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Un dessinateur (ou dessinateur ) est un artiste collaboratif qui travaille à la création de bandes dessinées , de romans graphiques et de formes d'art visuel similaires, en mettant l'accent sur les illustrations primaires au crayon, d'où le terme "dessinateur".

Dans l' industrie américaine de la bande dessinée , le dessinateur est la première étape pour rendre l'histoire sous forme visuelle et peut nécessiter plusieurs étapes de rétroaction avec l'écrivain. Ces artistes se préoccupent de la mise en page (positions et points de vue sur les scènes) pour mettre en valeur les étapes de l'intrigue.

Outils et matériaux

Un dessinateur travaille au crayon . Au-delà de cette description de base, cependant, différents artistes choisissent d'utiliser une grande variété d'outils différents. Alors que de nombreux artistes utilisent des crayons de bois traditionnels, d'autres préfèrent les crayons mécaniques ou les mines de dessin. Les crayonneurs peuvent utiliser n'importe quelle dureté de plomb qu'ils souhaitent, bien que de nombreux artistes utilisent une mine plus dure (comme un 2H ) pour faire des lignes légères pour les croquis initiaux, puis se tournent vers une mine légèrement plus douce (comme un HB ) pour les phases de finition du dessin. D'autres artistes encore réalisent leurs premières mises en page à l'aide d'un crayon de couleur bleu clair car cette couleur a tendance à disparaître lors de la photocopie .

La plupart des pages de bandes dessinées américaines sont dessinées surdimensionnées sur de grandes feuilles de papier, généralement du carton Bristol . La taille habituelle des pages de bandes dessinées dans l' industrie américaine de la bande dessinée est de 11 pouces sur 17 pouces. L' encreur travaille généralement directement sur les marques de crayon du dessinateur, bien que parfois les pages soient encrées sur du papier translucide , tel que du papier vélin , en préservant les crayons d'origine. L'œuvre d'art est ensuite réduite photographiquement en taille pendant le processus d'impression. Avec l'avènement des programmes d'illustration numérique tels que Photoshop , de plus en plus d'œuvres d'art sont produites numériquement, en partie ou en totalité (voir ci-dessous).

Les créateurs notables et leurs techniques

Jack Kirby

De 1949 jusqu'à sa retraite, Jack Kirby a travaillé dans un studio au sous-sol de trois mètres de large surnommé "The Dungeon" par sa famille. Lorsqu'il commençait avec un morceau de carton Bristol propre, il dessinait d'abord ses lignes de panneau avec un carré en T.

Arthur Adams

Arthur Adams commence à dessiner des mises en page de vignettes à partir du script qu'il a reçu, chez lui ou dans un lieu public. Les vignettes varient en taille de 2 pouces x 3 pouces à la moitié de la taille de la bande dessinée imprimée. Lui ou un assistant agrandira ensuite les vignettes et les tracera sur une planche à dessin avec un crayon bleu non photo , parfois à l'aide d'un crayon bleu clair Prismacolor , car il n'est pas trop cireux et s'efface facilement. Lorsqu'il travaille sur le tableau d'illustration final, il le fait sur une grande planche à dessin lorsqu'il se trouve dans son studio au sous-sol et sur un lapboard lorsqu'il est assis sur le canapé de son salon. Après avoir tracé les vignettes, il clarifiera ensuite les détails avec un autre crayon bleu clair et finalisera les détails avec un crayon numéro 2 . Il a dessiné les trois premiers chapitres de " Jonni Future " à deux fois la taille de la bande dessinée imprimée, et a également dessiné le cinquième chapitre, " The Garden of the Sklin ", à une taille plus grande que la norme, afin de rendre plus de détails que d'habitude dans ces histoires. Pour une grande image d'affiche avec une multitude de personnages, il repassera les contours des figures au feutre afin de les mettre en valeur. Il utilisera des références photographiques le cas échéant, comme lorsqu'il dessine des choses auxquelles il n'est pas habitué. Parce qu'une partie importante de ses revenus provient de la vente de ses œuvres d'art originales, il hésite à apprendre à produire son travail numériquement.

