Femmes artistes - Women artists

Bridget Riley , Bolt of Color , 2017-2019 Chinati Foundation , Marfa, Texas
Fait partie d'une série sur
Les femmes dans la société
Symbole de Vénus
Société
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Voir aussi : Liste des sports
Par pays

Bien que les femmes artistes aient été impliquées dans la création artistique tout au long de l'histoire, leur travail, comparé à celui de leurs homologues masculins, a souvent été obscurci, négligé et sous-estimé. Le canon occidental a historiquement valorisé le travail des hommes par rapport à celui des femmes. De nombreuses œuvres de femmes ont également été attribuées à tort à des artistes masculins. La reconnaissance généralisée du travail des femmes artistes s'est accélérée alors qu'elles continuent de produire des œuvres qui compliquent et défient la compréhension. Les stéréotypes dominants sur les sexes ont fait que certains médias, tels que les arts du textile ou de la fibre , ont été principalement associés aux femmes, bien qu'ils aient été autrefois des catégories, telles que l'art de la céramique , auxquelles les hommes et les femmes ont participé. De plus, les formes d'art qui ont obtenu cette distinction sont, comme dans le cas des arts textiles et textiles, rétrogradées à des catégories telles que « arts et artisanat », plutôt qu'à des beaux-arts .

Les femmes dans l'art ont été confrontées à des défis dus aux préjugés sexistes dans le monde traditionnel des beaux-arts. Ils ont souvent rencontré des difficultés pour se former, voyager et échanger leur travail, ainsi que pour se faire reconnaître. À partir de la fin des années 1960 et des années 1970, les artistes féministes et les historiennes de l'art ont créé un mouvement artistique féministe qui aborde ouvertement le rôle des femmes, en particulier dans le monde de l' art occidental , la façon dont l'art mondial est perçu, évalué ou approprié en fonction du genre. De plus, il explore le rôle des femmes dans l'histoire de l'art comme dans la société.

Ère préhistorique

Peintures rupestres de Gwion Gwion trouvées dans la région nord-ouest de Kimberley en Australie occidentale

Il n'y a aucune trace de qui étaient les artistes des époques préhistoriques, mais les études de nombreux premiers ethnographes et anthropologues culturels indiquent que les femmes étaient souvent les principaux artisans des cultures néolithiques , dans lesquelles elles créaient des poteries , des textiles, des paniers, des surfaces peintes et des bijoux . La collaboration sur de grands projets était courante, sinon typique. L'extrapolation aux œuvres d'art et aux compétences de l' ère paléolithique suggère que ces cultures ont suivi des modèles similaires. Les peintures rupestres de cette époque ont souvent des empreintes de mains humaines, dont 75 % sont identifiables comme étant des femmes.

Céramique

Il y a une longue histoire de l'art céramique dans presque toutes les cultures développées, et souvent les objets en céramique sont toutes les preuves artistiques laissées par des cultures disparues, comme celle de la culture Nok en Afrique il y a plus de 3 000 ans. Les cultures particulièrement connues pour la céramique comprennent les cultures chinoise , crétoise , grecque , persane , maya , japonaise et coréenne , ainsi que les cultures occidentales modernes. Il est prouvé que la poterie a été inventée indépendamment dans plusieurs régions du monde, notamment en Asie de l'Est, en Afrique subsaharienne, au Proche-Orient et dans les Amériques. On ne sait pas qui étaient les artisans.

Ère historique antique

La vannerie traditionnelle au Rwanda et au Burundi
Igiseke, panier tressé traditionnel fabriqué par des femmes dans la région de la vallée du Rift

continent africain

L' art géométrique Imigongo est originaire du Rwanda en Afrique de l'Est et est associé au statut sacré séculaire de la vache. Il a évolué à partir du mélange de bouse de vache avec de la cendre et de l'argile et de l'utilisation de colorants naturels. La palette est limitée à la couleur audacieuse de la terre. L'art est traditionnellement associé aux femmes artistes, tout comme l'art élaboré de la vannerie de la région, avec ses propres frises régulières.

Inde

« Depuis environ trois mille ans, les femmes – et seulement les femmes – de Mithila réalisent des peintures de dévotion des dieux et déesses du panthéon hindou. Il n'est donc pas exagéré de dire que cet art est l'expression de la plus aspect authentique de la civilisation indienne."

Europe classique et Moyen-Orient

Les premiers enregistrements des cultures occidentales mentionnent rarement des individus spécifiques, bien que les femmes soient représentées dans tous les arts et que certaines soient représentées en train de travailler en tant qu'artistes. Les références anciennes d' Homère , Cicéron et Virgile mentionnent les rôles importants des femmes dans les textiles, la poésie, la musique et d'autres activités culturelles, sans discuter des artistes individuels. L'un des premiers documents historiques européens concernant des artistes individuels est celui de Pline l'Ancien , qui a écrit sur un certain nombre de femmes grecques peintres, dont Hélène d'Égypte , fille de Timon d'Égypte. Certains critiques modernes postulent qu'Alexandre Mosaic n'aurait peut-être pas été l'œuvre de Philoxène , mais d'Hélène d'Égypte. L'une des rares femmes peintres nommées qui auraient pu travailler dans la Grèce antique, elle était réputée pour avoir réalisé une peinture de la bataille d'Issus qui était accrochée dans le temple de la Paix à l'époque de Vespasien . D'autres femmes incluent Timarete , Eirene , Kalypso, Aristarete, Iaia et Olympias. Alors que seule une partie de leur travail survit, dans la poterie grecque antique, il y a un caputi hydria dans la collection Torno à Milan . Il est attribué au peintre de Leningrad de c.  460-450 avant notre ère et montre des femmes travaillant aux côtés d'hommes dans un atelier où les deux peignaient des vases.

L'Europe 

Période médiévale

Les artistes de la période médiévale incluent Claricia , Diemudus , Ende , Guda , Herrade de Landsberg et Hildegarde de Bingen . Au début de la période médiévale, les femmes travaillaient souvent aux côtés des hommes. Les enluminures de manuscrits, les broderies et les chapiteaux sculptés de l'époque montrent clairement des exemples de femmes à l'œuvre dans ces arts. Des documents montrent qu'ils étaient aussi brasseurs, bouchers, marchands de laine et ferronniers. Les artistes de l'époque, y compris les femmes, appartenaient à un petit sous-ensemble de la société dont le statut leur permettait de se libérer de ces types de travail plus pénibles. Les femmes artistes appartenaient souvent à deux classes alphabétisées, soit des femmes aristocratiques riches ou des nonnes. Les femmes de la première catégorie créaient souvent des broderies et des textiles ; ceux de la dernière catégorie produisaient souvent des enluminures.

Il y avait alors de nombreux ateliers de broderie en Angleterre, notamment à Canterbury et à Winchester ; L'Opus Anglicanum ou broderie anglaise était déjà célèbre dans toute l'Europe – un inventaire papal du XIIIe siècle comptait plus de deux cents pièces. On suppose que les femmes étaient presque entièrement responsables de cette production.

La Tapisserie de Bayeux

Article détaillé : Tapisserie de Bayeux.

L'une des broderies les plus célèbres (ce n'est pas une tapisserie) de la période médiévale est la Tapisserie de Bayeux , qui a été brodée de laine sur neuf panneaux de lin et mesure 70 mètres de long. C'est c. soixante-dix scènes racontent la bataille d'Hastings et la conquête normande de l'Angleterre . La Tapisserie de Bayeux peut avoir été créée soit dans un atelier commercial par une dame royale ou aristocratique et sa suite, soit dans un atelier de couvent. Sylvette Lemagnen, conservatrice de la tapisserie, dans son livre de 2005 La Tapisserie de Bayeux déclare :

La tapisserie de Bayeux est l'une des réalisations suprêmes du roman normand  ... Sa survie presque intacte sur neuf siècles est presque miraculeuse... Sa longueur exceptionnelle, l'harmonie et la fraîcheur de ses couleurs, son travail exquis, et la génie de son esprit directeur se conjuguent pour le rendre infiniment fascinant.

