Sidney Lumet - Sidney Lumet

Sidney Lumet
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Née
Sidney Arthur Lumet

( 1924-06-25 )25 juin 1924
Philadelphie , Pennsylvanie, États-Unis
Décédés 9 avril 2011 (2011-04-09)(à 86 ans)
New York, New York, États-Unis
Lieu de repos Cimetière Beth David
Elmont, New York , États-Unis
mère nourricière Université Columbia
Occupation Réalisateur, producteur, scénariste, acteur
Années actives 1930–2007
Travaux notables
Dog Day Afternoon
Equus
12 Angry Men
Network
Avant que le diable ne sache que vous êtes mort
Serpico
Assassiner sur l'Orient Express
Le verdict
Conjoint(s)
( M.  1949; div.  1955)

( M.  1956; div.  1963)

Gail Jones
( M.  1963; div.  1978)

Marie Gimbel
( M.  1980)
Enfants 2, dont Jenny Lumet
Parents)
Les proches Jake Cannavale (petit-fils)

Sidney Lumet Arthur ( / l Û m ɛ t / loo- MET 25; Juin, 1924-9 Avril 2011) est un réalisateur américain, producteur et scénariste avec plus de 50 films à son actif. Il a été nominé cinq fois aux Oscars : quatre pour le meilleur réalisateur pour 12 Angry Men (1957), Dog Day Afternoon (1975), Network (1976) et The Verdict (1982) et un pour le meilleur scénario adapté pour Prince of the Ville (1981). Il n'a pas remporté d'Oscar individuel, mais a reçu un Oscar d'honneur et 14 de ses films ont été nominés aux Oscars.

Selon L'Encyclopédie d'Hollywood , Lumet était l'un des cinéastes les plus prolifiques de l'ère moderne, réalisant plus d'un film par an en moyenne depuis ses débuts de réalisateur en 1957. Turner Classic Movies note sa « forte direction des acteurs », « vigoureux la narration" et le "réalisme social" dans son meilleur travail. Le critique de cinéma Roger Ebert l'a décrit comme « l'un des meilleurs artisans et des humanitaires les plus chaleureux parmi tous les réalisateurs ». Lumet était également connu comme un « réalisateur d'acteurs », ayant travaillé avec les meilleurs d'entre eux au cours de sa carrière, probablement plus que « tout autre réalisateur ». Sean Connery , qui a joué dans cinq de ses films, le considérait comme l'un de ses réalisateurs préférés, et celui qui avait cette "vision".

Membre de la classe inaugurale de l' Actors Studio de New York , Lumet a commencé sa carrière de réalisateur dans des productions Off-Broadway , puis est devenu un réalisateur de télévision très efficace. Son premier film, 12 Angry Men (1957), était un drame judiciaire centré sur une délibération tendue du jury. Lumet a ensuite divisé ses énergies entre des films dramatiques politiques et sociaux, ainsi que des adaptations de pièces de théâtre et de romans littéraires, de grandes histoires élégantes, des comédies noires basées à New York et des drames policiers réalistes, dont Serpico et Prince of the City . À la suite de la réalisation de 12 hommes en colère , il était également responsable de la direction de la première vague de réalisateurs qui ont réussi la transition de la télévision au cinéma.

En 2005, Lumet a reçu un Oscar pour l'ensemble de ses réalisations pour ses "services brillants aux scénaristes, aux interprètes et à l'art du cinéma". Deux ans plus tard, il terminait sa carrière avec le drame acclamé Avant que le diable ne sache que tu es mort (2007). Quelques mois après la mort de Lumet en avril 2011, une célébration rétrospective de son travail a eu lieu au Lincoln Center de New York avec de nombreux conférenciers et stars de cinéma. En 2015, Nancy Buirski a réalisé By Sidney Lumet , un documentaire sur sa carrière, et en janvier 2017, PBS a consacré un épisode de sa série American Masters à la vie de Lumet en tant que réalisateur.

Biographie

Les premières années

Lumet enfant, photographié par Carl Van Vechten
Lumet dans la pièce de 1940 Journey to Jerusalem

Lumet est né à Philadelphie et a grandi dans le quartier du Lower East Side de Manhattan. Il a étudié le théâtre à la Professional Children's School de New York et à l'Université de Columbia .

Les parents de Lumet, Baruch et Eugenia (née Wermus) Lumet, étaient des vétérans du théâtre yiddish et étaient des émigrants juifs polonais aux États-Unis. Son père, acteur, réalisateur, producteur et écrivain, est né à Varsovie. La mère de Lumet, qui était danseuse, est décédée quand il était enfant. Il a fait ses débuts professionnels à la radio à l'âge de quatre ans et ses débuts sur scène au Yiddish Art Theatre à l'âge de cinq ans. Enfant, il est également apparu dans de nombreuses productions de Broadway , dont Dead End de 1935 et The Eternal Road de Kurt Weill .