Jim Lee

L'artiste Jim Lee est connu pour utiliser la mine F pour son travail au crayon.

J.Scott Campbell

L'artiste J. Scott Campbell fait son crayon avec un porte -mine et une mine Sanford Turquoise H , qu'il utilise pour sa douceur et sa noirceur, et pour sa capacité à donner une sensation « sommaire », avec une quantité minimale de maculage de plomb poudreux. Il utilise cette mine parce qu'elle établit un équilibre entre trop dure, et donc pas assez foncée sur la page, et trop molle, et donc sujette au maculage et à l'effritement. Campbell évite son concurrent le plus proche car il le trouve trop cireux. Campbell a également utilisé la sonde HB et la sonde F. Il maintient la netteté de la mine avec un aiguiseur Berol Turquoise, en les changeant tous les quatre à six mois, ce qui, selon lui, correspond à la durée de leur capacité de meulage. Campbell utilise une combinaison de gommes Magic Rub, de bâtons de gomme et depuis qu'il a commencé à encrer son travail numériquement, une gomme électrique Sakura . Il affûte souvent la gomme à un bord en coin afin de rendre un travail fin et détaillé.

Travis Charest

L'artiste Travis Charest utilise principalement du plomb 2H pour éviter les bavures, et parfois du plomb HB . Auparavant, il illustrait sur des planches d'illustration régulières fournies par les éditeurs, bien qu'il n'aimait pas les lignes bleues non photographiques imprimées dessus. En 2000, il est passé au carton Crescent pour tous ses travaux, car il ne se déforme pas lorsqu'il est mouillé, produit des illustrations plus nettes et convient mieux au cadrage car il leur manque les lignes bleues non photo. Charest préfère généralement ne pas utiliser de pratiques d'esquisse préliminaires, telles que les mises en page, les vignettes ou les lightboxing , en partie par impatience, et en partie parce qu'il apprécie la nature fortuite dans laquelle les œuvres d'art se développent lorsqu'elles sont produites avec une plus grande spontanéité. Il préfère également n'utiliser la référence que lors du rendu d'objets qui nécessitent un certain degré de précision dans la vie réelle, tels que des armes à feu, des véhicules ou des personnages de propriétés sous licence qui doivent ressembler à des acteurs avec lesquels ils sont étroitement identifiés, comme lorsqu'il a illustré la couverture de Star Trek . : The Next Generation : Embrace the Wolf en 2000.

Adam Hugues

Le processus de dessin au crayon que l'artiste Adam Hughes utilise pour son travail de couverture est le même qu'il utilise lorsqu'il fait des croquis pour les fans lors de conventions, la principale différence étant qu'il couvre le travail dans son carnet de croquis, avant de transférer le dessin sur un tableau d'art vierge avec une lightbox , alors qu'il fait des dessins conventionnels sur 11 x 14 Strathmore bristol, car il préfère le crayonnage sur la surface vélin plus rugueuse plutôt que sur le papier lisse, préférant le papier plus lisse uniquement pour l'encrage au pinceau. Il fait des sous-esquisses préliminaires avec un porte-mine , car il a l'impression que les crayons ordinaires s'usent trop rapidement. Comme il l'a expliqué lors d'une démonstration de croquis lors d'une convention de bande dessinée, au cours de ce processus, il utilise une mine Sanford Turquoise 4B , une mine souple, bien que lorsqu'il travaille à la maison à Atlanta, où le temps humide a tendance à humidifier le papier, il utilise parfois une Fil B ou fil 2B , qui agit comme un 4B dans cet environnement. Cependant, son site Web explique qu'il utilise du plomb 6B, avec quelques variations. Pour les pièces entièrement réalisées au crayon, il utilise une variété de mines de crayon de dureté variable. Après avoir assombri les traits de construction qu'il souhaite conserver, il efface les plus clairs avec une gomme mie de pain avant de rendre plus détaillés. Pour des gommages plus détaillés, il utilise une gomme blanche en forme de crayon , et pour gommer de grandes surfaces, il utilise une gomme blanche plus grande à main, la Staedtler Mars plastique, qu'il appelle une "gomme thermonucléaire", car elle "prend soin de tout".

