Musique des États-Unis - Music of the United States

La musique des États-Unis reflète la population pluriethnique du pays à travers un large éventail de styles. C'est un mélange de musique influencée par la musique du Royaume-Uni , de l'Afrique de l'Ouest , de l' Irlande , de l' Amérique latine et de l'Europe continentale, entre autres. Les genres les plus renommés du pays sont le jazz , le blues , la country , le bluegrass , le rock , le rock and roll , le R&B , la pop , le hip hop , la soul , le funk , le gospel , le disco , la house , la techno , le ragtime , le doo-wop , la musique folk , americana , boogaloo , tejano , reggaeton , surf et salsa . La musique américaine est entendue dans le monde entier. Depuis le début du 20e siècle, certaines formes de musique populaire américaine ont acquis une audience quasi mondiale.

Les Amérindiens étaient les premiers habitants de la terre qui est aujourd'hui connue sous le nom des États-Unis et ont joué sa première musique. À partir du XVIIe siècle, des immigrants du Royaume-Uni, d'Irlande, d'Espagne, d'Allemagne et de France ont commencé à arriver en grand nombre, apportant avec eux de nouveaux styles et instruments. Les esclaves d'Afrique de l'Ouest ont apporté leurs traditions musicales, et chaque vague d'immigrants suivante a contribué à un creuset .

Certaines musiques populaires sont l' Electropop qui est basée sur des artistes britanniques, ouest-allemands, japonais et Some est le hip hop new school influencé par Afrika Bambaataa qui à son tour a été influencé par Kraftwerk . Il y a aussi une certaine influence afro-américaine dans la tradition musicale des colons européens-américains, comme le jazz, le blues, le rock, la country et le bluegrass. Les États-Unis ont également vu de la musique folk documentée et enregistré de la musique populaire produite dans les styles ethniques des communautés ukrainienne , irlandaise , écossaise , polonaise , hispanique et juive , entre autres.

De nombreuses villes et villages américains ont des scènes musicales dynamiques qui, à leur tour, soutiennent un certain nombre de styles musicaux régionaux. Avec des centres musicaux tels que Boston , Philadelphie , Seattle , Portland , New York , San Francisco , La Nouvelle-Orléans , Detroit , Memphis , Houston , Las Vegas , Minneapolis , Chicago , St. Louis , Miami , Atlanta , San Juan , Nashville , Austin , Washington DC , Los Angeles et des villes plus petites telles que Asbury Park, New Jersey , Milwaukee , Cleveland , Asheville, Caroline du Nord , Louisville , Oakland , Honolulu , le Research Triangle , Boulder, Colorado , Madison, Wisconsin , Tupelo, Mississippi et Burlington , Vermont ont tous produit et contribué aux nombreux styles de musique distinctifs du pays. Les traditions cajun et créole de la musique de la Louisiane , les styles folkloriques et populaires de la musique hawaïenne , ainsi que le bluegrass et la musique old time des États du sud- est sont quelques exemples de diversité dans la musique américaine.

Caractéristiques

Raymond Carlos Nakai est un Indien d'Amérique d'origine Navajo / Ute . Ses albums Earth Spirit et Canyon Trilogy sont les seuls albums amérindiens à être respectivement certifiés or et platine par la RIAA.

La musique des États-Unis peut être caractérisée par l'utilisation de syncopes et de rythmes asymétriques, de longues mélodies irrégulières , qui sont censées « refléter la vaste géographie ouverte (du paysage américain) » et le « sens de la liberté personnelle caractéristique de l'Amérique la vie". Certains aspects distincts de la musique américaine, comme le format d' appel et de réponse , sont dérivés de techniques et d'instruments africains.

Tout au long de la dernière partie de l'histoire américaine, et dans les temps modernes, la relation entre la musique américaine et européenne a été un sujet de discussion parmi les spécialistes de la musique américaine. Certains ont préconisé l'adoption de techniques et de styles plus purement européens, qui sont parfois perçus comme plus raffinés ou élégants, tandis que d'autres ont préconisé un sentiment de nationalisme musical qui célèbre les styles typiquement américains. Le spécialiste de la musique classique moderne John Warthen Struble a comparé l'américain et l'européen, concluant que la musique des États-Unis est intrinsèquement distincte parce que les États-Unis n'ont pas connu des siècles d'évolution musicale en tant que nation. Au lieu de cela, la musique des États-Unis est celle de dizaines ou de centaines de groupes autochtones et d'immigrants, qui se sont tous développés en grande partie dans un isolement régional jusqu'à la guerre de Sécession , lorsque des gens de tout le pays ont été rassemblés dans des unités de l'armée, échangeant des styles musicaux. et pratiques. Struble considérait les ballades de la guerre de Sécession comme « la première musique folk américaine avec des caractéristiques discernables qui peuvent être considérées comme uniques à l'Amérique : la première musique à consonance « américaine », distincte de tout style régional dérivé d'un autre pays ».

La guerre de Sécession et la période qui l'a suivie ont vu une floraison générale de l'art , de la littérature et de la musique américains. Les ensembles musicaux amateurs de cette époque peuvent être considérés comme la naissance de la musique populaire américaine. L'auteur de musique David Ewen décrit ces premiers groupes amateurs comme combinant « la profondeur et le drame des classiques avec une technique peu exigeante, évitant la complexité en faveur de l'expression directe. S'il s'agissait de musique vocale, les mots seraient en anglais, malgré les snobs qui ont déclaré l'anglais une langue insondable. D'une certaine manière, cela faisait partie de tout l'éveil de l'Amérique qui s'est produit après la guerre de Sécession, une époque où les peintres, écrivains et compositeurs « sérieux » américains abordaient des thèmes spécifiquement américains. » Au cours de cette période, les racines du blues, du gospel, du jazz et de la musique country ont pris forme; au 20e siècle, ceux-ci sont devenus le noyau de la musique populaire américaine, qui a ensuite évolué vers des styles tels que le rhythm and blues, le rock and roll et le hip hop.

Identité sociale

Alison Krauss est la chanteuse la plus récompensée et l'artiste féminine la plus récompensée de l' histoire des Grammy .

La musique se mêle aux aspects de l'identité sociale et culturelle américaine, notamment à travers la classe sociale , la race et l' origine ethnique , la géographie , la religion , la langue , le sexe et la sexualité . La relation entre la musique et la race est peut-être le déterminant le plus puissant du sens musical aux États-Unis. Le développement d'une identité musicale afro-américaine , à partir de sources disparates d'Afrique et d'Europe, a été un thème constant dans l' histoire de la musique aux États-Unis . Il existe peu de documentation sur la musique afro-américaine de l' ère coloniale , lorsque les styles, les chansons et les instruments de toute l'Afrique de l'Ouest se sont mélangés aux styles et aux instruments européens dans le creuset de l'esclavage. Au milieu du XIXe siècle, une tradition folklorique typiquement afro-américaine était bien connue et répandue, et les techniques, instruments et images musicaux afro-américains sont devenus une partie de la musique américaine traditionnelle à travers des spirituals , des spectacles de ménestrels et des chansons d'esclaves. Les styles musicaux afro - américains sont devenus une partie intégrante de la musique populaire américaine à travers le blues , le jazz , le rhythm and blues , puis le rock and roll , la soul et le hip hop ; tous ces styles ont été consommés par les Américains de toutes races, mais ont été créés dans des styles et des idiomes afro-américains avant de devenir finalement courants dans la performance et la consommation à travers les lignes raciales. En revanche, la musique country dérive à la fois des traditions africaines et européennes, ainsi que des traditions amérindiennes et hawaïennes et a longtemps été perçue comme une forme de musique blanche .

Les classes économiques et sociales séparent la musique américaine par la création et la consommation de musique, comme le patronage de la classe supérieure des amateurs de symphonie , et les interprètes généralement médiocres des musiques folkloriques rurales et ethniques. Les divisions musicales fondées sur la classe ne sont cependant pas absolues et sont parfois autant perçues que réelles ; La musique country populaire américaine, par exemple, est un genre commercial conçu pour « faire appel à une identité de la classe ouvrière, que ses auditeurs appartiennent ou non à la classe ouvrière ». Les gens se concentrent plus sur la musique que sur les facteurs culturels que l'artiste a apportés avec eux. Ils se concentrent davantage sur la popularité que sur le fait que les gens ont apporté des compétences qui ont développé les genres qui sont devenus populaires. Cela a beaucoup aidé à construire des mouvements sociaux à travers leurs origines et leur culture. La musique country est également liée à l'identité géographique, et est spécifiquement d'origine et de fonction rurales; d'autres genres, comme le R&B et le hip hop, sont perçus comme intrinsèquement urbains. Pendant une grande partie de l'histoire américaine, faire de la musique a été une « activité féminisée ». Au 19ème siècle, le piano et le chant amateurs étaient considérés comme appropriés pour les femmes des classes moyennes et supérieures. Les femmes étaient également une partie importante des premières performances musicales populaires, bien que les traditions enregistrées soient rapidement devenues plus dominées par les hommes. La plupart des genres de musique populaire dominés par les hommes incluent également des interprètes féminines, souvent dans un créneau attirant principalement les femmes ; ceux-ci incluent le gangsta rap et le heavy metal .

Histoire

La diversité

Les États-Unis abritent un large éventail de styles et de scènes régionaux.

On dit souvent que les États-Unis sont un creuset culturel , accueillant des influences du monde entier et créant de nouvelles méthodes d'expression culturelle distinctement. Bien que certains aspects de la musique américaine remontent à des origines spécifiques, revendiquer une culture originale particulière pour un élément musical est intrinsèquement problématique, en raison de l'évolution constante de la musique américaine à travers la transplantation et l'hybridation de techniques, d'instruments et de genres. Des éléments de musiques étrangères sont arrivés aux États-Unis à la fois par le parrainage formel d'événements éducatifs et de sensibilisation par des individus et des groupes, et par des processus informels, comme dans la transplantation accidentelle de musique ouest-africaine par l'esclavage et de musique irlandaise par l'immigration. Les musiques les plus typiquement américaines sont le résultat d'une hybridation interculturelle à travers des contacts étroits. L'esclavage, par exemple, mélangeait des personnes de nombreuses tribus dans des quartiers exigus, résultant en une tradition musicale partagée qui s'enrichit en s'hybridant davantage avec des éléments de musique indigène, latine et européenne. La diversité ethnique, religieuse et raciale américaine a également produit des genres entremêlés tels que la musique franco-africaine des créoles de Louisiane , la musique fusion amérindienne, mexicaine et européenne de Tejano , et la guitare slack-key entièrement hybridée et d'autres styles de musique hawaïenne moderne. .

