Cinéma de femmes - Women's cinema

Le cinéma féminin est une variété de sujets regroupés pour créer le travail des femmes dans le cinéma. Cela peut inclure des femmes remplissant des rôles dans les coulisses tels que réalisateur, directeur de la photographie, scénariste et producteur tout en abordant les histoires des femmes et le développement des personnages à travers des scénarios.

Les réalisatrices de renom incluent Barbra Streisand , la première femme à remporter le Golden Globe Award du meilleur réalisateur ( 1983 ), et Kathryn Bigelow , qui est la première femme à remporter l' Oscar du meilleur réalisateur ( 2009 ), ainsi que de nombreuses autres réalisatrices. de partout dans le monde, comme Alice Guy-Blaché , Dorothy Arzner , Mary Harron , Icíar Bollaín , Jane Campion , Aparna Sen , Sofia Coppola , Agnès Varda , Patty Jenkins , Nancy Meyers , Yasmin Ahmad , Nadine Labaki , Ava Duvernay , Lucrecia Martel , Lynne Ramsay , Greta Gerwig , Rakhshān Banietemad et Ida Lupino . De nombreux cinéastes à succès sont également des femmes, notamment Maryse Alberti , Reed Morano , Rachel Morrison et Zoe White.

Le cinéma féminin reconnaît les contributions des femmes du monde entier, non seulement aux films narratifs mais aussi aux documentaires. La reconnaissance du travail des femmes se fait par le biais de divers festivals et récompenses, comme le Sundance Film Festival.

« Le cinéma de femmes est une construction complexe, critique, théorique et institutionnelle », explique Alison Butler. Le concept a eu son lot de critiques, amenant certaines réalisatrices à s'en éloigner de peur d'être associées à la marginalisation et à la controverse idéologique.

Femmes célèbres dans l'histoire du cinéma

Films muets

Alice Guy-Blaché a été une pionnière du cinéma et la première femme réalisatrice. Travaillant pour la Gaumont Film Company en France à l'époque de l'invention du cinéma, elle crée La Fée aux Choux (1896). Les dates de nombreux premiers films sont spéculatives, mais La Fée aux Choux pourrait bien être le premier film narratif jamais sorti. Elle a été chef de production de Gaumont de 1896 à 1906 et a finalement produit des centaines de films muets en France et aux États-Unis.

Helen Gardner , une joueuse de Vitagraph Studios qui avait été acclamée pour son interprétation de Becky Sharp dans la version 1910 de Vanity Fair , a été le premier acteur de cinéma, homme ou femme, à former sa propre société de production, The Helen Gardner Picture Players. La première production de Gardner fut Cléopâtre (1912), l'un des premiers longs métrages américains.

Réalisatrice d'origine américaine, Lois Weber a été entraînée et inspirée par Guy-Blaché et a connu le succès dans la création de films muets. Weber est bien connue pour ses films Hypocrites (1915), The Blot (1921) et Suspense (1913). Les films de Weber se concentrent souvent sur des problèmes sociaux difficiles. Par exemple, son film Où sont mes enfants ? (1916) aborde les questions controversées du contrôle des naissances et de l' avortement . Et elle a remis en question la validité de la peine capitale dans The People vs. John Doe (1916).

Mabel Normand était une autre réalisatrice importante au début. Elle a commencé comme une actrice et est devenu un producteur-scénariste-réalisateur dans les années 1910, travaillant sur les premiers courts métrages de Charlie Chaplin a fait que The Tramp à Mack Sennett de Keystone Studios . Elle a ensuite collaboré avec Sennett sur d'autres films Keystone et, à la fin des années 1910 et au début des années 1920, elle avait son propre studio de cinéma et sa propre société de production. Parmi les autres actrices notables devenues réalisatrices, citons Grace Cunard et Nell Shipman .

Les femmes scénaristes étaient très recherchées dans les premières années du cinéma. Frances Marion , Anita Loos et June Mathis ont toutes eu une carrière réussie à l'époque du silence et du son précoce. Mathis a également été la première femme cadre à Hollywood .

En Suède, Anna Hofman-Uddgren a été la première femme cinéaste de ce pays, produisant le film muet Stockholmsfrestelser en 1911. Elle a également joué dans le film. Cependant, Ebba Lindkvist a réalisé le court métrage , Värmländingarna , qui a été créé en Suède le 27 octobre 1910, faisant ainsi d'elle techniquement la première femme cinéaste.

Hollywood classique

Alors que le cinéma américain est devenu une industrie hautement commercialisée dans les années 1920 et que son contenu est devenu de plus en plus conventionnel, les opportunités pour les femmes productrices et réalisatrices sont devenues de moins en moins nombreuses. Au moment où le son est arrivé aux États-Unis en 1927 et dans les années qui ont suivi, les rôles des femmes derrière la caméra étaient largement limités aux scénaristes, costumiers, décorateurs, maquilleurs, etc. Et la mise en œuvre par l'industrie de l'autocensure sous la forme du code Hays en 1934 signifiait que des sujets tels que le contrôle des naissances et l'avortement étaient tabous. Dorothy Arzner était la seule femme réalisatrice à survivre dans cet environnement hostile. Elle l'a fait en produisant des films bien faits mais formellement plutôt conventionnels. Néanmoins, il est possible de retrouver des éléments féministes dans ses films. Les critiques de cinéma trouvent son film, Dance, Girl, Dance , sur deux femmes qui luttent pour réussir dans le show-business, particulièrement intéressant d'un point de vue féministe. Lorsque le film a été sélectionné pour être inclus dans le National Film Registry , il a été noté que "Les danseuses, interprétées par Maureen O'Hara et Lucille Ball , s'efforcent de préserver leur propre intégrité féministe, tout en luttant pour leur place sous les projecteurs et pour la l'amour du premier rôle masculin Louis Hayward ." Au-delà de Dance, Girl, Dance , Arzner a également travaillé avec certaines des actrices les plus formidables d'Hollywood, dont Katharine Hepburn dans Christopher Strong (1933) et Joan Crawford dans The Bride Wore Red (1937).

Cinéma expérimental et d'avant-garde

Le cinéma expérimental et d'avant-garde est le genre considéré comme le plus proche des femmes cinéastes et qui fait aussi avancer les thèmes féminins. Annette Kuhn, par exemple, a noté une telle affinité particulière en citant que les faibles investissements d'argent et le « professionnalisme » ont signifié qu'il est plus ouvert que l'industrie cinématographique traditionnelle pour les femmes. Les deux Cook , Pam et Laura Mulvey ont également noté un alignement et de l' alliance de expérimental et le cinéma d' avant-garde avec intérêt féministe et politique féministe. Plus précisément, Mulvey a expliqué que les films grand public ou hollywoodiens sont incapables de fournir l'expérience de la contradiction, renforçant l'anti-réalisme et, c'est là que le cinéma d'avant-garde est utile pour les femmes et le féminisme car ils partagent « un intérêt commun pour la politique des images et des problèmes de langage esthétique."

L'implication des femmes dans le cinéma expérimental et d'avant-garde a commencé au début du XXe siècle, bien qu'elle ait été limitée en raison des contraintes des conventions sociales de cette période. Ce n'est qu'après la guerre que les femmes se sont impliquées activement dans ce genre cinématographique. Germaine Dulac était un membre dirigeant du mouvement du film d'avant-garde française après la Première Guerre mondiale Il y a aussi le cas de Maya Deren films visionnaire », qui appartenait aux classiques du cinéma expérimental et axé sur l'avant-garde nord-américain . La tendance contemporaine ne s'oppose pas à l'entrée des réalisatrices dans le cinéma d'avant-garde même si, à ses débuts, elles ne reçoivent pas autant d'éloges que leurs homologues masculins.

Shirley Clarke était une figure de proue de la scène du cinéma indépendant américain à New York dans les années cinquante. Son travail est atypique, dans la mesure où elle réalise des films expérimentaux et longs métrages ainsi que des documentaires exceptionnels. Joyce Wieland était une cinéaste expérimentale canadienne . L' Office national du film du Canada a permis à de nombreuses femmes de produire des films d'animation non commerciaux. En Europe, des artistes femmes comme Valie Export ont été parmi les premières à explorer le potentiel artistique et politique des vidéos .

Impact sur la société

Impact du féminisme de la deuxième vague

À la fin des années soixante, lorsque la deuxième vague du féminisme a commencé, la Nouvelle Gauche était à son apogée. Les deux mouvements se sont fortement opposés au « cinéma dominant », c'est-à-dire à Hollywood et au cinéma d'auteur bourgeois européen masculin. Hollywood a été accusé de favoriser l'oppression en diffusant des stéréotypes sexistes, racistes et impérialistes. Les femmes ont participé à de nouveaux collectifs mixtes comme Newsreel , mais elles ont également formé leurs propres groupes de films. Les premiers films féministes se concentraient souvent sur des expériences personnelles. Un premier chef-d'œuvre fut Wanda de Barbara Loden , l'un des portraits les plus poignants de l'aliénation jamais réalisés.

Le féminisme de la deuxième vague se révélera sous différentes formes dans les films de la fin du XXe siècle, comme avec l'idée de « fraternité » dans les films, dont Steel Magnolias en 1989 est un bon exemple . Autres concepts du féminisme de la deuxième vague dans les films impliquait l'oppression des femmes et la difficulté à s'identifier à l'idée de féminité. Pendant ce temps, le féminisme au cinéma serait également représenté comme un contre-cinéma où les cinéastes tenteraient de déconstruire intentionnellement le modèle du film classique. Ce style de contre-cinéma féministe peut être vu dans les œuvres d'artistes tels que Sally Potter de Thriller en 1979.

