifier les modèles qui régissent les techniques des compositeurs et d'examiner le langage et la notation de la musique. Au sens large, le solfège distille et analyse les paramètres ou éléments de la musique – rythme, harmonie ( fonction harmonique ), mélodie , structure, forme et texture . De manière générale, la théorie musicale peut inclure toute déclaration, croyance ou conception de ou à propos de la musique. Les personnes qui étudient ces propriétés sont connues sous le nom de théoriciens de la musique et travaillent généralement comme professeurs dans des collèges, des universités et des conservatoires de musique. Certains ont appliqué l' acoustique , la physiologie humaine et la psychologie pour expliquer comment et pourquoi la musique est perçue . Les théoriciens de la musique publient leurs recherches dans des revues de théorie musicale et des livres de presse universitaires.

Éléments

La musique a de nombreux fondamentaux ou éléments différents. Selon la définition de « élément » utilisée, ceux-ci peuvent inclure la hauteur, le battement ou le pouls, le tempo, le rythme, la mélodie, l'harmonie, la texture, le style, l'attribution des voix, le timbre ou la couleur, la dynamique, l'expression, l'articulation, la forme et la structure . Les éléments de la musique figurent en bonne place dans les programmes de musique de l'Australie, du Royaume-Uni et des États-Unis. Les trois programmes identifient la hauteur, la dynamique, le timbre et la texture comme des éléments, mais les autres éléments identifiés de la musique sont loin d'être universellement acceptés. Vous trouverez ci-dessous une liste des trois versions officielles des « éléments de la musique » :

  • Australie : hauteur, timbre, texture, dynamique et expression, rythme, forme et structure.
  • UK : hauteur, timbre, texture, dynamique, durée, tempo, structure.
  • USA : hauteur, timbre, texture, dynamique, rythme, forme, harmonie, style/articulation.

En ce qui concerne le programme britannique, en 2013, le terme : « notations musicales appropriées » a été ajouté à leur liste d'éléments et le titre de la liste est passé des « éléments de la musique » aux « dimensions interdépendantes de la musique ». Les dimensions interdépendantes de la musique sont répertoriées comme: hauteur, durée, dynamique, tempo, timbre, texture, structure et notations musicales appropriées.

L'expression « les éléments de la musique » est utilisée dans un certain nombre de contextes différents. Les deux contextes les plus courants peuvent être différenciés en les décrivant comme les « éléments rudimentaires de la musique » et les « éléments perceptifs de la musique ».

Rudimentaire

Dans les années 1800, les expressions « les éléments de la musique » et « les rudiments de la musique » étaient utilisées de manière interchangeable. Les éléments décrits dans ces documents font référence à des aspects de la musique qui sont nécessaires pour devenir musicien. Des écrivains récents tels qu'Espie Estrella semblent utiliser l'expression « éléments de la musique » d'une manière similaire. Une définition qui reflète le plus fidèlement cet usage est : « les principes rudimentaires d'un art, d'une science, etc. : les éléments de grammaire ». Le passage du programme du Royaume-Uni aux « dimensions interdépendantes de la musique » semble être un retour à l'utilisation des éléments rudimentaires de la musique.

Perceptuel

Depuis l'émergence de l'étude de la psychoacoustique dans les années 1930, la plupart des listes d'éléments de la musique se rapportent davantage à la façon dont nous entendons la musique qu'à la façon dont nous apprenons à la jouer ou à l'étudier. CE Seashore, dans son livre Psychology of Music , a identifié quatre "attributs psychologiques du son". Ceux-ci étaient : « hauteur, volume, temps et timbre » (p. 3). Il ne les appelait pas les « éléments de la musique » mais les appelait « composants élémentaires » (p. 2). Néanmoins, ces composants élémentaires sont liés précisément à quatre des éléments musicaux les plus courants : « Pitch » et « timbre » correspondent exactement, « le volume » est lié à la dynamique et « temps » est lié aux éléments temporels du rythme, de la durée et tempo. Cette utilisation de l'expression « les éléments de la musique » est plus étroitement liée à la définition d'un élément du New 20th Century Dictionary de Webster : « une substance qui ne peut pas être divisée en une forme plus simple par des méthodes connues » et les listes d'éléments des établissements d'enseignement s'alignent généralement avec cette définition aussi.

Bien que les auteurs de listes d'« éléments rudimentaires de la musique » puissent varier leurs listes en fonction de leurs priorités personnelles (ou institutionnelles), les éléments perceptifs de la musique devraient consister en une liste établie (ou prouvée) d'éléments discrets qui peuvent être manipulés indépendamment pour atteindre un effet musical voulu. Il semble à ce stade qu'il y ait encore des recherches à faire dans ce domaine.

Une manière légèrement différente d'aborder l'identification des éléments de la musique consiste à identifier les « éléments du son » comme : hauteur , durée , volume , timbre , texture sonore et emplacement spatial , puis de définir les « éléments de la musique » comme : son, structure et intention artistique.

Descriptifs

Hauteur et mélodie

La hauteur est un aspect d'un son que nous pouvons entendre, indiquant si un son, une note ou un ton musical est "plus haut" ou "plus bas" qu'un autre son, note ou ton musical. Nous pouvons parler de l'aigu ou du grave de la hauteur au sens plus général, comme la façon dont un auditeur entend une note de piccolo perçante ou un sifflement aussi aigu qu'un bruit sourd de grosse caisse . On parle aussi de hauteur au sens précis associé aux mélodies musicales , aux lignes de basse et aux accords . La hauteur précise ne peut être déterminée que dans les sons dont la fréquence est suffisamment claire et stable pour être distinguée du bruit. Par exemple, il est beaucoup plus facile pour les auditeurs de discerner la hauteur d'une seule note jouée sur un piano que d'essayer de discerner la hauteur d'une cymbale crash qui est frappée.

La mélodie de la chanson traditionnelle " Pop Goes the Weasel "

Une mélodie (également appelée « air ») est une série de hauteurs (notes) résonnant successivement (l'une après l'autre), souvent selon un schéma ascendant et descendant. Les notes d'une mélodie sont généralement créées à l'aide de systèmes de hauteur tels que des gammes ou des modes . Les mélodies contiennent aussi souvent des notes des accords utilisés dans la chanson. Les mélodies des chansons folkloriques simples et des chansons traditionnelles peuvent n'utiliser que les notes d'une seule gamme, la gamme associée à la note tonique ou à la tonalité d'une chanson donnée. Par exemple, une chanson folklorique dans la tonalité de do (également appelée do majeur) peut avoir une mélodie qui utilise uniquement les notes de la gamme de do majeur (les notes individuelles C, D, E, F, G, A, B , et C ; ce sont les " notes blanches " sur un clavier de piano. D'autre part, le jazz de l'ère Bebop des années 1940 et la musique contemporaine des 20e et 21e siècles peuvent utiliser des mélodies avec de nombreuses notes chromatiques (c'est-à-dire des notes en plus aux notes de la gamme majeure ; sur un piano, une gamme chromatique inclurait toutes les notes du clavier, y compris les "notes blanches" et les "notes noires" et des gammes inhabituelles, telles que toute la gamme des tons (une gamme de tons entière dans la clé de C contiendrait les notes C, D, E, F , G et a ). une faible ligne profonde de musique jouée par des instruments graves tels que la contrebasse, basse électrique, ou tuba est appelé bassline .

Harmonie et accords

Lorsque les musiciens jouent trois notes différentes ou plus en même temps, cela crée un accord . Dans la musique occidentale , y compris la musique classique, la musique pop, la musique rock et de nombreux styles connexes, les accords les plus courants sont les triades – trois notes généralement jouées en même temps. Les accords les plus couramment utilisés sont l' accord majeur et l' accord mineur . Un exemple d'accord majeur est les trois hauteurs C, E et G. Un exemple d'accord mineur est les trois hauteurs A, C et E. (Sur la photo, un guitariste interprète un accord sur une guitare).

L'harmonie fait référence aux sons "verticaux" des hauteurs de la musique, ce qui signifie des hauteurs qui sont jouées ou chantées ensemble en même temps pour créer un accord . Habituellement, cela signifie que les notes sont jouées en même temps, bien que l'harmonie puisse également être impliquée par une mélodie qui décrit une structure harmonique (c'est-à-dire en utilisant des notes de mélodie qui sont jouées l'une après l'autre, décrivant les notes d'un accord). Dans la musique écrite en utilisant le système de tonalité majeur-mineur (« clés »), qui comprend la plupart de la musique classique écrite de 1600 à 1900 et la plupart des musiques pop, rock et traditionnelles occidentales, la tonalité d'une pièce détermine l'échelle utilisée, qui centre autour de la « note d'accueil » ou tonique de la touche. Des pièces classiques simples et de nombreuses chansons de musique pop et traditionnelle sont écrites de manière à ce que toute la musique soit dans une seule tonalité. Les morceaux et morceaux de musique classique, pop et traditionnelle plus complexes peuvent avoir deux tonalités (et dans certains cas trois tonalités ou plus). La musique classique de l'époque romantique (écrite vers 1820-1900 environ) contient souvent plusieurs tonalités, tout comme le jazz , en particulier le jazz Bebop des années 1940, dans lequel la tonalité ou la « note d'origine » d'une chanson peut changer toutes les quatre mesures ou même toutes les deux barres.

Rythme

Le rythme est l'arrangement des sons et des silences dans le temps. Le compteur anime le temps dans des groupes d'impulsions réguliers, appelés mesures ou mesures , qui, dans la musique occidentale classique, populaire et traditionnelle, regroupent souvent les notes en ensembles de deux (par exemple, 2/4 temps), trois (par exemple, 3/4 temps, également connu comme temps de valse , ou 3/8 temps), ou quatre (par exemple, 4/4 temps). Les compteurs sont plus faciles à entendre parce que les chansons et les morceaux mettent souvent (mais pas toujours) l'accent sur le premier temps de chaque groupe. Des exceptions notables existent, comme le backbeat utilisé dans la plupart des musiques pop et rock occidentales, dans lequel une chanson qui utilise une mesure composée de quatre temps (appelée temps 4/4 ou temps commun ) aura des accents sur les temps deux et quatre, qui sont généralement exécuté par le batteur sur la caisse claire , un instrument de percussion fort et distinctif. Dans la pop et le rock, les parties rythmiques d'une chanson sont jouées par la section rythmique , qui comprend des instruments jouant des accords (par exemple, une guitare électrique, une guitare acoustique, un piano ou d'autres instruments à clavier), un instrument de basse (généralement une basse électrique ou pour certains styles comme le jazz et le bluegrass , la contrebasse) et un joueur de batterie.