Le processus de transplantation de la musique entre les cultures n'est pas sans critique. Le renouveau folklorique du milieu du XXe siècle, par exemple, s'est approprié les musiques de divers peuples ruraux, en partie pour promouvoir certaines causes politiques, ce qui a amené certains à se demander si le processus a causé la « marchandisation commerciale des chansons d'autres peuples. . et l'inévitable dilution de la moyenne" dans les musiques appropriées. L'utilisation de techniques, d'images et de vanités musicales afro-américaines dans la musique populaire en grande partie par et pour les Américains blancs est répandue depuis au moins le milieu du XIXe siècle, les chansons de Stephen Foster et l'essor des spectacles de ménestrels . L'industrie musicale américaine a activement tenté de populariser les interprètes blancs de musique afro-américaine, car ils sont plus acceptables pour les Américains ordinaires et de la classe moyenne. Ce processus a été lié à l'ascension de stars aussi variées que Benny Goodman , Eminem et Elvis Presley , ainsi qu'à des styles populaires comme la soul aux yeux bleus et le rockabilly .

Musique folklorique

Elvis Presley était un chanteur et acteur américain. Considéré comme l'une des icônes culturelles les plus importantes du 20e siècle, il est souvent appelé « le roi du rock and roll », ou simplement « le roi ».

La musique folk aux États-Unis est variée à travers les nombreux groupes ethniques du pays. Les tribus amérindiennes jouent chacune leurs propres variétés de musique folklorique, la plupart de nature spirituelle. La musique afro-américaine comprend le blues et le gospel , descendants de la musique ouest-africaine apportée aux Amériques par les esclaves et mélangée à la musique d'Europe occidentale. À l'époque coloniale, les styles et instruments anglais , français et espagnols ont été importés dans les Amériques. Au début du 20e siècle, les États-Unis étaient devenus un centre majeur pour la musique folk du monde entier, y compris la polka , le violon ukrainien et polonais , l' ashkénaze , le klezmer et plusieurs types de musique latine .

Les Amérindiens ont joué la première musique folk dans ce qui est maintenant les États-Unis, en utilisant une grande variété de styles et de techniques. Cependant, certains points communs sont presque universels parmi la musique traditionnelle amérindienne, en particulier le manque d' harmonie et de polyphonie , et l'utilisation de vocables et de figures mélodiques descendantes. Les instruments traditionnels utilisent la flûte et de nombreux types d' instruments à percussion , comme les tambours , les hochets et les shakers . Depuis que le contact européen et africain a été établi, la musique folklorique amérindienne s'est développée dans de nouvelles directions, en fusions avec des styles disparates comme les danses folkloriques européennes et la musique Tejano . La musique amérindienne moderne est peut-être mieux connue pour ses pow-wow , rassemblements pan-tribaux au cours desquels des danses et de la musique de style traditionnel sont exécutées.

Les treize colonies des États-Unis d'origine étaient toutes d'anciennes possessions anglaises, et la culture anglo est devenue un fondement majeur de la musique folk et populaire américaine. De nombreuses chansons folk américaines sont identiques aux chansons britanniques dans les arrangements, mais avec de nouvelles paroles, souvent comme des parodies du matériel original. Les chansons anglo-américaines sont également caractérisées comme ayant moins d' airs pentatoniques , un accompagnement moins important (mais avec une utilisation plus intensive de drones ) et plus de mélodies en majeur. La musique traditionnelle anglo-américaine comprend également une variété de ballades , d'histoires humoristiques et de contes , ainsi que des chansons sur les catastrophes concernant l'exploitation minière, les naufrages et les meurtres. Des héros légendaires comme Joe Magarac , John Henry et Jesse James font partie de nombreuses chansons. Les danses folkloriques d'origine britannique comprennent la danse carrée , descendante du quadrille , combinée à l'innovation américaine d'un appelant instruisant les danseurs. La société communautaire religieuse connue sous le nom de Shakers a émigré d'Angleterre au XVIIIe siècle et a développé son propre style de danse folklorique. Leurs premières chansons remontent à des modèles de chansons folkloriques britanniques. D'autres sociétés religieuses ont établi leurs propres cultures musicales uniques au début de l'histoire américaine, comme la musique des Amish , la Harmony Society et le Ephrata Cloister en Pennsylvanie.

Les ancêtres de la population afro-américaine d'aujourd'hui ont été amenés aux États-Unis comme esclaves, travaillant principalement dans les plantations du Sud. Ils venaient de centaines de tribus à travers l'Afrique de l'Ouest, et ils ont apporté avec eux certains traits de la musique ouest-africaine, notamment des voix d' appel et de réponse et une musique rythmée de manière complexe, ainsi que des rythmes syncopés et des accents changeants. L' accent musical africain sur le chant et la danse rythmiques a été apporté au Nouveau Monde, où il est devenu partie intégrante d'une culture folklorique distincte qui a aidé les Africains à « conserver la continuité avec leur passé à travers la musique ». Les premiers esclaves aux États-Unis ont chanté des chansons de travail , des cris de campagne et, après la christianisation, des hymnes . Au 19ème siècle, un Grand Réveil de la ferveur religieuse s'est emparé de la population à travers le pays, en particulier dans le Sud. Les hymnes protestants écrits principalement par des prédicateurs de la Nouvelle-Angleterre sont devenus une caractéristique des réunions de camp tenues parmi les chrétiens dévots du Sud. Lorsque les Noirs ont commencé à chanter des versions adaptées de ces hymnes, on les a appelés Negro spirituals . C'est à partir de ces racines, de chansons spirituelles, de chansons de travail et de chants de campagne, que le blues, le jazz et le gospel se sont développés.

Blues et spirituals

Les spirituals étaient principalement des expressions de la foi religieuse, chantées par les esclaves dans les plantations du sud. Du milieu à la fin du 19e siècle, les spirituals se sont répandus dans le sud des États-Unis. En 1871, l'Université Fisk est devenue le foyer des Fisk Jubilee Singers , un groupe pionnier qui a popularisé les spirituals à travers le pays. À l'imitation de ce groupe, des quatuors de gospel sont apparus, suivis d'une diversification croissante avec l'essor au début du XXe siècle des prédicateurs jackleg et chanteurs, d'où est venu le style populaire de la musique gospel .

Le blues est une combinaison de chansons de travail africaines, de cris de campagne et de cris. Il s'est développé dans le Sud rural dans la première décennie du 20e siècle. La caractéristique la plus importante du blues est son utilisation de la gamme bleue , avec une tierce aplatie ou indéterminée, ainsi que les paroles typiquement déplorables ; bien que ces deux éléments aient existé dans la musique folklorique afro-américaine avant le 20e siècle, la forme codifiée du blues moderne (comme avec la structure AAB) n'existait pas avant le début du 20e siècle.

Autres communautés d'immigrants

Les États-Unis sont un creuset composé de nombreux groupes ethniques. Beaucoup de ces peuples ont gardé vivantes les traditions folkloriques de leur patrie, produisant souvent des styles de musique étrangère typiquement américains. Certaines nationalités ont produit des scènes locales dans les régions du pays où ils ont regroupés, comme la musique capverdienne en Nouvelle - Angleterre , la musique arménienne en Californie , et italienne et la musique ukrainienne à New York.

Les créoles sont une communauté d'ascendance non anglo-saxonne variée, descendante pour la plupart de personnes ayant vécu en Louisiane avant son achat par les États-Unis. Les Cadiens sont un groupe de francophones arrivés en Louisiane après avoir quitté l' Acadie au Canada. La ville de la Nouvelle-Orléans, en Louisiane , étant un port majeur, a agi comme un creuset pour les gens de tout le bassin des Caraïbes. Le résultat est un ensemble diversifié et syncrétique de styles de musique cajun et de musique créole .

L'Espagne et par la suite le Mexique contrôlaient une grande partie de ce qui est maintenant l'ouest des États-Unis jusqu'à la guerre américano-mexicaine , y compris l'ensemble de l'État du Texas. Après que le Texas ait rejoint les États-Unis, les Tejanos natifs vivant dans l'État ont commencé à se développer culturellement séparément de leurs voisins du sud et sont restés culturellement distincts des autres Texans. Le mélange de formes traditionnelles mexicaines telles que le mariachi et le corrido et de styles d'Europe continentale introduits par les colons allemands et tchèques à la fin du XIXe siècle était au cœur de l'évolution de la musique tejano ancienne . En particulier, l' accordéon a été adopté par les musiciens folkloriques de Tejano vers le début du 20ème siècle, et il est devenu un instrument populaire pour les musiciens amateurs du Texas et du nord du Mexique.

Musique classique

La musique classique a été introduite aux États-Unis avec certains des premiers colons. La musique classique européenne est enracinée dans les traditions de l'art européen, de la musique ecclésiastique et de la musique de concert. Les normes centrales de cette tradition se sont développées entre 1550 et 1825, centrées sur ce que l'on appelle la période de pratique courante . De nombreux compositeurs classiques américains ont tenté de travailler entièrement selon les modèles européens jusqu'à la fin du XIXe siècle. Quand Antonín Dvořák , un éminent compositeur tchèque, a visité les États-Unis de 1892 à 1895, il a répété l'idée que la musique classique américaine avait besoin de ses propres modèles au lieu d'imiter les compositeurs européens ; il a contribué à inspirer les compositeurs suivants à créer un style de musique classique typiquement américain. Au début du 20e siècle, de nombreux compositeurs américains incorporaient des éléments disparates dans leur travail, allant du jazz et du blues à la musique amérindienne.

Musique classique ancienne

Aaron Copland a été appelé par ses pairs et critiques comme « le doyen des compositeurs américains »

À l'époque coloniale, il y avait deux domaines distincts de ce qui est maintenant considéré comme la musique classique. L'un était associé à des compositeurs et pédagogues amateurs, dont le style était à l'origine tiré de simples hymnes et s'est perfectionné au fil du temps. L'autre tradition coloniale était celle des villes du centre de l'Atlantique comme Philadelphie et Baltimore, qui ont produit un certain nombre de compositeurs éminents qui ont travaillé presque entièrement selon le modèle européen ; ces compositeurs étaient pour la plupart d'origine anglaise et travaillaient spécifiquement dans le style des grands compositeurs anglais de l'époque.

Bâtiment du siège de Capitol Records

La musique classique a été introduite aux États-Unis à l'époque coloniale. De nombreux compositeurs américains de cette période ont travaillé exclusivement avec des modèles européens, tandis que d'autres, tels que William Billings , Supply Belcher et Justin Morgan , également connu sous le nom de First New England School , ont développé un style presque entièrement indépendant des modèles européens. De ces compositeurs, Billings est le plus connu ; il était également influent « en tant que fondateur de la chorale de l'église américaine, en tant que premier musicien à utiliser un diapason et en tant que premier à introduire un violoncelle dans le service religieux ». Beaucoup de ces compositeurs étaient des chanteurs amateurs qui ont développé de nouvelles formes de musique sacrée adaptées à l'interprétation par des amateurs, et utilisant souvent des méthodes harmoniques qui auraient été considérées comme bizarres par les normes européennes contemporaines. Les styles de ces compositeurs n'ont pas été touchés par « l'influence de leurs contemporains européens sophistiqués », utilisant des gammes ou des mélodies modales ou pentatoniques et évitant les règles européennes d'harmonie.

