Système de studio - Studio system

Un système de studio est une méthode de réalisation de films dans laquelle la production et la distribution de films sont dominées par un petit nombre de grands studios de cinéma . Il est le plus souvent utilisé en référence aux studios de cinéma hollywoodiens pendant l' âge d'or d'Hollywood des années 1920 aux années 1960, où les studios produisaient des films principalement sur leurs propres lots de tournage avec du personnel créatif sous contrat souvent à long terme, et dominaient l'exposition grâce à l'intégration verticale. , à savoir, la propriété ou le contrôle effectif des distributeurs et des expositions , garantissant des ventes supplémentaires de films grâce à des techniques de réservation manipulatrices telles que la réservation de bloc .

Le système de studio a été contesté en vertu des lois antitrust dans une décision de la Cour suprême de 1948 qui cherchait à séparer la production de la distribution et de l'exploitation et a mis fin à de telles pratiques, accélérant ainsi la fin du système de studio. En 1954, alors que la télévision se disputait l'audience et que le dernier lien opérationnel entre un grand studio de production et une chaîne de cinéma était rompu, l'ère historique du système de studio était révolue.

La période allant de l'introduction du son au début de la disparition du système de studio, 1927-1948, est appelée par certains historiens du cinéma l'âge d'or d'Hollywood. L'âge d'or est une distinction purement technique et à ne pas confondre avec le style de critique cinématographique connu sous le nom de cinéma hollywoodien classique , style de cinéma américain qui s'est développé de 1917 à 1963 et le caractérise encore aujourd'hui. Pendant le soi-disant âge d'or, huit sociétés ont constitué les principaux studios qui ont promulgué le système des studios hollywoodiens. Sur ces huit, cinq étaient des conglomérats entièrement intégrés, combinant la propriété d'un studio de production, d'une division de distribution et d'une chaîne de théâtre importante, et des contrats avec des artistes et du personnel cinématographique :

  • Fox Film Corporation (plus tard la 20th Century Fox, rebaptisée 20th Century Studios )
  • Loew's Incorporated (propriétaire du plus grand circuit de théâtre d'Amérique et société mère de Metro-Goldwyn-Mayer )
  • Paramount Pictures
  • Photos de Radio RKO
  • Warner Bros
  • Deux majors – Universal Pictures et Columbia Pictures – étaient organisées de la même manière, bien qu'elles n'aient jamais possédé plus que de petits circuits de théâtre.
  • Le huitième des majors de l'âge d'or, United Artists , possédait quelques théâtres et avait accès à deux installations de production appartenant à des membres de son groupe de partenariat contrôlant, mais il fonctionnait principalement comme un bailleur de fonds-distributeur, prêtant de l'argent à des producteurs indépendants et libérant leurs films. .

Le son et les Big Five

Les années 1927 et 1928 sont généralement considérées comme le début de l'âge d'or d'Hollywood et les dernières étapes majeures de l'établissement du contrôle du système de studio sur l'industrie cinématographique américaine. Le succès de The Jazz Singer de 1927 , le premier long métrage "talkie" (en fait, la majorité de ses scènes n'avaient pas de son enregistré en direct ) a donné un grand coup de pouce au studio Warner Bros. de taille moyenne à l'époque. L'année suivante a vu à la fois l'introduction générale du son dans toute l'industrie et deux autres succès pour Warner: The Singing Fool , le suivi encore plus rentable de The Jazz Singer , et le premier long métrage "tout parlant" d'Hollywood, Lights of New York. . Un certain nombre de développements hors écran étaient tout aussi importants. Warner Bros., désormais riche en revenus, a acquis la vaste chaîne de théâtres Stanley en septembre 1928. Un mois plus tard, elle a acquis une participation majoritaire dans la société de production First National , plus importante que Warners elle-même peu de temps auparavant. Avec l'acquisition de First National est venu non seulement un studio et un backlot de 135 acres (55 ha), mais une autre grande chaîne de cinémas. Warners avait frappé le grand coup.