Texture

La texture musicale est le son global d'un morceau de musique ou d'une chanson. La texture d'un morceau ou d'une chanson est déterminée par la façon dont les matériaux mélodiques, rythmiques et harmoniques sont combinés dans une composition, déterminant ainsi la nature globale du son dans un morceau. La texture est souvent décrite en fonction de la densité, ou de l'épaisseur, et de la plage, ou de la largeur, entre les hauteurs les plus basses et les plus élevées, en termes relatifs ainsi que plus spécifiquement distinguée en fonction du nombre de voix, ou de parties, et de la relation entre ces voix. (voir les types courants ci-dessous). Par exemple, une texture épaisse contient de nombreuses « couches » d'instruments. L'une de ces couches pourrait être une section de cordes ou un autre cuivre. L'épaisseur est également affectée par la quantité et la richesse des instruments. La texture est généralement décrite en fonction du nombre et de la relation entre les parties ou les lignes de musique :

La musique qui contient un grand nombre de parties indépendantes (par exemple, un double concerto accompagné de 100 instruments d'orchestre avec de nombreuses lignes mélodiques entrelacées) est généralement dite avoir une texture "plus épaisse" ou "plus dense" qu'une œuvre avec peu de parties (par exemple, un mélodie de flûte solo accompagnée d'un seul violoncelle).

Timbre ou "couleur tonale"

Le timbre , parfois appelé "couleur" ou "couleur tonale", est la qualité ou le son d'une voix ou d'un instrument. Le timbre est ce qui rend un son musical particulier différent d'un autre, même lorsqu'ils ont la même hauteur et le même volume. Par exemple, une note A de 440 Hz sonne différemment lorsqu'elle est jouée au hautbois , au piano, au violon ou à la guitare électrique. Même si différents joueurs du même instrument jouent la même note, leurs notes peuvent sonner différemment en raison de différences dans la technique instrumentale (par exemple, différentes embouchures ), différents types d'accessoires (par exemple, embouchures pour cuivres, anches pour hautbois et basson) ou des cordes faites de différents matériaux pour les joueurs de cordes (par exemple, des cordes en boyau par rapport aux cordes en acier ). Même deux instrumentistes jouant la même note sur le même instrument (l'un après l'autre) peuvent sonner différemment en raison de différentes manières de jouer de l'instrument (par exemple, deux joueurs de cordes peuvent tenir l'archet différemment).

Les caractéristiques physiques du son qui déterminent la perception du timbre comprennent le spectre , l' enveloppe et les harmoniques d'une note ou d'un son musical. Pour les instruments électriques développés au XXe siècle, tels que la guitare électrique, la basse électrique et le piano électrique , l'interprète peut également modifier le ton en ajustant les commandes de l'égaliseur, les commandes de tonalité sur l'instrument et en utilisant des unités d'effets électroniques telles que des pédales de distorsion . Le ton de l' orgue électrique Hammond est contrôlé en ajustant les tirettes .

Expression

Les chanteurs ajoutent de l'expression aux mélodies qu'ils chantent en utilisant de nombreuses méthodes, notamment en changeant le ton de leur chant, en ajoutant du vibrato à certaines notes et en mettant l'accent sur les mots importants dans les paroles.

Les qualités expressives sont les éléments de la musique qui créent un changement dans la musique sans changer les hauteurs principales ou changer substantiellement les rythmes de la mélodie et de son accompagnement. Les interprètes, y compris les chanteurs et les instrumentistes, peuvent ajouter une expression musicale à une chanson ou à une pièce en ajoutant du phrasé , en ajoutant des effets tels que le vibrato (avec la voix et certains instruments, tels que la guitare, le violon, les cuivres et les bois), la dynamique (le volume ou douceur du morceau ou d'une partie de celui-ci), les fluctuations de tempo (par exemple, ritardando ou accelerando , qui ralentissent et accélèrent respectivement le tempo), en ajoutant des pauses ou des fermatas sur une cadence , et en changeant l'articulation des notes (par exemple, en rendant les notes plus prononcées ou accentuées, en rendant les notes plus legato , ce qui signifie qu'elles sont connectées en douceur, ou en raccourcissant les notes).

L'expression est obtenue grâce à la manipulation de la hauteur (telle que l'inflexion, le vibrato, les diapositives, etc.), le volume (dynamique, accent, trémolo, etc.), la durée (fluctuations de tempo, changements rythmiques, modification de la durée des notes comme avec legato et staccato, etc. .), le timbre (par exemple changer le timbre vocal d'une voix légère à une voix résonnante) et parfois même la texture (par exemple doubler la note de basse pour un effet plus riche dans un morceau de piano). L'expression peut donc être vue comme une manipulation de tous les éléments afin de transmettre « une indication d'humeur, d'esprit, de caractère, etc. et en tant que tel ne peut pas être inclus comme un élément perceptif unique de la musique, bien qu'il puisse être considéré comme un élément rudimentaire important de la musique.

Former

Partition notation pour le refrain (refrain) de la chanson de Noël « Jingle Bells »

En musique, la forme décrit la structure globale ou le plan d'une chanson ou d'un morceau de musique, et elle décrit la disposition d'une composition divisée en sections. Au début du 20e siècle, les chansons de Tin Pan Alley et les chansons musicales de Broadway étaient souvent sous forme de mesures AABA 32 , dans lesquelles les sections A répétaient la même mélodie à huit mesures (avec variation) et la section B offrait une mélodie ou une harmonie contrastante pour huit mesures. . À partir des années 1960, les chansons pop et rock occidentales sont souvent sous forme de couplet-refrain , qui est basé sur une séquence de sections de couplet et de refrain ("refrain"), avec de nouvelles paroles pour la plupart des couplets et des paroles répétées pour les refrains. La musique populaire utilise souvent la forme strophique , parfois en conjonction avec le blues à douze mesures .

Dans la dixième édition de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes définit la forme musicale comme « une série de stratégies conçues pour trouver un juste milieu entre les extrêmes opposés de la répétition non soulagée et de l'altération non soulagée ». Des exemples de formes courantes de musique occidentale incluent la fugue , l' invention , la sonate-allegro , le canon , la strophique , le thème et les variations , et le rondo .

Scholes déclare que la musique classique européenne n'avait que six formes autonomes : binaire simple, ternaire simple, binaire composé, rondo, air avec variations et fugue (bien que le musicologue Alfred Mann ait souligné que la fugue est principalement une méthode de composition qui a parfois pris sur certaines conventions structurelles.)

Lorsqu'une pièce ne peut pas être facilement décomposée en unités sectionnelles (bien qu'elle puisse emprunter une forme à un poème, une histoire ou un programme ), on dit qu'elle est entièrement composée . C'est souvent le cas avec une fantaisie , un prélude , une rhapsodie , une étude (ou étude), un poème symphonique , un Bagatelle , un impromptu , etc. Le professeur Charles Keil a classé les formes et les détails formels comme « sectionnels, développementaux ou variationnels ».

Analyse des styles

Funk met l'accent sur le rythme et le groove , avec des chansons entières basées autour d'un vampire sur un seul accord. Sur la photo, les influents musiciens funk George Clinton et Parliament-Funkadelic en 2006.

Certains styles de musique mettent l'accent sur certains de ces principes fondamentaux, tandis que d'autres mettent moins l'accent sur certains éléments. Pour donner un exemple, alors que le jazz de l' ère Bebop utilise des accords très complexes, y compris des dominantes altérées et des progressions d'accords difficiles , avec des accords changeant deux fois ou plus par mesure et des touches changeant plusieurs fois dans un morceau, le funk met l'accent sur rhythm and groove , avec des morceaux entiers basés autour d'un vampire sur un seul accord. Alors que la musique classique de l'ère romantique du milieu à la fin des années 1800 fait un grand usage des changements spectaculaires de dynamique, des sections pianissimo chuchotantes aux sections fortissimo tonitruantes, certaines suites de danse baroques entières pour clavecin du début des années 1700 peuvent utiliser une seule dynamique. Pour donner un autre exemple, alors que certaines pièces de musique artistique , telles que les symphonies, sont très longues, certaines chansons pop ne durent que quelques minutes.

Histoire

Préhistoire

La musique préhistorique ne peut être théorisée que sur la base des découvertes des sites archéologiques paléolithiques . Des flûtes sont souvent découvertes, taillées dans des os dans lesquels des trous latéraux ont été percés ; on pense que ceux-ci ont été soufflés à une extrémité comme le shakuhachi japonais . On pense que la flûte Divje Babe , sculptée dans un fémur d' ours des cavernes , a au moins 40 000 ans, bien qu'il y ait un débat considérable autour de savoir s'il s'agit vraiment d'un instrument de musique ou d'un objet formé par des animaux. Des instruments tels que la flûte à sept trous et divers types d' instruments à cordes , tels que le Ravanahatha , ont été récupérés sur les sites archéologiques de la civilisation de la vallée de l' Indus . L'Inde possède l'une des plus anciennes traditions musicales au monde - des références à la musique classique indienne ( marga ) se trouvent dans les Vedas , d'anciennes écritures de la tradition hindoue . La plus ancienne et la plus grande collection d'instruments de musique préhistoriques a été trouvée en Chine et remonte à entre 7000 et 6600 av. L' " Hymne Hurrien à Nikkal ", trouvé sur des tablettes d'argile qui remontent à environ 1400 avant JC, est la plus ancienne œuvre musicale notée.

L'Egypte ancienne

Musiciens d' Amon , Tombeau de Nakht , XVIIIe dynastie , Thèbes occidentale

Les premières preuves matérielles et représentatives des instruments de musique égyptiens datent de la période prédynastique , mais les preuves sont attestées de manière plus sûre dans l' Ancien Empire lorsque des harpes , des flûtes et des clarinettes doubles étaient jouées. Des instruments à percussion, des lyres et des luths ont été ajoutés aux orchestres par l' Empire du Milieu . Les cymbales accompagnaient fréquemment la musique et la danse, comme elles le font encore aujourd'hui en Égypte . Égyptien musique folklorique , y compris les traditionnels soufis dhikr rituels, sont les plus proches contemporain genre musical à l' Egypte ancienne musique, ayant conservé beaucoup de ses caractéristiques, des rythmes et des instruments.

Cultures asiatiques

Les femmes indiennes vêtues de vêtements régionaux jouant une variété d'instruments de musique populaires dans différentes parties de l'Inde
Gangubai Hangal
Durga



La musique asiatique couvre une vaste bande de cultures musicales interrogés dans les articles sur l' Arabie , l' Asie centrale , Asie de l' Est , l' Asie du Sud et en Asie du Sud - Est . Plusieurs ont des traditions qui remontent à l'antiquité.