Représenter la sexualité

Résister à l'oppression de la sexualité féminine était l'un des principaux objectifs du féminisme de la deuxième vague . L'avortement était encore très controversé dans de nombreuses sociétés occidentales et les féministes s'opposaient au contrôle de l'État et de l'Église. L'exploration de la sexualité féminine a pris plusieurs formes : se focaliser sur des formes de sexualité longtemps censurées ( lesbianisme , sado-masochisme ) ou montrer l'hétérosexualité du point de vue d'une femme. Birgit Hein , Elfi Mikesch , Nelly Kaplan , Catherine Breillat et Barbara Hammer sont quelques-uns des réalisateurs dont on se souvient.

Un film remarquable pour sa représentation empathique du travail du sexe est Working Girls (1986) de Lizzie Borden . Molly, une lesbienne blanche dans une relation métisse stable, est une photographe formée à Yale qui a choisi d'augmenter ses revenus grâce au travail du sexe dans un bordel urbain discret. Nous accompagnons Molly dans ce qui s'avère être son dernier jour de travail, comprenant ses interactions professionnelles avec ses « clients » à travers son point de vue, un point de vue tout à fait original, puisque, jusqu'au film de Borden, les travailleuses du sexe étaient largement représentées de manière stéréotypée. Le personnage et la situation sympathiques et bien équilibrés de l'histoire humanisent le travail du sexe, et le film lui-même combat la position anti-pornographie vantée par de nombreuses féministes de la deuxième vague, que Borden rejette comme répressive.

En règle générale, les femmes sont décrites comme dépendantes d'autres personnages, trop émotives et confinées à des emplois de statut inférieur par rapport aux personnages masculins entreprenants et ambitieux (Bussey & Bandura, 1999). Les femmes au cinéma sont grossièrement mal représentées et définitivement sous-représentées. Les rôles que jouent les hommes sont le super-héros, l'homme d'affaires riche ou le méchant tout-puissant. En ce qui concerne les rôles joués par les femmes, elles ont tendance à être la femme au foyer, la femme qui ne peut pas obtenir un homme, la salope ou la secrétaire. La vraie comparaison est la masculinité contre la féminité. Le test de Bechdel pour le cinéma est un type de test décisif qui examine la représentation des femmes dans les médias. Les 3 facteurs testés sont : 1. Y a-t-il au moins 2 femmes dans le film qui ont des noms ? 2. Ces femmes se parlent-elles ? 3. Se parlent-ils d'autre chose qu'un homme ? (Sharma & Sender, 2014). De nombreux rôles attribués aux femmes les rendent soit dépendantes de leur homologue masculin, soit limitent leur rôle. Une autre caractéristique de leur placement de rôle est que les femmes sont deux fois plus susceptibles d'avoir un rôle lié à la vie plutôt qu'un rôle lié au travail. Hollywood choisit rarement d'avoir les femmes comme patron tout-puissant ou même d'avoir une carrière réussie. Il y a eu des exemples qui enfreignent cette norme, comme The Proposal ou I Don't Know How She Does It . Même dans ces deux films, l'homologue masculin joue un rôle important et dans les deux, le rôle principal féminin dépend des deux acteurs pour le scénario. Les femmes ne sont pas autonomes dans les films et sont rarement le centre d'attention sans qu'un homme soit là pour voler la vedette. Certains rôles qui ont été dépeints dans des films récents ont fonctionné contre cette norme, comme Katniss dans Hunger Games et Furiosa dans Mad Max : Fury Road . Ces rôles brisent la norme, car les femmes sont généralement décrites comme dépendantes d'autres personnages, trop émotives et confinées à des emplois de statut inférieur par rapport aux personnages masculins entreprenants et ambitieux (Bussey & Bandura, 1999). Les femmes au cinéma sont grossièrement mal représentées et sous-représentées.

Peur d'entrer dans la cinématographie

De nombreuses femmes craignent même d'entrer dans l'industrie cinématographique, sans parler de produire plusieurs travaux dans l'industrie. On dit que les travailleurs, hommes et femmes, pensent que l'embauche de femmes dans l'industrie prend de gros risques ou est risquée. Il existe de nombreux actes discriminatoires envers les femmes au cours du processus d'embauche dans l'industrie, tels que la discrimination fondée sur l'âge et leur offrant des taux de rémunération inférieurs. La plupart des travailleuses de l'industrie cinématographique ne deviennent que des pigistes, ce qui les empêche dans la plupart des cas de créer des carrières et de vivre de leur passion pour le cinéma/la cinématographie. Ce sont les tactiques de peur en place, volontairement ou non, pour empêcher les femmes de prospérer dans l'industrie cinématographique.

Cependant, il y a beaucoup plus de discrimination sexiste envers les femmes après qu'elles aient obtenu le travail et qu'elles commencent réellement à aider et/ou à produire du travail. Les statistiques montrent qu'il n'y a pas beaucoup de femmes à des postes de direction dans l'industrie. Par rapport au nombre de femmes embauchées, il est clairement démontré que les femmes n'ont pas la possibilité de conserver leur emploi pendant de longues périodes. "Cependant, il est à noter que les femmes ont perdu leur emploi à un taux six fois supérieur à celui des hommes, ce qui indique la vulnérabilité particulière et accrue des femmes dans l'industrie." Les femmes ne sont pas promues à des postes plus élevés aussi souvent que leurs homologues masculins et n'ont même pas la possibilité de rester assez longtemps pour être promues. Ce sont de multiples problèmes qui surviennent pendant le processus d'embauche et même les expériences post-embauche des femmes qui peuvent faire craindre à d'autres femmes d'entrer dans l'industrie en premier lieu.

La façon dont les femmes sont traitées sur le lieu de travail est également une preuve des inégalités qui leur sont infligées dans l'industrie cinématographique. Les taux de rémunération et les attentes des femmes dans leur formation/expérience en cinématographie sont très différents de ceux des travailleurs masculins. Il existe de nombreux scénarios dans l'industrie qui montrent la femme avec plus de qualifications pour le travail que l'homme, mais gagne moins d'argent pour le même travail que l'homme. « Il convient de noter que les femmes dans ce domaine sont nettement mieux qualifiées que leurs homologues masculins, avec une plus grande proportion de diplômées et une différence encore plus significative dans le nombre de femmes, par rapport aux hommes, avec des diplômes plus élevés (Skillset, 2010a : 6 )." Même les femmes surqualifiées sont traitées comme si elles ne l'étaient pas, ce qui les oblige à travailler très dur pour devenir meilleures et être récompensées comme leurs homologues masculins. Toutes ces inégalités et discriminations envers les femmes dans l'industrie cinématographique font craindre aux femmes de vouloir même entrer dans l'industrie.

Résistance à la violence et résistance violente

La résistance à la violence patriarcale était une préoccupation majeure du féminisme de la deuxième vague des années 1960 aux années 1980. Par conséquent, de nombreuses féministes de la deuxième vague ont pris part aux mouvements pour la paix des années 80, tout comme leurs aïeules dans les mouvements pacifistes plus anciens. Les effets que les conflits de guerre ont eus sur les femmes après la guerre froide ont souvent été négligés. Les conflits de l'après-guerre froide ont fait en sorte que les femmes ont été soumises à des formes accrues de torture, de viol et de violence. Cela a provoqué une augmentation des organisations de femmes pour la paix et des initiatives de protestation contre la violence à l'égard des femmes, entraînant davantage de critiques du cliché patriarcal de la femme « pacifique ». Des réalisatrices ont documenté la participation des femmes aux mouvements de résistance anti-impérialiste. Inspirés par la déesse hindoue Mère Kali - qui est traditionnellement associée à la sexualité, à la violence et à la tendresse maternelle - les cinéastes allemands Birgit et Wilhelm Hein ont créé leur film Kali, qui dépeint les femmes comme violentes et menaçantes, à l'opposé du stéréotype innocent du "gardien". généralement attribué aux personnages féminins. Les cinéastes ont rassemblé des images trouvées de genres « banals », le seul domaine du cinéma dans lequel la représentation de femmes agressives était autorisée.

Les cinéastes ont également commencé à adopter des représentations de la sexualité et du genre dans des films destinés spécifiquement aux étudiants. Alors que les agressions sexuelles sur les campus continuent de sévir dans les universités, les cinéastes ont commencé à créer des films qui abordent ces problèmes. En 2014, un groupe d'étudiants et de professeurs de la Texas Tech University a créé la série de films "Sexism | Cinema" pour fournir une éducation sur la violence à l'égard des femmes et les abus sexuels sur les campus universitaires. En 2015, les films ont été projetés et plus de 500 étudiants étaient présents.

(Ré-)entrer dans le mainstream

Kathryn Bigelow travaille dans des genres dominés par les hommes comme la science-fiction, l'action et l'horreur. Elle est devenue la première femme à remporter un Academy Award du meilleur réalisateur et le Directors Guild of America Award en 2010 pour The Hurt Locker . En 2013, son film Zero Dark Thirty a été acclamé par tous et a rapporté 95 millions de dollars au box-office américain. Bigelow a ensuite été nominé pour le prix du meilleur réalisateur aux BAFTA Awards , aux Golden Globe Awards et aux Directors Guild of America Award, entre autres. Cependant, elle n'a pas été présélectionnée pour la catégorie lors de la 85e cérémonie des Oscars dans ce qui a été largement considéré comme un camouflet .