Le Haut Moyen Âge

Au 14ème siècle, un atelier royal est documenté, basé à la Tour de Londres , et il peut y avoir eu d'autres arrangements antérieurs. L'enluminure des manuscrits nous offre de nombreux artistes nommés de la période médiévale, notamment Ende , une religieuse espagnole du Xe siècle; Guda , une religieuse allemande du XIIe siècle ; et Claricia , une laïque du XIIe siècle dans un scriptorium bavarois. Ces femmes, et de nombreux autres enlumineurs anonymes, ont bénéficié de la nature des couvents en tant que principaux lieux d'apprentissage pour les femmes de l'époque et l'option la plus tenable pour les intellectuelles parmi elles.

Dans de nombreuses régions d'Europe, avec les réformes grégoriennes du XIe siècle et la montée du féodalisme, les femmes ont été confrontées à de nombreuses restrictions auxquelles elles n'étaient pas confrontées au début de la période médiévale. Avec ces changements sociétaux, le statut du couvent a changé. Dans les îles britanniques, la conquête normande a marqué le début du déclin progressif du couvent en tant que siège d'apprentissage et lieu où les femmes pouvaient acquérir du pouvoir. Les couvents ont été rendus subsidiaires aux abbés masculins, plutôt que d'être dirigés par une abbesse, comme ils l'avaient été auparavant. En Scandinavie païenne (en Suède), la seule femme maître des runes historiquement confirmée , Gunnborga , travaillait au 11ème siècle.

Hildegarde de Bingen Scivias I.6 : Les Chœurs des Anges. Du manuscrit Rupertsberg , fol. 38r.

En Allemagne, cependant, sous la dynastie ottonienne , les couvents ont conservé leur position d'institutions d'apprentissage. Cela pourrait être dû en partie au fait que les couvents étaient souvent dirigés et peuplés de femmes célibataires issues de familles royales et aristocratiques. Par conséquent, la plus grande œuvre de la fin du Moyen Âge réalisée par des femmes est originaire d'Allemagne, comme en témoignent celles de Herrade de Landsberg et Hildegarde de Bingen . Hildegarde de Bingen (1098-1179) est un exemple particulièrement bel d'un intellectuel et artiste allemand médiéval. Elle a écrit Les œuvres divines d'un homme simple , La vie méritoire , soixante-cinq hymnes, une pièce de théâtre miracle et un long traité de neuf livres sur les différentes natures des arbres, des plantes, des animaux, des oiseaux, des poissons, des minéraux et des métaux. Dès son plus jeune âge, elle prétendait avoir des visions. Lorsque la papauté a soutenu ces revendications de la directrice, sa position d'intellectuelle importante a été galvanisée. Les visions sont devenues une partie de l'une de ses œuvres phares en 1142, Scivias (Connaître les voies du Seigneur) , qui se compose de trente-cinq visions relatant et illustrant l'histoire du salut. Les illustrations des Scivias , comme illustré dans la première illustration, représentent Hildegarde faisant l'expérience de visions alors qu'elle était assise dans le monastère de Bingen . Ils diffèrent grandement des autres créés en Allemagne au cours de la même période, car ils se caractérisent par des couleurs vives, l'accent mis sur la ligne et des formes simplifiées. Bien que Hildegard n'ait probablement pas écrit les images, leur nature idiosyncratique laisse penser qu'elles ont été créées sous sa supervision étroite.

Le XIIe siècle a vu l'essor de la ville en Europe, ainsi que l'essor du commerce, des voyages et des universités. Ces changements dans la société ont également engendré des changements dans la vie des femmes. Les femmes étaient autorisées à diriger les entreprises de leurs maris si elles étaient veuves. La femme de Bath dans Chaucer de contes Le Canterbury est un tel cas. Pendant ce temps, les femmes ont également été autorisées à faire partie de certaines guildes d' artisans . Les registres de la guilde montrent que les femmes étaient particulièrement actives dans les industries textiles en Flandre et dans le nord de la France. Les manuscrits médiévaux ont de nombreux marginalia représentant des femmes avec des fuseaux. En Angleterre, les femmes étaient responsables de la création de l' Opus Anglicanum , ou de riches broderies à usage ecclésiastique ou profane sur les vêtements et divers types de tentures. Les femmes sont également devenues plus actives dans l'illumination. Plusieurs femmes ont vraisemblablement travaillé aux côtés de leur mari ou de leur père, dont la fille de Maître Honoré et la fille de Jean le Noir . Au XIIIe siècle, la plupart des manuscrits enluminés étaient produits par des ateliers commerciaux, et à la fin du Moyen Âge, lorsque la production de manuscrits était devenue une industrie importante dans certains centres, les femmes semblent avoir représenté la majorité des artistes et scribes employés, surtout à Paris. Le mouvement à l' impression et l' illustration de livres aux gravure techniques de gravure sur bois et la gravure , où les femmes semblent avoir été peu impliqués, ont représenté un revers pour les progrès des femmes artistes.

Pendant ce temps, Jefimija (1349-1405), une noble serbe , veuve et religieuse orthodoxe, est devenue connue non seulement en tant que poète qui a écrit une complainte pour son fils décédé, Uglješa, mais aussi en tant que couturière et graveur qualifiée. Sa complainte pour son fils bien-aimé qui immortalisait le chagrin de toutes les mères pleurant leurs enfants décédés, était gravée au dos du diptyque (icône à deux panneaux représentant une Vierge à l'Enfant) que Teodosije, évêque de Serres , avait offert en cadeau à l'enfant Uglješa lors de son baptême. L'œuvre d'art, déjà précieuse en raison de l'or, des pierres précieuses et de la belle sculpture sur ses panneaux de bois, est devenue inestimable après que la complainte de Jefemija a été gravée sur son dos.

Dans la Venise du XVe siècle, la fille de l'artiste verrier, Angelo Barovièr, était connue pour avoir été l'artiste derrière un design de verre particulier de Murano vénitien . Elle était Marietta Barovier , une artiste verrière vénitienne . Apparemment, plusieurs siècles ont dû s'écouler avant que les femmes puissent poursuivre le médium dans l' art du verre .

Renaissance

Miniature Portrait d'Elizabeth I par Levina Teerlinc Levina Teerlinc , Portrait d'Elizabeth I. c. 1565

Les artistes de la Renaissance époque on peut citer, Sofonisba Anguissola , Lucia Anguissola , Lavinia Fontana , Fede Galizia , Diana Scultori Ghisi , Caterina van Hemessen , Esther Inglis , Barbara Longhi , Maria Ormani , Marietta Robusti (fille de Tintoret), Properzia de Rossi , Levina Teerlinc , Mayken Verhulst , et Sainte Catherine de Bologne (Caterina dei Vigri) .

Lucia Anguissola , Docteur de Crémone , 1560, Musée du Prado, Madrid

C'est la première période de l'histoire occidentale au cours de laquelle un certain nombre d'artistes laïques ont acquis une réputation internationale. L'augmentation du nombre de femmes artistes au cours de cette période peut être attribuée à des changements culturels majeurs. L'un de ces changements est venu de la Contre-Réforme réagissant contre le protestantisme et donnant naissance à un mouvement vers l' humanisme , une philosophie affirmant la dignité de tous, qui est devenue au centre de la pensée de la Renaissance et a contribué à élever le statut de la femme. De plus, l'identité de l'artiste individuel en général était considérée comme plus importante. Les artistes importants de cette période dont l'identité est inconnue cessent pratiquement d'exister. Deux textes importants, Des femmes célèbres et La cité des femmes , illustrent ce changement culturel. Boccace , un humaniste du 14ème siècle, a écrit De mulieribus claris (latin pour les femmes célèbres ) (1335-1359), une collection de biographies de femmes. Parmi les 104 biographies qu'il a incluses figurait celle de Thamar (ou Thmyris), un ancien peintre de vases grecs. Curieusement, parmi les enluminures manuscrites du XVe siècle de Sur les femmes célèbres , Thamar était représentée en train de peindre un autoportrait ou peut-être une petite image de la Vierge à l'Enfant. Christine de Pizan , une remarquable écrivaine, rhétoricienne et critique française de la fin du Moyen Âge, a écrit le Livre de la Cité des Dames en 1405, un texte sur une ville allégorique dans laquelle des femmes indépendantes vivaient à l'abri de la calomnie des hommes. Dans son travail, elle a inclus de vraies femmes artistes, comme Anastasia , qui était considérée comme l'une des meilleures enlumineuses parisiennes, bien qu'aucune de ses œuvres n'ait survécu. D'autres textes humanistes ont conduit à une éducation accrue pour les femmes italiennes.