La musique classique indienne est l'une des plus anciennes traditions musicales au monde. La civilisation de la vallée de l'Indus possède des sculptures qui montrent de la danse et des instruments de musique anciens, comme la flûte à sept trous. Divers types d'instruments à cordes et de tambours ont été récupérés à Harappa et Mohenjo Daro par des fouilles menées par Sir Mortimer Wheeler . Le Rigveda contient des éléments de la musique indienne actuelle, avec une notation musicale pour désigner le mètre et le mode de chant. La musique classique indienne (marga) est monophonique et basée sur une seule ligne mélodique ou raga organisée rythmiquement par talas . Silappadhikaram par Ilango Adigal fournit des informations sur la façon dont de nouvelles gammes peuvent être formées par le déplacement modal du tonique à partir d'une gamme existante. La musique hindi actuelle a été influencée par la musique traditionnelle persane et les moghols afghans . La musique carnatique , populaire dans les états du sud, est en grande partie dévotionnelle ; la plupart des chants s'adressent aux divinités hindoues. Il existe également de nombreuses chansons mettant l'accent sur l'amour et d'autres problèmes sociaux.

La musique classique chinoise , art traditionnel ou musique de cour de Chine, a une histoire qui s'étend sur environ trois mille ans. Il possède ses propres systèmes uniques de notation musicale, ainsi que l'accord et la hauteur de la musique, les instruments de musique et les styles ou genres musicaux. La musique chinoise est pentatonique-diatonique, avec une gamme de douze notes à une octave (5 + 7 = 12) tout comme la musique d'influence européenne.

La Grèce ancienne

La musique était une partie importante de la vie sociale et culturelle dans la Grèce antique , en fait c'était l'une des principales matières enseignées aux enfants. L'éducation musicale était considérée comme importante pour le développement de l'âme d'un individu. Les musiciens et les chanteurs ont joué un rôle de premier plan dans le théâtre grec et ceux qui ont reçu une éducation musicale ont été considérés comme nobles et en parfaite harmonie (comme on peut le lire dans la République, Platon ) mixtes refrains effectués pour le divertissement, la célébration et des cérémonies spirituelles . La musique sacrée de la Grèce antique sera considérée comme un exemple de perfection et de pureté. Les instruments comprenaient l' aulos à anches doubles et un instrument à cordes pincées , la lyre , principalement le type spécial appelé kithara . La musique était une partie importante de l'éducation et les garçons apprenaient la musique dès l'âge de six ans. L'alphabétisation musicale grecque a créé une floraison de développement de la musique. La théorie de la musique grecque comprenait les modes musicaux grecs , qui sont finalement devenus la base de la musique religieuse et classique occidentale . Plus tard, les influences de l' Empire romain , de l'Europe de l'Est et de l' Empire byzantin ont changé la musique grecque. L' épitaphe Seikilos est le plus ancien exemple survivant d'une composition musicale complète, y compris la notation musicale, de n'importe où dans le monde. L'œuvre la plus ancienne écrite sur le thème de la théorie musicale est Harmonika Stoicheia d' Aristoxène .

Classique occidental

Moyen Âge

Léonin ou Pérotin
Breves meurt hominis
Notation musicale d'un missel catholique , v. 1310-1320

La médiévale époque (476-1400), qui a eu lieu au cours du Moyen Age , a commencé avec l'introduction de monophonique (simple ligne mélodique) chantant dans l' Eglise catholique romaine services. La notation musicale était utilisée depuis l'Antiquité dans la culture grecque , mais au Moyen Âge, la notation a été introduite pour la première fois par l' église catholique afin que les mélodies du chant puissent être écrites, afin de faciliter l'utilisation des mêmes mélodies pour la musique religieuse dans l'ensemble de la religion catholique. Empire. Le seul répertoire médiéval européen qui a été trouvé sous forme écrite avant 800 est le plain- chant liturgique monophonique de l'Église catholique romaine, dont la tradition centrale s'appelait le chant grégorien . A côté de ces traditions de musique sacrée et d' église existait une tradition vibrante de chant profane (chants non religieux). Des exemples de compositeurs de cette période sont Léonin , Pérotin , Guillaume de Machaut et Walther von der Vogelweide .

Renaissance

TL de Victoria
Amicus meus
Allégorie de la musique, de Filippino Lippi

La musique de la Renaissance (vers 1400 à 1600) était davantage axée sur des thèmes profanes (non religieux), tels que l'amour courtois . Vers 1450, l' imprimerie a été inventée, ce qui a rendu les partitions imprimées beaucoup moins chères et plus faciles à produire en série (avant l'invention de l'imprimerie, toutes les musiques notées étaient copiées à la main). La disponibilité accrue de partitions a contribué à diffuser les styles musicaux plus rapidement et sur une plus grande surface. Musiciens et chanteurs travaillaient souvent pour l'église, les tribunaux et les villes. Les chœurs de l'église ont grandi en taille et l'église est restée un important mécène de la musique. Au milieu du XVe siècle, les compositeurs écrivent une musique sacrée richement polyphonique, dans laquelle différentes lignes mélodiques s'entrelacent simultanément. Les compositeurs éminents de cette époque incluent Guillaume Dufay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley et Orlande de Lassus . Alors que l'activité musicale se déplaçait de l'église vers les cours aristocratiques, les rois, les reines et les princes se disputaient les meilleurs compositeurs. De nombreux compositeurs importants sont venus des Pays-Bas, de Belgique et du nord de la France. On les appelle les compositeurs franco-flamands. Ils ont occupé des postes importants dans toute l'Europe, notamment en Italie. D'autres pays avec une activité musicale dynamique comprenaient l'Allemagne, l'Angleterre et l'Espagne.

Baroque

JS Bach
Toccata et Fugue

L' ère baroque de la musique a eu lieu de 1600 à 1750, alors que le style artistique baroque s'épanouissait dans toute l'Europe ; et pendant ce temps, la musique s'est étendue dans sa gamme et sa complexité. La musique baroque a commencé lorsque les premiers opéras (musique dramatique vocale solo accompagnée d'un orchestre) ont été écrits. À l'époque baroque, la musique contrapuntique polyphonique , dans laquelle plusieurs lignes mélodiques indépendantes simultanées étaient utilisées, est restée importante (le contrepoint était important dans la musique vocale de l'époque médiévale). Les compositeurs baroques allemands ont écrit pour de petits ensembles comprenant des cordes , des cuivres et des bois , ainsi que pour des choeurs et des instruments à clavier tels que l' orgue à tuyaux , le clavecin et le clavicorde . Au cours de cette période, plusieurs formes musicales majeures ont été définies qui ont duré dans des périodes ultérieures où elles ont été élargies et évoluées, notamment la fugue , l' invention , la sonate et le concerto. Le style baroque tardif était polyphoniquement complexe et richement ornementé. Parmi les compositeurs importants de l'époque baroque, citons Johann Sebastian Bach ( Suites pour violoncelle ), George Frideric Handel ( Messie ), Georg Philipp Telemann et Antonio Lucio Vivaldi ( Les Quatre Saisons ).

Classicisme

WA Mozart
Symphonie 40 sol mineur
Wolfgang Amadeus Mozart (assis au clavier) était un enfant prodige virtuose du piano et du violon. Avant même de devenir un compositeur célèbre, il était largement connu comme un interprète et un improvisateur doué.

La musique de la période classique (1730 à 1820) visait à imiter ce qui était considéré comme les éléments clés de l'art et de la philosophie de la Grèce et de la Rome antiques : les idéaux d'équilibre, de proportion et d'expression disciplinée. (Remarque : la musique de la période classique ne doit pas être confondue avec la musique classique en général, un terme qui fait référence à la musique d'art occidentale du 5ème siècle aux années 2000, qui inclut la période classique comme l'une des nombreuses périodes). La musique de la période classique a une texture plus légère, plus claire et considérablement plus simple que la musique baroque qui l'a précédée. Le style principal était l' homophonie , où une mélodie proéminente et une partie d' accompagnement d' accords subordonnée sont clairement distinctes. Les mélodies instrumentales classiques avaient tendance à être presque vocales et chantables. De nouveaux genres ont été développés et le pianoforte , le précurseur du piano moderne, a remplacé le clavecin et l' orgue à tuyaux de l' ère baroque comme instrument à clavier principal (bien que l'orgue à tuyaux ait continué à être utilisé dans la musique sacrée, comme les messes).

L'importance a été donnée à la musique instrumentale . Il a été dominé par le développement ultérieur des formes musicales initialement définies à l'époque baroque : la sonate , le concerto et la symphonie . Les autres types principaux étaient le trio , le quatuor à cordes , la sérénade et le divertimento . La sonate était la forme la plus importante et la plus développée. Bien que les compositeurs baroques aient également écrit des sonates, le style classique de la sonate est complètement distinct. Toutes les principales formes instrumentales de l'ère classique, des quatuors à cordes aux symphonies et concertos, étaient basées sur la structure de la sonate. Les instruments de musique de chambre et d'orchestre sont devenus plus standardisés. À la place du groupe de basse continue de l'époque baroque, qui se composait de clavecin, d'orgue ou de luth ainsi que d'un certain nombre d'instruments de basse choisis à la discrétion du chef de groupe (par exemple, viole, violoncelle, théorbe, serpent), groupes de chambre classiques utilisé des instruments spécifiés et standardisés (par exemple, un quatuor à cordes serait joué par deux violons, un alto et un violoncelle). À l'époque baroque, le jeu d'accords improvisé du claviériste continuo ou du joueur de luth a été progressivement abandonné entre 1750 et 1800.

L'un des changements les plus importants de la période classique a été le développement des concerts publics. L'aristocratie jouait toujours un rôle important dans le parrainage de concerts et de compositions, mais il était désormais possible pour les compositeurs de survivre sans être les employés permanents des reines ou des princes. La popularité croissante de la musique classique a conduit à une croissance du nombre et des types d'orchestres. L'expansion des concerts d'orchestre a nécessité la construction de grands espaces publics de représentation. La musique symphonique, y compris les symphonies, l'accompagnement musical du ballet et les genres vocaux/instrumentaux mixtes tels que l'opéra et l' oratorio sont devenus plus populaires.

Les compositeurs les plus connus du classicisme sont Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven et Franz Schubert . Beethoven et Schubert sont également considérés comme des compositeurs de la dernière partie de l'ère classique, alors qu'elle commençait à s'orienter vers le romantisme.

le romantisme

Le piano était la pièce maîtresse de l'activité sociale des citadins de la classe moyenne au XIXe siècle ( Moritz von Schwind , 1868). L'homme au piano est le compositeur Franz Schubert .
R. Wagner
Die Walküre

La musique romantique (vers 1810 à 1900) du XIXe siècle avait de nombreux éléments en commun avec les styles romantiques de la littérature et de la peinture de l'époque. Le romantisme était un mouvement artistique, littéraire et intellectuel caractérisé par l'accent mis sur l'émotion et l'individualisme ainsi que par la glorification de tout le passé et de la nature. La musique romantique s'est étendue au-delà des styles et des formes rigides de l'ère classique pour devenir des pièces et des chansons expressives plus passionnées et dramatiques. Des compositeurs romantiques tels que Wagner et Brahms ont tenté d'augmenter l'expression émotionnelle et le pouvoir de leur musique pour décrire des vérités plus profondes ou des sentiments humains. Avec des poèmes symphoniques , les compositeurs essayaient de raconter des histoires et d'évoquer des images ou des paysages à l'aide de musique instrumentale. Certains compositeurs ont promu la fierté nationaliste avec une musique orchestrale patriotique inspirée de la musique folklorique . Les qualités émotionnelles et expressives de la musique ont pris le pas sur la tradition.