Au début du XIXe siècle, l'Amérique a produit divers compositeurs tels qu'Anthony Heinrich , qui a composé dans un style idiosyncratique intentionnellement américain et a été le premier compositeur américain à écrire pour un orchestre symphonique. De nombreux autres compositeurs, notamment William Henry Fry et George Frederick Bristow , ont soutenu l'idée d'un style classique américain, bien que leurs œuvres soient d'orientation très européenne. Ce fut cependant John Knowles Paine qui devint le premier compositeur américain à être accepté en Europe. L'exemple de Paine a inspiré les compositeurs de la Second New England School , qui comprenait des personnalités telles qu'Amy Beach , Edward MacDowell et Horatio Parker .

Louis Moreau Gottschalk est peut-être le compositeur américain du 19ème siècle dont on se souvient le mieux, selon l'historien de la musique Richard Crawford comme étant connu pour « avoir introduit des thèmes et des rythmes indigènes ou folkloriques dans la musique pour la salle de concert ». La musique de Gottschalk reflétait le mélange culturel de sa ville natale, la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, qui abritait une variété de musique latine, caribéenne, afro-américaine, cajun et créole. Il était bien connu comme un pianiste talentueux de son vivant, et était également un compositeur connu qui reste admiré bien que peu joué.

20ième siècle

Philip Glass à Florence, 1993

La scène musicale classique de New York comprenait Charles Griffes , originaire d' Elmira, New York , qui a commencé à publier son matériel le plus innovant en 1914. Ses premières collaborations étaient des tentatives d'utiliser des thèmes musicaux non occidentaux. Le compositeur new-yorkais le plus connu était George Gershwin . Gershwin était un auteur-compositeur avec Tin Pan Alley et les théâtres de Broadway , et ses œuvres étaient fortement influencées par le jazz , ou plutôt les précurseurs du jazz qui existaient à son époque. Le travail de Gershwin a rendu la musique classique américaine plus ciblée et a attiré une attention internationale sans précédent. Après Gershwin, le premier compositeur majeur fut Aaron Copland de Brooklyn, qui utilisa des éléments de la musique folk américaine, même si elle restait européenne dans sa technique et sa forme. Plus tard, il se tourne vers le ballet puis la musique sérielle . Charles Ives a été l'un des premiers compositeurs classiques américains d'importance internationale durable, produisant de la musique dans un style typiquement américain, bien que sa musique soit pour la plupart inconnue jusqu'après sa mort en 1954.

De nombreux compositeurs de la fin du XXe siècle, tels que John Cage , John Corigliano , Terry Riley , Steve Reich , John Adams et Miguel del Aguila , ont utilisé des techniques modernistes et minimalistes . Reich a découvert une technique connue sous le nom de phasage , dans laquelle deux activités musicales commencent simultanément et se répètent, se désynchronisant progressivement, créant un sentiment naturel de développement. Reich était également très intéressé par la musique non occidentale, incorporant des techniques rythmiques africaines dans ses compositions. Les compositeurs et interprètes récents sont fortement influencés par les œuvres minimalistes de Philip Glass , un natif de Baltimore basé à New York, de Meredith Monk et d'autres.

Musique populaire

Les États-Unis ont produit de nombreux musiciens et compositeurs populaires dans le monde moderne. Depuis la naissance de la musique enregistrée, les interprètes américains ont continué à dominer le domaine de la musique populaire, qui parmi « toutes les contributions apportées par les Américains à la culture mondiale... a été prise à cœur par le monde entier ». La plupart des histoires de musique populaire commencent avec le ragtime américain ou Tin Pan Alley ; d'autres, cependant, font remonter la musique populaire à la Renaissance et à travers des journaux grand format , des ballades et d'autres traditions populaires. D'autres auteurs se penchent généralement sur les partitions populaires, retraçant la musique populaire américaine aux spirituals , aux spectacles de ménestrels , au vaudeville et aux chansons patriotiques de la guerre civile.

Ancienne chanson populaire

Compositeur de chansons du XIXe siècle Stephen Foster

Les chansons laïques patriotiques de la Révolution américaine constituaient le premier type de musique populaire dominante. Il s'agit notamment de "The Liberty Tree" de Thomas Paine . Imprimés à bas prix sous forme de journaux grand format , les premiers chants patriotiques se sont répandus dans les colonies et ont été interprétés à la maison et lors de réunions publiques. Les chansons de Fife étaient particulièrement célébrées et ont été interprétées sur les champs de bataille pendant la Révolution américaine. La plus longue de ces chansons de fifre est " Yankee Doodle ", encore bien connue aujourd'hui. La mélodie remonte à 1755 et a été chantée par les troupes américaines et britanniques. Les chansons patriotiques étaient principalement basées sur des mélodies anglaises, avec de nouvelles paroles ajoutées pour dénoncer le colonialisme britannique ; d'autres, cependant, utilisaient des airs d'Irlande, d'Écosse ou d'ailleurs, ou n'utilisaient pas une mélodie familière. La chanson « Hail, Columbia » était une œuvre majeure qui est restée un hymne national non officiel jusqu'à l'adoption de « The Star-Spangled Banner ». Une grande partie de cette musique américaine ancienne survit encore dans Sacred Harp . Bien que relativement inconnu en dehors des communautés Shaker, Simple Gifts a été écrit en 1848 par Elder Joseph Brackett et la mélodie est depuis devenue internationalement célèbre.

Pendant la guerre de Sécession, lorsque des soldats de tout le pays se sont mélangés, les multiples volets de la musique américaine ont commencé à se croiser, un processus qui a été facilité par l'industrie ferroviaire en plein essor et d'autres développements technologiques qui ont facilité les voyages et la communication. Les unités de l'armée comprenaient des individus de tout le pays, et ils ont rapidement échangé des airs, des instruments et des techniques. La guerre a donné une impulsion à la création de chansons typiquement américaines qui sont devenues et sont restées très populaires. Les chansons les plus populaires de l'ère de la guerre civile comprenaient " Dixie ", écrite par Daniel Decatur Emmett . La chanson, à l'origine intitulée "Dixie's Land", a été faite pour la clôture d'un spectacle de ménestrels ; elle s'est d'abord propagée à la Nouvelle-Orléans, où elle a été publiée et est devenue « l'une des grandes chansons à succès de la période d'avant la guerre de Sécession ». En plus des chansons patriotiques populaires, l'ère de la guerre civile a également produit un grand nombre de pièces de fanfare .

Al Jolson , vers 1916, est considéré comme la star américaine la plus célèbre et la mieux payée des années 1920.

Après la guerre de Sécession, les spectacles de ménestrels sont devenus la première forme d'expression musicale typiquement américaine. Le spectacle de ménestrels était une forme indigène de divertissement américain composé de sketches comiques, d'actes de variétés, de danse et de musique, généralement interprétés par des blancs en blackface . Les spectacles de ménestrels utilisaient des éléments afro-américains dans des performances musicales, mais uniquement de manière simplifiée; Les intrigues des émissions dépeignaient les Noirs comme des esclaves et des imbéciles nés, avant d'être finalement associés à l' abolitionnisme . Le spectacle de ménestrels a été inventé par Daniel Decatur Emmett et les Virginia Minstrels . Les spectacles de ménestrels ont produit les premiers auteurs-compositeurs populaires dont on se souvienne bien dans l'histoire de la musique américaine : Thomas D. Rice , Daniel Decatur Emmett et, le plus célèbre, Stephen Foster . Après que la popularité des spectacles de ménestrels s'est évanouie, les chansons de coon , un phénomène similaire, sont devenues populaires.

Le compositeur John Philip Sousa est étroitement associé au courant le plus populaire de la musique populaire américaine juste avant le début du 20e siècle. Ancien chef d'orchestre de l' United States Marine Band , Sousa a écrit des marches militaires comme " The Stars and Stripes Forever " qui reflétaient sa " nostalgie pour [son] foyer et son pays ", donnant à la mélodie un " caractère viril émouvant ".

Au début du XXe siècle, le théâtre musical américain était une source majeure de chansons populaires, dont beaucoup ont influencé le blues, le jazz, la country et d'autres styles de musique populaire existants. Le centre de développement de ce style était à New York, où les théâtres de Broadway sont devenus l'un des lieux les plus renommés de la ville. Les compositeurs et paroliers de théâtre comme les frères George et Ira Gershwin ont créé un style théâtral américain unique qui utilisait le discours et la musique vernaculaires américains. Les comédies musicales présentaient des chansons populaires et des intrigues rapides qui tournaient souvent autour de l'amour et de la romance.

Blues et gospel

Le blues est un genre de musique folk afro-américaine qui est à la base d'une grande partie de la musique populaire américaine moderne. Le blues peut être considéré comme faisant partie d'un continuum de styles musicaux comme le country, le jazz, le ragtime et le gospel ; bien que chaque genre ait évolué vers des formes distinctes, leurs origines étaient souvent indistinctes. Les premières formes de blues ont évolué dans et autour du delta du Mississippi à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. La première musique de blues était principalement de la musique vocale d' appel et de réponse , sans harmonie ni accompagnement et sans aucune structure musicale formelle. Les esclaves et leurs descendants ont créé le blues en adaptant les cris et les hurlements des champs, les transformant en chansons solo passionnées. Lorsqu'il est mélangé avec les chants spirituels chrétiens des églises afro-américaines et des réunions de réveil, le blues est devenu la base de la musique gospel . Le gospel moderne a commencé dans les églises afro-américaines dans les années 1920, sous la forme de fidèles proclamant leur foi d'une manière improvisée, souvent musicale (témoigner). Des compositeurs comme Thomas A. Dorsey ont composé des œuvres gospel qui ont utilisé des éléments de blues et de jazz dans des hymnes traditionnels et des chansons spirituelles.

La chanteuse de blues Bessie Smith

Le ragtime était à l'origine un style de piano, avec des rythmes et des chromatismes syncopés . Il s'agit principalement d'une forme de musique de danse utilisant la contrebasse , et est généralement composée sous forme de sonate . Le ragtime est une forme raffinée et évoluée de la danse du gâteau afro-américain , mélangée à des styles allant des marches européennes et des chansons populaires aux gigues et autres danses jouées par de grands groupes afro-américains dans les villes du nord à la fin du XIXe siècle. L'interprète et compositeur de ragtime le plus célèbre était Scott Joplin , connu pour des œuvres telles que "Maple Leaf Rag".