Anne Fletcher a réalisé quatre films financés par des studios : Step Up (2006), 27 Dresses (2008), The Proposal (2009) et The Guilt Trip (2012) qui ont rapporté plus de 343 millions de dollars au box-office américain et 632 $. millions dans le monde. Elle est également attachée à la réalisation de la suite du film Enchanted de 2007 .

Les films de Catherine Hardwicke ont rapporté un total cumulé de 551,8 millions de dollars. Ses films les plus réussis sont Twilight (2008) et Red Riding Hood (2011).

Nancy Meyers a connu le succès avec ses cinq longs métrages : The Parent Trap (1998), What Women Want (2000), Something's Gotta Give (2003), The Holiday (2006) et It's Complicated (2009) qui ont amassé 1 157 millions de dollars dans le monde. Avant de commencer sa carrière de réalisatrice, elle a écrit d'autres films à succès comme Private Benjamin (1980) pour lequel elle a été nominée pour l' Oscar du meilleur scénario original , Baby Boom (1987) ou Father of the Bride (1991).

Sofia Coppola est une réalisatrice acclamée par la critique qui a également connu un succès financier. Son film primé Lost in Translation (2003) a rapporté plus de 119 millions de dollars. The Virgin Suicides (1999), Marie Antoinette (2006) et The Bling Ring (2013) ont également connu du succès. Son père est Francis Ford Coppola .

Ava DuVernay est la réalisatrice de Selma (2014), acclamée par la critique, ainsi que la première femme afro-américaine à réaliser un film à trois chiffres, A Wrinkle in Time (2018).

Statistiques

Une étude réalisée par l'USC Annenberg a recherché ce que cela signifiait d'être une femme dans l'industrie cinématographique, peu importe si elles travaillaient dans les coulisses ou étaient des personnages de fiction. L'USC Annenberg a examiné deux groupes de test pour les films, les 100 meilleurs films chaque année de 2007 à 2015 et les 100 meilleurs films en 2015.

Pour les 100 meilleurs films en 2015, les femmes étaient les chefs de file et les co-chefs de file dans 32 d'entre eux, tandis que sur les 32 films, seuls 3 d'entre eux comprenaient une race autre que caucasienne. Sur les milliers de rôles parlants, seuls 32 personnages étaient LGBT et parmi ces personnages, 40 % d'entre eux étaient racialement divers. Les personnages féminins étaient également trois fois plus susceptibles d'être vus dans un contexte sexuel.

Dans les coulisses, les statistiques étaient similaires à celles des personnages féminins de fiction. Les réalisatrices, scénaristes et productrices représentaient 19 % des 1 365 personnes qu'il a fallu pour créer les 100 meilleurs films en 2015. Le pourcentage de femmes scénaristes (11,8 %) et productrices (22 %) peut être considéré comme élevé par rapport aux femmes. administrateurs (7,5%). Sur les 7,5% de réalisatrices, trois étaient afro-américaines et une asiatique.

Pour les 100 meilleurs films chaque année de 2007 à 2015, sur les 800 films, 4,1% ont été réalisés par des femmes.

Documentaires

Bien qu'il existe encore un écart entre le pourcentage de cinéastes féminins et masculins, les femmes ont tendance à être plus impliquées dans les films documentaires. Il y a un pourcentage plus élevé de femmes réalisant des documentaires que de femmes réalisant des films narratifs. Il est arrivé un moment où les réalisatrices étaient à peine remarquées ou pas du tout reconnues.

Les réalisatrices en tant que féministes

Dans le monde du cinéma, de nombreuses réalisatrices ne reçoivent pas beaucoup d'attention ou d'occasions de montrer de quoi elles sont capables. Cette question fait encore débat, mais plusieurs militants souhaitent changer et surmonter ce type d'inégalité. Ces militants visent à sensibiliser et à produire un changement social par rapport à ce qui est actuellement montré dans les médias. Au cours des années 1990, de nombreux films ont vu le jour présentant des réalisatrices de différentes nationalités et groupes raciaux. Par exemple, l'un des films sortis cette année-là s'intitule Sisters in Cinema réalisé par Yvonne Welbon . Ce documentaire devait montrer comment les réalisatrices afro-américaines inspectent leur place actuelle dans l'entreprise. En donnant à ces réalisatrices la possibilité de présenter leur travail et de démontrer leurs actions, les documentaires féministes seront tout aussi importants que tout autre documentaire. Non seulement cela, mais de nombreux documentaires ont tendance à présenter différents militants sociaux qui visent un changement social en sensibilisant et en renforçant les réalisatrices.

Plafond celluloïd

Le Centre d'étude des femmes à la télévision et au cinéma a consacré 18 ans à l'étude des femmes dans l'industrie cinématographique. Un rapport annuel est créé, discutant de la manière dont les femmes ont contribué en tant que cinéastes. La plupart des résultats de la recherche montrent que, statistiquement, cela dit la même chose d'année en année. Les films les plus rémunérateurs des 20 dernières années, à l'exception des films étrangers et des rééditions, ont été suivis et étudiés par le Celluloid Ceiling pour fournir des informations sur les contributions et l'emploi des femmes sur ces films. Selon le Center for the Study of Women in Television and Film de l'Université d'État de San Diego, en 2017, « les femmes représentaient 18% de tous les réalisateurs, scénaristes, producteurs, producteurs exécutifs, monteurs et directeurs de la photographie travaillant sur les 250 plus gros revenus nationaux. films." La même étude a conclu qu'en 2017, 10 femmes ou plus ont obtenu un de ces postes dans 1% des films, contre 10 hommes ou plus embauchés pour ces emplois dans 70% des films. que plus de femmes ont tendance à être employées sur des projets de films réalisés par des femmes. Selon le Duke Journal of Gender Law and Policy, « dans les films avec au moins une réalisatrice, les femmes représentaient 53 % des scénaristes. À l'inverse, dans les films avec des réalisateurs masculins, les femmes ne représentaient que 10 % des scénaristes. a en outre constaté qu'« en 2015, les femmes ne représentaient que 22 % des protagonistes et 18 % des antagonistes. Seulement 34% des personnages principaux et 33% de tous les personnages parlants dans les 100 films nationaux les plus rentables étaient des femmes."

Le groupe donne également de son temps à la création d'articles sur la façon dont les femmes sont perçues au cinéma, non seulement en tant que cinéastes, mais aussi en tant que personnages de fiction.

cinéma de femmes afro-américaines

Julie Dash de » Filles de la poussière (1991) a été le premier long métrage avec sortie en salles générale écrit et réalisé par une afro - américaine femme. Depuis, plusieurs femmes africaines ou afro-américaines ont écrit, produit ou réalisé des films à sortie nationale. Neema Barnette ( Civil Brand ), Maya Angelou ( Down in the Delta ), Kasi Lemmons ( Eve's Bayou ), Cheryl Dunye ( My Baby's Daddy ), Stephanie Allain ( Biker Boyz ), Tracey Edmonds ( Soul Food ), Frances-Anne Solomon ( A Winter Tale ) et Dianne Houston ( City of Angels ), Leslie Harris ( Just Another Girl on the IRT ) font partie de ces cinéastes. En 1994, Darnell Martin est devenue la première femme afro-américaine à écrire et à réaliser un film produit par un grand studio lorsque Columbia Pictures a soutenu I Like It Like That .

À ce jour, Nnegest Likké est la première femme afro-américaine à écrire, réaliser et jouer dans un long métrage sorti par un grand studio, Phat Girlz (2006) avec Jimmy Jean-Louis et Mo'Nique .

Pour un compte rendu beaucoup plus complet de l'histoire plus large des femmes noires cinéastes, voir le documentaire de 62 minutes d'Yvonne Welbon, Sisters in Cinema (2003).

De plus, depuis le début révolutionnaire du cinéma, les cinéastes noires ont continuellement lutté et ont toujours du mal à présenter leur travail sur des longs métrages à Hollywood. Cependant, cela n'exclut pas le fait qu'il y avait plusieurs cinéastes de femmes noires qui ont déclenché à leur époque et à leur âge en raison de leur travail phénoménal dans les coulisses. Jessie Maple est considérée comme l'une des figures les plus reconnues pour les droits civils de la communauté afro-américaine et des femmes de couleur au sein de l'industrie cinématographique. Sa carrière cinématographique a décollé lorsqu'elle a travaillé pour la première fois en tant que monteuse pour le film policier Shaft's Big Score (1972) et The Super Cops (1974), basé sur un livre. Elle a continué à travailler comme monteuse de films pendant plusieurs années, mais est finalement devenue la seule caméraman du syndicat noir à son époque à New York. Avec sa passion dévouée pour le cinéma et l'activisme grandissant de jour en jour, Maple et son mari, Leroy Patton, ont créé LJ Film productions, Inc. et sur le point de produire plusieurs courts documentaires dans le cadre et le contexte de la représentation noire, tels que Black Economic. Pouvoir : réalité ou fantasme ? (1977). Ses deux œuvres majeures, Will (1988) et Twice as Nice (1988), ont été les premiers longs métrages indépendants créés et réalisés uniquement par une femme afro-américaine.

