Jouer (théâtre) - Play (theatre)

Une performance de Macbeth (2018)

Une pièce de théâtre est une œuvre dramatique , consistant généralement principalement en un dialogue entre des personnages et destinée à une représentation théâtrale plutôt qu'à une simple lecture . L'auteur d'une pièce est un dramaturge .

Les pièces sont jouées à différents niveaux, du West End de Londres et Broadway à New York - qui sont le plus haut niveau de théâtre commercial dans le monde anglophone - au théâtre régional , au théâtre communautaire , ainsi que des productions universitaires ou scolaires . Une pièce de théâtre est une pièce jouée et écrite pour être jouée sur scène plutôt que diffusée ou transformée en film. Les pièces de théâtre sont celles jouées sur n'importe quelle scène devant un public. Il existe de rares dramaturges, notamment George Bernard Shaw , qui ont eu peu de préférence quant à savoir si leurs pièces étaient jouées ou lues. Le terme « jeu » peut désigner à la fois les textes écrits des auteurs dramatiques et leur représentation théâtrale complète.

La comédie

Les comédies sont des pièces conçues pour être humoristiques. Les comédies sont souvent remplies de remarques spirituelles, de personnages inhabituels et de circonstances étranges. Certaines comédies s'adressent à des tranches d'âge différentes. Les comédies étaient l'un des deux types de jeu originaux de la Grèce antique , avec les tragédies. Un exemple d'une comédie serait William Shakespeare jeu de A Midsummer Night rêve , ou pour un exemple plus moderne , les sketches de Saturday Night Live .

Farce

Un genre de jeu généralement absurde, les farces sont souvent jouées et impliquent souvent de l'humour. Un exemple d'une farce comprend la pièce de William Shakespeare La Comédie des erreurs , ou Mark Twain jeu de il est mort? .

Satirique

Une pièce satirique jette un regard comique sur l'actualité tout en tentant de faire une déclaration politique ou sociale, en pointant par exemple la corruption . Un exemple d'une satire serait Nikolai Gogol 's Le gouvernement inspecteur et Aristophane de Lysistrata . Les pièces de satire sont généralement l'une des formes de comédie les plus populaires et sont souvent considérées comme leur propre genre.

Comédie de restauration

La comédie de restauration est un genre qui explorait les relations entre hommes et femmes et était considéré comme risqué à l'époque. Les personnages présentés dans la comédie de restauration comprenaient des stéréotypes de toutes sortes, et ces mêmes stéréotypes ont été retrouvés dans la plupart des pièces de ce genre, à tel point que la plupart des pièces étaient très similaires dans leur message et leur contenu. Cependant, comme la comédie de restauration traitait des aspects tacites des relations, elle a créé un type de lien entre le public et la performance qui était plus informel et privé.

Il est communément admis que la comédie de restauration a des origines dans les théories de la comédie de Molière , mais diffère dans l'intention et le ton. L'incohérence entre la morale de la comédie de restauration et la morale de l'époque est quelque chose qui se pose souvent lors de l'étude de ce genre. Cela peut donner des indices sur les raisons pour lesquelles, malgré son succès initial, la comédie de restauration n'a pas duré longtemps au XVIIe siècle. Cependant, ces dernières années, il est devenu un sujet d'intérêt pour les théoriciens du théâtre, qui se sont penchés sur des styles de théâtre ayant leurs propres conventions de performance.

La tragédie

Ces pièces contiennent des thèmes plus sombres tels que la mort et le désastre. Souvent, le protagoniste de la pièce a un défaut tragique , un trait qui conduit à sa chute. Les pièces tragiques véhiculent toutes les émotions et ont des conflits très dramatiques. La tragédie était l'un des deux types de jeu originaux de la Grèce antique. Quelques exemples de tragédies incluent Hamlet de William Shakespeare , et aussi la pièce de John Webster La Duchesse de Malfi .

Historique

Une comédienne joue une pièce de théâtre devant 2 statues du mausolée d'Halicarnasse. Salle 21, British Museum, Londres
Acteur et actrice jouant une pièce devant le monument aux Néréides, salle 17, British Museum, Londres

Ces pièces se concentrent sur des événements historiques réels. Ils peuvent être des tragédies ou des comédies, mais ne sont souvent ni l'un ni l'autre. L'histoire en tant que genre distinct a été popularisée par William Shakespeare. Des exemples de pièces historiques comprennent Friedrich Schiller de Démétrius et de Shakespeare le roi Jean .

Théâtre musical

L'opéra ballade, un style de théâtre populaire à l'époque, a été le premier style musical à être joué dans les colonies américaines. La première comédie musicale d'origine américaine a été créée à Philadelphie en 1767 et s'appelait "La Déception", cependant, cette pièce n'a jamais été produite.

Le théâtre musical occidental moderne a émergé à l'époque victorienne, avec de nombreux éléments structurels établis par les œuvres de Gilbert et Sullivan en Grande-Bretagne et celles de Harrigan et Hart en Amérique. Vers les années 1920, les styles théâtraux commencent à se définir plus clairement. Pour le théâtre musical, cela signifiait que les compositeurs obtenaient le droit de créer chaque chanson de la pièce, et ces nouvelles pièces étaient soumises à des conventions plus spécifiques, telles que les chansons de trente-deux mesures. Lorsque la Grande Dépression est arrivée, de nombreuses personnes ont quitté Broadway pour Hollywood et l'atmosphère des comédies musicales de Broadway a considérablement changé. Une situation similaire s'est produite dans les années 1960, lorsque les compositeurs étaient rares et que les comédies musicales manquaient de dynamisme et de valeur divertissante.