Le plus notable d'entre eux était Il Cortegiano ou Le courtisan de l'humaniste italien du XVIe siècle Baldassare Castiglione . Ce travail extrêmement populaire a déclaré que les hommes et les femmes devraient être éduqués dans les arts sociaux. Son influence a rendu acceptable pour les femmes de s'engager dans les arts visuels, musicaux et littéraires. Grâce à Castiglione, ce fut la première période de l'histoire de la Renaissance où les femmes nobles pouvaient étudier la peinture. Sofonisba Anguissola fut le plus réussi de ces petits aristocrates qui bénéficièrent d'abord d'une éducation humaniste puis se firent reconnaître comme peintres. L' Anguissola, née à Crémone, était à la fois une pionnière et un modèle pour les futures générations d'artistes femmes. Les artistes qui n'étaient pas des femmes nobles ont également été touchées par la montée de l'humanisme. En plus des sujets conventionnels, des artistes tels que Lavinia Fontana et Caterina van Hemessen ont commencé à se représenter dans des autoportraits, non seulement en tant que peintres mais aussi en tant que musiciens et érudits, soulignant ainsi leur éducation complète. Fontana a bénéficié des attitudes éclairées de sa ville natale, Bologne, où l' université avait admis des femmes érudites depuis le Moyen Âge. Avec la montée de l'humanisme, il y a eu un glissement des artisans vers les artistes. Les artistes, contrairement aux artisans antérieurs, étaient désormais censés avoir une connaissance de la perspective, des mathématiques, de l'art ancien et de l'étude du corps humain. A la fin de la Renaissance, la formation des artistes commença à passer de l'atelier du maître à l' Académie , et les femmes commencèrent une longue lutte, non résolue avant la fin du XIXe siècle, pour accéder pleinement à cette formation. L'étude du corps humain a nécessité de travailler à partir de nus et de cadavres masculins. Cela a été considéré comme un arrière-plan essentiel pour créer des scènes de groupe réalistes. Les femmes n'avaient généralement pas le droit de s'entraîner avec des nus masculins et, par conséquent, elles n'avaient pas le droit de créer de telles scènes. De telles représentations de nus étaient nécessaires pour les compositions religieuses à grande échelle, qui ont reçu les commandes les plus prestigieuses.

Bien que de nombreuses femmes de l'aristocratie aient eu accès à une formation artistique, mais sans bénéficier du dessin de figures à partir de modèles masculins nus, la plupart de ces femmes ont préféré le mariage à une carrière artistique. C'était le cas, par exemple, de deux sœurs de Sofonisba Anguissola. Les femmes reconnues comme artistes à cette époque étaient soit des religieuses, soit des enfants de peintres. Parmi les rares artistes italiens au XVe siècle, ceux que l'on connaît aujourd'hui sont associés aux couvents. Ces artistes qui étaient des nonnes incluent Caterina dei Virgi , Antonia Uccello et Suor Barbara Ragnoni . Au cours des XVe et XVIe siècles, la grande majorité des femmes qui ont obtenu un minimum de succès en tant qu'artistes étaient les enfants de peintres. C'est probablement parce qu'ils ont pu se former dans les ateliers de leurs pères. Des exemples d'artistes femmes qui ont été formées par leurs pères incluent le peintre Lavinia Fontana , le portraitiste miniature Levina Teerlinc et le portraitiste Caterina van Hemessen . Les femmes artistes italiennes de cette période, même celles formées par leur famille, semblent quelque peu inhabituelles. Cependant, dans certaines régions d'Europe, notamment le nord de la France et la Flandre, il était plus fréquent que les enfants des deux sexes s'engagent dans la profession de leur père. En fait, dans les Pays-Bas où les femmes avaient plus de liberté, il y avait un certain nombre d'artistes de la Renaissance qui étaient des femmes. Par exemple, les registres de la Guilde de Saint-Luc à Bruges montrent non seulement qu'ils admettent des femmes comme membres pratiquants, mais aussi que dans les années 1480, vingt-cinq pour cent de ses membres étaient des femmes (dont beaucoup travaillaient probablement comme enlumineurs de manuscrits).

La Cène de Nelli

La Cène , une huile sur toile de 7x2 mètres, conservée dans la basilique Santa Maria Novella , est la seule œuvre signée de Plautilla Nelli connue à avoir survécu.

Un rouleau de toile fragile de 22 pieds récemment redécouvert à Florence s'est avéré être un trésor exceptionnel. Sans les actions révolutionnaires de la philanthrope américaine Jane Fortune (décédée en 2018) et de l'auteure basée à Florence, Linda Falcone et de leur organisation, Advancing Women Artists Foundation , le rouleau aurait pu prendre plus de poussière. Quatre années de restauration minutieuse par une équipe dirigée par des femmes, révèlent l'éclat de la suor Plautilla Nelli , une religieuse autodidacte du XVIe siècle , et seule femme de la Renaissance connue pour avoir peint la Dernière Cène . L'œuvre a été exposée au musée Santa Maria Novella de Florence en octobre 2019. Début 2020, AWA a parrainé la restauration de 67 œuvres d'artistes femmes, dénichées dans les collections florentines.

époque baroque

Les artistes de la baroque époque on peut citer: Mary Beale , Élisabeth Sophie Chéron , Marie - Thérèse van Thielen , Katharina Pepijn , Catharina Peeters , Johanna Vergouwen , Michaelina Wautier , Isabel de Cisneros , Giovanna Garzoni Artemisia Gentileschi , Judith Leyster , Maria Sibylla Merian , Louise Moillon , Josefa de Ayala mieux connue sous le nom de Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk , Magdalena de Passe , Clara Peeters , Maria Virginia Borghese (fille du collectionneur d'art Olimpia Aldobrandini ), Luisa Roldán dite La Roldana, Rachel Ruysch , Maria Theresa van Thielen , Anna Maria van Thielen , Françoise-Catherina van Thielen et Elisabetta Sirani . Comme à la Renaissance, de nombreuses femmes parmi les artistes baroques sont issues de familles d'artistes. Artemisia Gentileschi en est un exemple. Elle a été formée par son père, Orazio Gentileschi , et elle a travaillé à ses côtés sur plusieurs de ses commandes. Luisa Roldán a été formée dans l' atelier de sculpture de son père ( Pedro Roldán ).