En 1935, à l'âge de 11 ans, il apparaît dans un court métrage d' Henry Lynn Papirossen (qui signifie « Cigarettes » en yiddish), coproduit par la star de la radio Herman Yablokoff . Le film a été projeté dans une pièce de théâtre portant le même titre, basée sur la chanson à succès " Papirosn ". La pièce et le court métrage sont apparus au Bronx McKinley Square Theatre. En 1939, il fait sa seule apparition dans un long métrage, à 15 ans, dans ...Un tiers d'une nation... .

La Seconde Guerre mondiale interrompit sa carrière d'acteur et il passa quatre ans dans l' armée américaine . Après son retour du service en tant que réparateur de radars stationné en Inde et en Birmanie (1942-1946), il s'est impliqué avec l' Actors Studio , puis a formé son propre atelier de théâtre. Il a organisé un groupe Off-Broadway et en est devenu le directeur, et a continué à diriger dans le théâtre d'été , tout en enseignant le jeu d'acteur à la High School of Performing Arts. Il était l'entraîneur principal d'art dramatique au nouveau bâtiment de la 46e rue des "Arts du spectacle". Lumet, 25 ans, a dirigé le département théâtre dans une production de The Young and Fair .

Début de carrière

Lumet a commencé sa carrière en tant que réalisateur avec des productions Off-Broadway , puis est devenu un réalisateur de télévision très respecté. Après avoir travaillé hors de Broadway et en stock d'été, il a commencé à diriger la télévision en 1950, après avoir travaillé comme assistant d'un ami et alors réalisateur Yul Brynner . Il a rapidement développé une méthode de prise de vue "rapide comme l'éclair" en raison du roulement élevé requis par la télévision. En conséquence, alors qu'il travaillait pour CBS, il a réalisé des centaines d'épisodes de Danger (1950-1955), Mama (1949-1957) et You Are There (1953-1957), une série hebdomadaire avec Walter Cronkite dans l'un des ses premiers rôles principaux. Lumet a choisi Cronkite pour le rôle de présentateur "parce que la prémisse de la série était si stupide, si scandaleuse, que nous avions besoin de quelqu'un avec l'aisance la plus américaine, la plus familiale et la plus chaleureuse à son sujet", a déclaré Lumet.

Il a également réalisé des pièces originales pour Playhouse 90 , Kraft Television Theatre et Studio One , réalisant environ 200 épisodes, ce qui l'a établi comme « l'un des réalisateurs les plus prolifiques et les plus respectés du secteur », selon Turner Classic Movies . Sa capacité à travailler rapidement pendant le tournage s'est poursuivie dans sa carrière cinématographique. Parce que la qualité de la plupart des séries télévisées était si impressionnante, plusieurs d'entre elles ont ensuite été adaptées en films.

Réalisation d' Anna Magnani dans The Fugitive Kind (1960)

Son premier film, 12 Angry Men (1957), basé sur une pièce en direct de CBS , était un début de bon augure pour Lumet. Ce fut un succès critique et l'a établi comme un réalisateur habile à adapter les propriétés d'autres médiums aux films cinématographiques. La moitié de l'ensemble des films de Lumet provenait du cinéma.

Une émission télévisée controversée qu'il a dirigée en 1960 lui a valu une notoriété : The Sacco-Vanzetti Story sur NBC. Selon le New York Times , le drame a attiré l'attention de l'État du Massachusetts (où Sacco et Vanzetti ont été jugés et exécutés) car on pensait que les meurtriers condamnés étaient, en fait, totalement innocents. Cependant, la controverse qui en a résulté a en fait fait plus de bien que de mal à Lumet, lui envoyant plusieurs missions de film prestigieuses.

Il a commencé à adapter des pièces classiques pour le cinéma et la télévision, dirigeant Marlon Brando , Joanne Woodward et Anna Magnani dans le long métrage The Fugitive Kind (1959), basé sur la pièce de Tennessee Williams Orpheus Descending . Il a dirigé plus tard , une version télévisée en direct de Eugene O'Neill « s The Iceman Cometh , qui a été suivi par son film, Une vue du pont (1962), un autre drame psychologique de la pièce écrite par Arthur Miller . Cela a été suivi d'une autre pièce d' Eugene O'Neill tournée vers le cinéma, Long Day's Journey into Night (également en 1962), avec Katharine Hepburn qui a remporté une nomination aux Oscars pour sa performance en tant que femme au foyer toxicomane; les quatre acteurs principaux ont remporté les prix d'interprétation au Festival de Cannes 1962 . Il a également été élu l'un des "Dix meilleurs films" de l'année par le New York Times .

