Art hellénistique - Hellenistic art
Histoire des arts |
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L' art hellénistique est l'art de la période hellénistique généralement pris pour commencer la mort d' Alexandre le Grand en 323 avant JC et à la fin avec la conquête du monde grec par les Romains , un processus bien en cours de 146 avant notre ère, lorsque la Grèce continentale a été prise , et se terminant essentiellement en 30 avant notre ère avec la conquête de l' Égypte ptolémaïque après la bataille d' Actium . Un certain nombre des œuvres les plus connues de la sculpture grecque appartiennent à cette période, notamment Laocoon et ses fils , Vénus de Milo et la Victoire ailée de Samothrace . Il suit la période de l'art grec classique , tandis que l' art gréco-romain qui lui succède était très largement une continuation des courants hellénistiques.
Le terme hellénistique fait référence à l'expansion de l'influence grecque et à la diffusion de ses idées après la mort d'Alexandre – le « hellénisant » du monde, avec le grec koine comme langue commune. Le terme est une invention moderne ; le monde hellénistique comprenait non seulement une vaste zone couvrant l'ensemble de la mer Égée , plutôt que la Grèce classique axée sur les pôles d' Athènes et de Sparte , mais également une vaste plage de temps. En termes artistiques, cela signifie qu'il existe une grande variété qui est souvent classée sous la rubrique « art hellénistique » par commodité.
L'une des caractéristiques déterminantes de la période hellénistique était la division de l'empire d'Alexandre en empires dynastiques plus petits fondés par les diadoques (généraux d'Alexandre devenus régents de différentes régions) : les Ptolémées en Égypte , les Séleucides en Mésopotamie , en Perse et en Syrie , les Attalides à Pergame , etc. Chacune de ces dynasties pratiquait un patronage royal qui différait de ceux des cités-états. Dans l'entourage d'Alexandre se trouvaient trois artistes : Lysippe le sculpteur, Apelle le peintre et Pyrgotèle le tailleur et graveur de pierres précieuses. La période après sa mort fut une période de grande prospérité et d'extravagance considérable pour une grande partie du monde grec, au moins pour les riches. La royauté est devenue d'importants mécènes de l'art. La sculpture, la peinture et l'architecture prospérèrent, mais la peinture sur vase cessa d'avoir une grande importance. La ferronnerie et une grande variété d'arts de luxe ont produit de nombreux beaux-arts. Certains types d'art populaire étaient de plus en plus sophistiqués.
Il y a eu une tendance dans l'écriture de l'histoire à dépeindre l'art hellénistique comme un style décadent, à la suite de l' âge d'or de la Grèce classique . Les termes baroque et rococo du XVIIIe siècle ont parfois été appliqués à l'art de cette période complexe et individuelle. Un regain d'intérêt pour l' historiographie ainsi que quelques découvertes récentes, comme les tombeaux de Vergina , peuvent permettre une meilleure appréciation de la période.
Architecture
Dans le domaine architectural, les dynasties qui ont suivi Hector ont abouti à de vastes plans d'urbanisme et de grands complexes qui avaient pour la plupart disparu des cités-États au Ve siècle av. Le temple dorique a été pratiquement abandonné. Cet urbanisme était assez novateur pour le monde grec ; plutôt que de manipuler l'espace en corrigeant ses défauts, les plans de construction se sont conformés au cadre naturel. On note l'apparition de nombreux lieux de divertissement et de loisirs, notamment la multiplication des théâtres et des parcs. Les monarchies hellénistiques étaient avantagées à cet égard en ce qu'elles disposaient souvent de vastes espaces où elles pouvaient construire de grandes villes : comme Antioche , Pergame et Séleucie sur le Tigre .