Les femmes artistes de cette période ont commencé à changer la façon dont les femmes étaient représentées dans l'art. Beaucoup de femmes qui travaillaient comme artistes à l'époque baroque n'étaient pas en mesure de se former à partir de modèles nus, qui étaient toujours des hommes, mais elles connaissaient très bien le corps féminin. Des femmes comme Elisabetta Sirani ont créé des images de femmes comme des êtres conscients plutôt que des muses détachées. L'un des meilleurs exemples de cette expression romane se trouve dans Judith décapitant Holopherne d' Artemisia Gentileschi , dans lequel Judith est dépeinte comme une femme forte déterminant et vengeant son propre destin. Letizia Treves, conservatrice de l'exposition Gentileschi de la National Gallery 2020 de Londres, a commenté : "Vous ne pouvez pas le voir sans penser à Tassi en train de violer Gentileschi." Les éléments du tableau sont "équilibrés avec une telle habileté qu'ils parlent d'un peintre qui a privilégié la virtuosité à la passion". Alors que d'autres artistes, dont Botticelli et la femme plus traditionnelle, Fede Galizia , ont représenté la même scène avec une Judith passive, dans son traitement roman, Judith de Gentileschi semble être un acteur habile dans la tâche à accomplir. L'action en est l'essence et une autre peinture d'elle de Judith quittant la scène. La nature morte est devenue un genre important vers 1600, en particulier aux Pays-Bas. Les femmes étaient à l'avant-garde de cette tendance de la peinture. Ce genre était particulièrement adapté aux femmes, car elles pouvaient facilement accéder aux matériaux de la nature morte. Dans le Nord, ces praticiens comprenaient Clara Peeters , peintre de pièces de banketje ou de petit-déjeuner, et de scènes de produits de luxe agencés ; Maria van Oosterwijk , peintre de fleurs de renommée internationale ; et Rachel Ruysch , une peintre d'arrangements floraux visuellement chargés. Dans d'autres régions, les natures mortes étaient moins courantes, mais il y avait d'importantes femmes artistes dans le genre, notamment Giovanna Garzoni , qui a créé des arrangements végétaux réalistes sur parchemin, et Louise Moillon , dont les natures mortes de fruits étaient connues pour leurs couleurs éclatantes.

18ème siècle

Les artistes de cette période comprennent, Rosalba Carriera , Maria Cosway , Marguerite Gérard , Angelica Kauffman , Adélaïde Labille-Guiard , Giulia Lama , Mary Moser , Ulrika Pasch , Adèle Romany , Anna Dorothea Therbusch , Anne Vallayer-Coster , Elisabeth Vigée-Le Brun , Marie-Guillemine Benoist et Anna Rajecka , également connue sous le nom de Madame Gault de Saint-Germain.

Dans de nombreux pays d'Europe, les Académies étaient les arbitres du style. Les académies étaient également chargées de former des artistes, d'exposer des œuvres d'art et, par inadvertance ou non, de promouvoir la vente d'art. La plupart des académies n'étaient pas ouvertes aux femmes. En France, par exemple, la puissante Académie de Paris comptait 450 membres entre le XVIIe siècle et la Révolution française, et seulement quinze étaient des femmes. Parmi celles-ci, la plupart étaient des filles ou des épouses de membres. À la fin du XVIIIe siècle, l'Académie française a décidé de ne plus admettre de femmes. Le summum de la peinture à l'époque était la peinture d'histoire , en particulier les compositions à grande échelle avec des groupes de personnages représentant des situations historiques ou mythiques. En vue de créer de telles peintures, les artistes étudiaient des moulages de sculptures antiques et dessinaient à partir de nus masculins. Les femmes avaient un accès limité ou inexistant à cet apprentissage académique, et en tant que tel, il n'y a pas de peintures historiques à grande échelle réalisées par des femmes de cette période. Certaines femmes se sont fait un nom dans d'autres genres comme le portrait. Elisabeth Vigee-Lebrun a utilisé son expérience du portrait pour créer une scène allégorique, Peace Bringing Back Plenty , qu'elle a classée comme peinture d'histoire et utilisée comme motif d'admission à l'Académie. Après l'exposition de son travail, il lui a été demandé d'assister à des cours formels ou de perdre son permis de peindre. Elle est devenue une favorite de la cour et une célébrité, qui a peint plus de quarante autoportraits, qu'elle a pu vendre.

En Angleterre, deux femmes, Angelica Kauffman et Mary Moser , furent membres fondatrices de la Royal Academy of Arts de Londres en 1768. Kauffmann aida Maria Cosway à entrer à l'Académie. Bien que Cosway ait connu du succès en tant que peintre de scènes mythologiques, les deux femmes sont restées dans une position quelque peu ambivalente à la Royal Academy, comme en témoigne le portrait de groupe des Académiciens de la Royal Academy par Johan Zoffany maintenant dans The Royal Collection . Dans celui-ci, seuls les hommes de l'Académie sont réunis dans un grand atelier d'artiste, avec des modèles masculins nus. Pour des raisons de décorum compte tenu des modèles nus, les deux femmes ne sont pas représentées comme présentes, mais comme des portraits au mur. L'accent mis dans l' art académique sur les études du nu au cours de la formation est resté une barrière considérable pour les femmes étudiant l'art jusqu'au 20ème siècle, tant en termes d'accès effectif aux cours qu'en termes d'attitudes familiales et sociales envers les femmes de la classe moyenne devenant artistes. Après ces trois, aucune femme n'est devenue membre à part entière de l'Académie jusqu'à Laura Knight en 1936, et les femmes n'ont été admises dans les écoles de l'Académie qu'en 1861. À la fin du XVIIIe siècle, des progrès importants ont été réalisés pour les artistes femmes. A Paris, le Salon, l'exposition d'œuvres fondée par l'Académie, est devenu ouvert aux peintres non académiques en 1791, permettant aux femmes de présenter leur travail dans la prestigieuse exposition annuelle. De plus, les femmes étaient plus fréquemment acceptées comme étudiantes par des artistes célèbres tels que Jacques-Louis David et Jean-Baptiste Greuze .

19ème siècle

Peintres

Les femmes artistes du début du XIXe siècle comprennent Marie-Denise Villers , spécialisée dans le portrait ; Constance Mayer , qui a peint des portraits et des allégories ; Marie Ellenrieder , connue principalement pour ses peintures religieuses de style nazaréen ; Louise-Adéone Drölling , qui a suivi les traces de son père et de son frère aîné en tant que peintre et dessinatrice.

Dans la seconde moitié du siècle, Emma Sandys , Marie Spartali Stillman , Eleanor Fortescue-Brickdale et Maria Zambaco étaient des femmes artistes du mouvement préraphaélite . Evelyn De Morgan et la militante et peintre Barbara Bodichon ont également été influencées par les préraphaélites .

Les peintres impressionnistes Berthe Morisot , Marie Bracquemond et les américaines , Mary Cassatt et Lucy Bacon , se sont impliquées dans le mouvement impressionniste français des années 1860 et 1870. L'impressionniste américaine Lilla Cabot Perry a été influencée par ses études avec Monet et par l'art japonais de la fin du XIXe siècle. Cecilia Beaux était une portraitiste américaine qui a également étudié en France. Outre Anna Bilińska-Bohdanowicz , Olga Boznańska est considérée comme la plus connue de toutes les femmes artistes polonaises et était stylistiquement associée à l'impressionnisme.

Rosa Bonheur était l'artiste féminine la plus connue de son temps, de renommée internationale pour ses peintures d'animaux. Elizabeth Thompson (Lady Butler), peut-être inspirée par ses classes de vie de personnages en armure à la Government School , a été l'une des premières femmes à devenir célèbre pour ses grandes peintures d'histoire, spécialisée dans les scènes d'action militaire, généralement avec de nombreux chevaux, le plus célèbre L'Ecosse pour toujours ! , montrant une charge de cavalerie à Waterloo .

Kitty Lange Kielland était une peintre paysagiste norvégienne.

Elizabeth Jane Gardner était une peintre académique américaine qui fut la première femme américaine à exposer au Salon de Paris . En 1872, elle devient la première femme à remporter une médaille d'or au Salon.

En 1894, Suzanne Valadon est la première femme admise à la Société Nationale des Beaux-Arts en France. Anna Boch était une peintre post-impressionniste , tout comme Laura Muntz Lyall , qui exposa à l' Exposition universelle colombienne de 1893 à Chicago, Illinois , puis en 1894 dans le cadre de la Société des artistes français à Paris.