Style de mise en scène et sujets

Réalisme et style énergique

Le critique de cinéma Owen Gleiberman a observé que Lumet était un « tireur droit dur », qui, parce qu'il a été formé pendant l'âge d'or de la télévision dans les années 1950, s'est fait remarquer pour son style énergique de mise en scène. Les mots « Sidney Lumet » et « énergie », ajoute-t-il, sont devenus synonymes : « L'énergie était là dans les moments les plus calmes. C'était une énergie intérieure, un bourdonnement d'existence que Lumet observait chez les gens et faisait ressortir en eux… [quand il] est allé dans les rues de New York... il les a rendues électriques :

C'était une énergie d'arrondissement extérieur de la classe ouvrière. Les rues de Lumet étaient aussi mesquines que celles de Scorsese, mais celles de Lumet semblaient plus simples que poétiques. Il a canalisé cette vitalité skeezy de New York avec une telle force naturelle qu'il était facile d'oublier ce qui était vraiment impliqué dans l'accomplissement. Il a capturé cette ambiance new-yorkaise comme personne d'autre parce qu'il l'a vue, vécue, respirée - mais ensuite il a dû sortir et la mettre en scène, ou la recréer, presque comme s'il mettait en scène un documentaire, laissant ses acteurs s'affronter comme des prédateurs aléatoires, insistant sur la lumière la plus naturelle possible, rendant les bureaux aussi laids et bureaucratiques qu'ils l'étaient parce qu'il savait, en dessous, que ce n'étaient pas seulement des bureaux mais des repaires, et qu'il y avait une intensité plus profonde, presque une sorte de beauté, pour saisir la grossièreté de la réalité telle qu'elle était vraiment.

Collaboration

Scène de description avec Treat Williams dans Prince of the City (1981)

Lumet a généralement insisté sur la nature collaborative du film, ridiculisant parfois la domination du réalisateur "personnel", écrit l'historien du cinéma Frank P. Cunningham. En conséquence, Lumet est devenu célèbre parmi les acteurs et les cinéastes pour son ouverture à partager des idées créatives avec l'écrivain, l'acteur et d'autres artistes. Lumet "n'a pas d'égal dans la direction distinguée d'acteurs supérieurs", ajoute Cunningham, dont beaucoup viennent du théâtre. Il a pu tirer des performances puissantes d'acteurs tels que Ralph Richardson , Marlon Brando , Richard Burton , Katharine Hepburn , James Mason , Sophia Loren , Geraldine Fitzgerald , Blythe Danner , Rod Steiger , Vanessa Redgrave , Paul Newman , Sean Connery , Henry Fonda , Dustin Hoffman , Albert Finney , Simone Signoret et Anne Bancroft . "Donnez-lui un bon acteur, et il pourrait bien trouver le grand acteur caché à l'intérieur", a écrit le critique de cinéma Mick LaSalle .

Lorsque cela était nécessaire, Lumet a choisi des acteurs non formés, mais a déclaré : « Plus de 90 % du temps, je veux les meilleurs outils possibles : acteurs, scénaristes, éclairagistes, cameramen, accessoiristes. » Néanmoins, lorsqu'il utilisait des acteurs moins expérimentés, il pouvait toujours faire ressortir des performances d'acteur supérieures et mémorables. Il l'a fait avec Nick Nolte , Anthony Perkins , Armand Assante , Jane Fonda , Faye Dunaway , Timothy Hutton et Ali MacGraw , qui l'a elle-même qualifié de "rêve de tout acteur". De l'avis de Fonda, "c'était un maître. Une telle maîtrise de son métier. Il avait des valeurs fortes et progressistes et ne les a jamais trahies."

Alors que le but de tous les films est de divertir, le genre de film dans lequel je crois va encore plus loin. Elle oblige le spectateur à examiner une facette ou une autre de sa propre conscience. Il stimule la pensée et fait couler le jus mental.

— Sidney Lumet

Lumet croyait que les films sont un art et que "l'attention portée aux films est directement liée aux images de qualité". Parce qu'il a commencé sa carrière en tant qu'acteur, il est devenu connu comme un "réalisateur d'acteurs" et a travaillé avec les meilleurs d'entre eux au fil des ans, une liste probablement inégalée par aucun autre réalisateur. Le spécialiste du jeu d'acteur Frank P. Tomasulo est d'accord et souligne que de nombreux réalisateurs capables de comprendre le jeu du point de vue d'un acteur étaient tous de "grands communicateurs".

Selon les historiens du cinéma Gerald Mast et Bruce Kawin, « la sensibilité de Lumet aux acteurs et aux rythmes de la ville a fait de lui le descendant le plus ancien des États-Unis de la tradition néoréaliste des années 1950 et de son engagement urgent envers la responsabilité éthique ». Ils citent son premier film The Hill (1965) comme « l'un des films les plus politiques et moralement radicaux des années 1960 ». Ils ajoutent que sous les conflits sociaux des films de Lumet se cache la « conviction que l'amour et la raison finiront par prévaloir dans les affaires humaines », et que « la loi et la justice seront finalement servies – ou non ». Son premier film, Douze hommes en colère , était un film acclamé à son époque, représentant un modèle pour la raison libérale et la camaraderie dans les années 1950. Le film et Lumet ont été nominés aux Oscars, et il a été nominé pour le Director's Guild Award, le film étant largement salué par la critique.