Le dernier des "Big Five" conglomérats hollywoodiens de l'âge d'or a émergé en 1928 : RKO . La Radio Corporation of America ( RCA ), dirigée par David Sarnoff , cherchait des moyens d'exploiter les brevets du son du cinéma, la nouvelle marque déposée RCA Photophone , propriété de sa société mère, General Electric . Alors que les principales sociétés de production cinématographique se préparaient toutes à signer des accords exclusifs avec Western Electric pour leur technologie, RCA s'est lancée elle-même dans le secteur du cinéma. En janvier, General Electric a acquis une participation importante dans Film Booking Offices of America (FBO), un distributeur et une petite société de production appartenant à Joseph P. Kennedy , père du futur président John F. Kennedy . En octobre, grâce à une série de transferts d' actions , RCA a pris le contrôle à la fois du FBO et de la chaîne de théâtre Keith-Albee-Orpheum ; en les fusionnant en une seule entreprise, il a créé la Radio-Keith-Orpheum Corporation, Sarnoff présidant le conseil d'administration. Avec RKO et Warner Bros. (qui deviendra bientôt Warner Bros.–First National) rejoignant Fox, Paramount et Loew's/MGM en tant qu'acteurs majeurs, les Big Five qui resteraient pendant trente ans étaient désormais en place.

Bien que RKO fût une exception, les chefs de studios de la côte ouest, les « magnats du cinéma », étaient pour la plupart en place depuis quelques années : Louis B. Mayer chez MGM, Jack L. Warner chez Warner Bros., Adolph Zukor chez Paramount , Darryl F. Zanuck (chez 20th Century Fox à partir de 1935), Carl Laemmle chez Universal et Harry Cohn chez Columbia.

Règne des majors et premier déclin

Le classement des Big Five en termes de rentabilité (étroitement lié à la part de marché) était largement cohérent pendant l'âge d'or : MGM était numéro un onze années consécutives, 1931-1941. Paramount, le studio le plus rentable du début de l'ère du son (1928-1930), s'est évanoui pendant la majeure partie de la décennie suivante, et Fox a été le numéro deux pendant la majeure partie du règne de MGM. Paramount a commencé une ascension régulière en 1940, dépassant finalement MGM deux ans plus tard; à partir de ce moment et jusqu'à sa réorganisation en 1949, ce fut à nouveau le plus grand succès financier des Big Five. À l'exception de 1932 - lorsque toutes les sociétés, à l'exception de MGM, ont perdu de l'argent et que RKO a perdu un peu moins que ses concurrents - RKO était l'avant-dernier ou (généralement) le dernier chaque année de l'âge d'or, avec Warner généralement à côté à l'arrière de le pack. Parmi les plus petites majors, les Little Three, United Artists a tenu la queue de manière fiable, Columbia étant la plus forte dans les années 1930 et Universal devant pendant la majeure partie des années 1940.

Le succès d'Hollywood s'est accru pendant la Grande Dépression , peut-être parce que les films ont aidé le public à échapper à ses difficultés personnelles. Le président Franklin Delano Roosevelt a déclaré à propos de Shirley Temple : « Lorsque l'état d'esprit des gens est plus bas qu'à tout autre moment pendant cette dépression, c'est une chose magnifique que pour seulement quinze cents, un Américain puisse aller au cinéma et regarder le visage souriant d'un bébé et oublier ses soucis". En 1939, il y avait 15 000 cinémas aux États-Unis, plus que les banques ; le nombre de théâtres par habitant était le double de celui du milieu des années 1980. L'industrie du cinéma était plus importante que celle des machines de bureau. Alors qu'il n'était qu'au 14e rang en termes de chiffre d'affaires, il occupait le deuxième rang en termes de pourcentage de bénéfices perçus par ses dirigeants. Des stars comme Bing Crosby et Claudette Colbert ont été payées plus de 400 000 $ par année (7 442 105 $ aujourd'hui).

La fin du système et la mort de RKO

L'une des techniques utilisées pour soutenir le système de studio était la réservation en bloc , un système de vente de plusieurs films à un cinéma en tant qu'unité. Une telle unité – cinq films était la pratique standard pour la plupart des années 1940 – ne comprenait généralement qu'un seul film particulièrement remarquable, le reste un mélange d'images à budget A de moindre qualité et de films B. Comme l' écrivait le magazine Life en 1957 dans une rétrospective sur le système des studios, "Ce n'était pas un bon divertissement et ce n'était pas de l'art, et la plupart des films produits avaient une médiocrité uniforme, mais ils étaient aussi uniformément rentables... Le million - la médiocrité du dollar était l'épine dorsale d'Hollywood."