Dans les années 1990, il y avait très peu de comédies musicales originales de Broadway, car beaucoup étaient des recréations de films ou de romans.

Les productions musicales ont des chansons pour aider à expliquer l'histoire et à faire avancer les idées de la pièce. Ils sont généralement accompagnés de danses. Les comédies musicales peuvent être très élaborées dans les décors et les performances des acteurs. Des exemples de productions musicales incluent Wicked et Fiddler on the Roof .

Théâtre de la cruauté

Ce style théâtral est né dans les années 1940 lorsqu'Antonin Artaud a émis l'hypothèse des effets de l'expression à travers le corps par opposition à «par la pensée socialement conditionnée». En 1946, il rédige une préface à ses œuvres dans laquelle il explique comment il en est venu à écrire quoi et comment il l'a fait.

Surtout, Artaud ne faisait pas confiance à la langue comme moyen de communication. Les pièces du genre théâtre de cruauté sont abstraites dans leurs conventions et leur contenu. Artaud voulait que ses pièces fassent effet et accomplissent quelque chose. Son intention était de symboliser le subconscient à travers des performances corporelles, car il ne croyait pas que le langage pouvait être efficace. Artaud considérait ses pièces comme une mise en scène plutôt qu'une reconstitution, ce qui signifiait qu'il croyait que ses acteurs étaient en réalité, plutôt que de reconstituer la réalité.

Ses pièces traitaient de problèmes graves tels que les patients dans les services psychiatriques et l'Allemagne nazie. A travers ces performances, il a voulu « rendre audibles les causes de la souffrance », mais au départ, le public a mal réagi, tellement surpris par ce qu'il a vu. Une grande partie de son travail a été interdite en France à l'époque.

Artaud ne croyait pas que le théâtre conventionnel de l'époque permettrait au public de vivre une expérience cathartique et aiderait à panser les blessures de la Seconde Guerre mondiale. Pour cette raison, il s'est tourné vers le théâtre radiophonique, dans lequel le public pouvait utiliser son imagination pour relier les mots qu'il entendait à son corps. Cela a rendu son travail beaucoup plus personnel et individualisé, ce qui, selon lui, augmenterait l'efficacité de la représentation de la souffrance.

Théâtre de l'Absurde

Théâtre de l'Absurde : Ce genre comprend généralement des représentations métaphysiques de scrupules et de questions existentielles. Le théâtre de l'absurde nie la rationalité et embrasse l'inévitabilité de tomber dans l'abîme de la condition humaine. Au lieu de discuter de ces questions, cependant, le théâtre de l'absurde en est une démonstration. Cela laisse le public discuter et remettre en question le contenu de la pièce pour lui-même.

L'un des principaux aspects du théâtre de l'absurde est la contradiction physique avec le langage. Souvent, le dialogue entre les personnages s'opposera directement à leurs actions.

Les dramaturges célèbres dans ce genre incluent Beckett, Sartre, Ionesco, Adamov et Genet.

Terminologie

Le terme « jeu » peut être soit un terme général, soit se référer plus spécifiquement à une pièce non musicale. Parfois, le terme « jeu direct » est utilisé par opposition à « musical », qui fait référence à une pièce de théâtre basée sur la musique , la danse et les chansons chantées par les personnages de la pièce. Pour une pièce courte, le terme "playlet" est parfois utilisé.

Le terme « script » fait référence au texte écrit de la pièce. Après le sujet principal , comme le titre et l'auteur, il commence conventionnellement par un dramatis personae : une liste présentant chacun des personnages principaux de la pièce par leur nom, suivi d'une brève caractérisation (par exemple, " Stephano , un majordome ivre ").

Pour une pièce musicale ( opéra , opéra léger ou musical ), le terme " livret " est couramment utilisé, au lieu de "script".

Une pièce de théâtre est généralement divisée en actes , similaires à ce que sont les chapitres d'un roman. Une pièce courte peut consister en un seul acte, et est alors appelée « un acte ». Les actes sont subdivisés en scènes . Les actes sont numérotés, les scènes aussi ; la numérotation des scènes recommence à 1 pour chaque acte suivant, donc l' acte 4, scène 3 peut être suivi de l' acte 5, scène 1 . Chaque scène est définie à un endroit spécifié, indiqué dans le script au début de la scène (par exemple, " Scène 1 . Avant la cellule de Prospero . "). Changer de lieu nécessite généralement de changer le décor , ce qui prend du temps - même s'il s'agit simplement d'un fond peint - et ne peut être fait qu'entre les scènes.

A côté du texte à prononcer par les acteurs, un script contient des « instructions scéniques » (à ne pas confondre avec l'utilisation de ce terme dans le blocage , la mise en scène d'acteurs avec des mouvements spécifiés à travers la scène). Le type le plus courant est pour l'entrée et la sortie d'acteurs, par exemple "[ Exeunt Caliban, Stephano et Trinculo .]" ( Exeunt est le pluriel latin de exit , ce qui signifie "[ils] partent".) D'autres directions scéniques peuvent indiquer le mode de livraison du texte, comme "[Aside]" ou "[Sings]", ou indiquer des sons à produire en dehors de la scène, comme "[Thunder]".

Voir également

Listes

Les références

Liens externes