C'était l'époque du gigantisme : il en fut ainsi pour le second temple d' Apollon à Didyme , situé à vingt kilomètres de Milet en Ionie . Il a été conçu par Daphnis de Milet et Paionios d' Éphèse à la fin du IVe siècle av. Le sanctuaire est l'un des plus grands jamais construits dans la région méditerranéenne : à l'intérieur d'une vaste cour (21,7 mètres sur 53,6 mètres), la cella est entourée d'une double colonnade de 108 colonnes ioniques de près de 20 mètres de haut, aux bases et chapiteaux richement sculptés .
Athènes
L' ordre corinthien a été utilisé pour la première fois sur un bâtiment à grande échelle au temple de Zeus Olympien .
Olynthe
La cité antique d' Olynthus a été l'une des clés de voûte architecturale et artistique de l'établissement d'un lien entre les mondes classique et hellénistique.
Plus de 100 maisons ont été trouvées sur le site de la ville d'Olynthus. Fait intéressant, les maisons et autres architectures étaient incroyablement bien conservées. Cela nous permet de mieux comprendre les activités qui ont eu lieu dans les maisons et comment l'espace à l'intérieur des maisons a été organisé et utilisé.
Les maisons d'Olynthus étaient généralement de forme carrée. La maison souhaitée n'était pas nécessairement grande ou extravagante, mais plutôt confortable et pratique. C'était une marque de civilisation qui était extrêmement importante dans la culture grecque pendant la période hellénistique et au-delà. Vivre une vie civilisée impliquait de maintenir un espace de vie solide, ainsi de nombreux matériaux ressemblant à de la brique ont été utilisés dans la construction des maisons. La pierre, le bois, la brique crue et d'autres matériaux étaient couramment utilisés pour construire ces habitations.
Un autre élément qui était de plus en plus populaire pendant la période hellénistique était l'ajout d'une cour à la maison. Les cours servaient de source de lumière pour la maison car les maisons grecques étaient fermées de l'extérieur pour maintenir un niveau d'intimité. Des fenêtres ont été trouvées sur certains sites d'accueil, mais elles sont généralement hautes et petites. En raison de la question de la vie privée, de nombreuses personnes ont été contraintes de faire des compromis sur la lumière à la maison. Des espaces bien éclairés étaient utilisés pour des activités divertissantes ou plus publiques tandis que les secteurs privés de la maison étaient sombres et fermés, ce qui compliquait les travaux ménagers.
Les cours étaient généralement au centre de la maison car elles offraient un espace pour se divertir et une source de lumière depuis l'intérieur même de la maison. Elles étaient le plus souvent pavées de pavés ou de galets, mais on a découvert des cours mosaïquées. Les mosaïques étaient un moyen merveilleux pour la famille d'exprimer leurs intérêts et leurs croyances, ainsi qu'un moyen d'ajouter du décor à la maison et de la rendre plus attrayante visuellement. Cette touche artistique aux maisons d'Olynthus introduit un autre élément de vie civilisée dans cette société hellénistique.
Pergame
Pergame en particulier est un exemple caractéristique de l'architecture hellénistique. Partant d'une simple forteresse située sur l' Acropole , les différents rois Attalides ont mis en place un ensemble architectural colossal. Les bâtiments sont répartis autour de l'Acropole pour tenir compte de la nature du terrain. L' agora , située au sud sur la terrasse la plus basse, est bordée de galeries à colonnades (colonnes) ou stoai . C'est le début d'une rue qui traverse toute l'Acropole : elle sépare les bâtiments administratifs, politiques et militaires à l'est et au sommet du rocher des sanctuaires à l'ouest, à mi-hauteur, dont le plus important est celui qui abrite le monumental Autel de Pergame , dit « des douze dieux » ou « des dieux et des géants », l'un des chefs-d'œuvre de la sculpture grecque. Un théâtre colossal, pouvant contenir près de 10 000 spectateurs, possède des bancs encastrés dans les flancs de la colline.
Sculpture
Pline l'Ancien , après avoir décrit la sculpture de l'époque classique note : Cessavit deinde ars ("alors l'art disparut"). Selon l'évaluation de Pline, la sculpture a considérablement diminué après la 121e Olympiade (296-293 avant JC). Une période de stagnation a suivi, avec un bref réveil après le 156e (156-153 avant JC), mais sans rien à la norme de l'époque qui l'a précédé.