Les compositeurs romantiques ont grandi dans l'idiosyncrasie et sont allés plus loin dans le syncrétisme d'explorer différentes formes d'art dans un contexte musical (comme la littérature), l'histoire (figures historiques et légendes) ou la nature elle-même. L'amour ou le désir romantique était un thème dominant dans de nombreuses œuvres composées au cours de cette période. Dans certains cas, les structures formelles de la période classique ont continué à être utilisées (par exemple, la forme sonate utilisée dans les quatuors à cordes et les symphonies ), mais ces formes ont été élargies et modifiées. Dans de nombreux cas, de nouvelles approches ont été explorées pour les genres, les formes et les fonctions existants. De plus, de nouveaux formulaires ont été créés qui ont été jugés mieux adaptés au nouveau sujet. Les compositeurs ont continué à développer la musique d'opéra et de ballet, explorant de nouveaux styles et thèmes.

Dans les années qui ont suivi 1800, la musique développée par Ludwig van Beethoven et Franz Schubert a introduit un style plus dramatique et expressif. Dans le cas de Beethoven, des motifs courts , développés de manière organique, sont venus remplacer la mélodie comme unité de composition la plus significative (un exemple est la figure distinctive à quatre notes utilisée dans sa Cinquième Symphonie ). Plus tard, des compositeurs romantiques tels que Piotr Ilitch Tchaïkovski , Antonín Dvořák et Gustav Mahler ont utilisé des accords plus inhabituels et plus de dissonance pour créer une tension dramatique. Ils ont généré des œuvres musicales complexes et souvent beaucoup plus longues. À la fin de la période romantique, les compositeurs ont exploré les altérations chromatiques dramatiques de la tonalité , telles que les accords étendus et les accords modifiés , qui ont créé de nouvelles « couleurs » sonores. La fin du 19ème siècle a vu une expansion spectaculaire de la taille de l'orchestre, et la révolution industrielle a aidé à créer de meilleurs instruments, créant un son plus puissant. Les concerts publics sont devenus une partie importante de la société urbaine aisée . Il a également vu une nouvelle diversité dans la musique de théâtre , y compris l' opérette , la comédie musicale et d'autres formes de théâtre musical.

20e et 21e siècle

Au XIXe siècle, l'un des principaux moyens de faire connaître les nouvelles compositions au public était la vente de partitions , que les mélomanes amateurs de la classe moyenne jouaient à la maison sur leur piano ou d'autres instruments courants, comme le violon. Avec la musique du XXe siècle , l'invention de nouvelles technologies électriques telles que la radiodiffusion et la disponibilité sur le marché de masse des disques gramophones ont fait que les enregistrements sonores de chansons et de morceaux entendus par les auditeurs (soit à la radio, soit sur leur tourne-disque) sont devenus le principal moyen pour découvrir de nouvelles chansons et de nouveaux morceaux. Il y a eu une augmentation considérable de l'écoute de la musique à mesure que la radio gagnait en popularité et que les phonographes étaient utilisés pour rejouer et distribuer de la musique, car alors qu'au XIXe siècle, l'accent mis sur les partitions limitait l'accès à la nouvelle musique aux classes moyennes et supérieures qui pouvait lire la musique et qui possédait des pianos et des instruments, au 20e siècle, toute personne possédant une radio ou un tourne-disque pouvait entendre des opéras, des symphonies et des big bands directement dans son propre salon. Cela a permis aux personnes à faible revenu, qui ne pourraient jamais se permettre un billet d'opéra ou de concert symphonique, d'entendre cette musique. Cela signifiait également que les gens pouvaient entendre de la musique de différentes parties du pays, voire de différentes parties du monde, même s'ils n'avaient pas les moyens de se rendre dans ces endroits. Cela a contribué à diffuser les styles musicaux.

L'objectif de la musique d'art au 20e siècle était caractérisé par l'exploration de nouveaux rythmes, styles et sons. Les horreurs de la Première Guerre mondiale ont influencé de nombreux arts, y compris la musique, et certains compositeurs ont commencé à explorer des sons plus sombres et plus durs. Les styles de musique traditionnels tels que le jazz et la musique folklorique ont été utilisés par les compositeurs comme source d'idées pour la musique classique. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg et John Cage étaient tous des compositeurs influents dans la musique d'art du 20e siècle. L'invention de l'enregistrement sonore et la possibilité d'éditer de la musique ont donné naissance à de nouveaux sous-genres de la musique classique, notamment les écoles de composition électronique acousmatique et de musique concrète . L'enregistrement sonore a également eu une influence majeure sur le développement des genres musicaux populaires, car il a permis une large diffusion des enregistrements de chansons et de groupes. L'introduction du système d' enregistrement multipiste a eu une influence majeure sur la musique rock, car il pouvait faire bien plus qu'enregistrer la performance d'un groupe. À l'aide d'un système multipiste, un groupe et son producteur de musique pouvaient superposer de nombreuses couches de pistes d'instruments et de voix, créant de nouveaux sons qui ne seraient pas possibles dans une performance live.

Le jazz a évolué et est devenu un genre musical important au cours du XXe siècle, et au cours de la seconde moitié de ce siècle, la musique rock a fait de même. Le jazz est une forme d'art musical américain née au début du 20e siècle dans les communautés afro-américaines du sud des États-Unis à partir d'un confluent de traditions musicales africaines et européennes. Le pedigree ouest-africain du style est évident dans son utilisation des notes bleues , de l' improvisation , des polyrythmies , de la syncope et de la note balancée .

La musique rock est un genre de musique populaire qui s'est développé dans les années 1960 à partir du rock and roll des années 1950 , du rockabilly , du blues et de la musique country . Le son du rock tourne souvent autour de la guitare électrique ou de la guitare acoustique, et il utilise un fort battement arrière posé par une section rythmique . Avec la guitare ou les claviers, le saxophone et l'harmonica de style blues sont utilisés comme instruments de soliste. Dans sa « forme la plus pure », il « a trois accords, un back beat fort et insistant et une mélodie entraînante ». La section rythmique traditionnelle de la musique populaire est la guitare rythmique, la guitare basse électrique, la batterie. Certains groupes possèdent également des instruments à clavier tels que l'orgue, le piano ou, depuis les années 1970, des synthétiseurs analogiques . Dans les années 1980, les musiciens pop ont commencé à utiliser des synthétiseurs numériques, tels que le synthétiseur DX-7 , des boîtes à rythmes électroniques telles que le TR-808 et des synthétiseurs (tels que le TB-303 ) ou des claviers de basse synthé . Dans les années 1990, une gamme de plus en plus large de dispositifs et d'instruments de musique matériels informatisés et de logiciels (par exemple, des postes de travail audionumériques ) ont été utilisés. Dans les années 2020, les synthétiseurs logiciels et les applications de musique informatique permettent aux producteurs de chambre à coucher de créer et d'enregistrer certains types de musique, tels que la musique de danse électronique dans leur propre maison, en ajoutant des instruments samplés et numériques et en éditant l'enregistrement numériquement. Dans les années 1990, certains groupes dans des genres tels que le nu metal ont commencé à inclure des DJ dans leurs groupes. Les DJ créent de la musique en manipulant de la musique enregistrée sur des tourne-disques ou des lecteurs de CD, à l'aide d'une table de mixage DJ .

L'innovation dans la technologie musicale s'est poursuivie au 21e siècle, y compris le développement des claviers isomorphes et de la tonalité dynamique .

Performance

Musiciens Naxi chinois
Assyriens jouant de la zurna et du Davul , des instruments qui remontent à des milliers d'années.

La performance est l'expression physique de la musique, qui se produit lorsqu'une chanson est chantée ou lorsqu'un morceau de piano, une mélodie de guitare électrique, une symphonie, un rythme de batterie ou une autre partie musicale est joué par des musiciens. En musique classique, une œuvre musicale est écrite en notation musicale par un compositeur, puis elle est exécutée une fois que le compositeur est satisfait de sa structure et de son instrumentation. Cependant, au fur et à mesure qu'elle est jouée, l'interprétation d'une chanson ou d'une pièce peut évoluer et changer. En musique classique, les instrumentistes, chanteurs ou chefs d'orchestre peuvent progressivement modifier le phrasé ou le tempo d'une pièce. Dans la musique populaire et traditionnelle, les interprètes ont beaucoup plus de liberté pour apporter des modifications à la forme d'une chanson ou d'une pièce. En tant que tel, dans les styles de musique populaire et traditionnelle, même lorsqu'un groupe joue une reprise , il peut y apporter des modifications telles que l'ajout d'un solo de guitare ou l'insertion d'une introduction.

Une performance peut être soit planifiée et répétée (pratique) - ce qui est la norme dans la musique classique, avec les big bands de jazz et de nombreux styles de musique populaire - ou improvisée sur une progression d'accords (une séquence d'accords), ce qui est la norme dans les petits groupes de jazz et de blues . Répétitions des orchestres, des bandes de concerts et chorales sont dirigées par un chef d' orchestre. Les groupes de rock, de blues et de jazz sont généralement dirigés par le chef d'orchestre. Une répétition est une répétition structurée d'une chanson ou d'une pièce par les interprètes jusqu'à ce qu'elle puisse être chantée ou jouée correctement et, s'il s'agit d'une chanson ou d'une pièce pour plus d'un musicien, jusqu'à ce que les parties soient ensemble d'un point de vue rythmique et d'accord. L'improvisation est la création d'une idée musicale – une mélodie ou une autre ligne musicale – créée sur place, souvent basée sur des gammes ou des riffs mélodiques préexistants .

De nombreuses cultures ont de fortes traditions de performance en solo (dans laquelle un chanteur ou un instrumentiste se produit), comme dans la musique classique indienne et dans la tradition de la musique artistique occidentale. D'autres cultures, comme à Bali , incluent de fortes traditions de performance de groupe. Toutes les cultures comprennent un mélange des deux, et les performances peuvent aller du jeu solo improvisé à des performances hautement planifiées et organisées telles que le concert classique moderne, les processions religieuses, les festivals de musique classique ou les concours de musique . La musique de chambre , qui est une musique pour un petit ensemble avec seulement quelques instruments de chaque type, est souvent considérée comme plus intime que les grandes œuvres symphoniques.