L' Encyclopedia of World Biography indique que ses films mettaient souvent en vedette des acteurs qui ont étudié la " méthode d'action ", connus pour dépeindre un style terreux et introspectif. Al Pacino , qui, au début de sa carrière, a étudié auprès du gourou de la méthode, Lee Strasberg, est un exemple phare de tels acteurs de la "Méthode" . Lumet a également préféré l'apparence de spontanéité à la fois dans ses acteurs et dans ses décors, ce qui a donné à ses films un aspect improvisé en tournant une grande partie de son travail sur place.

Répétition et préparation

Lumet croyait fermement à la répétition et pensait que si vous répétez correctement, l'acteur ne perdra pas sa spontanéité. Selon l'auteur par intérim Ian Bernard, il a estimé que cela donne aux acteurs "l'arc entier du rôle", ce qui leur donne la liberté de trouver cet "accident magique". Le réalisateur Peter Bogdanovich lui a demandé s'il avait beaucoup répété avant le tournage, et Lumet a dit qu'il aimait répéter au moins deux semaines avant le tournage. Pendant ces semaines, se souvient Faye Dunaway , qui a joué dans Network (1976), il a également bloqué les scènes avec son caméraman. En conséquence, ajoute-t-elle, "pas une minute n'est perdue pendant qu'il tourne, et cela se voit non seulement sur le budget du studio, mais cela se voit sur l'élan de la performance". Elle fait l'éloge de son style de mise en scène dans Network , dans lequel elle a remporté son seul Oscar :

Sidney, permettez-moi de dire, est l'un des hommes les plus talentueux et professionnels au monde , sinon le plus professionnel... et jouer dans Network a été l'une des expériences les plus heureuses que j'aie jamais vécues... C'est un homme vraiment doué qui a contribué bonne affaire à ma performance.

En partie parce que ses acteurs étaient bien répétés, il pouvait exécuter une production dans un ordre rapide, ce qui maintenait ses productions dans leur budget modeste. Lors du tournage de Prince of the City (1981), par exemple, bien qu'il y ait eu plus de 130 rôles parlants et 135 lieux différents, il a pu coordonner l'ensemble du tournage en 52 jours. En conséquence, écrivent les historiens Charles Harpole et Thomas Schatz, les interprètes étaient impatients de travailler avec lui car ils le considéraient comme un « directeur d'acteurs exceptionnel ». La star du film, Treat Williams , a déclaré que Lumet était connu pour être "énergique":

Il n'était qu'une boule de feu. Il était passionné par ce qu'il faisait et il « est venu travailler » avec tous les tonneaux en feu. C'est probablement le réalisateur le plus préparé avec qui j'ai jamais travaillé émotionnellement. Ses films sont toujours arrivés dans les délais et dans les budgets. Et tout le monde est rentré à la maison pour le dîner.

Harpole ajoute que "alors que de nombreux réalisateurs n'aimaient pas les répétitions ou conseiller les acteurs sur la façon de construire leur personnage, Lumet excellait dans les deux." Il pourrait ainsi plus facilement offrir à ses interprètes une vitrine cinématographique de leurs capacités et les aider à approfondir leur contribution d'acteur. L'acteur Christopher Reeve , qui a joué dans Deathtrap (1982), a également souligné que Lumet savait parler un langage technique : « Si vous voulez travailler de cette façon – il sait parler Méthode , il sait improviser, et il fait tout aussi bien."

Au fur et à mesure qu'un film avance, il devient de plus en plus épuisant et vous avez vraiment besoin d'un réalisateur qui vous aidera à vous rappeler où se trouve votre personnage à tout moment. Sidney Lumet était comme ça. Tous les merveilleux réalisateurs le feront.

- Al Pacino

Joanna Rapf, écrivant sur le tournage de The Verdict (1982), déclare que Lumet accordait beaucoup d'attention personnelle à ses acteurs, qu'ils les écoutaient ou les touchaient. Elle décrit comment Lumet et la star Paul Newman se sont assis sur un banc isolé du plateau principal, où Newman avait enlevé ses chaussures, pour discuter en privé d'une scène importante sur le point d'être tournée… les acteurs parcourent leurs scènes avant que la caméra ne tourne. Cette préparation a été faite car Lumet aime tourner une scène en une seule prise, deux au maximum. Newman aimait l'appeler "Speedy Gonzales", ajoutant que Lumet n'avait pas tiré plus qu'il n'avait dû. "Il ne se donne aucune protection. Je sais que je le ferais", a déclaré Newman.