Le 4 mai 1948, dans une poursuite fédérale antitrust connue sous le nom d' affaire Paramount intentée contre l'ensemble des Big Five, la Cour suprême des États-Unis a spécifiquement interdit la réservation en bloc. Estimant que les conglomérats avaient effectivement enfreint les règles antitrust, les juges se sont abstenus de prendre une décision finale sur la manière dont cette faute devrait être réparée, mais l'affaire a été renvoyée devant la juridiction inférieure d'où elle était venue avec un langage suggérant le divorce - le séparation complète des intérêts d'exposition des opérations de producteur-distributeur - était la réponse. Les Big Five, cependant, semblaient unis dans leur détermination à se battre et à faire traîner les procédures judiciaires pendant des années, car ils s'étaient déjà montrés compétents – après tout, la poursuite de Paramount avait été initialement déposée le 20 juillet 1938.

Cependant, dans les coulisses de RKO, longtemps le plus fragile des conglomérats financièrement, la décision de justice a été considérée comme un développement qui pourrait être utilisé à l'avantage du studio. Le même mois où la décision a été rendue, le multimillionnaire Howard Hughes a acquis une participation majoritaire dans la société. Alors que RKO contrôlait le moins de cinémas parmi les Big Five, Hughes a décidé que le démarrage d'un effet domino de divorce pourrait en fait aider à mettre son studio sur un pied d'égalité avec ses concurrents. Hughes a signalé sa volonté au gouvernement fédéral de conclure un décret de consentement obligeant la dissolution de son entreprise cinématographique. En vertu de l'accord, Hughes diviserait son studio en deux entités, RKO Pictures Corporation et RKO Theatres Corporation, et s'engagerait à vendre sa participation dans l'une ou l'autre d'ici une certaine date. La décision de Hughes de concéder le divorce a définitivement sapé l'argument des avocats du reste des Big Five selon lequel de telles ruptures étaient irréalisables.

Alors que beaucoup soulignent aujourd'hui la décision de justice de mai, c'est en fait l'accord de Hughes avec le gouvernement fédéral – signé le 8 novembre 1948 – qui a véritablement sonné le glas de l'âge d'or d'Hollywood. Paramount capitula bientôt, concluant un décret de consentement similaire en février suivant. Le studio, qui avait si longtemps lutté contre le divorce, est devenu le premier des majors à se séparer, plus tôt que prévu, finalisant la cession le 31 décembre 1949. À cette époque, il y avait 19 000 salles de cinéma aux États-Unis.

Grâce à l'accord de Hughes avec les autorités fédérales et à ceux des autres studios qui ont rapidement suivi, le système de studio a persisté pendant une autre demi-décennie. Le grand studio qui s'est adapté aux nouvelles circonstances avec le succès le plus immédiat était le plus petit, United Artists ; sous une nouvelle équipe de direction qui a pris le relais en 1951, les frais généraux ont été réduits en résiliant son contrat de location avec l'installation de production de Pickford-Fairbanks et de nouvelles relations avec des producteurs indépendants, impliquant maintenant souvent des investissements directs, ont été forgées - un modèle commercial que Hollywood imiterait de plus en plus dans les années à venir. Le système de studios autour duquel l'industrie s'était organisée pendant trois décennies a finalement expiré en 1954, lorsque Loew's, le dernier réfractaire, a rompu tous les liens opérationnels avec MGM.