Au cours de cette période, la sculpture est devenue plus naturaliste, et aussi expressive ; il y a un intérêt à dépeindre des émotions extrêmes. En plus du réalisme anatomique, l'artiste hellénistique cherche à représenter le caractère de son sujet, y compris des thèmes tels que la souffrance, le sommeil ou la vieillesse. Les sujets de genre des gens du commun, des femmes, des enfants, des animaux et des scènes domestiques sont devenus des sujets acceptables pour la sculpture, qui a été commandée par des familles riches pour l'ornement de leurs maisons et jardins ; le Garçon à l'épine en est un exemple.
Des portraits réalistes d'hommes et de femmes de tous âges ont été réalisés et les sculpteurs ne se sont plus sentis obligés de représenter les gens comme des idéaux de beauté ou de perfection physique. Le monde de Dionysos , une idylle pastorale peuplée de satyres , de ménades , de nymphes et de silènes , avait souvent été représenté dans des peintures sur vases et des figurines antérieures, mais rarement dans des sculptures grandeur nature. Le Vieil Ivrogne de Munich dépeint sans réserve une vieille femme, maigre, hagarde, serrant contre elle sa jarre de vin.
Portraits
La période est donc marquée par ses portraits : l'un d'eux est le Barberini Faune de Munich , qui représente un satyre endormi à la posture détendue et au visage anxieux, peut-être en proie à des cauchemars. Le torse du Belvédère , le satyre au repos , les centaures Furietti et l' hermaphrodite endormi reflètent des idées similaires.
Un autre portrait hellénistique célèbre est celui de Démosthène par Polyeuctos, avec un visage bien fait et des mains jointes.
Privatisation
Un autre phénomène de l'époque hellénistique apparaît dans sa sculpture : la privatisation, vue dans la reconquête de modèles publics plus anciens dans la sculpture décorative. Le portrait se teinte de naturalisme, sous l'influence de l'art roman . De nouvelles villes hellénistiques surgissaient dans toute l' Égypte , la Syrie et l' Anatolie , ce qui nécessitait des statues représentant les dieux et les héros de la Grèce pour leurs temples et leurs lieux publics. Cela a fait de la sculpture, comme la poterie, une industrie, avec pour conséquence une standardisation et une baisse de qualité. Pour ces raisons, beaucoup plus de statues hellénistiques ont survécu que ce n'est le cas avec la période classique.
Second classicisme
La sculpture hellénistique reprend les innovations du soi-disant « second classicisme » : la sculpture nue en rond , permettant d'admirer la statue sous tous les angles ; étude du drapé et des effets de transparence des vêtements, et de la souplesse des poses. Ainsi, Vénus de Milo , tout en faisant écho à un modèle classique, se distingue par la torsion de ses hanches.
"Baroque"
Le groupe de statues à plusieurs figures était une innovation hellénistique, probablement du IIIe siècle, retirant de leurs murs les batailles épiques des premiers reliefs du fronton du temple et les plaçant sous forme de groupes de statues grandeur nature. Leur style est souvent qualifié de « baroque », avec des poses corporelles extravagantes et des expressions intenses des visages. Le groupe Laocoon , détaillé ci-dessous, est considéré comme l'un des exemples prototypiques du style baroque hellénistique.
Pergame
Pergame ne se distingue pas seulement par son architecture : c'est aussi le siège d'une brillante école de sculpture connue sous le nom de Pergame baroque . Les sculpteurs, imitant les siècles précédents, mettent en scène des moments douloureux rendus expressifs par des compositions tridimensionnelles, souvent en V, et un hyperréalisme anatomique. Le faune de Barberini en est un exemple.