La critique de cinéma Betsey Sharkey est d'accord, ajoutant qu'"il était un maestro d'une ou deux années avant que Clint Eastwood n'en fasse une spécialité respectée". Sharkey se souvient : "[Faye] Dunaway m'a dit un jour que Lumet travaillait si vite que c'était comme s'il était sur des patins à roulettes. Un pouls rapide généré par un grand cœur."

Développement de personnage

La biographe Joanna Rapf observe que Lumet a toujours été une réalisatrice indépendante, et qu'elle aimait faire des films sur « des hommes qui prennent le courage de défier le système, sur le petit contre le système ». Cela inclut également les personnages féminins comme dans Garbo Talks (1984). Sa star, Anne Bancroft incarnait le genre de portrait de personnage qui l'attirait : « un militant engagé pour toutes sortes de causes, qui défend les droits des opprimés, qui est vif, franc, courageux, qui refuse de se conformer pour le plaisir de commodité, et dont la compréhension de la vie lui permet de mourir dans la dignité... Garbo Talks est à bien des égards un valentin pour New York."

Dans une interview en 2006, il a déclaré qu'il avait toujours été "fasciné par le coût humain impliqué dans le respect des passions et des engagements, et le coût que ces passions et engagements infligent aux autres". Ce thème est au cœur de la plupart de ses films, note Rapf, comme ses films réels sur la corruption dans la police de New York ou dans des drames familiaux comme Daniel (1983).

Psychodrames

L'historien du cinéma Stephen Bowles pense que Lumet était le plus à l'aise et le plus efficace en tant que réalisateur de psychodrames sérieux , par opposition aux divertissements légers. Ses nominations aux Oscars, par exemple, étaient toutes pour des études de personnages d'hommes en crise, de son premier film, Twelve Angry Men , à The Verdict . Lumet excellait à mettre le drame à l'écran. La plupart de ses personnages sont animés par des obsessions ou des passions, telles que la poursuite de la justice, de l'honnêteté et de la vérité, ou de la jalousie, de la mémoire ou de la culpabilité. Lumet était intrigué par les conditions obsessionnelles, écrit Bowles.

Les protagonistes de Lumet avaient tendance à être des anti - héros , des hommes isolés et sans exception qui se rebellent contre un groupe ou une institution. Le critère le plus important pour Lumet n'était pas simplement de savoir si les actions des gens sont bonnes ou mauvaises, mais si elles étaient authentiques et justifiées par la conscience de l'individu. Le lanceur d'alerte Frank Serpico , par exemple, est le héros par excellence de Lumet, qu'il a décrit comme un "rebelle avec une cause".

Un exemple antérieur de psychodrame était The Pawnbroker (1964), avec Rod Steiger . Dans ce document, Steiger a joué un survivant de l' Holocauste dont l'esprit avait été brisé et vit au jour le jour en tant que directeur de prêteur sur gages à Harlem. Lumet a utilisé le film pour examiner, avec des flashbacks, les cicatrices psychologiques et spirituelles avec lesquelles vit le personnage de Steiger, y compris sa capacité perdue à ressentir du plaisir. Steiger, qui a réalisé près de 80 films, a déclaré lors d'une interview télévisée que le film était son préféré en tant qu'acteur.

Questions de justice sociale

C'est le réalisme social qui imprégnait sa plus grande œuvre qui a vraiment défini Lumet - les thèmes de l'idéalisme juvénile battu par la corruption et le désespoir d'institutions sociales ineptes lui ont permis de produire plusieurs films tranchants et puissants qu'aucun autre réalisateur n'aurait pu faire.

Films classiques de Turner

Serpico (1973) a été le premier des quatre films " séminaux " que Lumet a réalisés au cours des années 1970 qui l'ont marqué comme " l'un des plus grands cinéastes de sa génération ". C'était l'histoire du pouvoir et de la trahison dans les forces de police de New York, avec un policier idéaliste luttant contre des obstacles impossibles.

Comme Lumet était un enfant pendant la Dépression , il a grandi pauvre à New York et a été témoin de la pauvreté et de la corruption tout autour de lui. Cela lui a inculqué dès son plus jeune âge l'importance de la justice pour une démocratie, un sujet qu'il a essayé de mettre dans ses films. Il a admis, cependant, qu'il ne croyait pas que l'art lui-même a le pouvoir de changer quoi que ce soit. "Il y a, comme il le dit, beaucoup de 'merde' à gérer dans l'industrie du divertissement, mais le secret d'un bon travail est de maintenir votre honnêteté et votre passion." L'historien du cinéma David Thomson écrit à propos de ses films :

Il a des thèmes constants : la fragilité de la justice, et la police et sa corruption. Lumet est rapidement devenu estimé ... [et il] a pris l'habitude des gros problèmes - Fail Safe , The Pawnbroker , The Hill ,  - et semblait déchiré entre la monotonie et le pathétique. … Il était cette rareté des années 1970, un réalisateur heureux de servir son matériel – mais apparemment pas touché ou changé par celui-ci. ... Sa sensibilité aux acteurs et aux rythmes de la ville ont fait de lui "le descendant le plus ancien de l'Amérique de la tradition néoréaliste des années 1950 et de son engagement urgent en faveur de la responsabilité éthique.