Tradition orale et auditive

De nombreux types de musique, tels que le blues traditionnel et la musique folklorique, n'étaient pas écrits sur des partitions ; au lieu de cela, ils étaient à l'origine conservés dans la mémoire des interprètes, et les chansons étaient transmises oralement , d'un musicien ou chanteur à un autre, ou oralement, dans lequel un interprète apprend une chanson « à l'oreille ». Lorsque le compositeur d'une chanson ou d'une pièce n'est plus connu, cette musique est souvent classée comme « traditionnelle » ou comme « chanson folklorique ». Différentes traditions musicales ont des attitudes différentes quant à la manière et à l'endroit où apporter des modifications au matériel source d'origine, des plus strictes à celles qui exigent l'improvisation ou la modification de la musique. L'histoire et les histoires d'une culture peuvent également être transmises à l'oreille par la chanson.

Ornementation

Signe trille —une alternance rapide entre deux notes.

En musique, un ornement consiste en des notes ajoutées qui décorent une mélodie, une ligne de basse ou une autre partie musicale. Les détails inclus explicitement dans la notation musicale varient selon les genres et les périodes historiques. En général, la notation de la musique d'art du XVIIe au XIXe siècle exigeait des interprètes qu'ils aient une grande connaissance contextuelle des styles d'interprétation. Par exemple, aux XVIIe et XVIIIe siècles, la musique notée pour les solistes indiquait généralement une mélodie simple et sans fioritures. Les interprètes devaient savoir comment ajouter des ornements stylistiquement appropriés pour ajouter de l'intérêt à la musique, tels que des trilles et des tours . Différents styles de musique utilisent différents ornements. Un joueur de flûte baroque peut ajouter des mordents , qui sont de courtes notes jouées avant la note de la mélodie principale, soit au-dessus ou en dessous de la note de la mélodie principale. Un guitariste de blues jouant de la guitare électrique peut utiliser la flexion des cordes pour ajouter de l'expression ; un guitariste de heavy metal peut utiliser des hammer-on et des pull-offs .

Au 19ème siècle, la musique d'art pour les interprètes solistes peut donner une instruction générale telle que d'interpréter la musique de manière expressive, sans décrire en détail comment l'interprète doit le faire. L'interprète devait savoir comment utiliser les changements de tempo, l' accentuation et les pauses (entre autres dispositifs) pour obtenir ce style de performance « expressif ». Au 20e siècle, la notation de la musique d'art est souvent devenue plus explicite et a utilisé une gamme de marques et d'annotations pour indiquer aux interprètes comment ils devaient jouer ou chanter la pièce. Dans les styles de musique populaire et de musique traditionnelle, les interprètes sont censés savoir quels types d'ornements sont stylistiquement appropriés pour une chanson ou une pièce donnée, et les interprètes les ajoutent généralement de manière improvisée. Une exception concerne les solos note par note, dans lesquels certains musiciens recréent avec précision une version célèbre d'un solo, comme un solo de guitare .

Philosophie et esthétique

Peinture de Boldini d'une femme jouant du piano

La philosophie de la musique est un sous-domaine de la philosophie. La philosophie de la musique est l'étude des questions fondamentales concernant la musique. L'étude philosophique de la musique a de nombreux liens avec les questions philosophiques de la métaphysique et de l' esthétique . Voici quelques questions fondamentales de la philosophie de la musique :

Dans les temps anciens, comme chez les Grecs de l' Antiquité , l' esthétique de la musique explorait les dimensions mathématiques et cosmologiques de l'organisation rythmique et harmonique. Au 18ème siècle, l'attention s'est déplacée vers l'expérience d'entendre de la musique, et donc vers des questions sur sa beauté et la jouissance humaine ( plaisir et jouissance ) de la musique. L'origine de ce virage philosophique est parfois attribuée à Alexander Gottlieb Baumgarten au XVIIIe siècle, suivi d' Immanuel Kant . A travers leur écriture, le terme ancien « esthétique », signifiant perception sensorielle , a reçu sa connotation actuelle. Dans les années 2000, les philosophes ont eu tendance à mettre l'accent sur des questions autres que la beauté et le plaisir. Par exemple, la capacité de la musique à exprimer des émotions a été une question centrale.

Au 20e siècle, des contributions importantes ont été apportées par Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton et Stephen Davies . Cependant, de nombreux musiciens, critiques musicaux et autres non-philosophes ont contribué à l'esthétique de la musique. Au 19ème siècle, un débat important a surgi entre Eduard Hanslick , critique musical et musicologue , et le compositeur Richard Wagner quant à savoir si la musique peut exprimer un sens. Harry Partch et quelques autres musicologues , comme Kyle Gann , ont étudié et essayé de vulgariser la musique microtonale et l'utilisation d' échelles musicales alternatives . De nombreux compositeurs modernes comme La Monte Young , Rhys Chatham et Glenn Branca ont également accordé une grande attention à une gamme appelée intonation juste .

On pense souvent que la musique a la capacité d'affecter nos émotions , notre intellect et notre psychologie ; il peut apaiser notre solitude ou exciter nos passions. Le philosophe Platon suggère dans La République que la musique a un effet direct sur l'âme. Par conséquent, il propose que dans le régime idéal, la musique serait étroitement réglementée par l'État (Livre VII). Dans la Chine ancienne, le philosophe Confucius croyait que la musique et les rituels ou rites étaient interconnectés et harmonieux avec la nature ; il a déclaré que la musique était l'harmonisation du ciel et de la terre, tandis que l'ordre était apporté par l'ordre des rites, ce qui en faisait des fonctions extrêmement cruciales dans la société.

Il y a eu une forte tendance dans l'esthétique de la musique à souligner l'importance primordiale de la structure compositionnelle ; cependant, d'autres problèmes concernant l'esthétique de la musique incluent le lyrisme , l' harmonie , l' hypnotisme , l' émotivité , la dynamique temporelle , la résonance , l'enjouement et la couleur (voir aussi développement musical ).

Psychologie

La psychologie de la musique moderne vise à expliquer et à comprendre le comportement et l' expérience musicale . Les recherches dans ce domaine et ses sous-domaines sont avant tout empiriques ; leurs connaissances tendent à progresser sur la base des interprétations des données recueillies par l' observation systématique et l'interaction avec les participants humains . En plus de se concentrer sur les perceptions fondamentales et les processus cognitifs, la psychologie musicale est un domaine de recherche avec une pertinence pratique pour de nombreux domaines, y compris la performance musicale , la composition , l' éducation , la critique et la thérapie , ainsi que les enquêtes sur les aptitudes humaines , les compétences, l' intelligence. , la créativité et le comportement social .

Neurosciences

Le cortex auditif primaire est l'une des principales zones associées à une résolution supérieure de la hauteur tonale.

Les neurosciences cognitives de la musique sont l'étude scientifique des mécanismes cérébraux impliqués dans les processus cognitifs sous-jacents à la musique. Ces comportements comprennent l'écoute de la musique, l'interprétation, la composition, la lecture, l'écriture et les activités auxiliaires. Il est également de plus en plus concerné par la base cérébrale de l'esthétique musicale et de l'émotion musicale. Le domaine se distingue par sa dépendance à l'égard des observations directes du cerveau, en utilisant des techniques telles que l'imagerie par résonance magnétique fonctionnelle (IRMf), la stimulation magnétique transcrânienne (TMS), la magnétoencéphalographie (MEG), l' électroencéphalographie (EEG) et la tomographie par émission de positons (TEP) .

Musicologie cognitive

La musicologie cognitive est une branche des sciences cognitives qui s'intéresse à la modélisation informatique des connaissances musicales dans le but de comprendre à la fois la musique et la cognition. L'utilisation de modèles informatiques fournit un support interactif exigeant dans lequel formuler et tester des théories et trouve ses racines dans l' intelligence artificielle et les sciences cognitives .

Ce domaine interdisciplinaire étudie des sujets tels que les parallèles entre le langage et la musique dans le cerveau. Des modèles de calcul d'inspiration biologique sont souvent inclus dans la recherche, tels que les réseaux de neurones et les programmes évolutifs. Ce domaine cherche à modéliser la manière dont les connaissances musicales sont représentées, stockées, perçues, interprétées et générées. En utilisant un environnement informatique bien structuré, les structures systématiques de ces phénomènes cognitifs peuvent être étudiées.

Psychoacoustique

La psychoacoustique est l'étude scientifique de la perception sonore. Plus précisément, c'est la branche de la science qui étudie les réponses psychologiques et physiologiques associées au son (y compris la parole et la musique). Il peut en outre être classé comme une branche de la psychophysique .

Musicologie évolutionniste

La musicologie évolutionniste concerne les « origines de la musique, la question du chant animal, les pressions de sélection sous-jacentes à l'évolution de la musique », et « l'évolution de la musique et l'évolution humaine ». Il cherche à comprendre la perception et l'activité de la musique dans le contexte de la théorie de l' évolution . Charles Darwin a émis l' hypothèse que la musique pouvait avoir un avantage adaptatif et fonctionné comme un protolangage , un point de vue qui a engendré plusieurs théories concurrentes de l'évolution de la musique. Un autre point de vue considère la musique comme un sous-produit de l' évolution linguistique ; un type de « cheesecake auditif » qui plaît aux sens sans fournir aucune fonction adaptative. Ce point de vue a été directement contré par de nombreux chercheurs en musique.

Effets culturels

La culture ou l' origine ethnique d' un individu joue un rôle dans sa cognition musicale , y compris ses préférences , sa réaction émotionnelle et sa mémoire musicale . Les préférences musicales sont biaisées vers les traditions musicales culturellement familières qui commencent dans la petite enfance, et la classification des adultes de l'émotion d'une pièce musicale dépend de caractéristiques structurelles à la fois culturellement spécifiques et universelles. De plus, les capacités de mémoire musicale des individus sont plus grandes pour la musique culturellement familière que pour la musique culturellement inconnue.

Aspects sociologiques

Peinture de la dynastie Song (960-1279), Night Revels of Han Xizai , montrant des musiciens chinois divertissant des invités lors d'une fête dans une maison du Xe siècle

De nombreuses études ethnographiques démontrent que la musique est une activité participative et communautaire. La musique est vécue par des individus dans une gamme de contextes sociaux allant de la solitude à la participation à un grand concert, formant une communauté musicale , qui ne peut être comprise en fonction de la volonté individuelle ou d'un accident ; il comprend à la fois des participants commerciaux et non commerciaux partageant un ensemble de valeurs communes. Les performances musicales prennent différentes formes selon les cultures et les milieux socio-économiques. En Europe et en Amérique du Nord, il existe souvent un fossé entre les types de musique considérés comme une « haute culture » et une « basse culture ». Les types de musique de « haute culture » ​​comprennent généralement la musique d'art occidentale telle que les symphonies, les concertos et les œuvres en solo baroques, classiques, romantiques et modernes, et sont généralement entendus lors de concerts formels dans les salles de concert et les églises, avec le public assis tranquillement dans les sièges.