Le pari de Hughes a aidé à briser le système de studio, mais il n'a pas fait grand-chose pour RKO. Son leadership perturbateur, associé à l'épuisement du public à la télévision qui affectait l'ensemble de l'industrie, a eu un impact sur le studio, ce qui était évident pour les observateurs d'Hollywood. Lorsque Hughes a cherché à renflouer son intérêt pour RKO en 1952, il a dû se tourner vers un syndicat basé à Chicago dirigé par des revendeurs louches sans expérience cinématographique. L'accord n'ayant pas abouti, Hughes a repris les commandes lorsque la chaîne de cinéma RKO a finalement été vendue comme mandaté en 1953. Cette année-là, General Tire and Rubber Company, qui développait sa petite division de diffusion vieille de dix ans, a approché Hughes au sujet de la disponibilité de la cinémathèque de RKO pour la programmation. Hughes a acquis la propriété presque complète de RKO Pictures en décembre 1954 et a conclu une vente avec General Tire pour l'ensemble du studio l'été suivant.

Les nouveaux propriétaires ont rapidement récupéré une partie de leur argent en vendant les droits télévisés de la bibliothèque qu'ils chérissaient à C&C Television Corp., une filiale d'une société de boissons. (RKO a conservé les droits pour les quelques chaînes de télévision que General Tire avait amenées.) En vertu de l'accord, les films ont été dépouillés de leur identité RKO avant d'être envoyés par C&C aux chaînes locales; le célèbre logo d'ouverture, avec son globe et sa tour radio, a été supprimé, de même que les autres marques du studio.

De retour à Hollywood, les nouveaux propriétaires de RKO rencontraient peu de succès dans le secteur du cinéma et, en 1957, General Tire arrêta la production et vendit les principales installations de RKO à Desilu , la société de production de Lucille Ball et Desi Arnaz . Tout comme United Artists, le studio n'avait plus d'atelier ; contrairement à UA, il possédait à peine ses anciens films et ne voyait aucun profit dans la réalisation de nouveaux. En 1959, il abandonne complètement le cinéma.

En Europe et en Asie

Alors que le système des studios est largement identifié comme un phénomène américain, les sociétés de production cinématographique d'autres pays ont parfois réussi et maintenu une intégration complète d'une manière similaire aux Big Five d'Hollywood. Comme le décrit l'historien James Chapman,

En Grande-Bretagne, seules deux sociétés sont parvenues à une intégration verticale complète (la Rank Organisation et l' Associated British Picture Corporation ). L'Allemagne dans les années 1920 (Universum Film Aktiengesellschaft, ou Ufa ), la France dans les années 1930 ( Gaumont -Franco-Film-Aubert et Pathé -Natan) et le Japon ( Nikkatsu , Shochiku et Toho ) sont d' autres pays où un certain niveau d'intégration verticale s'est produit . À Hong Kong, Shaw Brothers a adopté le système de studio pour ses films wuxia tout au long des années 1950-60. L'Inde, qui représente peut-être le seul rival sérieux de l'industrie cinématographique américaine en raison de sa domination à la fois sur son propre marché et sur celui de la diaspora asiatique, n'a, en revanche, jamais atteint le moindre degré d'intégration verticale.

Par exemple, en 1929, près de 75 % des cinémas japonais étaient liés soit à Nikkatsu, soit à Shochiku, les deux plus grands studios de l'époque.

Après le système

Nous nous trouvons... à traiter avec des sociétés plutôt qu'avec des individus.

—  Harry Cohn de Columbia Pictures, 1957

Système piloté par les étoiles

Dans les années 1950, Hollywood était confronté à trois grands défis : l' affaire Paramount mettant fin au système de studio, la nouvelle popularité de la télévision et les dépenses de consommation après la Seconde Guerre mondiale offrant à son public de nombreuses autres options de loisirs. L'ampleur des succès au box-office et des échecs a augmenté, avec un "milieu dangereux" composé de films qui, à l'époque précédente, auraient rapporté de l'argent. Un cinéaste a déclaré en 1957 que « [l]'un désastre absolu aujourd'hui est de faire une médiocrité d'un million de dollars. L'un d'eux, vous pouvez perdre non seulement votre investissement total, mais votre chemise totale. Cette année-là, Hollywood ne réalisait qu'environ 300 longs métrages par an, contre environ 700 dans les années 1920. Darryl F. Zanuck , directeur de 20th Century Fox, n'a eu aucune implication directe avec le studio de 1956 à 1962, et Louis B. Mayer , limogé en 1951 de MGM, est décédé en 1957. Harry Cohn de Columbia, décédé l'année suivante, a informé les investisseurs dans le rapport annuel du studio de 1957 que :