Le blues est devenu une partie de la musique populaire américaine dans les années 1920, lorsque des chanteuses de blues classiques comme Bessie Smith sont devenues populaires. Dans le même temps, les maisons de disques ont lancé le domaine de la musique de course , qui était principalement du blues destiné au public afro-américain. Le plus célèbre de ces actes a inspiré une grande partie du développement populaire ultérieur du blues et des genres dérivés du blues, notamment le légendaire musicien de delta blues Robert Johnson et le musicien de blues piémontais Blind Willie McTell . À la fin des années 1940, cependant, le blues pur n'était qu'une partie mineure de la musique populaire, ayant été subsumé par des ramifications comme le rhythm & blues et le style rock and roll naissant. Certains styles de blues électrique et piano, comme le boogie-woogie , ont retenu un large public. Un style de gospel blues est également devenu populaire dans le courant dominant américain dans les années 1950, dirigé par la chanteuse Mahalia Jackson . Le genre blues a connu des renouveaux majeurs dans les années 1950 avec des musiciens de blues de Chicago tels que Muddy Waters et Little Walter , ainsi que dans les années 1960 avec l' invasion britannique et le renouveau de la musique folk américaine lorsque des musiciens de country blues comme le Mississippi John Hurt et le révérend Gary Davis ont été redécouverts. . Les musiciens de blues fondateurs de ces périodes ont eu une énorme influence sur des musiciens de rock tels que Chuck Berry dans les années 1950, ainsi que sur les scènes de blues et de blues rock britanniques des années 1960 et 1970, notamment Eric Clapton en Grande-Bretagne et Johnny Winter au Texas.

le jazz

Jelly Roll Morton a été l'un des premiers pionniers du jazz

Le jazz est une sorte de musique caractérisée par des notes swing et bleues , des voix d'appel et de réponse, des polyrythmies et de l' improvisation . Bien qu'à l'origine une sorte de musique de danse, le jazz a été une partie importante de la musique populaire et est également devenu un élément majeur de la musique classique occidentale. Le jazz a ses racines dans l'expression culturelle et musicale de l'Afrique de l'Ouest et dans les traditions musicales afro-américaines, notamment le blues et le ragtime, ainsi que dans la musique de fanfare militaire européenne. Le jazz primitif était étroitement lié au ragtime, avec lequel il se distinguait par l'utilisation d'improvisations rythmiques plus complexes. Les premiers orchestres de jazz ont adopté une grande partie du vocabulaire du blues, y compris les notes tordues et bleues et les « grognements » instrumentaux et les frottis autrement non utilisés sur les instruments européens. Les racines du jazz viennent de la ville de la Nouvelle-Orléans, en Louisiane , peuplée de cajuns et de créoles noirs, qui ont combiné la culture canadienne-française des cajuns avec leurs propres styles de musique au 19e siècle. Les grands groupes créoles qui jouaient pour les funérailles et les défilés sont devenus une base majeure pour le jazz primitif, qui s'est répandu de la Nouvelle-Orléans à Chicago et à d'autres centres urbains du nord.

Ella Fitzgerald la reine du jazz.

Bien que le jazz ait depuis longtemps atteint une certaine popularité limitée, c'est Louis Armstrong qui est devenu l'une des premières stars populaires et une force majeure dans le développement du jazz, avec son ami pianiste Earl Hines . Armstrong, Hines et leurs collègues étaient des improvisateurs, capables de créer de nombreuses variations sur une seule mélodie. Armstrong a également popularisé le chant scat , une technique vocale d'improvisation dans laquelle des syllabes insensées ( vocables ) sont chantées. Armstrong et Hines ont été influents dans la montée d'une sorte de jazz pop big band appelé swing . Le swing se caractérise par une section rythmique forte, généralement composée de contrebasse et de batterie, d'un tempo moyen à rapide et de dispositifs rythmiques comme la note swing, commune à la plupart des jazz. Le swing est avant tout une fusion de jazz des années 1930 fusionné avec des éléments du blues et de Tin Pan Alley. Le swing a utilisé des groupes plus grands que les autres types de jazz, ce qui a conduit les chefs d'orchestre à organiser étroitement le matériel, ce qui a découragé l'improvisation, qui faisait auparavant partie intégrante du jazz. Le swing est devenu une partie importante de la danse afro-américaine et a été accompagné d'une danse populaire appelée la danse swing .

Le jazz a influencé de nombreux interprètes de tous les styles majeurs de la musique populaire ultérieure, bien que le jazz lui-même ne soit plus jamais devenu une partie aussi importante de la musique populaire américaine qu'à l'époque du swing. La scène jazz américaine de la fin du XXe siècle a cependant produit des stars populaires du crossover, telles que Miles Davis . Au milieu du 20e siècle, le jazz a évolué vers une variété de sous-genres, à commencer par le bebop . Le bebop est une forme de jazz caractérisée par des tempos rapides, une improvisation basée sur la structure harmonique plutôt que sur la mélodie et l'utilisation de la quinte aplatie . Le bebop a été développé au début et au milieu des années 40, puis a évolué vers des styles comme le hard bop et le free jazz . Les innovateurs du style comprenaient Charlie Parker et Dizzy Gillespie , issus de petits clubs de jazz de New York.

Musique country

Johnny Cash en 1969 était largement considéré comme l'un des musiciens les plus influents du 20e siècle et l'un des artistes musicaux les plus vendus de tous les temps, ayant vendu plus de 90 millions de disques dans le monde.

La musique country est avant tout une fusion de blues et de spirituals afro-américains avec la musique folklorique des Appalaches , adaptée au public pop et popularisée à partir des années 1920. Les origines du country se trouvent dans la musique folklorique rurale du Sud, qui était principalement irlandaise et britannique, avec des musiques africaines et européennes continentales. Les airs anglo-celtiques, la musique de danse et la ballade étaient les premiers prédécesseurs du country moderne, alors connu sous le nom de musique hillbilly . Les premiers hillbilly ont également emprunté des éléments du blues et se sont inspirés de plus d'aspects des chansons pop du XIXe siècle alors que la musique hillbilly évoluait vers un genre commercial finalement connu sous le nom de country et western , puis simplement country . La première instrumentation country tournait autour du violon d'origine européenne et du banjo d'origine africaine , avec la guitare ajoutée plus tard. Les instruments à cordes comme le ukulélé et la guitare en acier sont devenus monnaie courante en raison de la popularité des groupes musicaux hawaïens au début du 20e siècle.

Les racines de la musique country commerciale remontent généralement à 1927, lorsque le découvreur de talents musicaux Ralph Peer a enregistré Jimmie Rodgers et The Carter Family . Le succès populaire a été très limité, bien qu'une petite demande ait stimulé certains enregistrements commerciaux. Après la Seconde Guerre mondiale , il y a eu un intérêt accru pour les styles spécialisés comme la musique country, produisant quelques grandes stars de la pop. Le musicien country le plus influent de l'époque était Hank Williams , un chanteur de country blues de l'Alabama. Il reste reconnu comme l'un des plus grands auteurs-compositeurs et interprètes de la musique country, considéré comme un « poète folklorique » avec un « fanfaron honky-tonk » et « des sympathies pour la classe ouvrière ». Tout au long de la décennie, la rugosité du honky-tonk s'est progressivement érodée à mesure que le son de Nashville devenait plus pop. Des producteurs comme Chet Atkins ont créé le son de Nashville en supprimant les éléments hillbilly de l'instrumentation et en utilisant une instrumentation fluide et des techniques de production avancées. Finalement, la plupart des disques de Nashville étaient dans ce style, qui a commencé à incorporer des cordes et des chœurs vocaux.

Au début des années 1960, cependant, le son de Nashville était devenu trop édulcoré par de nombreux artistes et fans plus traditionalistes, ce qui a donné lieu à un certain nombre de scènes locales comme le son de Bakersfield . Cependant, quelques artistes ont conservé leur popularité, comme l'icône culturelle de longue date Johnny Cash . Le son de Bakersfield a commencé entre le milieu et la fin des années 1950 lorsque des artistes comme Wynn Stewart et Buck Owens ont commencé à utiliser des éléments du swing et du rock occidentaux , tels que le breakbeat , dans leur musique. Dans les années 1960, des artistes comme Merle Haggard ont popularisé le son. Au début des années 1970, Haggard faisait également partie du pays hors -la- loi , aux côtés d'auteurs-compositeurs-interprètes tels que Willie Nelson et Waylon Jennings . Le country hors-la-loi était axé sur le rock et les paroles se concentraient sur les singeries criminelles des interprètes, contrairement aux chanteurs country nets du son de Nashville. Au milieu des années 1980, les palmarès de la musique country étaient dominés par des chanteurs pop, parallèlement à un renouveau naissant du country de style honky-tonk avec la montée en puissance d'interprètes comme Dwight Yoakam . Les années 1980 ont également vu le développement d' artistes country alternatifs comme Uncle Tupelo , qui s'opposaient au style plus pop du country traditionnel. Au début des années 2000, les groupes country orientés rock restent parmi les artistes les plus vendus aux États-Unis, en particulier Garth Brooks .

Soul, R&B et Funk

Le chanteur James Brown a joué un rôle essentiel dans la transition du rhythm and blues vers la soul et la musique funk pionnière.

Le R&B, abréviation de rhythm and blues , est un style né dans les années 30 et 40. Les premiers R&B consistaient en de grandes unités rythmiques "se brisant derrière des chanteurs de blues hurlants (qui) devaient crier pour être entendus au-dessus du cliquetis et du grattage des divers instruments électrifiés et des sections rythmiques bouillonnantes". Le R&B n'a pas été largement enregistré et promu parce que les maisons de disques estimaient qu'il n'était pas adapté à la plupart des publics, en particulier aux blancs de la classe moyenne, en raison des paroles suggestives et des rythmes entraînants. Des chefs d'orchestre comme Louis Jordan ont innové le son des premiers R&B, en utilisant un groupe avec une petite section de cuivres et une instrumentation rythmique proéminente. À la fin des années 1940, il avait eu plusieurs succès et a aidé à ouvrir la voie à des contemporains comme Wynonie Harris et John Lee Hooker . La plupart des chansons R&B les plus populaires n'ont pas été interprétées dans le style joyeux de Jordan et de ses contemporains ; au lieu de cela, ils ont été interprétés par des musiciens blancs comme Pat Boone dans un style mainstream plus acceptable, qui s'est transformé en succès pop. À la fin des années 1950, cependant, il y avait une vague d'interprètes populaires de blues rock noir et de R&B influencé par la country comme Chuck Berry, gagnant une renommée sans précédent parmi les auditeurs blancs.