Alile Sharon Larkin est connue comme réalisatrice, productrice et scénariste. Elle a commencé sa carrière cinématographique tout en obtenant sa maîtrise à l'UCLA en production cinématographique et télévisuelle. L'un de ses premiers films intitulé Your Children Come Back to You (1979) dépeint le dilemme permanent auquel une jeune fille afro-américaine est confrontée lorsqu'elle choisit entre le désir de sa tante d'adopter un style de vie européen tandis que sa mère est strictement intacte avec ses racines et sa culture africaines. . Le deuxième long métrage de Larkin, A Different Image (1982), lui a valu une reconnaissance et des éloges populaires, et a finalement remporté le premier prix de la Black American Cinema Society . Son succès continu dans l'industrie cinématographique lui a donné le potentiel et l'opportunité de créer son propre studio de production afin de créer et d'améliorer des vidéos éducatives et de la télévision pour les jeunes enfants. Dreadlocks and the Three Bears (1992) et Mz Medusa (1998) sont quelques-unes des productions produites dans son studio au cours des années 1990.

Afrique

La journaliste camerounaise Thérèse Sita-Bella a réalisé en 1963 un documentaire, Tam-Tam à Paris , et Sarah Maldoror , cinéaste française d'origine guadeloupéenne, a tourné le long métrage Sambizanga en Angola en 1972. Mais la première réalisatrice africaine à s'internationaliser La reconnaissance fut l' ethnologue sénégalaise Safi Faye avec un film sur le village dans lequel elle est née ( Lettre du village , 1975). Le Festival international du film de femmes de Créteil 1989 comprenait des courts métrages de Léonie Yangba Zowe de la République centrafricaine ( Yangba-Bola et Lengue , 1985) et de Flora M'mbugu-Schelling de Tanzanie . D'autres réalisatrices africaines incluent Anne Mungai , Fanta Régina Nacro ( La Nuit de la vérité , 2004), Tsitsi Dangarembga ( Fête des mères , 2004) et Marguerite Abouet , une romancière ivoirienne qui a co-réalisé un film d'animation basé sur son roman graphique : Aya de Yopougon (2012). Le film le plus réussi de l'histoire de Nollywood , The Wedding Party , a été réalisé par Kemi Adetiba en 2016.

La camerouno-belge Rosine Mbakam, qui a réalisé deux longs métrages documentaires, « Les deux visages d'une femme bamiléké » (2016) et « Chez Jolie Coiffure » (2018), a été décrite comme « l'une des plus grandes réalisatrices de non-fiction créative travaillant à l'heure actuelle."

Asie

Inde

L'industrie cinématographique indienne connaît un succès constant depuis le début révolutionnaire de leurs comédies musicales et drames familiaux romantiques. La majorité de ces films populaires « Masala » sont généralement réalisés par des hommes. Les rôles féminins dans l'industrie du cinéma se limitaient uniquement au jeu d'acteur, au chant et à la danse. Cependant, récemment, les femmes se sont intensifiées et ont pris les devants en tant que réalisatrices à succès, produisant des films principalement axés sur les problèmes féminins au sein de la société. Comme la majorité des femmes dans le monde, les femmes en Inde ont du mal à prouver leur point de vue. Les films réalisés par des femmes étaient généralement classés dans la catégorie des films d'art ou des films du cinéma parallèle. Les réalisatrices indiennes ne pouvaient pas avoir pleinement accès aux fonds et à la publicité cinématographique comme le faisaient les cinéastes masculins. Le cinéma grand public en Inde se compose essentiellement des « Films Masala », qui comprennent plusieurs genres tels que la comédie, l'action, la vengeance, la tragédie, la romance combinés pour créer un film entier. Les femmes sont continuellement confrontées à des difficultés pour tenter d'obtenir une fraction des millions de dollars dépensés pour ces films masala. Cela oblige les femmes à s'éloigner du genre masala pour obtenir une certaine reconnaissance, ce qui peut souvent susciter des polémiques et éveiller les soupçons. .

Un certain nombre de réalisatrices indiennes bien connues ont obtenu un succès commercial étonnant grâce à leurs films, notamment Mira Nair , Aparna Sen , Deepa Mehta , Gurinder Chadha et Manju Borah . Cependant, il y a un certain nombre d'autres cinéastes indiennes qui ont réalisé des films remarquables qui vont au-delà du simple divertissement ; ils profitent de leur plate-forme pour aborder un éventail de problèmes sociaux et politiques. D' autres cinéastes remarquables femmes indiennes comprennent Vijaya Nirmala , Nisha Ganatra , Sonali Gulati , Indu Krishnan , Eisha Marjara , Pratibha PJaaparmar , Nandini Sikand , Ish Amitoj Kaur , Harpreet Kaur , Leena Manimekalai et Shashwati Talukdar , Rima Das .

Deepa Mehta

Deepa Mehta est connue comme une cinéaste transnationale dont le travail cinématographique est reconnu internationalement au plus haut niveau. Ses films émouvants et primés ont été présentés dans presque tous les grands festivals de cinéma du monde et se classent parmi les favoris parmi tant d'autres. Elle a produit le film Heaven on Earth , en 2008, qui a été présenté en première au Festival international du film de Toronto . Depuis sa sortie, le film est devenu un outil utile pour les professionnels qui se spécialisent dans l'aide aux femmes maltraitées, s'intéressant plus particulièrement à la situation des femmes immigrantes dans des environnements violents, car il a été projeté lors de conférences de procureurs de la Couronne, de juges et de travailleurs de la santé afin pour les aider à mieux comprendre la situation de ces femmes. Fire (1997) est l'histoire de deux belles-sœurs qui vont à l'encontre de leurs traditions et de leur culture dans le but de commencer une nouvelle vie ensemble. Lorsque le film a été projeté pour la première fois à Bombay, il a provoqué une réaction brutale de quelques partis politiques tels que le Shiv Sena . La majorité des cinémas ont cessé de projeter le film en raison des violentes attaques de la foule qui ont causé de graves dommages à la salle du théâtre et aux biens. Les agresseurs ne voulaient pas que le film soit projeté car il allait à l'encontre de leurs convictions et était une violation de la « culture indienne ». La société indienne n'est toujours pas équipée pour comprendre et accepter les relations homosexuelles et lesbiennes dans leur communauté. D'un autre côté, certains ont loué le film de Mehta pour présenter les problèmes sociaux auxquels l'Inde était confrontée.

Certaines de ses autres œuvres bien connues incluent sa trilogie élémentaire : Terre (1996), Feu (1998), Eau (2005), où les valeurs masculines dominantes et les pratiques d'oppression et d'exploitation des femmes sont remises en question dans cette fascinante série en trois parties. Le film de Mehta Earth (1998) a été inspiré de « Cracking India » de Bapsi Sidhwa , une histoire qui tourne la partition indo-pakistanaise de 1947 et qui a connu un succès retentissant. Mehta a commencé à travailler sur son dernier film, Water (2005) , dans sa trilogie. Le film s'est déroulé dans les années 1930, lorsque l'Inde luttait pour son indépendance contre la domination coloniale britannique. Le film met en scène un groupe de veuves qui luttent contre la pauvreté dans la ville de Varanasi . Il examine également la dynamique entre l'une des veuves, qui vise à se libérer des restrictions sociales imposées aux veuves et un homme issu d'une classe sociale inférieure et adepte du Mahatma Gandhi. Des problèmes sociaux féministes sont mis en évidence, tels que les mauvais traitements infligés aux veuves, la misogynie religieuse et les enfants mariées dans les régions rurales de l'Inde. Mehta a été contraint d'arrêter la production du film à cause du parti politique des extrémistes hindous en relation avec le Bharatiya Janatha Party (BJP), a répondu en déclarant que le film ternissait l'image de l'Inde et était associé à l'organisation d'une tentative de révolte de l'église chrétienne contre l' hindouisme . Elle a reçu une nomination aux Oscars pour l' eau en 2007. Ses autres films notables sont Bollywood/Hollywood (2002) et l'adaptation de Midnight's Children (2012).

Mira Nair , une cinéaste indienne talentueuse et accomplie, a écrit, produit et réalisé une pléthore de documentaires primés. Sa capacité unique à provoquer les téléspectateurs occidentaux et non occidentaux de diverses manières l'a amenée à être considérée comme une cinéaste non traditionnelle qui n'a pas peur de créer la controverse à travers son travail. So Far From India (1983) dépeint l'histoire d'un jeune immigrant indien travaillant à New York et son expérience déchirante d'acculturation. Tout en faisant face à ses propres nouvelles luttes en Amérique, il doit également s'inquiéter pour sa femme enceinte à la maison. India Cabaret (1986), est un film de style documentaire qui a prêté la voix à des strip-teaseuses ou danseuses de cabaret à Mumbai . Au-delà de ces œuvres impressionnantes, elle a également une liste de longs métrages à son actif; son premier long métrage, Salaam Bombay ! (1988), qui détaillait la dévastation urbaine créée par la prostitution et la pauvreté, a été nominé pour l' Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1988, a remporté le Prix du public de l'entrée la plus populaire au Festival de Cannes , la Caméra d'Or pour meilleur premier long métrage, ainsi que 25 autres prix internationaux.