Paramètres de la ville de New York

Lumet a toujours préféré travailler à New York et a évité la domination d'Hollywood. En tant que réalisateur, il s'est fortement identifié à New York. "J'aime toujours être dans le monde de Woody Allen", a-t-il déclaré. Il a affirmé que "la diversité de la ville, ses nombreux quartiers ethniques, son art et son crime, sa sophistication et sa corruption, sa beauté et sa laideur, tout alimente ce qui l'inspire". Il a estimé que pour créer, il est important de se confronter à la réalité au quotidien. Pour Lumet, "New York est remplie de réalité, Hollywood est un pays imaginaire".

Selon les historiens du cinéma Scott et Barbara Siegel, il a maintes fois utilisé la ville de New York comme toile de fond – sinon le symbole – de sa « préoccupation pour le déclin de l'Amérique » . Lumet a été attiré par des histoires liées à la criminalité avec des environnements urbains de New York où les criminels sont pris dans un vortex d'événements qu'ils ne peuvent ni comprendre ni contrôler, mais sont obligés de résoudre.

Utilisation de thèmes juifs contemporains

Comme d'autres réalisateurs juifs de New York tels que Woody Allen , Mel Brooks et Paul Mazursky , les personnages de Lumet parlaient souvent ouvertement de sujets controversés de l'époque. Ils se sentaient libres de toute contrainte en tant que cinéastes et leur art était « filtré à travers leur conscience juive », a écrit l'historien du cinéma David Desser . Lumet, comme les autres, s'est parfois tourné vers des thèmes juifs afin de développer des sensibilités ethniques caractéristiques de la culture américaine contemporaine, en soulignant avec dynamisme ses « tensions uniques et sa diversité culturelle ». Cela se reflétait en partie dans la préoccupation de Lumet pour la vie urbaine. Son film A Stranger Among Us (1992), par exemple, est l'histoire d'une femme policier infiltré et de ses expériences dans une communauté hassidique à New York.

Le sujet de la « culpabilité », explique Desser, domine de nombreux films de Lumet. De son premier long métrage, 12 Angry Men (1957), dans lequel un jury doit trancher la culpabilité ou l'innocence d'un jeune homme, à Q&A (1990), dans lequel un avocat doit trancher la question de la culpabilité et de la responsabilité de policier non-conformiste, la culpabilité est un fil conducteur qui traverse nombre de ses films. Dans un film comme Meurtre de l'Orient Express (1974), tous les suspects sont coupables.

Ses films se caractérisent également par une forte insistance sur la vie familiale, montrant souvent des tensions au sein de la famille. Cet accent mis sur la famille incluait les « familles de substitution », comme dans la trilogie policière composée de Serpico (1973), Prince of the City (1981) et Q & A . Une « famille non traditionnelle » est également décrite dans Dog Day Afternoon (1975).

Techniques de mise en scène

Sidney était un cinéaste visionnaire dont les films ont laissé une marque indélébile sur notre culture populaire avec leurs commentaires émouvants sur notre société. Les générations futures de cinéastes se tourneront vers le travail de Sidney pour obtenir des conseils et de l'inspiration, mais il n'y en aura jamais un autre qui s'approchera de lui.

—compositeur Quincy Jones

Lumet a toujours préféré le naturalisme et/ou le réalisme, selon Joanna Rapf. Il n'aimait pas le "look du décorateur", où la caméra pouvait attirer l'attention sur elle-même. Il a monté ses films pour que la caméra soit discrète. Son directeur de la photographie Ron Fortunato a déclaré: "Sidney se retourne s'il voit un look trop artistique."

En partie parce qu'il était disposé et capable de s'attaquer à tant de problèmes et de problèmes sociaux importants, il a réalisé de solides performances d'acteurs principaux avec un excellent travail d'acteurs de caractère. Il est "l'une des figures incontournables du cinéma new-yorkais. Il respecte les bons scripts, quand il les obtient", a déclaré le critique David Thomson. Bien que les critiques aient donné des opinions diverses sur ses films, l'ensemble de l'œuvre de Lumet est généralement tenu en haute estime. La plupart des critiques l'ont décrit comme un réalisateur sensible et intelligent, ayant bon goût, le courage d'expérimenter son style et un « don pour gérer les acteurs ».