Sculpture

Le South Bank Lion en pierre Coade 1837, Londres
Edmonia Lewis La mort de Cléopâtre , marbre, 1876 Smithsonian American Art Museum

Avant le début du XIXe siècle, une femme d'affaires indépendante exceptionnelle a émergé en Angleterre géorgienne qui a découvert son propre talent artistique à la quarantaine. Elle était Eleanor Coade (1733 - 1821). Elle est devenue connue pour la fabrication de statues néoclassiques , de décorations architecturales et d'ornements de jardin en pierre de Lithodipyra ou de Coade pendant plus de 50 ans, de 1769 jusqu'à sa mort. Lithodipyra ("pierre cuite deux fois") était un grès céramique moulé de haute qualité, durable et résistant aux intempéries . Les statues et les éléments décoratifs de cette céramique ont encore l'air presque neufs aujourd'hui. Coade n'a pas inventé la « pierre artificielle », mais elle a probablement perfectionné à la fois la recette de l'argile et le processus de cuisson. Elle a combiné une fabrication de haute qualité et un goût artistique, ainsi que des compétences entrepreneuriales, commerciales et marketing, pour créer les produits en pierre extrêmement réussis de son époque. Elle a produit du grès pour la chapelle St George de Windsor , le Royal Pavilion de Brighton , la Carlton House de Londres et le Royal Naval College de Greenwich .

Eleanor Coade a développé son propre talent de modéliste, exposant une trentaine de sculptures sur des thèmes classiques à la Société des Artistes entre 1773 et 1780 comme indiqué dans leur catalogue d'exposants de l'époque. Après sa mort, son grès Coade a été utilisé pour les rénovations à Buckingham Palace et par les sculpteurs ont noté dans leur œuvre monumentale, tels que William Frederick Woodington de South Bank Lion (1837) sur le pont de Westminster , Londres . La statue a été faite en parties séparées et scellées ensemble sur un cadre en fer.

Le siècle a produit ses sculptrices en Orient, Seiyodo Bunshojo (1764-1838), sculpteur de netsuke et écrivain japonais de haïku . Elle était la fille de Seiyodo Tomiharu . Son travail peut être vu au Walters Art Museum . Alors qu'en Occident, il y avait : Julie Charpentier , Elisabet Ney , Helene Bertaux , Fenia Chertkoff , Sarah Fisher Ames , Helena Unierzyska (fille de Jan Matejko ), Blanche Moria , Angelina Beloff , Anna Golubkina , Margaret Giles (également médaillée ), Camille Claudel , Enid Yandell et Edmonia Lewis . Lewis, une artiste afro - ojibwée - haïtienne américaine de New York a commencé ses études d'art à l' Oberlin College . Sa carrière de sculpteur a commencé en 1863. Elle a établi un studio à Rome, en Italie et a exposé ses sculptures en marbre à travers l'Europe et les États-Unis.

La photographie

Constance Fox Talbot est peut-être la première femme à avoir pris une photo. Plus tard, Julia Margaret Cameron et Gertrude Kasebier se sont fait connaître dans le nouveau médium qu'est la photographie , où il n'y avait aucune restriction traditionnelle et aucune formation établie pour les retenir. Sophia Hoare , une autre photographe britannique, a travaillé à Tahiti et dans d'autres régions d' Océanie .

En France, berceau du médium, il n'y avait que Geneviève Élisabeth Disdéri ( vers 1817-1878). En 1843, elle épouse le photographe pionnier André-Adolphe-Eugène Disdéri , s'associant avec lui dans leur atelier de daguerrotype de Brest à partir de la fin des années 1840. Après le départ de son mari pour Paris en 1852, Geneviève continue à diriger seule l'atelier. On se souvient d'elle pour ses 28 vues de Brest, principalement architecturales, publiées sous le titre Brest et ses environs en 1856. En 1872, elle s'installe à Paris, ouvrant un atelier rue du Bac où elle est peut-être aidée par son fils Jules. Annonces commerciales indiquent qu'elle a continué à fonctionner son atelier jusqu'à sa mort dans un hôpital de Paris en 1878. Elle a été l' un des premiers photographes professionnels féminins dans le monde, actif peu de temps après l'Allemand Bertha Beckmann et le Suédois , Brita Sofia Hesselius .

L'éducation des femmes au XIXe siècle

Beatrix Potter 's Goody et Mme Hackee, illustration de The Tale of Timmy Tiptoes , 1911
Beatrix Potter , système reproducteur de Hygrocybe coccinea , 1897

Au cours du siècle, l'accès aux académies et à la formation artistique formelle s'est davantage élargi pour les femmes en Europe et en Amérique du Nord. La British Government School of Design, qui deviendra plus tard le Royal College of Art , a admis les femmes dès sa fondation en 1837, mais uniquement dans une "Female School" qui a été traitée quelque peu différemment, avec des cours de "vie" consistant pendant plusieurs années de dessin. un homme portant une armure.

Les écoles de la Royal Academy ont finalement admis les femmes à partir de 1861, mais les étudiants ne dessinaient initialement que des modèles drapés. Cependant, d'autres écoles de Londres, dont la Slade School of Art des années 1870, étaient plus libérales. À la fin du siècle, les femmes ont pu étudier la figure nue, ou presque nue, dans de nombreuses villes d'Europe occidentale et d'Amérique du Nord. La Society of Female Artists (maintenant appelée The Society of Women Artists ) a été fondée en 1855 à Londres et organise des expositions annuelles depuis 1857, lorsque 358 œuvres ont été présentées par 149 femmes, certaines utilisant un pseudonyme. Cependant, une femme à qui l'on a refusé l'enseignement supérieur ou spécialisé et qui a quand même « réussi » était la naturaliste, écrivaine et illustratrice, Beatrix Potter (1866-1943).

Femmes peintres anglaises du début du XIXe siècle qui ont exposé à la Royal Academy of Art

20ième siècle

Margaret Macdonald Mackintosh , La reine de mai , 1900

Les artistes femmes notables de cette période comprennent:

Hannelore Baron , Vanessa Bell , Lee Bontecou , Louise Bourgeois , Romaine Brooks , Emily Carr , Leonora Carrington , Mary Cassatt , Elizabeth Catlett , Camille Claudel , Sonia Delaunay , Marthe Donas , Joan Eardley , Marisol Escobar , Doulah Marie Evans , Audrey Flack , Mary Frank , Helen Frankenthaler , Elisabeth Frink , Wilhelmina Weber Furlong , Françoise Gilot , Natalia Goncharova , Nancy Graves , Grace Hartigan , Barbara Hepworth , Eva Hesse , Sigrid Hjertén , Hannah Höch , Frances Hodgkins , Malvina Hoffman , Irma Hünerfauth , Margaret Ponce Israël , Gwen John , Elaine de Kooning , Käthe Kollwitz , Lee Krasner , Frida Kahlo , Hilma af Klint , Laura Knight , Barbara Kruger , Marie Laurencin , Tamara de Lempicka , Séraphine Louis , Dora Maar , Margaret Macdonald Mackintosh , Maruja Mallo , Agnes Martin , Ana Mendieta , Joan Mitchell , Paula Modersohn-Becker , Gabriele Münter , Alice Neel , Louise Nevelson , Georgia O'Keeffe , Betty Parsons , Aniela Pawlikowska , Orovida Camille Pis Sarro , Irene riz Pereira , Paula Rego , Bridget Riley , Verónica Ruiz de Velasco , Anne Ryan , Charlotte Salomon , Augusta Savage , Zofia Stryjenska , Zinaida Serebriakova , Saraï Sherman , Henrietta Shore , Sr. Maria Stanisia , Marjorie Strider , Carrie Sweetser , Annie Louisa Swynnerton , Franciszka Themerson , Suzanne Valadon , Remedios Varo , Maria Helena Vieira da Silva , Nellie Walker , Marianne von Werefkin et Ogura Yuki .

Hilma af Klint (1862-1944) était une peintre abstraite pionnière, travaillant bien avant ses homologues masculins expressionnistes abstraits. Elle était suédoise et exposait régulièrement ses peintures traitant de réalisme, mais les œuvres abstraites ne furent montrées que 20 ans après sa mort, à sa demande. Elle se considérait comme une spiritualiste et une mystique.