Haïfa Al-Mansour

La majorité des réalisatrices indiennes essaient de changer l'industrie cinématographique en introduisant de vrais problèmes sociaux, au lieu des films masala traditionnels pour lesquels l'Inde est connue. Daman (2001) est réalisé par Lajma qui a décidé d'aborder un thème unique mais distinct en sensibilisant au viol conjugal. L'actrice principale a remporté un prix pour sa performance brute exceptionnelle qui a relancé les films indiens qui tentent de sensibiliser à un problème social grave.

Arabie Saoudite

Haifa Al-Mansour est la première réalisatrice saoudienne et est considérée comme la créatrice de films saoudienne la plus controversée, surtout après son film emblématique qui a fait le buzz, Wadjda . Elle a terminé ses études de premier cycle à l' Université américaine du Caire, puis a poursuivi ses études de maîtrise en production cinématographique à l' Université de Sydney en Australie. L'un de ses trois courts métrages à succès, Women Without Shadows, a inspiré des centaines de cinéastes saoudiens révoltés et a soulevé des questions sur la question de l'ouverture publique des cinémas en Arabie saoudite. Ses films ont été à la fois célébrés et critiqués en raison du fait que son travail apporte de sérieux sujets sociaux avec lesquels les Saoudiens se débattent en ce qui concerne leur culture et leurs traditions conservatrices.

Dans Wadjda , le personnage principal, Waad Mohammed décide d'aller à l'encontre des normes sociales imposées à une fillette de dix ans dans le royaume. Elle devient une paria à cause du vélo qu'elle roule en public. Cependant, le film se termine sur une note légère et inspirante qui libère Wadjda de toutes les contraintes sociales qui lui sont imposées. Haifa al Mansour reflète une partie de la société saoudienne qui refuse d'accepter le mode de vie traditionnel soumis. Cependant, Wadjda promeut une certaine liberté pour les droits des femmes qui ont besoin de plus qu'un changement du jour au lendemain dans une culture aussi conservatrice et restreinte.

Japon

Au Japon, Kinuyo Tanaka a longtemps été la seule femme à réaliser des longs métrages. Elle a pu le faire contre une résistance farouche car elle jouissait d'un statut d'actrice vedette. Utilisant les conventions du genre, elle montrait des femmes « avec une affection humoristique rare dans le cinéma japonais de l'époque » (Philip Kemp).

Actuellement, la réalisatrice la plus connue du Japon est peut-être Naomi Kawase ; En 2007, elle remporte le Grand Prix à Cannes , tandis que Mémoires d'un figuier , le premier film de la célèbre actrice Kaori Momoi , voit le jour en 2006. Le film d'aventure sociocritique K-20 : La Légende du masque de Shimako Sato était de S une percée dans un plus grand budget; il mettait en vedette Takeshi Kaneshiro et est sorti dans le monde entier.

Corée du Sud

De même en Corée du Sud , Yim Soon-rye a décroché un succès au box-office avec Forever the Moment , tandis que So Yong Kim a attiré l'attention pour son film In Between Days et Lee Suk-Gyung a réalisé le thème féminin et subtilement féministe The Day After. .

Chine

L'une des cinéastes chinoises importantes de la cinquième génération est Ning Ying, qui a remporté plusieurs prix pour ses films ; contrairement à la controverse sur certains de ses collègues de sixième génération tels que Zhang Yimou , qui ont été accusés d'avoir vendu leurs idéaux, Ning Ying a continué à réaliser de petits films indépendants avec des thèmes fortement liés à la vie quotidienne chinoise, donc également un lien entre la 5e et la 6e génération. La Sixième Génération a vu un nombre croissant de réalisatrices telles que Liu Jiayin , mieux connue pour son film Oxhide , et Xiaolu Guo ; en 2001, Li Yu a fait sensation avec son histoire d'amour lesbienne Fish and Elephant .

La réalisatrice la plus célèbre de Hong Kong est sans aucun doute Ann Hui , qui a réalisé un large éventail de films allant du genre wuxia au drame ; Ivy Ho et la taïwanaise Sylvia Chang sont également des noms connus dans l'industrie de Hong Kong, tandis qu'à Taiwan, le cinéaste queer Zero Chou a été acclamé dans les festivals du monde entier.

Lindan Hu a documenté la réémergence post- Mao du désir féminin dans le cinéma féminin des années 1980 en Chine continentale. Les films que Hu considère sont Army Nurse réalisé par Hu Mei et Women on the Long March réalisé par Liu Miaomiao .

Malaisie

Yasmin Ahmad (1958-2009) est considéré comme l'un des réalisateurs les plus importants de Malaisie ; à l'origine réalisatrice commerciale, elle est passée relativement tard aux longs métrages et a acquis une renommée internationale tout en suscitant la controverse parmi les conservateurs de son pays d'origine.

Pakistan

Au Pakistan, où l'industrie cinématographique n'est pas très importante, quelques réalisateurs éminents et brillants travaillent. L'industrie cinématographique conventionnelle a des réalisateurs comme Sangeeta et Shamim Ara qui font des films avec des thèmes féministes. Surtout au crédit de Sangeeta, il y a des films basés sur des problèmes. Maintenant, certains nouveaux réalisateurs de l'industrie de la télévision se tournent également vers le milieu des films. Sabiha Sumar et Mehreen Jabbar sont deux nouveaux noms pour les films au Pakistan et font des films brillants. Ces deux réalisateurs ont réalisé des films qui ne sont pas seulement basés sur des problèmes abordant des problèmes nationaux, mais ces films ont également remporté des prix internationaux dans différents festivals de films.

L'Iran

Rakhshan Bani-Etemad , scénariste et réalisatrice, est probablement la réalisatrice iranienne la plus connue et certainement la plus prolifique. Elle s'est imposée comme la femme d'État aînée du cinéma iranien avec des documentaires et des films traitant de pathologie sociale. Le poète iranien contemporain Forugh Farrokhzad (1935-1967) était également cinéaste. Son film le plus connu est The House is Black (Khane siah ast, 1962), un documentaire sur une colonie de lépreux dans le nord de l'Iran. Samira Makhmalbaf a réalisé son premier film La Pomme alors qu'elle n'avait que 17 ans et a remporté le Prix ​​du Jury de Cannes en 2000 pour son film suivant Le Tableau noir . Sa belle - mère Marzieh Meshkini a réalisé « Le jour où je suis devenue une femme » et la sœur de Samira, Hana Makhmalbaf, a commencé sa carrière avec « La joie de la folie », un documentaire en coulisses sur le film de Samira « À cinq heures de l'après-midi », et a par la suite a réalisé deux longs métrages, Buddha Collapsed out of Shame et "Green Days", un film sur la Révolution verte qui a été interdit en Iran.

Sri Lanka

Sumitra Peries est une réalisatrice chevronnée du cinéma sri lankais et elle est l'épouse du grand Lester James Peries . Elle a également occupé le poste d'ambassadrice du Sri Lanka en France, en Espagne et aux Nations Unies à la fin des années 1990.

Inoka Sathyangani est une réalisatrice et productrice sri lankaise de renommée internationale. En 2002, elle a reçu de nombreux prix pour son premier effort Sulang Kirilli, qui traite du thème de l'avortement. Le film a remporté le plus grand nombre de prix remportés par un seul film dans l'histoire de l'industrie cinématographique du Sri Lanka.

Les femmes latino-américaines au cinéma

Colombie

Marta Rodriguez est une documentariste colombienne.

Argentine

Bien que les femmes aient joué un rôle « minime » dans le développement du cinéma en Argentine, deux femmes pionnières étaient la réalisatrice María Luisa Bemberg et la productrice Lita Stantic . Lucrecia Martel est une figure majeure de la "buena onda" argentine, le nouveau cinéma post-krach économique. Lucia Puenzo est l'autre éminente réalisatrice argentine contemporaine. Chacun d'eux a réalisé trois longs métrages à ce jour (2014). De plus, María Victoria Menis a écrit et réalisé plusieurs films acclamés par la critique, dont La cámara oscura (2008) et María y el araña (2013).

Brésil

Le cinéma brésilien compte un certain nombre de réalisatrices dont les œuvres datent des années 1930. L'ère la plus prolifique des réalisatrices brésiliennes se déroule à partir des années 1970. Certains noms contemporains incluent : Ana Carolina , Betse De Paula, Carla Camurati , Eliane Caffé , Helena Solberg , Lúcia Murat , Sandra Kogut , Suzana Amaral et Tata Amaral .

Mexique

Mariana Chenillo est devenue la première femme réalisatrice à remporter un Ariel Award du meilleur film en 2010.