Joe Quesada

L'artiste et ancien rédacteur en chef de Marvel Comics, Joe Quesada , commence par des croquis beaucoup plus petits que la taille réelle à laquelle il rendra le dessin final. Il utilise une tablette graphique Cintiq lorsqu'il souhaite faire une mise en page numérique "plus serrée" d'une illustration. Lorsqu'il dessine des figures, il utilise parfois des références photographiques et incorpore les photos directement dans ses croquis lors du processus de finalisation d'une mise en page. Une fois qu'il a pris une décision finale sur une mise en page, il l'imprime ensuite en taille réelle et utilise une boîte à lumière pour la dessiner au crayon, modifiant parfois des éléments de la conception tels que l'éclairage ou d'autres détails.

Bryan Attelage

L'artiste Bryan Hitch commence par plusieurs croquis approximatifs utilisant différents angles de caméra sur papier avec un crayon bleu, qui traditionnellement ne photocopie ni ne numérise, puis sélectionne les éléments souhaités à partir du croquis approximatif avec un crayon graphite. Après avoir choisi les formes initiales, il soulignera davantage ses sélections avec un marqueur rouge et d'autres stylos de couleur, continuant à essayer différentes variations. Il devra ensuite, selon l'heure à laquelle il est, soit redessiner l'illustration sur une feuille de papier layout, soit utiliser sa lightbox pour resserrer et nettoyer le dessin, en soulignant que la lightbox ne doit pas être un simple exercice de calque, mais une opportunité d'affiner ou de modifier des éléments du dessin pour le rendre suffisamment "propre" pour être encré. Lorsque Hitch transfère le dessin sur le tableau d'art final, il fait les mises en page initiales avec un crayon 2H, qui, selon lui, fournit la précision et les détails nécessaires, et utilise un crayon bleu effaçable pour marquer les cadres des panneaux et les points de fuite , qu'il introduit après le brouillon. étape. Il choisit de ne pas mettre trop de temps ou de peaufiner cette étape, préférant travailler rapidement, légèrement et instinctivement. Il utilise un crayon mécanique avec une mine de 0,9 mm 2H à ce stade pour les contours fins et le travail de détail, et un crayon traditionnel pour un travail plus organique, y compris des lignes plus douces, ombrant de grandes surfaces et créant un mouvement plus fluide. Le "meilleur outil de tous", selon lui, est un crayon traditionnel coupé avec un couteau artisanal , qui, selon lui, peut produire une variété de marques et être utilisé pour les détails, les ombres et les croquis généraux. Hitch pense que les meilleurs résultats combinent à la fois le crayon mécanique et le crayon traditionnel aiguisé au couteau. Hitch est particulier à propos de son espace de travail en studio, qui ne contient ni télévision ni canapé, déclarant que de telles choses appartiennent au salon pour se détendre. Malgré l'utilisation d'une planche à dessin professionnelle, il souligne que toute planche peu coûteuse assez grande pour contenir le papier est suffisante, car lui-même utilise principalement un morceau de carton gris grossièrement coupé appuyé sur le bord de son bureau. Il utilise un ordinateur de bureau Apple iMac , un scanner à plat et Photoshop pour modifier numériquement ses œuvres.