Margaret Macdonald Mackintosh (1865-1933) était une artiste écossaise dont les œuvres ont contribué à définir le « style de Glasgow » des années 1890 et du début du XXe siècle. Elle a souvent collaboré avec son mari, l'architecte et designer Charles Rennie Mackintosh , dans des œuvres qui ont eu de l'influence en Europe. Elle a exposé avec Mackintosh à la Sécession de Vienne en 1900 , où son travail aurait eu une influence sur les sécessionnistes tels que Gustav Klimt .

Annie Louisa Swynnerton (1844-1933) était une artiste portraitiste, paysagiste et 'symboliste' , considérée par ses pairs, tels que John Singer Sargent et Edward Burne-Jones comme l'un des artistes les plus raffinés et les plus créatifs de son époque, mais était toujours pas autorisé l'accès à la formation des écoles d'art traditionnelles. Elle a déménagé à l'étranger pour étudier à l' Académie Julian et a passé une grande partie de sa vie en France et à Rome où les attitudes plus libérales lui ont permis d'exprimer un large éventail de sujets de composition. Elle n'a toujours pas été officiellement reconnue en Grande-Bretagne jusqu'en 1923, à l'âge de 76 ans, lorsqu'elle est devenue la première femme admise à la Royal Academy of Arts .

Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962) était l'une des premières modernistes américaines à New York. Elle a apporté une contribution significative à l'art américain moderne à travers son travail à l'Art Students League et au Whitney Studio Club . Aleksandra Ekster et Lyubov Popova étaient des artistes constructivistes , cubo-futuristes et suprématistes bien connus et respectés à Kiev , Moscou et Paris au début du 20e siècle. Parmi les autres femmes artistes importantes de l' avant-garde russe se trouvaient Natalia Gontcharova , Varvara Stepanova et Nadezhda Udaltsova . Sonia Delaunay et son mari sont les fondateurs de l' orphisme .

À l' époque de l' Art déco , Hildreth Meiere a réalisé des mosaïques à grande échelle et a été la première femme à recevoir la médaille des beaux-arts de l'American Institute of Architects. Tamara de Lempicka , également de cette époque, était une peintre Art déco polonaise . Sr Maria Stanisia est devenue une portraitiste notable, principalement du clergé. Georgia O'Keeffe est née à la fin du XIXe siècle. Elle est devenue connue pour ses peintures représentant des fleurs, des ossements et des paysages du Nouveau-Mexique . En 1927, le tableau Morning de Dod Procter a été élu Image de l'année à l' exposition d'été de la Royal Academy et acheté par le Daily Mail pour la galerie Tate . Sa popularité lui a valu sa représentation à New York et une tournée de deux ans en Grande-Bretagne. Le surréalisme , un style artistique important dans les années 1920 et 1930, comptait un certain nombre d'artistes femmes de premier plan, dont Leonora Carrington , Kay Sage , Dorothea Tanning et Remedios Varo . Il y avait aussi des valeurs aberrantes, comme l'observatrice britannique autodidacte, souvent comique, Beryl Cook (1926-2008).

Parmi les artistes femmes d'Europe de l'Est et d'Europe centrale, on peut citer : Milein Cosman (1921-2017), Marie-Louise von Motesiczky (1906-1996), Else Meidner (1901-1987), Sanja Iveković (née en 1949), Orshi Drozdik ( né en 1946)

Femmes photographes

Dorothée Lange . Mère migrante ( Florence Owens Thompson et sa famille) v. 1936

Lee Miller a redécouvert la solarisation et est devenu un photographe de haute couture. Dorothea Lange a documenté la Dépression. Berenice Abbott a créé des images d'architecture et de célébrité bien connues, Margaret Bourke-White a créé les photographies industrielles qui figuraient sur la couverture et dans l'article principal du premier Life Magazine . Diane Arbus a basé sa photographie sur des étrangers à la société dominante. Les œuvres de Graciela Iturbide traitaient de la vie mexicaine et du féminisme, tandis que Tina Modotti produisait des « icônes révolutionnaires » du Mexique dans les années 1920. Le travail photographique d' Annie Leibovitz portait sur le rock and roll et d'autres personnalités célèbres. Parmi les autres femmes qui ont percé le plafond de verre, citons : Eve Arnold , Marilyn Silverstone et Inge Morath de Magnum , Daphne Zileri , Anya Teixeira , Elsa Thiemann , Sabine Weiss et Xyza Cruz Bacani .

Concepteurs de théâtre

Femmes artistes graphistes et illustrateurs, comme le rare femme caricaturiste , Claire Bretécher , ont apporté une contribution généreuse à leur domaine. À plus grande échelle, parmi les concepteurs de théâtre, les suivants ont été notables : Elizabeth Polunin , Doris Zinkeisen , Adele Änggård , Kathleen Ankers , Madeleine Arbor , Marta Becket , Maria Björnson , Madeleine Boyd , Gladys Calthrop , Marie Anne Chiment , Millia Davenportholm , Kirs , Victorina Durán , aîné Lauren , Heidi Ettinger , Soutra Gilmour , Rachel Hauck , Marjorie B. Kellogg , Adrianne Lobel , Anna Louizos , Elaine J. McCarthy , Elizabeth Montgomery , Armande Oswald , Natacha Rambova , Kia Steave-Dickerson , Karen TenEyck , Donyale Werlé

Multimédia

Magdalena Abakanowicz , Parkas Europos , Lituanie

Mary Carroll Nelson a fondé la Society of Layerists in Multi-Media (SLMM), dont les artistes membres suivent la tradition d' Emil Bisttram et du Transcendental Painting Group, ainsi que Morris Graves de la Pacific Northwest Visionary Art School. Dans les années 1970, Judy Chicago crée The Dinner Party , une œuvre très importante de l'art féministe . Helen Frankenthaler était une peintre expressionniste abstraite et elle a été influencée par Jackson Pollock . Lee Krasner était également un artiste expressionniste abstrait et marié à Pollock et un élève de Hans Hofmann . Elaine de Kooning était étudiante et plus tard l'épouse de Willem de Kooning , elle était un peintre figuratif abstrait . Anne Ryan était une collagiste. Jane Frank , également élève de Hans Hofmann , a travaillé avec des techniques mixtes sur toile. Au Canada, Marcelle Ferron était une représentante de l' automatisme .

À partir des années 1960, le féminisme a suscité un grand intérêt pour les femmes artistes et leurs études universitaires. Des contributions notables ont été apportées par les historiennes de l' art Germaine Greer , Linda Nochlin , Griselda Pollock , la conservatrice Jasia Reichardt et d'autres. Certains historiens de l'art tels que Daphne Haldin ont tenté de rétablir l'équilibre des histoires centrées sur les hommes en compilant des listes d'artistes femmes, bien que beaucoup de ces efforts restent inédits. Des personnalités comme Artemisia Gentileschi et Frida Kahlo sont sorties d'une relative obscurité pour devenir des icônes féministes . Les Guerilla Girls , un groupe anonyme de femmes formé en 1985, étaient « la conscience du monde de l'art ». Ils ont parlé de l'indifférence et des inégalités de genre et de race, en particulier dans le monde de l'art. Les Guerilla Girls ont réalisé de nombreuses affiches pour attirer l'attention, généralement de manière humoristique, sur la communauté afin de sensibiliser et de créer un changement. En 1996, Catherine de Zegher a organisé une exposition de 37 grandes femmes artistes du XXe siècle. L'exposition Inside the Visible , qui a voyagé de l'ICA à Boston au National Museum for Women in the Arts à Washington, à la Whitechapel à Londres et à la Art Gallery of Western Australia à Perth, comprenait des œuvres d'artistes des années 1930 aux années 1990. avec Claude Cahun , Louise Bourgeois , Bracha Ettinger , Agnes Martin , Carrie Mae Weems , Charlotte Salomon , Eva Hesse , Nancy Spero , Francesca Woodman , Lygia Clark , Mona Hatoum et la célèbre Magdalena Abakanowicz qui a utilisé des textiles dans ses installations, entre autres.