Les femmes cinéastes d'Amérique latine, en particulier du Mexique, souffrent d'une négligence absolue de la part de l'industrie cinématographique et du public. Mimí Derba a fondé l'une des premières sociétés de production mexicaines, Azteca Films. Elle a eu une carrière réussie dans le vaudeville avant d'entrer dans le cinéma. Derba a été la première femme réalisatrice au Mexique. Ensuite, Matilde Landeta était une réalisatrice et scénariste mexicaine, qui a été la première femme à jouer ces rôles pendant l' âge d'or du cinéma mexicain . Ses films se sont concentrés sur la représentation de protagonistes féminines fortes et réalistes dans un monde patriarcal. Landeta a remporté un Ariel Award en 1957 pour la meilleure histoire originale pour le film El camino de la vida qu'elle a co-écrit avec son frère Eduardo. Le film a également remporté l'Ariel d'or en 1957, l'Ariel d'argent du film d'intérêt national majeur et de la meilleure réalisation et deux autres prix en 1956 au Festival international du film de Berlin sous le nom d' Alfonso Corona Blake . Dans les années 1980 et 1990, les choses ont commencé à changer. Les réalisatrices mexicaines ont enfin eu l'opportunité de créer et de produire des longs métrages professionnels. Les deux plus populaires seraient El secreto de Romeila (1988) réalisé par Busi Cortés et Los pasos de Ana (1990) par Marisa Sistach. Ces deux longs métrages ont été considérés comme les portes qui ont ouvert des opportunités pour les femmes cinéastes au Mexique et ont créé un nouveau genre que les gens ne connaissaient pas, appelé « cinéma de femmes ». La croissance phénoménale du « cinéma de femmes », non seulement signifiait qu'il y aurait une expansion infinie de la liste des noms féminins en tant que cinéastes ou créatrices ; en réalité, il a créé un genre cinématographique intimidant en objectivant les femmes et en les déplaçant au sein de l'industrie cinématographique.

Actrice d'Arcelia Ramírez surtout connue pour Verónica (2017), Instructions non incluses (2013) et Such Is Life (2000).

La plupart des réalisatrices mexicaines se reconnaissent comme féministes. La principale raison pour laquelle beaucoup d'entre eux se sont engagés à être des cinéastes était de dépeindre des histoires de femmes dans leur essence originale et vraie ainsi que de s'efforcer de réadapter les rôles des femmes sur l'écran mexicain. Selon Patricia Torres San Martín, une honorable spécialiste du cinéma, un nouveau thème émerge au sein de l'industrie cinématographique au Mexique, connu sous le nom de « nouvelle identité féminine ». Ce nouveau changement structurel dans le cinéma a créé un changement culturel géographique au Mexique en raison de son nouveau concept révélateur dans l'industrie cinématographique. L'un des premiers courts métrages de Maria Novaro (une œuvre scolaire : Une île entourée d'eau , 1984) a été acquis par le Museum of Modern Art de New York pour sa collection permanente de films et a été distribué aux États-Unis par Women Make Movies. El Jardín del Edén (Le jardin d'Eden) de Maria en 1994 lui a valu une deuxième nomination pour l' Ariel Award du meilleur film, la première pour une femme au Mexique. Dans le jardin d'Eden, trois femmes très différentes se retrouvent dans la ville frontalière mexico-américaine de Tijuana, chacune avec son propre objectif. Les femmes : l'artiste en difficulté Elizabeth ( Rosario Sagrav ), Jane ( Renée Coleman ), qui cherche son frère, et Serena ( Gabriela Roel ), une veuve qui vient d'arriver en ville avec sa famille. Bien que le trio vienne d'horizons culturels différents - Serena est mexicaine, Jane est américaine et Elizabeth est mexicaine-américaine - toutes les trois sont également à la recherche d'une nouvelle direction.

Mariana Chenillo est devenue la première femme réalisatrice à remporter un Ariel Award du meilleur film en 2010 pour le film Nora's Will . L'Ariel est le prix de l'Académie mexicaine du cinéma. Au cinéma, il est considéré comme l'équivalent mexicain des Oscars ("Oscars") des États-Unis. Le film donne une mystérieuse photographie laissée sous le lit qui conduira à un dénouement inattendu qui nous rappellera que parfois les plus grandes histoires d'amour se cachent dans les plus petits endroits. Issa López a écrit les scripts de plusieurs longs métrages, trois d'entre eux produits au Mexique par les Major Hollywood Studios et deux d'entre eux réalisés par elle-même ; Efectos Secundarios ( Warner Bros. , 2006) et Casi Divas Almost Divas ( Sony Pictures , 2008). Casi Divas est le seul film mexicain à avoir été composé par le célèbre compositeur hollywoodien Hans Zimmer . Cela fait d'elle une cinéaste mexicaine, à surveiller.

L'Europe 

Bulgarie

Binka Zhelyazkova a été la première femme bulgare à réaliser un long métrage avec Life Flows Quietly By... en 1957 et a été l'une des rares femmes au monde à réaliser des longs métrages dans les années 1950.

Irina Aktasheva, une Russe, a réalisé plusieurs films bulgares dans les années 1960 et 1970, dont Monday Morning en 1965. Radka Bachvarova était une réalisatrice bulgare d'animation. Lada Boyadjieva a fait concourir deux films pour la Palme d'or du court métrage en 1961 et 1962 . Ivanka Grybcheva a réalisé des films dans les années 1970 et 1980.

Danemark

Le premier long métrage danois réalisé par une femme était Ud i den kolde sne de 1934, réalisé par Alice O'Fredericks , qui allait devenir l'un des réalisateurs danois les plus prolifiques. Elle a d'abord co-réalisé ses films avec Lau Lauritzen Jr. , mais dans les années 1940, elle a commencé à réaliser elle-même des films. Elle est créditée d'avoir réalisé plus de 70 longs métrages ainsi que d'avoir écrit des scénarios pour plus de 30 films, ce qui en fait l'une des réalisatrices les plus productives du cinéma danois et parmi ses films les plus mémorables figurent les films Far til Fire et la filmatisation de les romans de Morten Korch , qui étaient tous très populaires pendant l'âge d'or du cinéma danois . Elle est également connue pour ses films axés sur les femmes et les droits des femmes.

Dans les années 1940, l'actrice vedette Bodil Ipsen et la scénariste Grete Frische ont rejoint O'Fredericks dans la réalisation de longs métrages grand public. Ipsen co-dirigera vers la fin de sa carrière avec Lau Lauritsen Jr. et Fische co-dirigera Så mødes vi hos Tove avec O'Fredericks.

Parmi les autres réalisatrices danoises prolifiques, citons Astrid Henning-Jensen , qui est devenue la première femme réalisatrice à être nominée pour un Oscar avec Paw , Susanne Bier , la première femme réalisatrice à remporter un Golden Globe , un Academy Award, un Emmy Award et un film européen. Award , et Lone Scherfig , dont les films ont été nominés pour les Oscars, les BAFTA et un European Film Award .

Le plus ancien prix du film danois est nommé Bodil Award d' après Bodil Ipsen et Bodil Kjer , et le Alice Award , qui récompense la meilleure réalisatrice au Festival international du film de Copenhague, est nommé en l'honneur d'Alice O'Fredericks.

La France

À l'époque du muet, les réalisatrices françaises étaient une éminente Alice Guy-Blaché qui a réalisé environ 700 films et est créditée de l'introduction de la forme narrative. Germaine Dulac a été l'une des réalisatrices de films d'art les plus créatives et est devenue le leader du mouvement des cinéclubs français. Marie-Louise Iribe est passée d'actrice à responsable d'une société de production et à la réalisation de longs métrages importants.

Agnès Varda

À l'« âge d'or » du cinéma français « classique », Jacqueline Audry était la seule femme à réaliser des films commerciaux. En 1959 , l' écrivain Marguerite Duras a écrit le scénario pour Alain Resnais de Hiroshima Mon Amour . Elle se tourne vers la réalisation avec La Musica en 1966. Parmi les réalisatrices françaises les plus connues figurent Agnès Varda , Claire Denis , Diane Kurys , Danièle Huillet , Nelly Kaplan et Catherine Breillat . Le travail de beaucoup plus de réalisatrices françaises est rarement projeté hors de France. D'autres incluent Zabou Breitman, Julie Delpy , Virginie Despentes , Valérie Donzelli , Pascale Ferran, Alice Guy-Blaché, Maïwenn (Le Besco), Mia Hansen-Love, Agnès Jaoui, Isild le Besco, Noémie Lvovsky, Tonie Marshall, Christelle Raynal, Céline Sciamma, Coline Serreau et Danièle Thompson.

Le cinéma de France est l'un des pays les plus forts qui forment des films. C'est le berceau du cinéma qui a contribué à la fois à l'expression artistique et au processus de production cinématographique lui-même. Il y a trois cinéastes pionnières qui ont laissé leur héritage et enregistré leur histoire au début, au milieu et à la fin. Réalisatrice, Alice Guy a existé à la naissance du cinéma. Germain Dulac était autour d' avant-garde du cinéma dans les années 1920. Enfin, Agnés Varda (1954) accompagne le mouvement de la Nouvelle Vague . Les trois cinéastes sont arrivés au pouvoir par les mêmes voies. Alice Guy était la secrétaire de Léon Gaumont avant la réalisation de son premier film, un an plus tard après la naissance du cinéma, en 1854 pour être exact. D'autre part, Germain Dulac a d'abord étudié la musique puis est devenu logicien de cinéma et journaliste. Elle s'est concentrée de près sur la photographie juste avant la réalisation de son premier film en 1926. Alors qu'Agnés Varda a d'abord fasciné l'histoire de l'art, puis s'est tournée vers le cinéma et la photographie en 1954. Tous ces antécédents prématurés les ont rendus puissants. plus tard dans le temps, grâce à la pratique et au travail acharné, ils sont capables de distinguer des techniques cinématographiques différentes et créatives. Ils ont tous la même croyance en un langage cinématographique, dans lequel le cinéma appartient aux mains d'une femme et que le cinéma est leur propre outil technologique pour espacer les choses comme bon leur semble.