Gaulois
Attale Ier (269-197 av. J.-C.), pour commémorer sa victoire à Caïcus contre les Gaulois ; — appelé Galates par les Grecs — fit sculpter deux séries de groupes votifs : la première, consacrée sur l'Acropole de Pergame, comprend le célèbre Gaulois se suicidant et sa femme , dont l'original est perdu ; le second groupe, offert à Athènes, est composé de petits bronzes de Grecs, d'Amazones, de dieux et de géants, de Perses et de Gaulois. Artemis Rospigliosi au Louvre est probablement une copie de l'un d'eux ; quant aux exemplaires de la Gaule mourante , ils étaient très nombreux à l'époque romaine. L'expression des sentiments, la force des détails – ici les cheveux touffus et les moustaches – et la violence des mouvements sont caractéristiques du style pergame.
Grand Autel
Ces caractéristiques sont poussées à leur apogée dans les frises du grand autel de Pergame , orné sous l'ordre d' Eumène II (197-159 av. J.-C.) d'une gigantomachie de 110 mètres de long, illustrant dans la pierre un poème composé spécialement pour la cour . Les Olympiens y triomphent, chacun de son côté, des Géants – la plupart transformés en bêtes sauvages : serpents, rapaces, lions ou taureaux. Leur mère Gaia vient à leur secours, mais ne peut rien et doit les regarder se tordre de douleur sous les coups des dieux.
Le Colosse de Rhodes
L'une des rares cités-États à avoir réussi à maintenir une indépendance totale vis-à-vis du contrôle de tout royaume hellénistique était Rhodes . Après avoir résisté pendant un an au siège de Demetrius Poliorcetes (305-304 avant notre ère), les Rhodiens ont construit le Colosse de Rhodes pour commémorer leur victoire. Avec une hauteur de 32 mètres, c'était l'une des sept merveilles du monde antique . Les progrès de la fonte du bronze ont permis aux Grecs de réaliser de grandes œuvres. La plupart des grandes statues de bronze ont été perdues - la majorité étant fondue pour récupérer le matériau.
Laocoon
Découvert à Rome en 1506 et vu immédiatement par Michel - Ange , commençant son énorme influence sur l'art de la Renaissance et du baroque. Laocoon , étranglé par les serpents, tente désespérément de desserrer leur étreinte sans jeter un coup d'œil à ses fils mourants. Le groupe est l'une des rares sculptures anciennes non architecturales pouvant être identifiées avec celles mentionnées par les écrivains anciens. Il est attribué par Pline l'Ancien aux sculpteurs rhodiens Agesander , Athénodoros et Polydore .
Johann Joachim Winckelmann , qui a le premier articulé la différence entre l'art grec, gréco-romain et romain, s'est inspiré du Laocoon . Gotthold Ephraim Lessing a basé de nombreuses idées de son « Laocoon » (1766) sur les vues de Winckelmann sur l'harmonie et l'expression dans les arts visuels.
Sperlonga
Les sculptures fragmentaires de Sperlonga sont une autre série de sculptures « baroques » de style hellénistique, peut-être réalisées pour l'empereur Tibère , qui était certainement présent lors de l'effondrement de la grotte balnéaire du sud de l'Italie qu'elles décoraient. Les inscriptions suggèrent que les mêmes sculpteurs l'ont fait qui ont fait le groupe Laocoon, ou peut-être leurs relations.
Néo-Grenier
A partir du IIe siècle, le style néo-attique ou néo-classique est vu par différents érudits soit comme une réaction aux excès baroques, revenant à une version du style classique, soit comme une continuation du style traditionnel des statues cultuelles. Les ateliers du style sont devenus principalement des producteurs de copies pour le marché romain, qui préférait les copies de pièces classiques plutôt que hellénistiques.
Monument funéraire d'un mourant Adonis , polychromes en terre cuite , l' art étrusque de Tuscana , 250-100 BC
Pierre tombale d'une femme avec son enfant esclave qui s'occupe d'elle, v. 100 av. J.-C. (début de la Grèce romaine )
Bronze hellénistique tardif d'un jockey monté, Musée national d'archéologie, Athènes
Buste de Ptolémée Ier Soter coiffé d'un diadème , symbole de la royauté hellénistique, musée du Louvre .