Motown Records a connu un grand succès au début et au milieu des années 1960 pour produire de la musique d'origine noire américaine qui défiait la ségrégation raciale dans l'industrie de la musique et le marché de la consommation. Le journaliste musical Jerry Wexler (qui a inventé l'expression "rythme et blues") a dit un jour à propos de Motown : "[Ils] ont fait quelque chose que vous auriez à dire sur papier est impossible. Ils ont pris de la musique noire et l'ont transmise directement à l'adolescent américain blanc. ." Berry Gordy a fondé Motown en 1959 à Detroit, Michigan . C'était l'une des rares maisons de disques R&B qui cherchait à transcender le marché du R&B (qui était définitivement noir dans la mentalité américaine) et à se spécialiser dans la musique crossover . La société est devenue le premier producteur (ou « chaîne d'assemblage », une référence à ses origines de ville motorisée) de musique populaire noire au début des années 60 et a commercialisé ses produits sous le nom de « The Motown Sound » ou « The Sound of Young America »— qui combinait des éléments de soul, funk, disco et R&B. Les artistes les plus remarquables de Motown incluent les Four Tops , les Temptations , les Supremes , Smokey Robinson , Stevie Wonder et les Jackson 5 . La représentation visuelle était au cœur de l'essor de la Motown ; ils ont mis davantage l'accent sur les médias visuels que les autres maisons de disques. La première exposition de nombreuses personnes à la Motown a eu lieu à la télévision et au cinéma. L'image des artistes de la Motown des Noirs américains à succès qui se tenaient avec grâce et aplomb a diffusé une forme distincte de noirceur de la classe moyenne au public, qui était particulièrement attrayante pour les Blancs.

La musique soul est une combinaison de rhythm and blues et de gospel qui a commencé à la fin des années 1950 aux États-Unis. Il se caractérise par son utilisation de dispositifs de musique gospel, avec un plus grand accent sur les chanteurs et l'utilisation de thèmes profanes. Les enregistrements des années 1950 de Ray Charles , Sam Cooke et James Brown sont généralement considérés comme les débuts de la soul. Les disques Modern Sounds de Charles (1962) présentaient une fusion de la musique soul et country, de la country soul et franchissaient les barrières raciales dans la musique de l'époque. L'une des chansons les plus connues de Cooke " A Change Is Gonna Come " (1964) est devenue un classique et un hymne du mouvement américain des droits civiques dans les années 1960. Selon AllMusic , James Brown a été critique, à travers "la fureur passionnée de gospel de sa voix et les polyrythmies complexes de ses beats", dans "deux révolutions de la musique noire américaine. Il a été l'une des figures les plus responsables de la transformation du R&B en soul et il était, la plupart en conviendraient, la figure la plus responsable de la transformation de la musique soul en funk de la fin des années 60 et du début des années 70."

Souvent appelé le « King of Pop », le chanteur Michael Jackson était une figure de proue du crossover de la musique populaire dans les années 1980. Son clip de 1983 pour " Thriller " a brisé les frontières raciales pour la musique pop à la télévision.

La soul pure a été popularisée par Otis Redding et les autres artistes de Stax Records à Memphis, Tennessee . À la fin des années 1960, l' artiste d'enregistrement atlantique Aretha Franklin était devenue la star de la soul féminine la plus populaire du pays. À cette époque également, la soul s'était scindée en plusieurs genres, influencée par le rock psychédélique et d'autres styles. Le ferment social et politique des années 1960 a inspiré des artistes comme Marvin Gaye et Curtis Mayfield à sortir des albums avec des commentaires sociaux percutants, tandis qu'une autre variété est devenue une musique plus axée sur la danse, évoluant vers le funk . Malgré son affinité antérieure avec les thèmes lyriques politiquement et socialement chargés, Gaye a contribué à populariser la musique et le funk sur le thème de la sexualité et de la romance, tandis que ses enregistrements des années 70, dont Let's Get It On (1973) et I Want You (1976) ont contribué à développer la tempête tranquille. son et format. L'un des albums les plus influents jamais enregistrés, Sly & the Family Stone 's There's a Riot Goin' On (1971) a été considéré comme l'un des premiers et des meilleurs exemples de la version mature de la musique funk, après des exemples prototypiques du son dans le travaux antérieurs du groupe. Des artistes tels que Gil Scott-Heron et The Last Poets ont pratiqué un mélange éclectique de poésie, de jazz-funk et de soul, avec des commentaires politiques et sociaux critiques avec un sentiment afrocentrique . Le travail proto-rap de Scott-Heron , dont " The Revolution Will Not Be Televised " (1971) et Winter in America (1974), a eu un impact considérable sur les artistes hip hop ultérieurs, tandis que son son unique avec Brian Jackson a influencé les artistes néo soul. .

Selon la RIAA , la chanteuse Whitney Houston est l'artiste féminine R&B la plus vendue du 20e siècle. Surnommée "The Voice", elle est considérée comme l'une des plus grandes chanteuses de sa génération.

Au milieu des années 1970, des groupes très élégants et commerciaux tels que le groupe de soul Philly The O'Jays et le groupe de soul aux yeux bleus Hall & Oates ont connu un succès grand public. À la fin des années 1970, la plupart des genres musicaux, y compris la soul, étaient influencés par le disco . Avec l'introduction d'influences de la musique électro et du funk à la fin des années 1970 et au début des années 1980, la musique soul est devenue moins brute et plus habilement produite, ce qui a donné naissance à un genre de musique qui s'appelait à nouveau R&B , généralement distingué du rhythm and blues antérieur par l'identifiant comme du R&B contemporain .

Les premières stars du R&B contemporain sont apparues dans les années 1980, avec la star de la dance-pop Michael Jackson , le chanteur aux influences funk Prince , et une vague de chanteuses comme Tina Turner et Whitney Houston . Michael Jackson et Prince ont été décrits comme les figures les plus influentes du R&B contemporain et de la musique populaire en raison de leur utilisation éclectique d'éléments de divers genres. Prince était en grande partie responsable de la création du son de Minneapolis : "un mélange de cuivres, de guitares et de synthétiseurs électroniques soutenu par un rythme régulier et rebondissant". Le travail de Jackson s'est concentré sur la balladry douce ou la musique de danse influencée par le disco ; en tant qu'artiste, il "a sorti la dance music du marasme du disco avec ses débuts en solo pour adultes en 1979, Off the Wall , a fusionné le R&B avec le rock sur Thriller et a introduit des étapes stylisées telles que le robot et le moonwalk au cours de sa carrière". Jackson est souvent reconnu comme le "King of Pop" pour ses réalisations.

Beyoncé était l'une des chanteuses de R&B américaines les plus populaires des années 2000.

En 1983, le concept de crossover de musique populaire est devenu inextricablement associé à Michael Jackson. Thriller a connu un succès sans précédent, se vendant à plus de 10 millions d'exemplaires rien qu'aux États-Unis. En 1984, l'album a remporté plus de 140 prix d'or et de platine et a été reconnu par le Livre Guinness des records comme le record le plus vendu de tous les temps , un titre qu'il détient toujours aujourd'hui. La diffusion de " Billie Jean " par MTV était la première pour un artiste noir, brisant ainsi la " barrière des couleurs " de la musique pop sur le petit écran. Thriller reste le seul clip reconnu par le National Film Registry .

La chanteuse Ariana Grande est devenue la première artiste solo à occuper simultanément les trois premières places du Hot 100.

Janet Jackson a collaboré avec les anciens associés de Prince Jimmy Jam et Terry Lewis sur son troisième album studio Control (1986); le deuxième single de l'album " Nasty " a été décrit comme l'origine du nouveau son jack swing , un genre innové par Teddy Riley . Le travail de Riley sur Keith Sweat 'de la Marque Il Last Forever (1987), Guy ' s Guy (1988), et Bobby Brown de Do not Be Cruel (1998) a fait une nouvelle prise balancez un aliment de base de R & B contemporain dans le milieu des années 1990 . Le nouveau jack swing était un style et une tendance de la musique vocale, comportant souvent des vers rappés et des boîtes à rythmes . L'attrait croisé des premiers artistes R&B contemporains dans la musique populaire traditionnelle, y compris des œuvres de Prince, Michael et Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner, Anita Baker et The Pointer Sisters est devenu un tournant pour les artistes noirs de l'industrie, car leur succès "était peut-être le premier indice que le plus grand cosmopolitisme d'un marché mondial pourrait produire des changements dans le teint de la musique populaire."

L'utilisation du mélisma , une tradition gospel adaptée par les chanteuses Whitney Houston et Mariah Carey deviendra la pierre angulaire des chanteurs de R&B contemporains à partir de la fin des années 1980 et tout au long des années 1990. Les hits R&B de Whitney Houston comprenaient " All the Man That I Need " (1990) et " I Will Always Love You " (1992), devenu plus tard le single physique le plus vendu par un acte féminin de tous les temps, avec des ventes de plus de 20 millions exemplaires dans le monde entier. Sa bande originale de 1992, The Bodyguard , a passé 20 semaines au sommet du Billboard Hot 200 , s'est vendue à plus de 45 millions d'exemplaires dans le monde et reste la bande originale la plus vendue de tous les temps.

Le hip hop a influencé le R&B contemporain plus tard dans les années 1980, d'abord à travers le nouveau jack swing, puis dans une série de sous-genres connexes appelés hip hop soul et neo soul . La soul hip hop et la neo soul se sont développées plus tard, dans les années 1990. Caractérisé par le travail de Mary J. Blige , R. Kelly et Bobby Brown , le premier est un mélange de R&B contemporain avec des rythmes hip hop, tandis que les images et les thèmes du gangsta rap peuvent être présents. Ce dernier est une combinaison plus expérimentale, plus audacieuse et généralement moins mainstream de voix soul de style années 1960 et 1970 avec une certaine influence hip hop, et a gagné une certaine reconnaissance grâce au travail de D'Angelo , Erykah Badu , Alicia Keys et Lauryn Colline . L'album Voodoo (2000) acclamé par la critique de D'Angelo a été reconnu par les auteurs de musique comme un chef-d'œuvre et la pierre angulaire du genre néo soul.

Musique pop

Madonna est surnommée la "Reine de la Pop" depuis les années 1980. Elle est connue pour sa réinvention continue et sa polyvalence dans la musique et la présentation visuelle.