Nous nous trouvons dans un marché très concurrentiel pour ces talents [stars, réalisateurs, producteurs, scénaristes]. Dans les structures fiscales d'aujourd'hui, le salaire de ceux avec qui nous traitons est moins attrayant que la possibilité de gains en capital. Nous nous retrouvons donc à traiter avec des sociétés plutôt qu'avec des individus. Nous nous retrouvons, nous aussi, obligés de traiter en pourcentage des bénéfices du film, plutôt qu'en salaire garanti comme par le passé. C'est le plus notable parmi les meilleures stars.

La plupart des acteurs sont devenus indépendants après la fin du système de studio. Les bailleurs de fonds exigent de plus en plus des acteurs, réalisateurs et scénaristes vedettes pour des projets visant à réduire le risque d'échec. L'importance croissante du marché d'outre-mer – 40 à 50 % des revenus totaux d'Hollywood en 1957 – mettait également en évidence les noms des stars en tant qu'attractions au box-office. Avec leur nouveau pouvoir, "travailler pour rien" - recevoir un pourcentage des bénéfices au lieu d'un salaire - est devenu un symbole de statut pour les stars. Un acteur de premier plan pourrait s'attendre à 50 % des bénéfices, avec une garantie minimale, ou à 10 % des revenus bruts. Cary Grant , par exemple, a reçu plus de 700 000 $ (équivalent à 5,3 millions de dollars en 2019) de ses 10 % du brut pour To Catch a Thief (1955), tandis que le réalisateur et producteur Alfred Hitchcock a reçu moins de 50 000 $. Dans un cas extrême, Paramount a promis à Marlon Brando 75 % des bénéfices de ce qui est devenu One-Eyed Jacks (1961). (En raison de la comptabilité hollywoodienne , les studios recevaient toujours une grande partie des revenus avant tout partage des bénéfices ; ainsi, ils préféraient 50 % des bénéfices à 10 % du brut.) Les chèques de paie plus importants ont également augmenté le pouvoir des agents de talent tels que Lew Wasserman de MCA, dont le bureau était désormais surnommé « Fort Knox ».

En 1957, les producteurs indépendants produisaient 50 % des longs métrages américains. En plus de travailler pour d'autres, des acteurs de premier plan tels que Gregory Peck et Frank Sinatra ont créé leurs propres sociétés de production et acheté des scripts. Les meilleurs réalisateurs indépendants George Stevens , Billy Wilder et William Wyler ont également vu leur salaire augmenter, en partie parce que leur implication a attiré des acteurs vedettes. Les studios ont de plus en plus fourni des fonds et des installations aux producteurs indépendants au lieu de faire leurs propres films, ou tout comme United Artists, ils se sont concentrés sur la distribution. Alors que la télévision avait endommagé Hollywood, des sociétés de production télévisée telles que Desilu et les propres divisions de télévision des studios de cinéma ont aidé à sauver l'industrie en utilisant des installations autrement inutilisées.

Syndication, télévision, récession et conglomérat hollywoodien

Au début des années 1960, les grands studios ont commencé à rééditer des films plus anciens pour la syndication et se sont transformés en production principalement de téléfilms et de séries B pour répondre à la demande de programmation de la télévision. Entre 1969 et 1971, l'industrie a subi une grave récession, due en partie à des flops à gros budget, mais s'est rapidement rétablie artistiquement avec des films tels que Le Parrain (1972) et Chinatown (1974).

L'apparition de George Lucas « s Star Wars (1977) est devenu le prototype du moderne blockbuster . La sortie de films dans des centaines de lieux est devenue la norme avec des succès tels que les suites de Star Wars de Lucas , L'Empire contre-attaque et Le Retour du Jedi , les succès consécutifs de Spielberg avec Les Aventuriers de l'Arche perdue et ET l'extra- Terrestre , et le développement de la vidéo domestique et de la télévision par câble. Pendant ce temps, le budget incontrôlé de Heaven's Gate (1980), et ses revenus limités au box-office, ont conduit à la vente de United Artists.