Textiles

Les textiles féminins étaient auparavant relégués à la sphère privée et associés à la domesticité plutôt que d'être reconnus comme un art. Il y avait auparavant une exigence de l'art pour démontrer « l'artiste-génie » qui était associé à la masculinité ; là où les textiles étaient considérés comme fonctionnels, ils n'étaient pas considérés comme de l'art. Cela a conduit les femmes à éviter les techniques associées à la féminité, des textiles à l'utilisation de lignes délicates ou de certaines couleurs «féminines», car elles ne voulaient pas être appelées artistes féminines. Cependant, ces dernières années, cela a été remis en question et les textiles ont été utilisés pour créer un art représentatif des expériences et des luttes des femmes. « The Subversive Stitch » de Parker montre des féministes subvertissant la broderie pour faire des déclarations féministes et remettre en question l'idée que les textiles ne devraient être associés qu'à la domesticité et à la féminité. Michna constate que contester les pratiques artistiques qui excluent les femmes expose la politique et les préjugés sexistes de l'art traditionnel et aide à briser les divisions fondées sur la classe et patriarcales. Ces formes d'expression traditionnellement féminines sont désormais utilisées pour autonomiser les femmes ; développer les connaissances et récupérer les compétences traditionnelles des femmes que la société avait auparavant dévalorisées.

Voir aussi Craftivisme .

Céramique

La réémergence à la fin du XIXe siècle de la création d'objets d'art en céramique au Japon et en Europe est devenue connue sous le nom de poterie de studio , bien qu'elle englobe la sculpture et aussi les tesselles , les cubes de mosaïque qui remontent à la Perse au troisième millénaire avant notre ère. Plusieurs influences ont contribué à l'émergence de la poterie d'atelier : la poterie d'art dans l'œuvre des frères Martin et William Moorcroft , le mouvement Arts and Crafts , le Bauhaus et la redécouverte de la poterie artisanale traditionnelle et l'excavation de grandes quantités de poterie Song en Chine.

Les principales tendances de la poterie d'atelier britannique au 20e siècle sont représentées par des hommes et des femmes : Bernard Leach , William Staite Murray , Dora Billington , Lucie Rie et Hans Coper . Leach (1887-1979) a établi un style de poterie, le pot éthique , fortement influencé par les formes chinoises, coréennes, japonaises et anglaises médiévales. Son style a dominé la poterie d'atelier britannique au milieu du 20e siècle. L'influence de Leach a été diffusée en particulier par son livre A Potter et le système d'apprentissage qu'il dirigeait dans sa poterie de St Ives, en Cornouailles .

D'autres artistes céramistes ont exercé une influence par leurs positions dans les écoles d'art. Dora Billington (1890-1968) a étudié à la Hanley School of Art, a travaillé dans l'industrie de la poterie et est devenue responsable de la poterie à la Central School of Arts and Crafts . Elle a travaillé dans des médias que Leach n'avait pas, par exemple la terre cuite émaillée , et a influencé des potiers tels que William Newland , Katherine Pleydell-Bouverie et Margaret Hine .

Depuis les années 1960, une nouvelle génération de potiers, influencée par la Camberwell School of Art et la Central School of Art and Design, notamment Alison Britton , Ruth Duckworth et Elizabeth Fritsch qui ont commencé à expérimenter des objets en céramique abstraits, des surfaces variées et des effets de glaçure pour acclamé par la critique. Elizabeth Fritsch a des œuvres représentées dans les plus grandes collections et musées du monde entier. De plus, la réputation des céramistes britanniques a attiré des talents du monde entier et fait sortir des artistes notables dans le domaine. Ils comprennent : l' Indien Nirmala Patwardhan , le Kenyan , Magdalene Odundo et l'Iranien, Homa Vafaie Farley .

Comme en Grande-Bretagne, la poterie faisait partie intégrante du mouvement Arts and Crafts des États-Unis à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Charles Fergus Binns , qui fut le premier directeur de la New York State School of Clay-Working and Ceramics à l' Alfred University , eut une influence importante. Certains potiers aux États-Unis ont adopté l'approche des mouvements de poterie de studio émergents en Grande-Bretagne et au Japon. Des artistes du monde entier et européens venant aux États-Unis ont contribué à l'appréciation du public de la céramique en tant qu'art, et comprenaient Marguerite Wildenhain , Maija Grotell , Susi Singer et Gertrude et Otto Natzler . Les potiers de studio importants aux États-Unis incluent Otto et Vivika Heino , Beatrice Wood et Amber Aguirre .

Pendant ce temps, dans les forêts primitives réduites de la région des Grands Lacs africains dans la vallée du Rift , un peuple s'accroche à son mode de vie ancestral de recherche de nourriture. Ce sont les Batwa , parmi les peuples les plus marginalisés au monde, dont les femmes (et parfois les hommes) perpétuent la coutume séculaire de la poterie qui a été utilisée comme troc avec les paysans et les éleveurs de la région. Leurs pots vont du simple au très décoré.

Artistes contemporains

Samira Alikhanzadeh , No.7 the Persian Carpet series-impression numérique sur perspex, tapis Borchalou et fragments de miroir à bord, 2011 (Assar Art Gallery) Téhéran

En 1993, Rachel Whiteread a été la première femme à remporter le Turner Prize de la Tate Gallery . Gillian Wearing a remporté le prix en 1997, alors qu'il y avait une liste entièrement féminine, les autres nominées étant Christine Borland , Angela Bulloch et Cornelia Parker . En 1999, Tracey Emin a obtenu une couverture médiatique considérable pour son entrée My Bed , mais n'a pas gagné. En 2006, le prix a été décerné au peintre abstrait, Tomma Abts . En 2001, une conférence intitulée « Women Artists at the Millennium » a été organisée à l'Université de Princeton . Un livre portant ce nom a été publié en 2006, mettant en vedette de grandes historiennes de l'art telles que Linda Nochlin analysant des femmes artistes de premier plan telles que Louise Bourgeois , Yvonne Rainer , Bracha Ettinger , Sally Mann , Eva Hesse , Rachel Whiteread et Rosemarie Trockel . Sur le plan international de premier plan des artistes contemporains qui sont des femmes également Magdalena Abakanowicz , Marina Abramovic , Jaroslava Brychtova , Lynda Benglis , Lee Bul , Sophie Calle , Janet Cardiff , Li Chevalier , Marlene Dumas , Orshi Drozdik , Marisol Escobar , Bettina Heinen-Ayech , Jenny Holzer , Runa Islam , Chantal Joffe , Yayoi Kusama , Karen Kilimnik , Sarah Lucas , Yoko Ono , Tanja Ostojic , Jenny Saville , Carolee Schneemann , Cindy Sherman , Shazia Sikander , Lorna Simpson , Lisa Steele , Stella Vine , Kara Walker , Rebecca Warren , Bettina Werner et Susan Dorothea White .

Les peintures, collages, sculptures souples, performances artistiques et installations environnementales de l' artiste japonaise Yayoi Kusama partagent tous une obsession pour la répétition, le motif et l'accumulation. Son travail montre certains attributs du féminisme , du minimalisme , du surréalisme , de l' art brut , du pop art et de l'expressionnisme abstrait , et est imprégné de contenu autobiographique, psychologique et sexuel. Elle se décrit comme une « artiste obsessionnelle ». En novembre 2008, la maison de vente aux enchères Christie's de New York a vendu son tableau n° 2 de 1959 pour 5 100 000 $, le prix record en 2008 pour une œuvre d'une artiste féminine vivante. En 2010-2011, le Centre Pompidou à Paris a présenté le choix de ses commissaires d'artistes femmes contemporaines dans une exposition en trois volumes intitulée elles@Centrepompidou . Le musée présentait des œuvres d'artistes féminines majeures de sa propre collection. En 2010, Eileen Cooper a été élue la toute première femme « Gardienne de la Royal Academy ». En 1995, Dame Elizabeth Blackadder, au cours des 300 ans d'histoire, a fait de « la peintre et l'assouplissante de Sa Majesté en Écosse », elle a reçu l'OBE en 1982.