Simone Bianchi

Contrairement à l'environnement de travail de Hitch, l'artiste Simone Bianchi dit qu'il ne peut pas travailler à moins d'écouter de la musique et qu'il possède une vaste collection de musique dans son studio et des haut-parleurs stéréo placés au-dessus de sa planche à dessin. Bianchi utilise de nombreuses références de photos et une lightbox pour donner à ses œuvres un aspect réaliste. Il utilise une planche à dessin en bois qu'il utilisait pour dessiner à plat, mais inclinée en raison de maux de dos qu'il a commencé à avoir en 2006.

Marc Silvestri

Un autre artiste qui écoute de la musique en travaillant est Marc Silvestri , qui dit qu'il écoute de la musique chill down-tempo en travaillant, contrairement au rock alternatif qu'il écoute à d'autres moments.

Erik Larsen

Sur la page Biographie et Bibliographie de son site Web, Erik Larsen explique qu'il utilise un crayon Staedtler Mars Lumograph 100 2H et une gomme Staedtler Mars Plastic Eraser. Cependant, sur la page des questions fréquemment posées du site, il déclare qu'il utilise un crayon Dixon Ticonderoga # 2 standard avec une mine HB, expliquant: "C'est pâteux comme tout, mais cela ne me ralentit pas comme le ferait un crayon plus dur."

Amanda Conner

Lors de la lecture de chaque page d'un scénario, l'artiste Amanda Conner fait de minuscules croquis miniatures avec des personnages en bâton correspondant à l'histoire indiquée sur chaque page, afin de l'aider à concevoir la mise en page de la page. Elle fait ensuite des croquis plus serrés et plus élaborés, bien qu'encore assez petits par rapport à l'œuvre finie, environ 4 "x 6", puis les fait exploser sur un photocopieur à la taille de bande dessinée originale appropriée, qui est de 10 pouces x 15 pouces. Elle utilise ensuite des "crayons très serrés" pour l'encadrer sur du carton Bristol , si elle a l'intention de le faire encrer par son mari et collaborateur, Jimmy Palmiotti, mais fera les crayons "plus légers et plus lâches" si elle a l'intention de l'encrer elle-même. , car elle sait déjà comment elle veut que l'illustration soit rendue. Conner a créé son propre format de papier et de ligne bleue sur son papier à dessin, car, explique-t-elle, elle aime que ces configurations soient pré-imprimées sur la page et estime que "parfois, le rugueux est trop rugueux et le lisse est trop lisse. " Le stock qu'elle utilise est la série 10 "x 15" Strathmore 500, mais elle commande également un stock personnalisé de 8 "x 12" car elle trouve parfois ces dimensions plus confortables et plus faciles à travailler plus rapidement. Elle trouve également que la série Strathmore 300 est "assez bonne" aime sa belle texture et son prix plus abordable, mais dit qu'elle doit parfois se contenter d'obtenir un "lot saignant". Conner utilise des crayons mécaniques avec une mine de 0,03 parce qu'elle les trouve plus faciles à utiliser que les crayons ordinaires qui l'obligent à s'arrêter et à les aiguiser fréquemment.

Gène Ha

Une fois que l'artiste Gene Ha a obtenu un script, il fait de "minuscules" croquis miniatures de chaque page, puis fait des croquis de mise en page sur des copies rétrécies de planche de bande dessinée, deux par page. C'est à ce stade qu'il élabore l'équilibre clair/foncé de la page. Bien qu'il dise qu'environ 90% de ses œuvres sont réalisées sans référence photo, il photographiera parfois ses amis se faisant passer pour les personnages centraux, ou utilisera un miroir pleine longueur pour se dessiner. Il rend des personnages mineurs de son imagination. Indépendamment de la quantité de lumière solaire dont il dispose un jour donné, il préfère utiliser une lampe photo à incandescence de 500 W, bien qu'il pense qu'une lampe halogène de 500 W est également adéquate. Il préfère utiliser un porte-mine avec une mine H pour les esquisses et une mine 2B pour l'ombrage, qu'il affûte avec un pointeur de mine rotatif, estimant que ces mines peuvent être mieux affûtées qu'un crayon traditionnel. Il agrandit une numérisation de chaque mise en page à 8,5 "x 11" et dessine des crayons "serrés" par-dessus, qui sont ensuite numérisés et imprimés sur du papier jet d'encre 11 "x 17" en ligne bleue pâle . Il préfère le papier Xerox car il a l'impression que la surface du papier marqueur a tendance à se tacher ou à se graisser. Lors de l'importation d'œuvres d'art à modifier dans son ordinateur, il utilise Photoshop .