Dans une citation de son livre, Lumet a souligné la logistique de la réalisation :

Quelqu'un m'a demandé un jour à quoi ressemblait la réalisation d'un film. J'ai dit que c'était comme faire une mosaïque. Chaque configuration est comme une petite tuile (une configuration, le composant de base de la production d'un film, se compose d'une position de caméra et de son éclairage associé). Vous le colorez, le façonnez, le polissez du mieux que vous pouvez. Vous en ferez six ou sept cents, peut-être mille. (Il peut facilement y avoir autant de configurations dans un film.) Ensuite, vous les collez littéralement ensemble et espérez que c'est ce que vous avez décidé de faire.

Le critique Justin Chang ajoute que les compétences de Lumet en tant que réalisateur et dans le développement d'histoires fortes se sont poursuivies jusqu'à son dernier film en 2007, en écrivant sur son "toucher agile avec les interprètes, sa capacité à tirer une grande chaleur et un humour piquant d'une main et à les amadouer vers des émotions extrêmes de plus en plus sombres et angoissées avec l'autre, était une démonstration gratifiante dans son dernier film au titre ironique, Avant que le diable ne sache que tu es mort . "

Vision des futurs films

Dans une interview avec le magazine New York , il a déclaré qu'il s'attendait à voir plus de réalisateurs de différentes origines ethniques et communautés raconter leurs histoires. "Vous savez, j'ai commencé à faire des films sur les Juifs, les Italiens et les Irlandais parce que je ne connaissais rien d'autre."

Filmographie

En tant que directeur
Année Film Distributeur
1957 12 hommes en colère Artistes unis
1958 Scène frappée Photos de RKO
1959 Ce genre de femme Paramount Pictures
1960 Le genre fugitif Artistes unis
1962 Une vue depuis le pont Film Continental
1962 Long voyage d'une journée dans la nuit Photos de l'ambassade
1964 Le prêteur sur gages Paramount Pictures
1964 Sécurité intégrée Photos de Colombie
1965 La colline Métro-Goldwyn-Meyer
1966 Le groupe Artistes unis
1967 L'affaire mortelle Photos de Colombie
1968 Au revoir Braverman Warner Bros.
1968 La Mouette
1969 Le rendez-vous Métro-Goldwyn-Meyer
1970 Dernier des coups chauds mobiles Warner Bros.
1971 Les bandes Anderson Photos de Colombie
1972 Un jeu d'enfant Paramount Pictures
1973 L'infraction Artistes unis
1973 Serpico Paramount Pictures
1974 Aimer Molly Photos de Colombie
1974 Meurtre sur l'Orient Express Paramount Pictures
1975 Après-midi de jour de chien Warner Bros.
1976 Réseau Métro-Goldwyn-Meyer
1977 Équus Artistes unis
1978 Le sorcier Images universelles
1980 Dis-moi juste ce que tu veux Warner Bros.
1981 Prince de la ville
1982 Piège mortel
1982 Le verdict Renard du 20e siècle
1983 Daniel Paramount Pictures
1984 Pourparlers de Garbo Métro-Goldwyn-Mayer
1986 Puissance Renard du 20e siècle
1986 Le lendemain matin
1988 Fonctionnant à vide Warner Bros.
1989 Affaire de famille Photos de trois étoiles
1990 Questions et réponses
1992 Un étranger parmi nous Photos de Buena Vista
1993 Coupable en tant que péché
1996 La nuit tombe sur Manhattan Paramount Pictures
1997 Soin critique Divertissement en direct
1999 Gloria Photos de Colombie
2006 Trouvez-moi coupable Libération libre
2007 Avant que le diable sache que tu es mort Pensez Film

Honneurs et héritage

Lumet a été reconnu par l' Academy of Motion Picture Arts and Sciences pour les films suivants :

Lumet a également reçu le Festival International du Film de Berlin de l' Ours d' or pour 12 hommes en colère . Il a reçu quatre nominations pour la Palme d'Or du Festival de Cannes pour les films Long Day's Journey into Night (1962), The Hill (1965), The Appointment (1969) et A Stranger Among Us (1992). Il a également reçu une nomination au Lion d'or du Festival du film de Venise pour Prince of the City (1981).

Selon l'historien du cinéma Bowles, Lumet a réussi à devenir un cinéaste de premier plan en partie parce que "son critère le plus important [lors de la réalisation] n'est pas de savoir si les actions de ses protagonistes sont bonnes ou mauvaises, mais si leurs actions sont authentiques". Et lorsque ces actions sont "justifiées par la conscience de l'individu, cela donne à ses héros une force et un courage hors du commun pour supporter les pressions, les abus et les injustices des autres". Ses films nous ont ainsi continuellement donné le « héros par excellence agissant au mépris de l'autorité du groupe de pairs et affirmant son propre code de valeurs morales ».