De 1990 à 1995, New Hollywood s'est transformé en un conglomérat hollywoodien et a rapidement dominé l'ensemble de l'industrie mondiale du divertissement. Aujourd'hui, trois des majors de l'âge d'or continuent d'exister en tant qu'entités majeures de studios hollywoodiens, qui appartiennent désormais à un plus grand conglomérat de médias : Paramount (appartenant à National Amusements via ViacomCBS ), Warner Bros. (appartenant à AT&T via WarnerMedia , en attendant fusion avec Discovery, Inc. ) et Universal (propriété de Comcast via NBCUniversal ). De plus, à ce jour, Sony Pictures (propriété de Sony ) a été formé par la fusion de Columbia et Tri-Star tandis que Walt Disney Studios (propriété de Disney ) est devenu un major, ce qui a abouti à un "Big Six" jusqu'à l'acquisition de La 20th Century Fox de Disney annoncée fin 2017 a été achevée début 2019, redevenant un « Big Five ». Hors Walt Disney, tous ces studios dits majeurs sont essentiellement basés sur le modèle non pas des Big Five classiques, mais des anciens United Artists : c'est-à-dire qu'ils sont avant tout des bailleurs de fonds-distributeurs (et des loueurs de studios physiques) plutôt que des sociétés de production réelles.

En 1996, Time Warner a acquis New Line Cinema, autrefois indépendant, via son achat de Turner Broadcasting System . En 2008, New Line a fusionné avec Warner Bros., où elle continue d'exister en tant que filiale. Chacun des Big Five d'aujourd'hui contrôle des divisions « art et essai » quasi-indépendantes , telles que Paramount Vantage . Miramax Films (qui était à l'origine un studio indépendant) appartenait à Disney jusqu'en 2010. La plupart ont également des divisions qui se concentrent sur les films de genre, les films B soit littéralement en raison de leurs faibles budgets, soit spirituellement, par exemple, Screen Gems de Sony . Une soi-disant division indépendante, Universal's Focus Features , sort des films d'art et d'essai sous cette marque principale. Focus et la division art et essai de Disney, Searchlight Pictures , sont suffisamment importants pour être considérés comme des mini-majors. Deux grands cabinets indépendants sont également qualifiés de mini-majors, Lionsgate et Metro Goldwyn Mayer . Ils se situent quelque part entre les versions modernes de l'ancien "majeur-mineur" - tout comme Columbia et Universal l'étaient dans les années 1930 et 1940, sauf que Lionsgate et The WC ont environ la moitié de leur part de marché - et les principaux groupes de production indépendants de l'âge d'or tels que Samuel Goldwyn Inc. et les sociétés de David O. Selznick .

L'ère indépendante et le début du deuxième déclin

Au milieu des années 2010, les grands studios se sont tournés vers la production de films grand public qui plaisent au public (films de genre, suites, 3D et films de super-héros). Comme ces films risquent de perdre de l'argent au box-office (et certains, en fait, l'ont fait), une opportunité s'est ouverte pour les sociétés indépendantes de produire des films qui, ces dernières années, ont bouleversé d'autres grands films de studio pour l' Oscar du meilleur film . L' Académie des arts et des sciences du cinéma (qui produit les Oscars annuels ) attribue généralement les Oscars du meilleur film aux films de substance et de haute qualité plutôt qu'au film grand public populaire. Au cours des dernières années, les nombreux prix remportés par des films indépendants tels que Spotlight ( Open Road , 2015), Moonlight ( A24 , 2016) et Parasite ( Neon , 2019) ont eu un impact majeur sur les entrées au box-office d'autres grands films de studio. , et peut-être le sort des grands studios eux-mêmes, et encore aujourd'hui avec la dernière vague de films indépendants. Cette domination continue du film indépendant est la preuve que son succès ne dépend d'aucun format de film, qu'il s'agisse de la 3D, du CinemaScope ou de tout grand format tel que l' IMAX . Les récents résultats du Festival de Cannes et le manque de films américains remportant ces prix peuvent également avoir affecté la domination du cinéma indépendant.

Voir également

Les références

Sources

Publié

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