Jason Shiga

L'artiste Jason Shiga a dessiné son roman graphique de 2011 Empire State: A Love Story (Or Not) avec un crayon jaune n ° 2 sur du papier copie, avant de le transférer avec de l'encre brossée via une lightbox.

Jonathan Luna

L'artiste Jonathan Luna utilise du carton Bristol Strathmore 14 x 17, qu'il découpe en morceaux de 11 x 17 sur lesquels dessiner. Il dessine à l'aide d'un crayon 2H, et après avoir encré ses crayons avec un stylo Micron , il édite son travail au trait sur une tablette graphique.

Marcio Takara

L'artiste Marcio Takara commence ses pages avec des croquis miniatures à l'encre de 7 "x 5" avec lesquels il montre ses idées générales à son éditeur. Lorsqu'il commence les crayons proprement dits, il les garde "en vrac", car il finira par les encrer lui-même, et n'exige pas une plus grande spécificité. L'étape du crayonnage est l'étape la plus rapide pour Takara, qui effectue tout son travail au crayon avec un porte-mine HB 0,5 , complétant deux ou trois pages au crayon par jour, encrant même parfois les trois à la fin de la journée.

Chuck Austen

L'écrivain/artiste Chuck Austen a fait son travail sur Elektra entièrement sur un ordinateur. Il préfère utiliser principalement des Macintosh, mais utilise également des PC . Lorsqu'il utilise un Mac, il utilise Ray Dream Studio , et lorsqu'il utilise un PC, il utilise 3D Studio Max . Ceux-ci lui permettent de prendre des modèles tridimensionnels et de les décomposer en formes simplifiées de lignes bicolores. Il achète les modèles de catalogues ou utilise ceux qu'il a construits pour Strips en utilisant Hash ou Animation:Master . Après avoir importé les modèles dans Studio ou Max , il organise les angles et d'autres aspects de la scène avant de les rendre, comme le placement des objets d'arrière-plan ou la modification des gestes, tandis que l'ordinateur corrige des éléments tels que la perspective , le raccourci , les proportions, etc. Après le les fichiers sont rendus à la satisfaction d'Austen, il les assemble sous forme de page à l'aide de Photoshop , complétant les détails que les programmes de modélisation ne peuvent pas perfectionner, tels que les expressions faciales, les cheveux, le remplissage des noirs, le rendu des vêtements et des rides, etc. Pour terminer l'art, il va soit imprimez les "crayons" directement sur du carton Bristol et finalisez-les avec un crayon HB Tombow et encrez-les avec une plume n°2, soit appliquerez les finitions dans Photoshop.

Scott Mc Cloud

Scott McCloud réalise également son travail presque entièrement sur une tablette informatique . Bien qu'il esquisse ses mises en page au crayon, le reste de son travail est fait numériquement, expliquant dans son livre de 2006 Making Comics qu'il n'avait pas utilisé de matériaux traditionnels comme le carton Bristol, les stylos ou les pinceaux depuis des années. Après avoir esquissé des mises en page, qu'il dit être "assez serrées", et inclure le script complet, il les numérise dans une tablette/moniteur de 18 pouces pour les utiliser comme guide pour les écrire dans Adobe Illustrator . Après avoir terminé le lettrage, il exporte les fichiers vers Photoshop, où il rend entièrement l'art à une résolution de 1 200 dpi , créant entre cinq et cinquante couches d'art fini avant de l'aplatir en un seul bitmap noir et blanc , plus une page en niveaux de gris , si besoin.