Le mémoire publié de Lumet sur sa vie au cinéma, Making Movies (1996), est « extrêmement léger et contagieux dans son enthousiasme pour l'art du cinéma lui-même », écrit Bowles, « et contraste fortement avec le ton et le style de la plupart de ses films peut-être la signature de Lumet en tant que metteur en scène est son travail avec les acteurs - et sa capacité exceptionnelle à tirer de haute qualité, des performances parfois extraordinaires de même les quartiers les plus inattendus. « Jake Coyle, un écrivain pour l' Associated Press , est d' accord: » Bien que Lumet a pendant des années relativement sous-estimés, les acteurs ont toujours tourné dans certaines de leurs performances les plus mémorables sous sa direction. De Katharine Hepburn à Faye Dunaway , Henry Fonda à Paul Newman , Lumet est connu comme un réalisateur d'acteur " et pour certains, comme Ali MacGraw , il est considéré comme "le rêve de tout acteur".

Lumet est l'un des réalisateurs les plus importants de l'histoire du cinéma américain, et son travail a laissé une marque indélébile sur le public et l'histoire du cinéma lui-même.

Frank Pierson,
ancien président de l' Academy of Motion Pictures

Convaincu que "les histoires captivantes et les performances inoubliables de Lumet étaient son point fort", le réalisateur et producteur Steven Spielberg a décrit Lumet comme "l'un des plus grands réalisateurs de la longue histoire du cinéma". Al Pacino , en apprenant la mort de Lumet, a déclaré qu'avec ses films, "il laisse un grand héritage, mais plus que cela, aux gens qui lui sont proches, il restera le plus civilisé des humains et l'homme le plus gentil que j'aie jamais connu ." L' écrivain du Boston Herald James Verniere observe qu'« à une époque où l'industrie cinématographique américaine est déterminée à voir jusqu'où elle peut descendre, Sidney Lumet reste un maître du drame américain moralement complexe ». Après sa mort, ses collègues réalisateurs new-yorkais Woody Allen et Martin Scorsese ont tous deux rendu hommage à Lumet. Allen l'a qualifié de "réalisateur new-yorkais par excellence", tandis que Scorsese a déclaré que "notre vision de la ville a été améliorée et approfondie par des classiques comme Serpico , Dog Day Afternoon et, surtout, le remarquable Prince of the City ". Lumet a également reçu les éloges du maire de New York Michael Bloomberg , qui l'a qualifié de "l'un des grands chroniqueurs de notre ville".

Il n'a pas remporté d'Oscar individuel, bien qu'il ait reçu un Oscar d'honneur en 2005 et 14 de ses films ont été nominés pour divers Oscars, tels que Network , qui a été nominé pour 10, en remportant 4. En 2005, Lumet a reçu un Academy Award for Lifetime Achievement pour ses « services brillants aux scénaristes, aux interprètes et à l'art du cinéma.

Quelques mois après la mort de Lumet en avril 2011, le commentateur de télévision Lawrence O'Donnell a diffusé un hommage à Lumet, et une célébration rétrospective de son travail a eu lieu au Lincoln Center de New York avec l'apparition de nombreux orateurs et stars de cinéma. En octobre 2011, l'organisation Human Rights First a inauguré son "Sidney Lumet Award for Integrity in Entertainment" pour l'émission télévisée The Good Wife, en plus de récompenser deux militants du Moyen-Orient qui avaient œuvré pour la liberté et la démocratie. Lumet avait travaillé avec Human Rights First sur un projet médiatique lié à la représentation de la torture et des interrogatoires à la télévision.

Vie personnelle et mort

Lumet s'est marié quatre fois ; les trois premiers mariages se sont soldés par un divorce. Il a été marié à l'actrice Rita Gam de 1949 à 1955 ; à l'artiste et héritière Gloria Vanderbilt de 1956 à 1963 ; à Gail Jones (fille de Lena Horne ) de 1963 à 1978, et à Mary Bailey Gimbel (ex-femme de Peter Gimbel ) de 1980 jusqu'à sa mort. Il avait deux filles de Jones : Amy, qui était mariée à PJ O'Rourke de 1990 à 1993, et l'actrice/scénariste Jenny , qui avait un rôle principal dans son film Q&A . Elle a également écrit le scénario du film Rachel Getting Married (2008), ainsi que co-créé deux séries télévisées avec Alex Kurtzman , la suite du Silence des agneaux Clarice et Star Trek : Strange New Worlds .

Lumet est décédé à l'âge de 86 ans le 9 avril 2011 dans sa résidence de Manhattan d'un lymphome . Lorsqu'on lui a demandé dans une interview de 1997 comment il voulait "sortir", Lumet a répondu: "Je n'y pense pas. Je ne suis pas religieux. Je sais que je ne veux pas prendre de place. Brûler me lever et disperser mes cendres sur Katz's Delicatessen ."

Les références

Liens externes