Depuis qu'Alice Guy travaillait pour Gaumont, elle était responsable du côté production de l'entreprise en tant que réalisatrice, cinéaste et chef de plateau. De secrétaire à chef, elle a réalisé 406 films durant cette période. La plupart de ses films duraient entre 20 et 90 minutes, pour qu'un film créé aussi longtemps pendant cette période serait considéré comme un court métrage, mais savoir qu'il a été réalisé plus tôt auparavant est exceptionnel pendant les premières années. Alice Guy a eu la chance de tourner certains de ses films autrement que l'ancêtre de Gaumont les Frères Lumière . Les frères étaient surtout intéressés par le tournage de films montrant ce que les caméras peuvent capturer et non ce qu'elles expriment. Par exemple, avoir des plans de trains ou de militaires marchant à plusieurs reprises. Guy n'était pas tellement intéressé par la répétitivité dans les films, bien qu'elle ait été légèrement influencée par eux, elle avait décidé de penser à quelque chose de mieux et de comique. Ici, elle a donné un tas de courts métrages comiques à Gaumont et a approuvé ses films. C'était la première étape pour être un pionnier. Cela lui avait permis de découvrir le côté futuriste du cinéma. Moins d'un an après sa soumission de courts métrages, ils sont devenus un succès complet. Son film La Passion ou ce qu'on appelle La Vie du Christ était une œuvre d'art sur laquelle elle a travaillé pendant des années. Cela a inclus vingt-cinq ensembles avec un certain nombre de zones extérieures et environ ou plus de trois cents scènes de foule.

À l'époque où Germain Dulac tournait pour réaliser son premier film en 1916, l'industrie cinématographique en France était dans un état inhabituel en raison du boom précoce qui s'est produit en 1901-1904. Au cours de 1910, environ soixante à soixante-dix pour cent des films ont été envoyés dans le monde depuis Paris, cependant, au cours de 1914, l'industrie a commencé à décliner ces films car elle manquait d'investissements et d'outils de production pour les pratiques. Plus tard, au cours des années 1920, le nouveau cinéma en France a commencé à cause du cinéma d'avant-garde et du premier mouvement de la théorie du cinéma, auquel Dulac s'est intéressé. Dulac a commencé comme journaliste pour des revues féministes qui s'appellent La Fraciase et La Fronde , dans laquelle elle l'associera plus tard à son intérêt pour la photographie qui l'a amenée à réfléchir et à faire des rapprochements entre l'objectif de l'appareil photo et le féminisme. Elle avait une forte croyance envers le cinéma, elle savait que le cinéma peut démontrer tant d'importance à travers une lentille. L'utilisation de la cinématographie était une façon d'exprimer les structures rythmiques et les significations dans le film. Elle a été très influencée par la musique au début de sa vie, dans laquelle elle a incorporé dans des films pour voir visuellement le mouvement de la musique. Elle avait rendu ses films poétiques pour montrer et exprimer l'émotion et avait même pensé à représenter des femmes à partir de son inspiration de journaliste féministe. Le travail de Dulac lui avait fait asseoir l'idée d'une écriture cinématographique pour pouvoir marquer la subjectivité féminine. Elle a également été très inspirée par Guy et a pris une de ses techniques de photographie en mouvement et lui a donné une voix de femme. L'un des films pour lesquels elle est célèbre s'appelle La Souriante Madame Beudet ( La Souriante Madame Beudet ) créé en 1923. Ce film est reconnu comme l'un des meilleurs films féministes du marché. Il tourne autour de l'idée d'avoir une femme qui travaille dur dans une relation non désirée.

Le travail d'Agnes Varda se concentre sur la relation entre ses films et la vie, elle rend ses faits fictifs et non fictifs montrés à travers le film. Elle montre la vie d'une personne à l'intérieur et à l'extérieur du monde pour pouvoir prouver la réalité de la vie. Varda a structuré l'un de ses films en ayant des narrations côte à côte, ce qui signifie avoir deux narrations à la fois. Le premier attribut structurel qu'elle a utilisé pour filmer était l'objectivité, qui montrait un détachement par rapport à l'histoire réelle. Sans objectivité, il y aurait de la subjectivité dans ses films, ce qui rendrait plus tard l'objectivité arrangée et irréaliste. Certains de ses films ne montrent pas de profondeur car elle-même est détachée des personnages. La plupart des personnages montrés ne sont pas aussi centraux que les autres personnages d'un film que le spectateur verra, elle dramatise déjà la narration qu'elle n'est dramatisée. Dans son film, La Pointe Courte, elle a décidé de faire sentir différent pour que le public évalue efficacement son film.

Allemagne

The Economist a écrit à propos de Leni Riefenstahl que Triumph of the Will « a scellé sa réputation de plus grande réalisatrice du 20e siècle ».

Les cinéastes allemandes Helke Sander et Cristina Perincioli sont également des pionnières du mouvement féministe. D'autres réalisatrices de premier plan incluent Margarethe von Trotta et Helma Sanders-Brahms . Monika Treut a également été reconnue pour ses représentations de la sexualité queer et alternative. Les réalisatrices contemporaines de langue allemande comprennent Maren Ade , Barbara Albert , Doris Dörrie , Frauke Finsterwalder , Katja von Garnier , Jessica Hausner , Nicolette Krebitz , Caroline Link et Angela Schanelec .

Les films allemands féministes ont été aidés et loués par toutes sortes d'organisations ; Festivals, cinémas réservés aux femmes (Frauenkino), journal "frauen und film", association de cinéastes... Ceux-ci étaient plutôt exclusivement féminins, arguant qu'ils voulaient apporter un équilibre. Différents objectifs ont été poursuivis avec ces organisations : plus d'attention, plus de discussion et des revendications comme 50% de la subvention accordée aux cinéastes devraient être accordées aux réalisatrices.

Hongrie

En Hongrie, Marta Meszaros réalise des films importants depuis des décennies.

Italie

Elvira Notari a été une pionnière du cinéma italien et elle a été suivie par d'autres réalisatrices de premier plan telles que Lina Wertmüller et Liliana Cavani .

la Belgique

Chantal Akerman était une réalisatrice belge de renom. Son film le plus connu est Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975).

Norvège

Nouvelles réalisatrices norvégiennes

Les réalisatrices norvégiennes n'attiraient pas beaucoup l'attention de leur public et étaient donc négligées. Avec cette génération actuelle, de nombreuses réalisatrices norvégiennes ont fait preuve d'un développement courageux prouvant l'importance des réalisatrices. Les réalisatrices Anja Breien , Vibeke Lokkeberg et Laila Mikkelsen sont considérées comme les meilleures réalisatrices du primaire ayant fait de grands progrès dans les films norvégiens. La plupart des documentaires présentent des critiques cruciales sur la discrimination des femmes. Ces trois dirigeants ont montré la différence entre la génération actuelle de réalisateurs norvégiens et leurs générations précédentes. Les aspects sociaux et économiques sont deux catégories qui ont incité les femmes à devenir réalisatrices. Brien, Lokkeberg et Mikkelsen ont été fortement influencés par les cinéastes masculins et ont adapté certaines techniques cinématographiques dans leurs propres documentaires.

Des réalisateurs masculins importants tels que Tanered Ibsen et Arne Skouen sont les deux figures les plus en vue qui ont vécu aux États-Unis pour apprendre et emprunter différentes techniques et styles cinématographiques. Par exemple, Ibsen a parcouru des régions des États-Unis telles qu'Hollywood pour acquérir différentes techniques stylistiques. Une technique qu'il a empruntée était le son synchrone, qu'il a incorporé dans de nombreux films. Plus tard, Skouen, également connu comme journaliste, est venu collecter certaines de ces techniques et les adopter dans certains de ses propres films, cela l'a aidé à devenir non seulement réalisateur, mais aussi critique et romancier. La plupart des œuvres de Skouen sont représentées avec des acteurs masculins et quelques femmes. Ses films sont généralement basés sur des personnages héroïques montrant le leadership et l'action des hommes. L'un des films qu'il a créés s'intitule Nine Lives , qui se base sur un personnage d'un groupe visant à perturber une tour aérienne. Alors que le travail d'Ibsen montre généralement un peu plus de figures féminines dans ses films comiques qui se concentrent sur les normes sociales. Pour lui, la caractérisation est l'élément clé pour faire des films à succès. Il préfère filmer des scènes à travers des causes naturelles ou des conditions météorologiques différentes. C'est là qu'interviennent les trois plus grandes femmes leaders. Ces deux figures masculines importantes sont ce qui a poussé les trois réalisateurs à emprunter de telles techniques créatives. Par exemple, les techniques utilisées par Ibsen pour filmer des décors extérieurs et des plans de caméra longs se sont déplacés vers Brein, dans lequel elle a intégré dans ses propres films comme Witch Hunt. D'autre part, les styles de tournage de Skouen sur les problèmes sociaux ont été utilisés par le film de Mikkelsen intitulé Growing Up et L'histoire de Kamilla de Lokkeberg . À partir de là, nous pouvons voir un énorme changement de réalisatrices du passé vers le présent. Ces films qu'ils ont créés sont montrés et caractérisés comme le principal et le centre d'attention. Il y a des similitudes avec les réalisateurs masculins, qui étaient l'utilisation de techniques, mais les différences sont les approches que les réalisatrices essaient de transmettre.

le Portugal

Le film Gloria de 1999 de la monteuse et réalisatrice portugaise Manuela Viegas , présenté en compétition à la 57e Berlinale , est considéré dans son pays comme l'apogée d'un cinéma de sensibilité féminine. Parmi les autres réalisatrices portugaises figurent Teresa Villaverde , Catarina Ruivo , Raquel Freire , Margarida Gil , Cláudia Tomaz et Rita Azevedo Gomes . La présidente actuelle de l'Association portugaise des réalisateurs est Margarida Gil .