La musique pop est un genre de musique populaire qui a pris naissance sous sa forme moderne au milieu des années 1950 aux États-Unis et au Royaume-Uni . Au cours des années 1950 et 1960, la musique pop englobait le rock and roll et les styles axés sur les jeunes qu'il a influencés. Le rock et la pop sont restés à peu près synonymes jusqu'à la fin des années 1960, après quoi la pop est devenue associée à une musique plus commerciale, éphémère et accessible. Bien qu'une grande partie de la musique qui apparaît dans les charts soit considérée comme de la musique pop, le genre se distingue de la musique des charts. Bing Crosby a été l'un des premiers artistes à être surnommé « King of Song » ou « King of Popular Music ». L'indie pop , qui s'est développée à la fin des années 1970, a marqué une autre rupture avec le glamour de la musique pop contemporaine, avec des groupes de guitare formés sur la prémisse alors romanesque que l'on pouvait enregistrer et sortir leur propre musique sans avoir à obtenir un contrat d'enregistrement d'un grand étiqueter. Au début des années 1980, la promotion de la musique pop avait été grandement affectée par la montée en puissance de chaînes de télévision musicales comme MTV , qui « favorisaient les artistes tels que Michael Jackson et Madonna qui avaient un fort attrait visuel ». On se souvient généralement des années 1980 pour une augmentation de l'utilisation de l'enregistrement numérique , associée à l'utilisation de synthétiseurs , avec de la musique synth-pop et d'autres genres électroniques mettant en vedette des instruments non traditionnels de plus en plus populaires. En 2014, la musique pop du monde entier était imprégnée de musique de danse électronique . En 2018, des chercheurs de l' Université de Californie à Irvine ont conclu que la musique pop était devenue « plus triste » depuis les années 1980. Les éléments de bonheur et de luminosité ont finalement été remplacés par les rythmes électroniques rendant la musique pop plus «triste mais dansante». Kelly Clarkson est la seule chanteuse américaine à avoir remporté deux fois le Grammy Award du meilleur album vocal pop en 2021, Clarkson étant le premier à gagner deux fois. Clarkson et Justin Timberlake ont tous deux été nominés cinq fois, plus que tout autre artiste, bien que Clarkson soit le seul artiste à avoir le plus d'albums solo nominés. Trois de Timberlake sont en solo, deux sont de NSYNC .

Rock, métal et punk

Joan Baez et Bob Dylan ont été les principales figures du renouveau de la musique folklorique américaine du début des années 1960 . Dylan s'est ensuite aventuré dans le folk rock après avoir été inspiré par l' invasion britannique , en particulier l' enregistrement à succès de The Animals de la chanson folk « The House of the Rising Sun ».

Le rock and roll s'est développé à partir de la country, du blues et du R&B. Les origines exactes et les premières influences du rock ont été vivement débattues et font l'objet de nombreuses recherches. Bien que carrément dans la tradition du blues, le rock a pris des éléments des techniques musicales afro-caribéennes et latines . Le rock était un style urbain, formé dans les régions où diverses populations ont donné lieu à des mélanges de genres afro-américains, latins et européens allant du blues et de la country à la polka et au zydeco . Le rock and roll est d'abord entré dans la musique populaire à travers un style appelé rockabilly , qui a fusionné le son naissant avec des éléments de musique country. Le rock and roll joué par les noirs avait auparavant eu un succès grand public limité, mais c'est l'artiste blanc Elvis Presley qui a d'abord attiré le public grand public avec un style de musique noir, devenant l'un des musiciens les plus vendus de l'histoire, et a apporté le rock and roll aux publics du monde entier.

ZZ Top d' ici 2014, a vendu plus de 50 millions d'albums dans le monde. ZZ Top a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2004.

Les années 1960 ont vu plusieurs changements importants dans la musique populaire, en particulier le rock. Beaucoup de ces changements ont eu lieu lors de l' invasion britannique où des groupes tels que les Beatles , les Who et les Rolling Stones sont devenus immensément populaires et ont eu un effet profond sur la culture et la musique américaines. Ces changements comprenaient le passage des chansons composées par des professionnels à l' auteur-compositeur-interprète , et la compréhension de la musique populaire comme un art plutôt qu'une forme de commerce ou de pur divertissement. Ces changements ont conduit à la montée de mouvements musicaux liés à des objectifs politiques, tels que le mouvement américain des droits civiques et l' opposition à la guerre du Vietnam . Rock était à l'avant-garde de ce changement.

Au début des années 1960, le rock a engendré plusieurs sous-genres, à commencer par le surf . Le surf était un genre de guitare instrumentale caractérisé par un son déformé, associé à la culture des jeunes surfeurs du sud de la Californie . Inspirés par l'orientation lyrique du surf, les Beach Boys ont commencé à enregistrer en 1961 avec un son élaboré, pop et harmonieux. Au fur et à mesure que leur renommée grandissait, l'auteur-compositeur des Beach Boys, Brian Wilson, a expérimenté de nouvelles techniques de studio et s'est associé à la contre - culture . La contre-culture était un mouvement qui embrassait l'activisme politique et était étroitement lié à la sous-culture hippie . Les hippies étaient associés au folk rock , au country rock et au rock psychédélique . Le folk et le country rock ont ​​été associés à la montée de la musique folklorique politisée, dirigée par Pete Seeger et d'autres, en particulier sur la scène musicale de Greenwich Village à New York. Le folk rock est entré dans le courant dominant au milieu des années 1960, lorsque l'auteur-compositeur-interprète Bob Dylan a commencé sa carrière. Le rédacteur en chef d' AllMusic , Stephen Thomas Erlewine, attribue le virage des Beatles vers l'écriture de chansons introspective au milieu des années 1960 à l'influence de Bob Dylan à l'époque. Il a été suivi par un certain nombre de groupes de country-rock et d'auteurs-compositeurs-interprètes doux et folkloriques. Le rock psychédélique était une sorte de rock à base de guitare, étroitement associé à la ville de San Francisco . Bien que Jefferson Airplane ait été le seul groupe local à avoir un succès national majeur, le Grateful Dead , un groupe de jam country et bluegrass , est devenu une partie emblématique de la contre-culture psychédélique, associée aux hippies, au LSD et à d'autres symboles de cette époque. Certains disent que les Grateful Dead étaient vraiment le groupe de rock patriotique le plus américain qui ait jamais existé ; former et façonner une culture qui définit les Américains d'aujourd'hui.

Les Eagles avec cinq singles numéro un, six Grammy Awards, cinq American Music Awards et six albums numéro un, les Eagles ont été l'un des groupes musicaux les plus réussis des années 1970.

À la suite des bouleversements politiques, sociaux et musicaux des années 1960 et du début des années 1970, la musique rock s'est diversifiée. Ce qui était autrefois un genre discret connu sous le nom de rock and roll a évolué vers une catégorie fourre-tout appelée simplement musique rock , qui en est venue à inclure divers styles développés aux États-Unis comme le punk rock . Au cours des années 1970, la plupart de ces styles évoluaient sur la scène musicale underground, tandis que le grand public commençait la décennie avec une vague d' auteurs-compositeurs-interprètes qui puisaient dans les paroles profondément émouvantes et personnelles du folk rock des années 1960. La même période a vu l'essor de groupes de rock d'arène grandiloquents , de groupes de rock sudiste blues et de stars du soft rock moelleux . À partir de la fin des années 1970, le chanteur et auteur-compositeur de rock Bruce Springsteen est devenu une star majeure, avec des chansons hymnes et des paroles denses et impénétrables qui célébraient les pauvres et la classe ouvrière.

Aerosmith est un groupe de rock américain, parfois appelé « les Bad Boys de Boston » et « le plus grand groupe de rock and roll d'Amérique ».

Le punk était une forme de rock rebelle qui a commencé dans les années 1970 et était fort, agressif et souvent très simple. Le punk a commencé comme une réaction contre la musique populaire de l'époque, en particulier le disco et le rock d'arène . Les groupes américains dans le domaine comprenaient, notamment, The Ramones et Talking Heads , ces derniers jouant un style plus avant-gardiste étroitement associé au punk avant d'évoluer vers la nouvelle vague grand public . D' autres actes majeurs incluent Blondie , Patti Smith et Television . Dans les années 1980, certains fans et groupes de punk ont ​​été déçus par la popularité croissante du style, ce qui a donné naissance à un style encore plus agressif appelé punk hardcore . Le hardcore était une forme de punk clairsemé, composé de chansons courtes, rapides et intenses qui s'adressaient à des jeunes mécontents, avec des groupes aussi influents que Bad Religion , Bad Brains , Black Flag , Dead Kennedys et Minor Threat . Le hardcore a commencé dans des métropoles comme Washington, DC , bien que la plupart des grandes villes américaines aient eu leurs propres scènes locales dans les années 1980.

Les Foo Fighters ont remporté 12 Grammy Awards , dont celui du meilleur album rock à quatre reprises.

Le hardcore, le punk et le garage rock étaient les racines du rock alternatif , un groupe diversifié de sous-genres rock explicitement opposés à la musique traditionnelle et issus des styles punk et post-punk. Aux États-Unis, de nombreuses villes ont développé des scènes rock alternatives locales, dont Minneapolis et Seattle. La scène locale de Seattle a produit de la musique grunge , un style sombre et sombre inspiré du hardcore, du psychédélisme et du rock alternatif. Avec l'ajout d'un élément plus mélodique au son de groupes comme Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden et Alice in Chains , le grunge est devenu très populaire aux États-Unis en 1991. Trois ans plus tard, des groupes comme Green Day , The Offspring , Rancid , Bad Religion et NOFX ont atteint le grand public (avec leurs nouveaux albums respectifs Dookie , Smash , Let's Go , Stranger than Fiction et Punk in Drublic ) et ont fait connaître la scène punk californienne dans le monde entier.

Metallica était l'un des groupes les plus influents du heavy metal , car ils comblaient le fossé entre le succès commercial et critique pour le genre. Le groupe est devenu le groupe de rock le plus vendu des années 1990.

Le heavy metal se caractérise par des rythmes agressifs et entraînants, des guitares amplifiées et déformées, des paroles grandioses et une instrumentation virtuose. Les origines du heavy metal se trouvent dans les groupes de hard rock qui ont pris le blues et le rock et ont créé un son lourd construit sur la guitare et la batterie. Les premiers grands groupes américains sont arrivés au début des années 1970, comme Blue Öyster Cult , KISS et Aerosmith . Le heavy metal restait cependant un phénomène largement underground. Au cours des années 1980, le premier style pop-métal majeur est né et a dominé les charts pendant plusieurs années, lancé par le groupe de métal Quiet Riot et dominé par des groupes tels que Mötley Crüe et Ratt ; c'était du glam metal , une fusion hard rock et pop avec un esprit rauque et une esthétique visuelle influencée par le glam . Certains de ces groupes, comme Bon Jovi , sont devenus des stars internationales. Le groupe Guns N' Roses est devenu célèbre vers la fin de la décennie avec une image qui était une réaction contre l'esthétique glam metal.