Un autre genre d'art féminin est l'art environnemental féminin. En décembre 2013, le Women Environmental Artists Directory répertoriait 307 femmes artistes environnementales, telles que Marina DeBris , Vernita Nemec et Betty Beaumont . DeBris utilise des déchets de plage pour sensibiliser à la pollution des plages et des océans. et pour éduquer les enfants sur les déchets de plage. Nemec a récemment utilisé le courrier indésirable pour démontrer la complexité de la vie moderne. Beaumont a été décrit comme un pionnier de l'art environnemental et utilise l'art pour remettre en question nos croyances et nos actions.

Dénaturation dans l'histoire de l'art

Les femmes artistes ont souvent été mal caractérisées dans les récits historiques, à la fois intentionnellement et involontairement ; de telles fausses représentations ont souvent été dictées par les mœurs socio-politiques de l'époque donnée et la domination masculine du monde de l'art. Il y a un certain nombre de problèmes qui se cachent derrière cela, notamment :

Judith Leyster , Autoportrait , 1630, National Gallery of Art , Washington, DC
Marie-Denise Villers , Dessin de jeune femme , 1801, Metropolitan Museum of Art
  • Rareté des informations biographiques
  • Anonymat – Les femmes artistes étaient souvent plus actives dans des expressions artistiques qui n'étaient généralement pas signées. Au début de la période médiévale, l'enluminure des manuscrits était une quête des moines et des nonnes.
  • Guildes des peintres – Au Moyen Âge et à la Renaissance, de nombreuses femmes travaillaient dans le système des ateliers. Ces femmes travaillaient sous les auspices d'un chef d'atelier masculin, très souvent le père de l'artiste. Jusqu'au XIIe siècle, il n'y a aucune trace d'un atelier dirigé par une femme, où une veuve serait autorisée à assumer l'ancienne position de son mari. Souvent, les règles de la guilde interdisaient aux femmes d'atteindre les différents grades menant au maître, elles restaient donc « non officielles » dans leur statut.
  • Conventions de nommage – la convention par laquelle les femmes prennent le nom de famille de leur mari empêche la recherche sur les articles féminins, en particulier dans les cas où une œuvre d'origine inconnue a été signée uniquement avec une initiale et un nom de famille. Même les déclarations biographiques les plus simples peuvent être trompeuses. Par exemple, on pourrait dire que Jane Frank est née en 1918, mais en réalité, elle était Jane Schenthal à la naissance – Jane "Frank" n'a existé que plus de vingt ans plus tard. Des exemples comme celui-ci créent une discontinuité identitaire pour les femmes artistes.
  • Identité erronée et attribution erronée – Aux XVIIIe et XIXe siècles, le travail des femmes était souvent réaffecté. Certains marchands peu scrupuleux sont même allés jusqu'à altérer les signatures, comme dans le cas de certains tableaux de Judith Leyster (1630) qui ont été réattribués à Frans Hals . Marie-Denise Villers (1774-1821) était une peintre française spécialisée dans les portraits . Villers était un élève du peintre français Girodet . Le tableau le plus célèbre de Villers, Young Woman Drawing, (1801) est exposé au Metropolitan Museum of Art . Le tableau a été attribué à Jacques-Louis David à un moment donné, mais il a ensuite été réalisé qu'il s'agissait de l'œuvre de Villers.

Une raison supplémentaire derrière la réticence à accepter les femmes artistes est que leurs compétences sont susceptibles de différer de celles des hommes, en raison de leur expérience et de leur situation, ce qui crée un sentiment de grandeur pour l'art féminin qui était redouté.

Cependant, alors qu'il y a eu une fausse représentation des femmes artistes, il existe un problème beaucoup plus profond qui a limité le nombre d'artistes femmes. Il n'y a pas de comparaisons féminines avec les œuvres de Divinci et de Michel-Ange. Cela n'est pas dû au manque de compétences mais à l'oppression et au découragement des femmes. La faute réside dans l'éducation et le manque d'opportunités qui ont été données. C'est contre toute attente que les femmes ont réussi à acquérir des compétences artistiques face au monde de l'art patriarcal et dominé par les hommes.

Les femmes dans l' art brut

Article détaillé : Art brut
Helen Martins, la maison de la chouette
Anna Zemánková , Sans titre , 1960

Le concept d' art brut est né au 20e siècle lorsque les praticiens traditionnels, les collectionneurs et les critiques ont commencé à considérer l'expression artistique de personnes sans formation conventionnelle. Parmi eux se trouvent des autodidactes, des enfants, des artistes folkloriques du monde entier et des détenus d'institutions psychiatriques. Parmi les premiers à étudier cet espace artistique immense et principalement inexploré, figuraient les membres du groupe Blaue Reiter en Allemagne, suivis plus tard par l'artiste français Jean Dubuffet . Certaines des femmes notées considérées comme des exposantes de « l'art brut », l'expression française pour l'art brut, sont :

  • Holly Farrell , artiste canadienne autodidacte du 21e siècle dont les peintures incluent la série Barbie & Ken, est considérée comme une artiste Outsider.
  • Madge Gill (1882-1961) était une artiste médiumnique anglaise qui a réalisé des milliers de dessins « guidés » par un esprit qu'elle a appelé « Myrninerest » (mon repos intérieur).
  • Annie Hooper (1897-1986), sculpteur d'art religieux visionnaire de Buxton, en Caroline du Nord , qui a créé près de 5 000 sculptures représentant des scènes bibliques. Son travail fait maintenant partie de la collection permanente de la North Carolina State University .
  • Georgiana Houghton (1814-1884), une médium spiritualiste britannique, connue pour ses « dessins d'esprit » visionnaires, composés d'aquarelles abstraites complexes.
  • Mollie Jenson (1890-1973) a créé une série de sculptures en béton à grande échelle agrémentées de mosaïques de carreaux à River Falls, Wisconsin .
  • Susan Te Kahurangi King (née en 1951) est une artiste néo-zélandaise dont la capacité de parler a diminué à l'âge de quatre ans et a complètement cessé de parler à l'âge de huit ans. King est un savant autiste qui a méthodiquement créé tout un monde analogue à travers des dessins extraordinaires à la plume, au graphite, au crayon de couleur, au crayon et à l'encre. Elle a dessiné de manière prolifique jusqu'au début des années 1990, puis sans raison s'est soudainement arrêtée. King a renouvelé le dessin en 2008 lors du tournage d'un documentaire sur son œuvre.
  • Halina Korn (1902-1978) était une Polonaise d'origine juive qui s'est installée à Londres pendant la Seconde Guerre mondiale . Elle était à l'origine une écrivaine qui épousa l'artiste Marek Żuławski , et se mit à la sculpture et à la peinture au milieu de sa vie. Elle peint le quotidien et expose en Angleterre, en Écosse, aux États-Unis et en Pologne.
  • Maud Lewis (1903-1970) était une artiste folklorique canadienne. Lewis a peint des scènes lumineuses de la vie rurale de la Nouvelle-Écosse sur des objets trouvés, notamment des planches, des matériaux de construction, etc.
  • Helen Martins (1897-1976) a transformé la maison héritée de ses parents à Nieu-Bethesda, en Afrique du Sud, en un environnement fantastique décoré de sculptures en verre concassé et en ciment. La maison est connue sous le nom de The Owl House .
  • Grand-mère Moïse (1860-1961), largement considérée comme une peintre d' art populaire .
  • Judith Scott (1943-2005) est née sourde et trisomique . Après avoir été institutionnalisée pendant 35 ans, elle a fréquenté le Creative Growth Art Center (un centre pour artistes handicapés à Oakland, en Californie) et est devenue une sculptrice d' art en fibre de renommée internationale .
  • Anna Zemánková (1908-1986) était une peintre, dessinatrice et pastelliste tchèque autodidacte. Son travail a été présenté dans une exposition collective à la Hayward Gallery de Londres en 1979, et dix-huit de ses pièces ont été présentées à la Biennale de Venise en 2013.

Voir également

Remarques

Lectures complémentaires

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