D'autres types de musique - y compris, mais sans s'y limiter, le jazz, le blues, la soul et le country - sont souvent joués dans les bars, les discothèques et les théâtres, où le public peut boire, danser et s'exprimer en applaudissant. Jusqu'à la fin du 20e siècle, la division entre les formes musicales « hautes » et « basses » était largement acceptée comme une distinction valide qui séparait la « musique artistique » de meilleure qualité et plus avancée des styles de musique populaires entendus dans les bars et les salles de danse.

Cependant, dans les années 1980 et 1990, les musicologues étudiant ce fossé perçu entre les genres musicaux « élevés » et « bas » ont fait valoir que cette distinction n'est pas basée sur la valeur ou la qualité musicale des différents types de musique. Au contraire, ils ont soutenu que cette distinction était basée en grande partie sur le statut socio - économique ou la classe sociale des interprètes ou du public des différents types de musique. Par exemple, alors que le public des concerts symphoniques classiques a généralement des revenus supérieurs à la moyenne, le public d'un concert de rap dans un quartier défavorisé peut avoir des revenus inférieurs à la moyenne. Même si les interprètes, le public ou le lieu où la musique non « artistique » est jouée peuvent avoir un statut socio-économique inférieur, la musique qui est jouée, comme le blues, le rap, le punk , le funk ou le ska, peut être très complexe et sophistiquée.

Lorsque les compositeurs introduisent des styles de musique qui rompent avec les conventions, il peut y avoir une forte résistance de la part des experts musicaux universitaires et de la culture populaire. Fin de la période quatuors à cordes de Beethoven, partitions de ballet Stravinsky, sérialisme , bebop -ère jazz , hip hop , punk rock et electronica ont tous été considérés par certains critiques non la musique quand ils ont été introduits. De tels thèmes sont étudiés dans la sociologie de la musique. L'étude sociologique de la musique, parfois appelée sociomusicologie , est souvent poursuivie dans les départements de sociologie, d'études des médias ou de musique, et est étroitement liée au domaine de l' ethnomusicologie .

Rôle des femmes

Compositeur et pianiste du XIXe siècle Clara Schumann
Navneet Aditya Waiba - Chanteur folklorique népalais. Le seul chanteur utilisant des instruments folkloriques authentiques/originaux et chantant des chansons folkloriques népalaises authentiques.

Les femmes ont joué un rôle majeur dans la musique à travers l'histoire, en tant que compositrices, auteurs-compositeurs, interprètes instrumentales , chanteuses, chefs d'orchestre, universitaires en musique , professeurs de musique, critiques musicales / journalistes musicales et autres professions musicales. De plus, il décrit les mouvements musicaux, les événements et les genres liés aux femmes, aux problèmes des femmes et au féminisme . Dans les années 2010, alors que les femmes représentent une proportion importante des chanteuses de musique populaire et de musique classique, et une proportion importante d'auteurs-compositeurs (dont beaucoup sont des auteurs-compositeurs-interprètes), il y a peu de femmes productrices de disques, critiques rock et instrumentistes rock. Bien qu'il y ait eu un grand nombre de femmes compositrices dans la musique classique, de la période médiévale à nos jours, les femmes compositrices sont considérablement sous-représentées dans le répertoire de musique classique couramment joué , les manuels d'histoire de la musique et les encyclopédies musicales ; par exemple, dans la Concise Oxford History of Music , Clara Schumann est l'une des seules compositrices à être mentionnée.

Les femmes représentent une proportion importante des solistes instrumentaux dans la musique classique et le pourcentage de femmes dans les orchestres est en augmentation. Un article de 2015 sur les solistes de concertos dans les grands orchestres canadiens indiquait cependant que 84 % des solistes de l' Orchestre Symphonique de Montréal étaient des hommes. En 2012, les femmes ne représentaient encore que 6 % du premier orchestre philharmonique de Vienne . Les femmes sont moins courantes comme instrumentistes dans les genres musicaux populaires tels que le rock et le heavy metal , bien qu'il y ait eu un certain nombre d'instrumentistes féminines notables et de groupes entièrement féminins . Les femmes sont particulièrement sous-représentées dans les genres de métal extrême . Dans la scène de la musique pop des années 1960, « [comme] la plupart des aspects du... business de la musique, [dans les années 1960], l'écriture de chansons était un domaine dominé par les hommes. Bien qu'il y ait beaucoup de chanteuses à la radio, les femmes . ..étaient avant tout perçus comme des consommateurs : . . Le chant était parfois un passe-temps acceptable pour une fille, mais jouer d'un instrument, écrire des chansons ou produire des disques n'était tout simplement pas fait." Les jeunes femmes « ... n'étaient pas socialisées pour se considérer comme des personnes qui créent [de la musique] ».

Les femmes sont également sous-représentées dans la direction d'orchestre, la critique musicale/le journalisme musical , la production musicale et l'ingénierie du son . Alors que les femmes étaient découragées de composer au XIXe siècle et qu'il y avait peu de musicologues femmes , les femmes se sont impliquées dans l'éducation musicale "... le 20ème siècle."

Selon Jessica Duchen, rédactrice musicale pour The Independent à Londres , les femmes musiciennes de musique classique sont "... trop souvent jugées pour leur apparence plutôt que pour leur talent" et elles subissent la pression "... d'avoir l'air sexy sur scène et sur les photos. ." Duchen déclare que même si « [t] il y a des femmes musiciennes qui refusent de jouer sur leur apparence, … celles qui ont tendance à avoir plus de succès matériellement. » Selon la rédactrice en chef britannique de Radio 3, Edwina Wolstencroft, l'industrie de la musique est depuis longtemps ouverte à la présence de femmes dans des rôles de performance ou de divertissement, mais les femmes sont beaucoup moins susceptibles d'occuper des postes d'autorité, comme diriger un orchestre . Dans la musique populaire, alors qu'il y a beaucoup de chanteuses enregistrant des chansons, il y a très peu de femmes derrière la console audio agissant en tant que productrices de musique, les individus qui dirigent et gèrent le processus d'enregistrement. L'un des artistes les plus enregistrés est Asha Bhosle , une chanteuse indienne connue comme chanteuse de playback dans le cinéma hindi.

Médias et technologie

Production musicale dans les années 2000 à l'aide d'une station de travail audionumérique (DAW) avec un clavier électronique et une configuration multi-moniteurs

La musique des compositeurs et des auteurs-compositeurs peut être entendue à travers plusieurs médias ; la façon la plus traditionnelle est d'entendre vivre, en présence des musiciens (ou comme l' un des musiciens), dans un espace extérieur ou intérieur, comme un amphithéâtre, une salle de concert , cabaret salle, théâtre , pub ou café. Depuis le 20ème siècle, la musique live peut également être diffusée à la radio, à la télévision ou sur Internet, ou enregistrée et écoutée sur un lecteur CD ou un lecteur MP3.

Certains styles musicaux se concentrent sur la production de chansons et de morceaux pour une performance en direct, tandis que d'autres se concentrent sur la production d'un enregistrement qui mélange des sons qui n'ont jamais été joués « live ». Même dans des styles essentiellement live tels que le rock, les ingénieurs du son utilisent souvent la possibilité d' éditer, de raccorder et de mixer pour produire des enregistrements qui peuvent être considérés comme « meilleurs » que la performance live réelle. Par exemple, certains chanteurs s'enregistrent en chantant une mélodie, puis enregistrent plusieurs parties d'harmonie en utilisant l'overdub, créant un son impossible à reproduire en direct.

La technologie a eu une influence sur la musique depuis la préhistoire, lorsque les hommes des cavernes utilisaient des outils simples pour percer des trous dans des flûtes en os il y a 41 000 ans. La technologie a continué d'influencer la musique tout au long de l'histoire de la musique, car elle a permis l'utilisation de nouveaux instruments et systèmes de reproduction de notation musicale, l'un des moments décisifs de la notation musicale étant l'invention de l' imprimerie dans les années 1400, ce qui signifiait que les partitions musicales ne devait plus être copié à la main. Au 19ème siècle, la technologie musicale a conduit au développement d'un piano plus puissant et plus fort et a conduit au développement de nouveaux cuivres à pistons.

Au début du 20e siècle (fin des années 1920), alors que le cinéma parlant émergeait au début du 20e siècle, avec leurs pistes musicales préenregistrées, un nombre croissant de musiciens d'orchestre de cinéma se sont retrouvés sans travail. Au cours des années 1920, les représentations musicales en direct d'orchestres, de pianistes et d' organistes de théâtre étaient courantes dans les théâtres de première édition. Avec l'avènement des films parlants, ces performances ont été largement éliminées. La Fédération américaine des musiciens (AFM) a publié des annonces dans les journaux pour protester contre le remplacement des musiciens en direct par des appareils de jeu mécaniques. Une publicité de 1929 parue dans Pittsburgh Press présente une image d'une boîte étiquetée "Musique en conserve / Marque à gros bruit / Garanti de ne produire aucune réaction intellectuelle ou émotionnelle"

Depuis l'introduction de la législation pour aider à protéger les artistes interprètes ou exécutants, les compositeurs, les éditeurs et les producteurs, y compris l' Audio Home Recording Act de 1992 aux États-Unis et la Convention de Berne révisée de 1979 pour la protection des œuvres littéraires et artistiques au Royaume-Uni, les enregistrements et les représentations en direct sont également devenus plus accessibles via les ordinateurs, les appareils et Internet sous une forme communément appelée musique à la demande .

Dans de nombreuses cultures, il y a moins de distinction entre jouer et écouter de la musique, puisque pratiquement tout le monde est impliqué dans une sorte d'activité musicale, souvent dans un cadre communautaire. Dans les pays industrialisés, écouter de la musique sous une forme enregistrée, telle que l'enregistrement sonore sur disque ou à la radio, est devenu plus courant que l'expérience en direct, vers le milieu du 20e siècle. Dans les années 1980, regarder des vidéoclips était un moyen populaire d'écouter de la musique, tout en voyant les interprètes.

Parfois, les performances en direct incorporent des sons préenregistrés. Par exemple, un disc-jockey utilise des disques pour gratter , et certaines œuvres du XXe siècle ont un solo pour un instrument ou une voix qui est joué avec de la musique préenregistrée sur une bande. Certains groupes pop utilisent des pistes d'accompagnement enregistrées . Les ordinateurs et de nombreux claviers peuvent être programmés pour produire et jouer de la musique MIDI ( Musical Instrument Digital Interface ). Le public peut également devenir interprète en participant au karaoké , une activité d'origine japonaise centrée sur un appareil qui joue des versions sans voix de chansons bien connues. La plupart des machines de karaoké ont également des écrans vidéo qui montrent les paroles des chansons interprétées ; les interprètes peuvent suivre les paroles pendant qu'ils chantent sur les pistes instrumentales.

l'Internet

L'avènement d'Internet et l'accès généralisé à large bande à haut débit ont transformé l'expérience de la musique, en partie grâce à la facilité accrue d'accès aux enregistrements de musique via la vidéo en streaming et au choix considérablement accru de musique pour les consommateurs. Chris Anderson , dans son livre The Long Tail: Why the Future of Business Is Sells of More , suggère que si le modèle économique traditionnel de l' offre et de la demande décrit la rareté, le modèle de vente au détail sur Internet est basé sur l'abondance. Les coûts de stockage numérique sont faibles, de sorte qu'une entreprise peut se permettre de mettre l'intégralité de son inventaire d'enregistrements en ligne, offrant ainsi aux clients le plus de choix possible. Il est ainsi devenu économiquement viable de proposer des enregistrements musicaux qui intéressent très peu de personnes. La prise de conscience croissante des consommateurs de leur choix accru se traduit par une association plus étroite entre goûts d'écoute et identité sociale, et la création de milliers de marchés de niche .