Au milieu des années 1980, le heavy metal avait pris tellement de directions différentes que les fans, les maisons de disques et les fanzines ont créé de nombreux sous-genres. Les États-Unis étaient particulièrement connus pour l'un de ces sous-genres, le thrash metal , qui a été innové par des groupes comme Metallica , Megadeth , Slayer et Anthrax , Metallica étant le plus réussi commercialement. Les États-Unis étaient connus comme l'un des berceaux du death metal du milieu à la fin des années 1980. La scène de Floride était la plus connue, avec des groupes comme Death , Cannibal Corpse , Morbid Angel , Deicide et bien d'autres. Il existe maintenant d'innombrables groupes de death metal et de deathgrind à travers le pays.

Hip hop

Lauryn Hill en spectacle

Jay-Z est devenu une icône du hip-hop de renommée internationale à la suite de la mort de The Notorious BIG et Tupac Shakur au milieu des années 1990. Kanye West a été encadré par Jay-Z et produit pour lui, avant d'atteindre un niveau de succès similaire.

Le hip hop est un mouvement culturel dont la musique fait partie. La musique hip hop est elle-même composée en grande partie de deux parties : le rap , la livraison de voix rapides, très rythmées et lyriques ; et DJing et/ou production , la production d'instrumentation par l' échantillonnage , l' instrumentation , le platinisme ou le beatbox , la production de sons musicaux à travers des tonalités vocalisées. Le hip hop est né au début des années 1970 dans le Bronx , à New York. Le DJ immigré jamaïcain Kool Herc est largement considéré comme l'ancêtre du hip hop ; il a apporté avec lui de la Jamaïque la pratique de trinquer sur les rythmes des chansons populaires. Les maîtres de cérémonie ont été créés à l'origine pour présenter les chansons soul, funk et R&B que les DJ jouaient, et pour garder la foule excitée et dansante; au fil du temps, les DJ ont commencé à isoler la pause des percussions des chansons (lorsque le rythme atteint son apogée), produisant un rythme répété sur lequel les animateurs ont rappé.

Eminem en 1999. Il était l'artiste musical le plus vendu des années 2000 aux États-Unis.

Contrairement à Motown qui a fondé son succès grand public sur l'attrait de classe de ses actes qui rendaient l'identité raciale sans importance, le hip hop des années 1980, en particulier le hip hop qui est passé au rock and roll, était fondé sur son identification primaire (implicite mais emphatique) avec identité noire. Au début des années 1980, il y avait des chansons hip hop populaires, et les célébrités de la scène, comme LL Cool J , ont acquis une renommée grand public. D'autres interprètes ont expérimenté des paroles politisées et une conscience sociale, ou ont fusionné le hip hop avec le jazz, le heavy metal, la techno , le funk et la soul. De nouveaux styles sont apparus à la fin des années 1980, comme le hip hop alternatif et le jazz rap fusion étroitement lié , lancé par des rappeurs comme De La Soul .

Le gangsta rap est une sorte de hip hop, caractérisé surtout par un accent lyrique sur la sexualité macho, la physicalité et une image criminelle dangereuse. Bien que les origines du gangsta rap remontent au style du milieu des années 1980 du Schoolly D de Philadelphie et du Ice-T de la côte ouest , le style s'est élargi et s'est appliqué à de nombreuses régions différentes du pays, aux rappeurs de New York, tels que en tant que groupe de hip hop notoire BIG et influent Wu-Tang Clan , et aux rappeurs de la côte ouest, tels que Too Short et NWA . Une scène de rap distinctive de la côte ouest a donné naissance au son G-funk du début des années 1990 , qui associait des paroles de gangsta rap à un son épais et brumeux, souvent à partir d' échantillons funk des années 1970 ; les partisans les plus connus étaient les rappeurs 2Pac , Dr. Dre , Ice Cube et Snoop Dogg . Le gangsta rap a continué à exercer une présence majeure dans la musique populaire américaine jusqu'à la fin des années 1990 et au début du 21e siècle.

La domination du gangsta rap dans le hip-hop grand public a été supplantée à la fin des années 2000, en grande partie en raison du succès grand public d'artistes hip-hop tels que Kanye West . Le résultat d'une compétition de vente très médiatisée entre la sortie simultanée de son troisième album studio et de celui du rappeur gangsta 50 Cent , Graduation et Curtis respectivement, a depuis été accrédité au déclin. La compétition a donné lieu à des ventes record pour les deux albums et West a dépassé les ventes de 50 Cent, vendant près d'un million d'exemplaires de Graduation au cours de la seule première semaine. Les observateurs de l'industrie remarquent que la victoire de West sur 50 Cent a prouvé que la musique rap n'avait pas à se conformer aux conventions du gangsta-rap pour avoir un succès commercial. West a effectivement ouvert la voie à une nouvelle vague d'artistes hip-hop, dont Drake , Kendrick Lamar et J. Cole , qui n'ont pas suivi le moule hardcore - gangster et sont devenus des artistes vendeurs de platine.

Autres styles de niche et musique latino-américaine

L'album de Christina Aguilera, Mi Reflejo, a culminé à la première place des classements Billboard Top Latin Albums et Latin Pop Albums, où il a passé 19 semaines au sommet des deux charts. L'album était l'album pop latino le plus vendu en 2000 et a été certifié 6× Platine (domaine latin) par la Recording Industry Association of America (RIAA).
La musique latine aux États-Unis

L'industrie musicale américaine est dominée par de grandes entreprises qui produisent, commercialisent et distribuent certains types de musique. Généralement, ces sociétés ne produisent pas, ou ne produisent qu'en quantités très limitées, des enregistrements dans des styles qui ne plaisent pas à un très large public. Les petites entreprises comblent souvent le vide, offrant une grande variété d'enregistrements dans des styles allant de la polka à la salsa . De nombreuses petites industries musicales sont construites autour d'un noyau de fans qui peuvent être basés en grande partie dans une région, comme Tejano ou la musique hawaïenne , ou ils peuvent être largement dispersés, comme le public du klezmer juif .

Parmi les musiciens hispano-américains qui ont été des pionniers dans les premiers stades du rock and roll, il y avait Ritchie Valens , qui a marqué plusieurs tubes, notamment " La Bamba " et Herman Santiago a écrit les paroles de la chanson emblématique du rock and roll " Why Do Fools Fall in Amour ". Les chansons qui sont devenues populaires aux États-Unis et sont entendues pendant la saison des Fêtes/Noël sont « ¿Dónde Está Santa Claus ? » est une nouvelle chanson de Noël avec Augie Ríos, 12 ans, a été un hit record en 1959 avec le Mark Jeffrey Orchestra. " Feliz Navidad " (1970) de José Feliciano est une autre chanson latine célèbre.

Demi Lovato a pris de l'importance en 2008 lorsqu'ils ont joué dans le film télévisé de Disney Channel Camp Rock et ont signé un contrat d'enregistrement avec Hollywood Records.

La plus grande industrie de niche est basée sur la musique latine. La musique latine a longtemps influencé la musique populaire américaine et a joué un rôle particulièrement crucial dans le développement du jazz. Les styles pop latins modernes comprennent un large éventail de genres importés de toute l'Amérique latine, notamment la cumbia colombienne , le reggaeton portoricain et le corrido mexicain . La musique populaire latine aux États-Unis a commencé avec une vague de groupes de danse dans les années 1930 et 1950. Les styles les plus populaires comprenaient la conga , la rumba et le mambo . Dans les années 1950, Perez Prado a rendu le cha-cha-cha célèbre, et l'essor du jazz afro-cubain a ouvert de nombreuses oreilles aux possibilités harmoniques, mélodiques et rythmiques de la musique latine. La forme américaine la plus connue de la musique latine, cependant, est la salsa . La salsa incorpore de nombreux styles et variations; le terme peut être utilisé pour décrire la plupart des formes de genres populaires dérivés de Cuba. Plus précisément, cependant, la salsa fait référence à un style particulier qui a été développé par des groupes d'immigrants cubains et portoricains de la région de New York au milieu des années 1970, et des descendants stylistiques comme la salsa romantica des années 1980 . Les rythmes de salsa sont compliqués, avec plusieurs motifs joués simultanément. Le rythme de la clave constitue la base des chansons de salsa et est utilisé par les interprètes comme base rythmique commune pour leurs propres phrases .

La musique latino-américaine a longtemps influencé la musique populaire américaine, le jazz , le rhythm and blues et même la musique country . Cela inclut la musique des pays et territoires hispanophones, portugais et (parfois) francophones d'Amérique latine.

Aujourd'hui, l'industrie du disque américaine définit la musique latine comme tout type de sortie avec des paroles principalement en espagnol. Les artistes et les producteurs traditionnels ont tendance à figurer davantage sur les chansons d'artistes latins et il est également devenu plus probable que les chansons en anglais passent à la radio espagnole et vice versa.

Les États-Unis ont joué un rôle important dans le développement de la musique de danse électronique , en particulier de la house et de la techno , originaires respectivement de Chicago et de Detroit .

Aujourd'hui, la musique latino-américaine est devenue un terme pour la musique interprétée par les Latinos, qu'elle ait ou non un élément latin. Des artistes tels que Shakira , Jennifer Lopez , Enrique Iglesias , Pitbull , Selena Gomez , Christina Aguilera , Gloria Estefan , Demi Lovato , Mariah Carey , Becky G , Paulina Rubio et Camila Cabello figurent en bonne place dans les charts pop. Iglesias, qui détient le record du plus grand nombre de titres n°1 sur les Hot Latin Tracks de Billboard, a sorti un album bilingue, inspiré d'actes urbains, il sort deux chansons complètement différentes aux formats latin et pop en même temps.

Gouvernement, politique et droit

Barbra Streisand a connu du succès dans plusieurs domaines du divertissement.

Le gouvernement des États-Unis réglemente l'industrie de la musique, applique les lois sur la propriété intellectuelle et promeut et collectionne certains types de musique. En vertu de la loi américaine sur le droit d'auteur , les œuvres musicales, y compris les enregistrements et les compositions, sont protégées en tant que propriété intellectuelle dès qu'elles sont fixées sous une forme tangible. Les détenteurs de droits d'auteur enregistrent souvent leur travail auprès de la Bibliothèque du Congrès , qui conserve une collection du matériel. En outre, la Bibliothèque du Congrès a activement recherché des documents importants sur le plan culturel et musicologique depuis le début du XXe siècle, par exemple en envoyant des chercheurs enregistrer de la musique folklorique. Ces chercheurs comprennent le pionnier américain du collectionneur de chansons folkloriques Alan Lomax , dont le travail a contribué à inspirer le renouveau des racines du milieu du 20e siècle. Le gouvernement fédéral finance également les National Endowments for the Arts and Humanities , qui allouent des subventions aux musiciens et autres artistes, la Smithsonian Institution , qui mène des programmes de recherche et d'éducation, et la Corporation for Public Broadcasting , qui finance les organismes à but non lucratif et les télédiffuseurs.

