Judith décapitant Holopherne - Judith beheading Holofernes

Judith avec la tête d'Holopherne par Lucas Cranach l'Ancien , 1530
Judith tuant Holopherne par Artemisia Gentileschi , 1614-18

Le récit de la décapitation d'Holopherne par Judith est donné dans le Livre deutérocanonique de Judith , et fait l'objet de nombreuses peintures et sculptures des périodes Renaissance et baroque . Dans l'histoire, Judith, une belle veuve, est capable d'entrer dans la tente d' Holopherne à cause de son désir pour elle. Holopherne était un général assyrien qui était sur le point de détruire la maison de Judith, la ville de Béthulie . Pris de boisson, il s'évanouit et est décapité par Judith ; sa tête est emportée dans un panier (souvent représenté comme étant porté par une vieille servante).

Les artistes ont principalement choisi l'une des deux scènes possibles (avec ou sans la servante) : la décapitation, avec Holopherne allongé sur le lit, ou l'héroïne tenant ou portant la tête, souvent assistée de sa servante.

Dans l'art européen, Judith est très souvent accompagnée de sa servante à son épaule, ce qui permet de la distinguer de Salomé , qui porte également la tête de sa victime sur un destrier d'argent (plaque). Cependant, une tradition nordique s'est développée selon laquelle Judith avait à la fois une servante et un destrier, célèbre pour Erwin Panofsky comme un exemple des connaissances nécessaires à l'étude de l' iconographie . Pour de nombreux artistes et universitaires, la féminité sexualisée de Judith s'est combinée de manière intéressante et parfois contradictoire avec son agressivité masculine. Judith était l'une des femmes vertueuses que Van Beverwijck a mentionnées dans ses excuses publiées (1639) pour la supériorité des femmes sur les hommes, et un exemple courant du thème iconographique du pouvoir des femmes dans la Renaissance du Nord .

Contexte du christianisme primitif

Le Livre de Judith a été accepté par Jérôme comme canonique et accepté dans la Vulgate et a été mentionné par Clément de Rome à la fin du premier siècle (1 Clément 55), et donc les images de Judith étaient aussi acceptables que celles d'autres femmes scripturaires. Dans le christianisme primitif, cependant, les images de Judith étaient loin d'être sexuelles ou violentes : elle était généralement représentée comme « un type de la Vierge en prière ou de l'église ou comme une figure qui piétine Satan et herse l'enfer », c'est-à-dire d'une manière qui ne trahissait aucune ambivalence sexuelle : « la figure de Judith elle-même restait immobile et irréelle, séparée des images sexuelles réelles et donc protégée ».

représentations de la Renaissance

Cristofano Allori , Judith avec la tête d'Holopherne (1613)
Toinette Larcher d'après Giorgione, Judith , XVIIIe siècle, gravure avec eau-forte, Department of Image Collections, National Gallery of Art Library, Washington, DC

Judith et Holopherne , la célèbre sculpture en bronze de Donatello , porte le sous-texte allégorique implicite qui était incontournable dans la Florence de la première Renaissance, celui du courage de la commune contre la tyrannie.

À la fin de la Renaissance, Judith a considérablement changé, un changement décrit comme une "chute de grâce" - d'une image de Marie, elle se transforme en une figure d' Eve . Les images de Judith au début de la Renaissance ont tendance à la dépeindre comme entièrement habillée et désexualisée ; En plus de la sculpture de Donatello, c'est Judith vu dans Sandro Botticelli est le retour de Judith à Béthulie (1470-1472), Andrea Mantegna de Judith et Holopherne (1495, avec une tête détachée), et dans le coin de Michel - Ange de Chapelle Sixtine (1508-1512). Plus tard, des artistes de la Renaissance, notamment Lucas Cranach l'Ancien , qui avec son atelier peignit au moins huit Judiths , montrèrent une Judith plus sexualisée, une « séductrice-assassine » : « les vêtements mêmes qui avaient été introduits dans l'iconographie pour souligner sa chasteté deviennent sexuellement chargée alors qu'elle expose la tête sanglante au spectateur choqué mais fasciné", selon les mots du critique d'art Jonathan Jones . Cette transition, d'une image désexualisée de la vertu à une autre femme sexuelle et agressive, est signalée dans Giorgione de Judith (1505).: « Montre Giorgione l'instance héroïque, le triomphe de la victoire en marchant Judith sur sectionné de Holopherne, la tête en décomposition Mais l'emblème de la Vertu est imparfait, car l'unique jambe nue apparaissant à travers une fente spéciale de la robe évoque l'érotisme, indique l'ambiguïté et est donc une première allusion aux futurs retournements de Judith de Marie à Eve, de guerrière à femme fatale ." D'autres peintres italiens de la Renaissance qui ont peint le thème incluent Botticelli , Titien et Paolo Veronese .