Un autre effet d'Internet est apparu avec les communautés en ligne et les sites de médias sociaux comme YouTube et Facebook, un service de réseautage social . Ces sites permettent aux chanteurs en herbe et aux groupes amateurs de diffuser plus facilement des vidéos de leurs chansons, de se connecter avec d'autres musiciens et de susciter l'intérêt du public. Les musiciens professionnels utilisent également YouTube comme éditeur gratuit de matériel promotionnel. Les utilisateurs de YouTube, par exemple, non seulement téléchargent et écoutent des MP3, mais créent également activement les leurs. Selon Don Tapscott et Anthony D. Williams , dans leur livre Wikinomics , il y a eu un glissement d'un rôle de consommateur traditionnel vers ce qu'ils appellent un rôle de « prosommateur », un consommateur qui à la fois crée du contenu et consomme. Les manifestations de cela dans la musique incluent la production de purées , de remix et de vidéos musicales par les fans.

Entreprise

Magasin de musique vendant divers singles et albums

L' industrie de la musique désigne les entreprises liées à la création et à la vente de musique. Il se compose d'auteurs-compositeurs et de compositeurs qui créent de nouvelles chansons et pièces musicales, de producteurs de musique et d'ingénieurs du son qui enregistrent des chansons et des pièces, de maisons de disques et d' éditeurs qui distribuent des produits musicaux enregistrés et des partitions à l' échelle internationale et qui contrôlent souvent les droits de ces produits. Certains labels musicaux sont « indépendants », tandis que d'autres sont des filiales de grandes entreprises ou de groupes médiatiques internationaux . Dans les années 2000, la popularité croissante d'écouter de la musique sous forme de fichiers musicaux numériques sur des lecteurs MP3, des iPod ou des ordinateurs, et d'échanger de la musique sur des sites Web de partage de fichiers ou de l'acheter en ligne sous forme de fichiers numériques a eu un impact majeur sur la musique traditionnelle. Entreprise. De nombreux petits magasins de CD indépendants ont fermé leurs portes car les acheteurs de musique ont diminué leurs achats de CD et de nombreux labels ont enregistré une baisse des ventes de CD. Cependant, certaines entreprises ont bien réussi à passer au format numérique, comme iTunes d'Apple , un magasin de musique en ligne qui vend des fichiers numériques de chansons sur Internet.

Droit de la propriété intellectuelle

Malgré certains traités internationaux sur le droit d'auteur , déterminer quelle musique appartient au domaine public est compliqué par la diversité des lois nationales sur le droit d'auteur qui peuvent être applicables. La loi américaine sur le droit d'auteur protégeait auparavant la musique imprimée publiée après 1923 pendant 28 ans et avec un renouvellement pour 28 ans supplémentaires, mais le Copyright Act de 1976 a rendu le renouvellement automatique et le Digital Millennium Copyright Act a modifié le calcul de la durée du droit d'auteur à 70 ans après le décès. du créateur. Le son enregistré relève des licences mécaniques , souvent couvertes par un patchwork déroutant de lois étatiques ; la plupart des versions de couverture sont autorisées par l' agence Harry Fox . Les droits d'exécution peuvent être obtenus soit par les artistes interprètes ou par le lieu de représentation ; les deux principaux organismes de délivrance de licences sont BMI et ASCAP . Deux sources en ligne pour la musique du domaine public sont IMSLP (International Music Score Library Project) et Choral Public Domain Library (CPDL) .

Éducation

Non professionnel

Un récital de violon Suzuki avec des élèves d'âges variés

L'intégration d'une formation en musique ou en chant à l'enseignement général, du préscolaire au post-secondaire, est courante en Amérique du Nord et en Europe. L'implication dans le jeu et le chant de la musique est censée enseigner des compétences de base telles que la concentration, le comptage , l'écoute et la coopération, tout en favorisant la compréhension de la langue , en améliorant la capacité de se rappeler des informations et en créant un environnement plus propice à l'apprentissage dans d'autres domaines. Dans les écoles élémentaires, les enfants apprennent souvent à jouer d'instruments tels que la flûte à bec , à chanter dans de petites chorales et à découvrir l'histoire de la musique d'art occidentale et de la musique traditionnelle. Certains élèves du primaire apprennent également les styles de musique populaire. Dans les écoles religieuses, les enfants chantent des hymnes et d'autres musiques religieuses. Dans les écoles secondaires (et moins souvent dans les écoles élémentaires), les étudiants peuvent avoir l'occasion de jouer dans certains types d'ensembles musicaux, tels que les chœurs (un groupe de chanteurs), des fanfares , des bandes de concert , des groupes de jazz, ou orchestres. Dans certains systèmes scolaires, des cours de musique sur la façon de jouer des instruments peuvent être dispensés. Certains élèves prennent également des cours particuliers de musique après l'école avec un professeur de chant ou d'instrument. Les musiciens amateurs apprennent généralement les rudiments musicaux de base (par exemple, l'apprentissage de la notation musicale pour les gammes et les rythmes musicaux ) et les techniques de chant ou de jeu d'instrument de niveau débutant à intermédiaire.

Au niveau universitaire, les étudiants de la plupart des programmes d'arts et de sciences humaines peuvent recevoir des crédits pour avoir suivi quelques cours de musique, qui prennent généralement la forme d'un cours de synthèse sur l' histoire de la musique ou d'un cours d' appréciation de la musique axé sur l'écoute de la musique et l'apprentissage. sur les différents styles musicaux. De plus, la plupart des universités nord-américaines et européennes ont certains types d'ensembles musicaux auxquels les étudiants en arts et sciences humaines peuvent participer, tels que des choeurs, des fanfares, des harmonies ou des orchestres. L'étude de la musique artistique occidentale est de plus en plus courante en dehors de l'Amérique du Nord et de l'Europe, comme l' Institut indonésien des arts à Yogyakarta , en Indonésie , ou les programmes de musique classique disponibles dans les pays asiatiques comme la Corée du Sud, le Japon et la Chine. Dans le même temps, les universités et collèges occidentaux élargissent leur programme d'études pour inclure des musiques de cultures non occidentales, telles que la musique d'Afrique ou de Bali (par exemple la musique du gamelan ).

Professionnel

Timothy Cobb, professeur à la Manhattan School of Music et contrebassiste professionnel, a donné une leçon de basse à la fin des années 2000. Sa basse a une extension de Do grave avec une "machine" en métal avec des boutons pour jouer les hauteurs sur l'extension.

Les gens qui visent à devenir des musiciens professionnels, chanteurs, compositeurs, auteurs - compositeurs, professeurs de musique et des praticiens d'autres professions liées à la musique tels que l' histoire de la musique des professeurs, des ingénieurs du son , et ainsi de suite étude spécialisés des programmes postsecondaires offerts par les collèges, les universités et les conservatoires de musique . Certaines institutions qui forment des individus à des carrières musicales proposent une formation dans un large éventail de professions, comme c'est le cas avec de nombreuses universités américaines de premier plan, qui proposent des diplômes en interprétation musicale (y compris le chant et le jeu d'instruments), l'histoire de la musique, la théorie musicale, composition musicale, éducation musicale (pour les personnes souhaitant devenir professeurs de musique au primaire ou au secondaire) et, dans certains cas, direction d'orchestre. D'un autre côté, certains petits collèges peuvent n'offrir une formation que dans une seule profession (par exemple, l'enregistrement sonore ).

Alors que la plupart des programmes de musique des universités et des conservatoires se concentrent sur la formation des étudiants en musique classique, il existe un certain nombre d'universités et de collèges qui forment des musiciens à des carrières de musiciens et compositeurs de jazz ou de musique populaire , avec des exemples américains notables, notamment la Manhattan School of Music et le Berklee. Collège de musique . Deux écoles importantes au Canada qui offrent une formation professionnelle en jazz sont l'Université McGill et le Collège Humber . Les personnes qui souhaitent faire carrière dans certains types de musique, tels que la musique heavy metal , la musique country ou le blues, sont moins susceptibles de devenir des professionnels en obtenant des diplômes dans des collèges ou des universités. Au lieu de cela, ils apprennent généralement leur style de musique en chantant ou en jouant dans de nombreux groupes (souvent en commençant par des groupes amateurs, des groupes de reprises et des groupes hommage ), en étudiant des enregistrements disponibles sur CD, DVD et Internet et en travaillant avec des professionnels déjà établis dans leur style de musique, que ce soit par le biais d'un mentorat informel ou de cours de musique réguliers . Depuis les années 2000, la popularité et la disponibilité croissantes des forums Internet et des vidéos « comment faire » sur YouTube ont permis à de nombreux chanteurs et musiciens de métal, de blues et de genres similaires d'améliorer leurs compétences. De nombreux chanteurs pop, rock et country s'entraînent de manière informelle avec des coachs vocaux et des professeurs de chant .

Premier cycle

Les diplômes universitaires de premier cycle en musique, y compris le baccalauréat en musique , le baccalauréat en éducation musicale et le baccalauréat ès arts (avec une majeure en musique) prennent généralement environ quatre ans. Ces diplômes fournissent aux étudiants une formation en théorie de la musique et en histoire de la musique, et de nombreux étudiants étudient également un instrument ou apprennent la technique du chant dans le cadre de leur programme. Les diplômés des programmes de musique de premier cycle peuvent chercher un emploi ou poursuivre leurs études dans des programmes d'études supérieures en musique. Diplômés de baccalauréat sont également admissibles à certains programmes d'études supérieures et écoles professionnelles en dehors de la musique (par exemple, l' administration publique , administration des affaires , la bibliothéconomie , et, dans certaines juridictions, le collège des enseignants , l' école de droit ou école de médecine ).

Diplômé

Les diplômes d'études supérieures en musique comprennent la maîtrise en musique , la maîtrise ès arts (en musicologie, en théorie musicale ou dans un autre domaine musical), le doctorat en philosophie (Ph.D.) (par exemple, en musicologie ou en théorie musicale), et plus récemment, le Docteur en Arts Musicaux , ou DMA. Le Master of Music, qui dure un à deux ans, est généralement décerné aux étudiants qui étudient l'interprétation d'un instrument, l'éducation, la voix (chant) ou la composition. Le Master of Arts, qui dure un à deux ans et nécessite souvent une thèse , est généralement décerné aux étudiants qui étudient la musicologie, l'histoire de la musique, la théorie musicale ou l'ethnomusicologie.