Espagne

Ana Mariscal a été une pionnière parmi les réalisatrices espagnoles. Elle était également une actrice prolifique dans les années 1940 et 1950. Au début des années 1950, elle devient productrice et peu de temps après, elle commence à réaliser et à écrire ses propres films. Son film le plus connu est peut-être El camino (1963), une adaptation du roman de Miguel Delibes . D'autres films incluent Segundo López, aventurero urbano (1953) inspiré du néoréalisme italien ou Con la vida hicieron fuego (1959), sur un ancien combattant de la faction républicaine qui tente de commencer une nouvelle vie tout en luttant contre les souvenirs obsédants de la guerre civile espagnole. .

Josefina Molina , également romancière, a commencé sa carrière dans les années 1960. Elle a été la première femme diplômée de l'École nationale de cinéma d'Espagne en 1967. Son curriculum vitae prolifique à la télévision comprend la mini-série à succès Teresa de Jesús (1984), une dramatisation de la vie de Teresa d'Avila . Son travail cinématographique comprend Vera, un cuento cruel (1974), Función de noche (1981) ou Esquilache (1989) qui a été inscrit au 39e Festival international du film de Berlin .

Pilar Miró était une célèbre réalisatrice et scénariste de cinéma et de télévision dont les œuvres notables incluent Gary Cooper, Who Art in Heaven (1980), Prince of Shadows (1991) qui a remporté l' Ours d'argent pour sa contribution artistique exceptionnelle au 42e Festival international du film de Berlin et El perro del hortelano (1996), une adaptation d'une pièce de Lope de Vega qui a remporté 7 prix Goya dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur. Elle a également été responsable de la télévision nationale espagnole TVE de 1986 à 1989.

Icíar Bollaín a fait ses débuts d'actrice à l'adolescence sous la direction de Víctor Erice dans El sur (1983). Elle fait le saut vers la réalisation et l'écriture en 1995 avec Hola, ¿estás sola? ce qui lui a valu une nomination pour un prix Goya du meilleur nouveau réalisateur . Sa filmographie ultérieure comprend Flores de otro mundo (1999) lauréat du Grand Prix de la Semaine internationale de la critique au Festival de Cannes 1999 , Te doy mis ojos (2003) qui lui a valu un prix Goya du meilleur réalisateur et une nomination pour un European Film Award du meilleur réalisateur ou Even the Rain (2010) qui figurait parmi les finalistes de janvier pour l' Oscar du meilleur film en langue étrangère .

Isabel Coixet a réalisé de nombreuses publicités dans les années 90 pour des clients comme IKEA , Pepsi ou Ford . Elle filme généralement en anglais avec des acteurs internationaux. Certains de ses films les plus connus incluent My Life Without Me (2003), avec Sarah Polley , Mark Ruffalo , Scott Speedman et Deborah Harry , The Secret Life of Words (2005) avec encore une fois Polley ainsi que Tim Robbins et Julie Christie , un segment sur le film omnibus Paris, je t'aime (2006) et l' adaptation de Philip Roth Elegy (2008) avec Ben Kingsley , Penélope Cruz , Dennis Hopper et Patricia Clarkson .

Gracia Querejeta a été acclamée pour ses drames d'ensemble By My Side Again (1999), Héctor (2004) et Seven Billiard Tables (2007). Elle a également réalisé des documentaires et des épisodes télévisés.

D'autres cinéastes notables incluent María Ripoll ( Soupe Tortilla , L'Homme à la pluie dans ses chaussures ), Patricia Ferreira, Chus Gutiérrez, María Lidón alias Luna ( Stranded: Náufragos , Moscow Zero ), Rosa Vergés, Lydia Zimmermann ou Laura Mañá.

Royaume-Uni

Joy Batchelor était une animatrice, réalisatrice, scénariste et productrice anglaise. Elle a épousé John Halas en 1940, et a par la suite co-fondé les dessins animés Halas et Batchelor , dont la production la plus connue est le long métrage d'animation Animal Farm (1954), qui a fait d'elle la première femme réalisatrice d'un long métrage d'animation depuis Lotte Reiniger .

Muriel Box était une scénariste et réalisatrice anglaise, réalisant son premier film en 1941.

En Grande-Bretagne, Jane Arden (1927-1982), faisant suite à son drame télévisé The Logic Game (1965), a écrit et joué dans le film Separation ( Jack Bond 1967), qui explore le paysage mental d'une femme lors d'une rupture conjugale. Arden est devenue la seule femme britannique à obtenir un crédit de réalisateur solo pour The Other Side of the Underneath (1972), une étude inquiétante sur la folie féminine tournée principalement dans le sud du Pays de Galles. Le travail ouvertement féministe d'Arden a été négligé et presque perdu jusqu'à ce que le British Film Institute redécouvre et réédite ses trois longs métrages et le court métrage Vibration (1974), en 2009.

Andrea Arnold a remporté un Oscar en 2005 pour son court métrage Wasp , et a remporté deux fois le prix du jury au Festival de Cannes, en 2006 pour Red Road , et en 2009 pour Fish Tank .

Deux des premiers courts métrages de Lynne Ramsay ( Small Deaths et Gasman ) ont remporté le Prix du Jury au Festival de Cannes, et ses quatre longs métrages suivants, Ratcatcher (1999), Morvern Callar (2002), We Need to Talk About Kevin (2011) et You Were Never Really Here (2017) ont tous été projetés au Festival de Cannes.

Georgina Willis a fait ses débuts à Cannes avec le film féministe controversé Watermark

. Maman Mia ! réalisé par Phyllida Lloyd est devenu le cinquième film le plus rentable de 2008 et le film le plus rentable jamais réalisé au Royaume-Uni. Le prochain film de Lloyd, le biopic de Margaret Thatcher La Dame de fer (2012) a rapporté 114 millions de dollars dans le monde. Debbie Isitt a réalisé des films grand public à succès, dont "Confetti" et "Nativity!" trilogie.

Cinenova est une organisation basée à Londres qui distribue des films produits par des femmes.

Sally Potter est une éminente cinéaste féministe britannique. Georgina Willis est une réalisatrice et photographe dont le premier film a été sélectionné pour Cannes Watermark

Les cinéastes britanniques Ngozi Onwurah et Pratibha Parmar explorent l'héritage du colonialisme.

En partie grâce au financement du UK Film Council (dissolu en 2010), une nouvelle génération de réalisatrices britanniques a émergé au 21e siècle, dont Penny Woolcock , Carol Morley , Joanna Hogg , Clio Barnard , Sally El Hosaini , Amma Asante et Tina Gharavi . Les artistes de la galerie Gillian Wearing et Sam Taylor-Wood se sont tous deux tournés vers le cinéma de long métrage, avec Taylor-Wood (maintenant Taylor-Johnson) nommé directeur de l' adaptation de Cinquante nuances de gris .

Australie

Films gothiques australiens

Les films gothiques incorporent des éléments gothiques et peuvent être infusés dans différents genres tels que l'horreur, la romance, la science-fiction et la comédie. Les films gothiques australiens sont des genres cohérents depuis les années 1970. Les films australiens gothiques signifient faire des films diversifiés et utiliser des techniques de caméra de différentes manières pour remettre en question ce que le public peut percevoir. L'un des films gothiques australiens créés par des réalisatrices : Suzan Dermody et Elizabeth Jacka intitulé The Screening of Australia (1987) , montre différents termes thématiques stylistiques et a été le plus réussi à montrer ce qu'on appelle l'ocker. L'ocker est un terme pour décrire un homme sauvage australien. En dehors de cela, il existe une forte relation entre les films gothiques australiens et la littérature gothique. Les personnages et les actions qui se produisent dans un roman gothique sont créés dans un film gothique. La plupart des romans gothiques des années 1970 faisaient référence à des personnages féminins et à leurs valeurs culturelles australiennes. Bien que le film Picnic at Hanging Rock (1975) ait été réalisé par un cinéaste masculin, il a été écrit par une conteuse Joan Lindsay . Lindsay a décidé de faire ce film culturellement lié aux problèmes de société australiens de la vie quotidienne. Son film comprenait des matériaux gothiques et donnait une touche d'horreur que la réalisatrice présentera plus tard à travers la mise en scène et la cinématographie. L'utilisation de matériaux gothiques a été proposée par les cinéastes Dermody et Jacka à d'autres films gothiques australiens qui se sont ouverts à une analyse plus thématique. D'autres films gothiques ont été réalisés pour élargir les caractéristiques et les fonctionnalités australiennes, un film intitulé Smoke Em If You Got 'Em (1988) produit par Jennifer Hooks a présenté le protagoniste d'une manière horrible et très naturelle, mais a également ajouté une touche comique pour ne pas perdre sa caractérisation. du style cinématographique.

Films (sélection)

années 1890-1940

Années 1950-1960

années 1970

années 1980

années 90

années 2000

années 2010

années 2020

Festivals de cinéma

Voir également

Les références

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Journaux

Liens externes