Fiona Staples

Une autre artiste qui fait son travail presque entièrement numériquement est Fiona Staples , qui est passée à ce processus plusieurs années avant de commencer son travail sur Saga , bien que son processus pour cette série soit différent des précédents, pour lesquels elle la caractérise comme "une intense, expérience en cours." Elle commence par des vignettes, grossièrement dessinées sur des gabarits en papier imprimés. Au cours de cette étape, Staples n'utilise pas de référence, mais le fait plus tard dans l'étape d'encrage. Pendant l'étape de la vignette, elle réfléchit longuement aux mises en page et à la mise en scène, ce qui en fait, selon ses mots, la partie la plus importante du processus. Après avoir numérisé les vignettes, elle les agrandit et les utilise comme des crayons rudimentaires, et les "encre" dessus dans Manga Studio , puis colore l'art dans Photoshop. L'un des avantages que Staples voit dans le travail numérique est la possibilité de se passer de crayons serrés au profit de corrections ponctuelles, car elle trouve ennuyeux de dessiner dans les moindres détails et de dessiner un tel art une deuxième fois à l'encre.

Chris Samnée

L'artiste Chris Samnee utilise le carton Strathmore Bristol à deux plis de la série 300. Il n'utilise pas de crayons bleus non photo ou tout autre équipement acheté dans des magasins spécialisés pour les croquis préliminaires, mais utilise des crayons mécaniques de 0,9 mm qu'il achète chez Target . Il décrit ses crayons comme "juste affreux" et les encre lui-même, car il ne peut pas envisager de les donner à quelqu'un d'autre pour l'encre.

Flux de travail et style

Un dessinateur de bandes dessinées travaille généralement en étroite collaboration avec l' éditeur de la bande dessinée , qui commande un scénario à l' écrivain et l'envoie au dessinateur.

Les scripts de bandes dessinées peuvent prendre diverses formes. Certains écrivains, comme Alan Moore , produisent des plans complets, élaborés et longs de chaque page. D'autres n'envoient à l'artiste qu'un aperçu de l'intrigue consistant en un bref aperçu des scènes clés avec peu ou pas de dialogue. Stan Lee était connu pour préférer cette dernière forme, et c'est ainsi qu'elle est devenue connue sous le nom de méthode Marvel .

Parfois, un écrivain ou un autre artiste (comme un directeur artistique ) inclura des mises en page de base, appelées " pannes ", pour aider le dessinateur dans la composition de la scène. Si aucune ventilation n'est incluse, il incombe au dessinateur de déterminer la disposition de chaque page, y compris le nombre de panneaux, leurs formes et leurs positions. Même lorsque ces détails visuels sont indiqués par un script, un dessinateur peut sentir en dessinant la scène qu'il existe une manière différente de composer la scène et peut ne pas tenir compte du script, généralement après consultation avec l'éditeur et / ou l'écrivain.

Certains artistes utilisent une approche de crayonnage lâche , dans laquelle le dessinateur ne prend pas beaucoup de soin de réduire les aléas de l'art au crayon, laissant à l'encreur le soin d'interpréter l'intention du dessinateur. Dans ces cas, le dessinateur est généralement crédité de " pannes " ou de " mises en page " et l'encreur est crédité de "l'embellisseur" ou du "finisseur". Selon l'ancien rédacteur en chef de Marvel, Gregory Wright , John Buscema était un dessinateur réputé dont les pannes comprenaient tous les éléments structurels essentiels qui permettaient aux encreurs de compléter l'art. D'autres dessinateurs préfèrent créer des pages détaillées, où chaque nuance qu'ils s'attendent à voir dans l'art encré est indiquée. C'est ce qu'on appelle le crayonnage serré .

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