Surtout en Allemagne, un intérêt s'est développé pour les « dignes » et les héroïnes féminines , pour correspondre aux ensembles masculins traditionnels. Les sujets mêlant sexe et violence étaient également appréciés des collectionneurs. Comme Lucrèce , Judith a fait l'objet d'un nombre disproportionné d' estampes de maîtres anciens , parfois représentées nues. Barthel Beham a gravé trois compositions sur le sujet, et d'autres des " Petits Maîtres " en ont fait plusieurs autres. Jacopo de' Barberi , Girolamo Mocetto (d'après un dessin d' Andrea Mantegna ) et Parmigianino ont également réalisé des tirages du sujet.

représentations baroques

Judith décapitant Holopherne (vers 1610), par Cornelis Galle l'Ancien ( Bibliothèque de l'Université de Varsovie )

Judith est restée populaire à l' époque baroque , mais vers 1600, les images de Judith ont commencé à prendre un caractère plus violent, "et Judith est devenue un personnage menaçant pour l'artiste et le spectateur". Les peintres italiens dont Caravage , Leonello Spada et Bartolomeo Manfredi ont représenté Judith et Holopherne ; et dans le nord, Rembrandt , Peter Paul Rubens et Eglon van der Neer ont utilisé l'histoire. La composition influente de Cristofano Allori (à partir de 1613), qui existe en plusieurs versions, a copié une vanité du récent David du Caravage avec la tête de Goliath : la tête d'Holopherne est un portrait de l'artiste, Judith est son ex-maîtresse, et la bonne sa mère. Dans la peinture d' Artemisia Gentileschi Judith Slaying Holopherne (Naples), elle démontre sa connaissance du Caravage Judith Slaying Holopherne de 1612; comme Caravage, elle choisit de montrer le moment réel du meurtre. Une composition différente dans le Palais Pitti à Florence montre une scène plus traditionnelle avec la tête dans un panier.

Alors que bon nombre des peintures ci-dessus résultaient d'un mécénat privé, des peintures et des cycles importants ont également été réalisés sur commande de l'église et ont été réalisés pour promouvoir une nouvelle lecture allégorique de l'histoire - que Judith bat l'hérésie protestante. C'est la période de la Contre-Réforme , et de nombreuses images (dont un cycle de fresques dans le Palais du Latran commandé par le pape Sixte V et conçu par Giovanni Guerra et Cesare Nebbia ) « proclament son appropriation rhétorique par l'Église catholique ou de la Contre-Réforme contre les « hérésies » du protestantisme. Judith sauva son peuple en vainquant un adversaire qu'elle décrivit non seulement comme un païen mais comme « tous les incroyants » (Jdt 13 :27) ; elle se présenta ainsi comme un agent idéal de propagande anti-hérétique.

Lorsque Rubens a commencé à commander des estampes reproductrices de son travail, la première était une gravure de Cornelius Galle l'Ancien , réalisée "un peu maladroitement", de sa violente Judith tuant Holopherne (1606-1610). D'autres estampes ont été réalisées par des artistes tels que Jacques Callot .

Représentations modernes

Franz coincé , Judith (1928)

La nature allégorique et passionnante de la scène Judith et Holopherne continue d'inspirer les artistes. À la fin du XIXe siècle, Jean-Charles Cazin réalise une série de cinq tableaux retraçant le récit et lui donnant une fin conventionnelle du XIXe siècle ; le dernier tableau la montre « dans sa vieillesse honorée », et « nous la verrons assise dans sa maison en train de tourner ».

Deux peintures remarquables de Judith ont été réalisées par Gustav Klimt . L'histoire était très populaire auprès de Klimt et de ses contemporains, et il a peint Judith I en 1901, comme une femme rêveuse et sensuelle avec une chemise ouverte. Sa Judith II (1909) est "moins érotique et plus effrayante". Les deux "suggèrent" une crise de l'ego masculin ", des peurs et des fantasmes violents mêlés à une mort érotisée, que les femmes et la sexualité ont suscitée chez au moins certains hommes au tournant du siècle".

Les peintures modernes de la scène présentent souvent Judith nue, comme cela a déjà été signalé par Klimt. La Judith de Franz Stuck de 1928 a "le libérateur de son peuple" debout nu et tenant une épée à côté du canapé sur lequel Holopherne, à moitié recouvert de draps bleus - où le texte la dépeint comme craignant Dieu et chaste, "Franz von Stuck's Judith devient, dans une nudité éblouissante, la quintessence de la séduction dépravée."

En 1997, les artistes russes Vitaliy Komar et Alexander Melamed ont peint une Judith sur la Place Rouge qui "met Staline dans le rôle d'Holopherne, conquis par une jeune fille russe qui contemple sa tête coupée avec un mélange de curiosité et de satisfaction". En 1999, l'artiste américaine Tina Blondell a peint Judith à l'aquarelle ; son I'll Make You Shorter by a Head est explicitement inspiré de Judith I de Klimt et fait partie d'une série de peintures intitulée Fallen Angels .

Dans le cadre de sa première série de portraits de femmes An Economy of Grace , l'artiste américain Kehinde Wiley dépeint Judith comme une femme afro-américaine, pieds nus et vêtue d'une robe dessinée par Givenchy . Typique de son style, Wiley's Judith est entourée d'un motif de fleurs aux couleurs vives et en raison de la luminosité de son environnement, il ne devient évident que plus tard qu'elle tient la tête coupée d'une femme blanche.

Galerie

Voir également

Les références

Liens externes