La musique a longtemps affecté la politique des États-Unis . Les partis et mouvements politiques utilisent fréquemment la musique et la chanson pour communiquer leurs idéaux et leurs valeurs et pour divertir lors de réceptions politiques. La campagne présidentielle de William Henry Harrison a été la première à bénéficier grandement de la musique, après quoi il est devenu une pratique courante pour les principaux candidats d'utiliser des chansons pour susciter l'enthousiasme du public. Au cours des dernières décennies, les politiciens ont souvent choisi des chansons à thème , dont certaines sont devenues emblématiques ; la chanson "Happy Days Are Here Again", par exemple, est associée au Parti démocrate depuis la campagne de 1932 de Franklin D. Roosevelt . Depuis les années 1950, cependant, la musique a perdu de son importance en politique, remplacée par des campagnes télévisées avec peu ou pas de musique. Certaines formes de musique sont devenues plus étroitement associées à la protestation politique, en particulier dans les années 1960. Des stars du gospel comme Mahalia Jackson sont devenues des figures importantes du mouvement des droits civiques , tandis que le renouveau du folk américain a contribué à répandre la contre - culture des années 1960 et l' opposition à la guerre du Vietnam .

Industrie et économie

Sinatra en 1947, à la salle Liederkranz . Il est l'un des artistes musicaux les plus vendus de tous les temps, ayant vendu plus de 150 millions de disques dans le monde.

Les États-Unis ont le plus grand marché de la musique au monde avec une valeur au détail totale de 4,9 milliards de dollars en 2014. L'industrie musicale américaine comprend un certain nombre de domaines, allant des maisons de disques aux stations de radio et aux orchestres communautaires. Le chiffre d'affaires total de l'industrie est d'environ 40 milliards de dollars dans le monde et d'environ 12 milliards de dollars aux États-Unis. La plupart des grandes maisons de disques du monde sont basées aux États-Unis ; ils sont représentés par la Recording Industry Association of America (RIAA). Les grandes maisons de disques produisent du matériel d'artistes qui ont signé avec l'une de leurs maisons de disques , une marque souvent associée à un genre ou à un producteur de disques particulier . Les maisons de disques peuvent également promouvoir et commercialiser leurs artistes par le biais de la publicité, de représentations et de concerts publics et d'apparitions à la télévision. Les maisons de disques peuvent être affiliées à d'autres sociétés de médias musicaux, qui produisent un produit lié à la musique enregistrée populaire. Il s'agit notamment de chaînes de télévision comme MTV , de magazines comme Rolling Stone et de stations de radio. Ces dernières années, l'industrie de la musique a été en proie à la tourmente suscitée par l'essor du téléchargement sur Internet de musique protégée par le droit d' auteur ; de nombreux musiciens et la RIAA ont cherché à punir les fans qui téléchargent illégalement de la musique protégée par le droit d'auteur.

Katy Perry a reçu de nombreux prix, dont quatre Guinness World Records, un Brit Award et un Juno Award, et a été incluse dans la liste Forbes des « Top-Earning Women In Music » (2011-2016).

Les stations de radio aux États-Unis diffusent souvent de la musique populaire. Chaque station musicale a un format , ou une catégorie de chansons à jouer ; celles-ci sont généralement similaires mais pas identiques à la classification générique ordinaire. De nombreuses stations de radio aux États-Unis sont détenues et exploitées localement, et peuvent offrir un assortiment éclectique d'enregistrements ; de nombreuses autres stations appartiennent à de grandes entreprises comme Clear Channel , et sont généralement formatées sur des listes de lecture plus petites et plus répétitives . Les ventes commerciales d'enregistrements sont suivies par le magazine Billboard , qui compile un certain nombre de classements musicaux pour divers domaines des ventes de musique enregistrée. Le Billboard Hot 100 est le meilleur palmarès de musique pop pour les célibataires , un enregistrement composé d'une poignée de chansons ; les enregistrements pop plus longs sont des albums et sont suivis par le Billboard 200 . Bien que la musique enregistrée soit courante dans les foyers américains, une grande partie des revenus de l'industrie musicale provient d'un petit nombre de fidèles ; par exemple, 62 % des ventes d'albums proviennent de moins de 25 % des acheteurs de musique. Les ventes totales de CD aux États-Unis ont dépassé les 705 millions d'unités vendues en 2005, et les ventes de singles un peu moins de trois millions.

Bien que les grandes maisons de disques dominent l'industrie musicale américaine, une industrie musicale indépendante ( musique indépendante ) existe bel et bien. La plupart des maisons de disques indépendantes ont une distribution au détail limitée, voire inexistante, en dehors d'une petite région. Les artistes enregistrent parfois pour un label indépendant et sont suffisamment acclamés pour être signés sur un label majeur ; d'autres choisissent de rester dans un label indépendant pour toute leur carrière. La musique indépendante peut appartenir à des styles généralement similaires à la musique traditionnelle, mais elle est souvent inaccessible, inhabituelle ou autrement peu attrayante pour de nombreuses personnes. Les musiciens indépendants publient souvent une partie ou la totalité de leurs chansons sur Internet pour que les fans et autres puissent les télécharger et les écouter. En plus des artistes d'enregistrement de toutes sortes, il existe de nombreux domaines de la musicalité professionnelle aux États-Unis, dont beaucoup enregistrent rarement, y compris les orchestres communautaires, les chanteurs et groupes de mariage, les chanteurs de salon et les DJ de discothèque. La Fédération américaine des musiciens est le plus grand syndicat américain pour les musiciens professionnels. Cependant, seulement 15 % des membres de la Fédération ont un emploi stable en musique.

Éducation et bourse

Billy Joel au Madison Square Garden, vers 1995.

La musique est une partie importante de l' éducation aux États-Unis et fait partie de la plupart ou de tous les systèmes scolaires du pays. L'éducation musicale est généralement obligatoire dans les écoles élémentaires publiques, et est un cours au choix dans les années suivantes.

Britney Spears est considérée comme une icône de la pop et a influencé le renouveau de la pop adolescente à la fin des années 1990. Elle est devenue "l'artiste adolescente la plus vendue de tous les temps" et a remporté des titres honorifiques, dont la "Princesse de la pop".

L'étude savante de la musique aux États-Unis comprend des travaux relatifs à la classe sociale, à l'identité raciale, ethnique et religieuse, au genre et à la sexualité, ainsi que des études sur l'histoire de la musique, la musicologie et d'autres sujets. L'étude académique de la musique américaine remonte à la fin du XIXe siècle, lorsque des chercheurs comme Alice Fletcher et Francis La Flesche ont étudié la musique des peuples Omaha , travaillant pour le Bureau of American Ethnology et le Peabody Museum of Archaeology and Ethnology . Dans les années 1890 et au début du 20e siècle, des enregistrements musicologiques ont été réalisés parmi les peuples autochtones, hispaniques, afro-américains et anglo-américains des États-Unis. Beaucoup ont travaillé pour la Bibliothèque du Congrès , d'abord sous la direction d' Oscar Sonneck , chef des divisions musicales de la Bibliothèque. Ces chercheurs comprenaient Robert W. Gordon, fondateur de l' Archive of American Folk Song , et John et Alan Lomax ; Alan Lomax était le plus important de plusieurs collectionneurs de chansons folkloriques qui ont contribué à inspirer le renouveau des racines du 20e siècle de la culture folk américaine.

Lana Del Rey en concert au Irving Plaza en juin 2012

L'analyse savante de la musique américaine du début du XXe siècle avait tendance à interpréter les traditions classiques d'origine européenne comme les plus dignes d'étude, les musiques folkloriques, religieuses et traditionnelles des gens ordinaires étant dénigrées comme de basse classe et de peu de valeur artistique ou sociale. L'histoire de la musique américaine a été comparée aux archives historiques beaucoup plus longues des nations européennes, et s'est avérée insuffisante, amenant des écrivains comme le compositeur Arthur Farwell à se demander quelles sortes de traditions musicales pourraient découler de la culture américaine, dans son 1915 Music in America . En 1930, Our American Music de John Tasker Howard est devenu une analyse standard, se concentrant en grande partie sur la musique de concert composée aux États-Unis. Depuis l'analyse du musicologue Charles Seeger au milieu du 20e siècle, l'histoire de la musique américaine a souvent été décrite comme étant intimement liée aux perceptions de la race et de l'ascendance. Selon ce point de vue, la diversité raciale et ethnique des États-Unis a à la fois favorisé un sentiment de séparation musicale entre les races, tout en favorisant une acculturation constante, car des éléments des musiques européennes, africaines et indigènes ont changé entre les domaines. Gilbert Chase de musique de l' Amérique, des pèlerins à nos jours , a été le premier travail important d'examiner la musique de l'ensemble des États-Unis, et de reconnaître les traditions populaires comme culturellement plus importante que la musique pour la salle de concert. L'analyse de Chase d'une identité musicale américaine diversifiée est restée le point de vue dominant parmi l'establishment universitaire. Jusque dans les années 1960 et 1970, cependant, la plupart des spécialistes de la musique aux États-Unis ont continué à étudier la musique européenne, se limitant uniquement à certains domaines de la musique américaine, en particulier les styles classiques et lyriques d'origine européenne, et parfois le jazz afro-américain. Des musicologues et des ethnomusicologues plus modernes ont étudié des sujets allant de l'identité musicale nationale aux styles et techniques individuels de communautés spécifiques à une époque particulière de l'histoire américaine. Proéminents des études récentes de la musique américaine comprennent Charles Hamm 's Musique dans le Nouveau Monde de 1983 et Richard Crawford est la vie musicale de l' Amérique de 2001.

Les vacances et les festivals

La musique est une partie importante de plusieurs jours fériés américains, jouant en particulier un rôle majeur dans la célébration hivernale de Noël . La musique de la fête comprend à la fois des chansons religieuses comme " O Holy Night " et des chansons profanes comme " Jingle Bells ". Les chansons patriotiques comme l'hymne national, " The Star-Spangled Banner ", sont une partie importante des célébrations du Jour de l' Indépendance . La musique joue également un rôle dans de nombreuses fêtes régionales qui ne sont pas célébrées à l'échelle nationale, notamment le Mardi Gras , un défilé et un festival de musique et de danse à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane .

Les États-Unis abritent de nombreux festivals de musique , qui présentent des styles allant du blues et du jazz au rock indépendant et au heavy metal. Certains festivals de musique ont une portée strictement locale, comprenant peu ou pas d'artistes de réputation nationale, et sont généralement gérés par des promoteurs locaux. Les grandes maisons de disques gèrent leurs propres festivals de musique, tels que Lollapalooza et Ozzfest , qui attirent des foules immenses.

Voir également

Remarques

Les références

Lectures complémentaires

Liens externes