Le doctorat, qui est requis pour les étudiants qui souhaitent travailler comme professeurs d'université en musicologie, histoire de la musique ou théorie de la musique, prend trois à cinq ans d'études après la maîtrise, au cours desquels l'étudiant suivra des cours avancés et entreprendra des recherches pour une dissertation. Le DMA est un diplôme relativement nouveau qui a été créé pour fournir un diplôme aux interprètes ou compositeurs professionnels qui souhaitent travailler en tant que professeurs d'université dans le domaine de l'interprétation ou de la composition musicale. Le DMA dure de trois à cinq ans après une maîtrise et comprend des cours avancés, des projets et des performances. À l'époque médiévale, l'étude de la musique était l'un des quadrivium des sept arts libéraux et considérée comme vitale pour l'enseignement supérieur. Au sein du Quadrivium quantitatif, la musique, ou plus précisément les harmoniques , était l'étude des proportions rationnelles.

Musicologie

La musicologie , l'étude académique du sujet de la musique, est étudiée dans les universités et les conservatoires de musique. Les premières définitions du XIXe siècle définissaient trois sous-disciplines de la musicologie : la musicologie systématique , la musicologie historique et la musicologie comparée ou ethnomusicologie . En bourse 2010 de l' époque, on est plus susceptible de rencontrer une division de la discipline dans la théorie de la musique , histoire de la musique et ethnomusicologie . Les recherches en musicologie se sont souvent enrichies de travaux transversaux, par exemple dans le domaine de la psychoacoustique . L'étude de la musique des cultures non occidentales et l'étude culturelle de la musique sont appelées ethnomusicologie. Les étudiants peuvent poursuivre des études de premier cycle en musicologie, ethnomusicologie, histoire de la musique et théorie de la musique à travers plusieurs types de diplômes, notamment des diplômes de licence, de maîtrise et de doctorat.

Théorie de la musique

La théorie musicale est l'étude de la musique, généralement d'une manière très technique en dehors des autres disciplines. Plus largement, il fait référence à toute étude de la musique, généralement liée sous une forme ou une autre à des préoccupations de composition, et peut inclure les mathématiques , la physique et l' anthropologie . Ce qui est le plus souvent enseigné dans les cours de théorie musicale pour débutants, ce sont des directives pour écrire dans le style de la période de pratique courante , ou de la musique tonale . La théorie, même de la musique de la période de pratique courante, peut prendre bien d'autres formes. La théorie musicale des ensembles est l'application de la théorie mathématique des ensembles à la musique, d'abord appliquée à la musique atonale . Le solfège spéculatif , par opposition au solfège analytique , est consacré à l'analyse et à la synthèse de matériaux musicaux, par exemple des systèmes d'accord , généralement comme préparation à la composition.

Zoomusicologie

La zoomusicologie est l'étude de la musique des animaux non humains ou des aspects musicaux des sons produits par les animaux non humains. Comme George Herzog (1941) l'a demandé, « les animaux ont-ils de la musique ? François-Bernard Mâche 's Musique, mythe, nature, ous les Dauphins d'Arion (1983), une étude de "ornitho-musicologique" en utilisant une technique de Nicolas Ruwet ' s Langage, musique, poésie (1972) analyse de la segmentation paradigmatique , montre que les chants d'oiseaux sont organisés selon un principe de répétition-transformation. Jean-Jacques Nattiez (1990), soutient qu'« en dernière analyse, c'est un être humain qui décide de ce qui est musical et de ce qui n'est pas musical, même lorsque le son n'est pas d'origine humaine. Si l'on admet que le son n'est pas organisé et conceptualisé (c'est-à-dire faite pour former de la musique) simplement par son producteur, mais par l'esprit qui la perçoit, alors la musique est uniquement humaine."

ethnomusicologie

L'ethnomusicologue Frances Densmore enregistrant le chef des Pieds - Noirs Mountain Chief pour le Bureau of American Ethnology (1916)

En Occident, une grande partie de l'histoire de la musique qui est enseignée traite de la musique artistique de la civilisation occidentale, connue sous le nom de musique classique. L'histoire de la musique dans les cultures non occidentales (« world music » ou domaine de « l'ethnomusicologie »), qui couvre typiquement les musiques d'Afrique et d'Asie, est également enseignée dans les universités occidentales. Cela comprend les traditions classiques documentées des pays asiatiques en dehors de l'influence de l'Europe occidentale, ainsi que la musique folklorique ou indigène de diverses autres cultures. Les styles de musique populaires ou folkloriques dans les pays non occidentaux variaient considérablement d'une culture à l'autre et d'une période à l'autre. Différentes cultures ont mis l'accent sur différents instruments , techniques, styles de chant et utilisations de la musique. La musique a été utilisée pour le divertissement, les cérémonies, les rituels, les fins religieuses et pour la communication pratique et artistique. La musique non occidentale a également été utilisée à des fins de propagande, comme ce fut le cas avec l'opéra chinois pendant la Révolution culturelle .

Il existe une multitude de classifications musicales pour la musique non occidentale, dont beaucoup sont prises dans le débat sur la définition de la musique . Parmi les plus importants d'entre eux se trouve la division entre la musique classique (ou musique « artistique ») et la musique populaire (ou musique commerciale – y compris les styles non occidentaux de rock, country et styles liés à la musique pop). Certains genres ne rentrent pas parfaitement dans l'une de ces « deux grands » classifications (comme la musique folklorique , la musique du monde ou la musique liée au jazz ).

Au fur et à mesure que les cultures du monde sont entrées en contact plus global , leurs styles musicaux indigènes ont souvent fusionné avec d'autres styles, ce qui produit de nouveaux styles. Par exemple, le style bluegrass des États-Unis contient des éléments des traditions instrumentales et vocales anglo - irlandaises , écossaises , irlandaises, allemandes et africaines, qui ont pu fusionner dans la société multiethnique du « melting pot » des États-Unis . Certains types de musique du monde contiennent un mélange de styles indigènes non occidentaux avec des éléments de musique pop occidentale. Les genres musicaux sont déterminés autant par la tradition et la présentation que par la musique proprement dite. Certains travaux, comme George Gershwin « s Rhapsody in Blue , sont revendiqués par le jazz et la musique classique, alors que de Gershwin Porgy et Bess et Leonard Bernstein » s West Side Story sont revendiqués par les deux opéra et la comédie musicale de Broadway tradition. De nombreux festivals de musique actuelle pour la musique non occidentale incluent des groupes et des chanteurs d'un genre musical particulier, comme la musique du monde.

La musique indienne , par exemple, est l'un des types de musique les plus anciens et les plus anciens, et est encore largement entendue et jouée en Asie du Sud, ainsi qu'à l'échelle internationale (surtout depuis les années 1960). La musique indienne a principalement trois formes de musique classique, les styles hindoustani , carnatique et dhrupad . Il possède également un large répertoire de styles, qui n'implique que de la musique de percussion comme les performances de talavadya célèbres dans le sud de l'Inde .

Thérapie

Un musicothérapeute d'un programme "Blues in the Schools" joue de l'harmonica avec un marin de l'US Navy dans un centre de thérapie navale.

La musicothérapie est un processus interpersonnel dans lequel un thérapeute qualifié utilise la musique et toutes ses facettes - physiques, émotionnelles, mentales, sociales, esthétiques et spirituelles - pour aider les clients à améliorer ou à maintenir leur santé. Dans certains cas, les besoins du client sont traités directement par la musique ; dans d'autres, elles sont abordées à travers les relations qui se développent entre le client et le thérapeute. La musicothérapie est utilisée avec des personnes de tous âges et souffrant de diverses affections, notamment : troubles psychiatriques, problèmes médicaux, handicaps physiques, déficiences sensorielles, troubles du développement, problèmes de toxicomanie, troubles de la communication, problèmes interpersonnels et vieillissement. Il est également utilisé pour améliorer l'apprentissage, renforcer l'estime de soi, réduire le stress, soutenir l'exercice physique et faciliter une foule d'autres activités liées à la santé. Les musicothérapeutes peuvent encourager les clients à chanter, jouer des instruments, créer des chansons ou faire d'autres activités musicales.

L'une des premières mentions de la musicothérapie était dans le traité d' Al-Farabi (c. 872-950) Significations de l'intellect , qui décrivait les effets thérapeutiques de la musique sur l' âme . La musique a longtemps été utilisée pour aider les gens à gérer leurs émotions. Au 17ème siècle, le savant Robert Burton de The Anatomy of Melancholy a soutenu que la musique et la danse étaient critiques dans le traitement de la maladie mentale , en particulier melancholia . Il a noté que la musique a un "excellent pouvoir... d'expulser de nombreuses autres maladies" et il l'a appelée "un remède souverain contre le désespoir et la mélancolie". Il souligna que dans l'Antiquité, Canus, un violoneux rhodien, utilisait la musique pour « rendre joyeux un homme mélancolique, ... un amant plus amoureux, un homme religieux plus dévot ». Dans l' Empire ottoman , les maladies mentales étaient traitées par la musique. En novembre 2006, le Dr Michael J. Crawford et ses collègues ont également découvert que la musicothérapie aidait les patients schizophrènes .

Albert Einstein a eu un amour de longue date pour la musique (en particulier les œuvres de Bach et Mozart ), déclarant une fois que la vie sans jouer de la musique lui serait inconcevable. Dans certaines interviews, Einstein attribua même une grande partie de son intuition scientifique à la musique, son fils Hans racontant que « chaque fois qu'il sentait qu'il était arrivé au bout du chemin ou dans une situation difficile dans son travail, il se réfugiait dans la musique, et cela résoudrait généralement toutes ses difficultés. » Quelque chose dans la musique, selon Michele et Robert Root-Bernstein dans Psychology Today , "guiderait ses pensées dans des directions nouvelles et créatives". Il a été dit qu'Einstein considérait la musique de Mozart comme révélatrice d'une harmonie universelle qui, selon Einstein, existait dans l'univers, "comme si le grand Wolfgang Amadeus n'avait pas du tout 'créé' sa musique magnifiquement claire, mais avait simplement découvert qu'elle était déjà faite. Cette perspective parallèles, remarquablement, les vues d'Einstein sur la simplicité ultime de la nature et son explication et déclaration via des expressions mathématiques essentiellement simples." Une revue suggère que la musique peut être efficace pour améliorer la qualité subjective du sommeil chez les adultes présentant des symptômes d'insomnie. La musique est également utilisée dans la rééducation clinique des troubles cognitifs et moteurs.

Voir également

Les références

Sources

Lectures complémentaires

Liens externes