Le Poséidon de Melos , du Musée Archéologique National, Athènes.
Peintures et mosaïques
Les peintures et les mosaïques étaient des médiums importants dans l'art, mais aucun exemple de peintures sur panneaux n'a survécu à la chute des Romains. Il est possible d'avoir une idée de ce à quoi ils ressemblaient à partir de médias connexes et de ce qui semble être des copies ou des dérivations lâches de peintures dans une plus large gamme de matériaux.
Paysage
L'élément le plus frappant des peintures et mosaïques hellénistiques est peut-être l'utilisation accrue du paysage. Les paysages de ces œuvres d'art sont représentatifs de figures naturalistes familières tout en affichant des éléments mythologiques et sacro-idylliques. Les frises de paysages et les mosaïques étaient couramment utilisées pour afficher des scènes de la poésie hellénistique comme celle d'Hérondas et de Théocrite. Ces paysages qui exprimaient les histoires des écrivains hellénistiques étaient utilisés à la maison pour souligner l'éducation et les connaissances de cette famille sur le monde littéraire.
Sacro-idyllique signifie que les éléments les plus importants de l'œuvre d'art sont ceux liés aux thèmes sacrés et pastoraux. Ce style qui a émergé le plus souvent dans l'art hellénistique combine des éléments sacrés et profanes, créant un cadre onirique. Les influences sacro-idylliques sont véhiculées dans la mosaïque romaine " Mosaïque du Nil de Palestrina " qui démontre des récits fantastiques avec une palette de couleurs et des éléments banals qui illustrent le Nil dans son passage de l'Éthiopie à la Méditerranée. L'inclusion d'arrière-plans hellénistiques peut également être observée dans des œuvres de Pompéi, de Cyrène et d'Alexandrie. De plus, spécifiquement dans le sud de la Russie, des éléments floraux et des branches peuvent être trouvés sur les murs et les plafonds parsemés de manière désordonnée mais conventionnelle, reflétant un style grec tardif. De plus, les peintures "Cubiculum" trouvées dans la Villa Boscoreale incluent de la végétation et un cadre rocheux en arrière-plan de peintures détaillées de grande architecture.
Peintures murales
Les peintures murales ont commencé à apparaître plus en évidence à l'époque pompéienne. Ces peintures murales n'étaient pas seulement exposées dans des lieux de culte ou dans des tombes. Souvent, les peintures murales étaient utilisées pour décorer la maison. Les peintures murales étaient courantes dans les maisons privées à Délos, Priène, Théra, Pantikapaion, Olbia et Alexandrie.
Peu d'exemples de peintures murales grecques ont survécu aux siècles. Les plus impressionnantes, en termes de représentation de la haute qualité de la peinture grecque, sont celles des tombes royales macédoniennes de Vergina . Bien que les peintres grecs soient rendus hommage à apporter des moyens fondamentaux de représentation au monde occidental à travers leur art. Trois qualités principales uniques au style de peinture hellénistique étaient la perspective tridimensionnelle, l'utilisation de la lumière et de l'ombre pour rendre la forme et le réalisme en trompe-l'œil . Très peu de formes de la peinture grecque hellénistique survivent, à l'exception des panneaux de pinakes en bois et de ceux peints sur pierre. Les peintures sur pierre les plus connues se trouvent sur le tombeau macédonien d' Agios Athanasios .
Les chercheurs se sont limités à étudier les influences hellénistiques dans les fresques romaines , par exemple celles de Pompéi ou d' Herculanum . De plus, certaines des peintures de la Villa Boscoreale font clairement écho aux peintures royales hellénistiques et macédoniennes perdues.
Médiums et technique
Des fouilles récentes en Méditerranée ont révélé la technologie utilisée dans la peinture hellénistique. L'art mural de cette période utilisait deux techniques : la technique secco et la technique de la fresque . La technique de la fresque nécessitait des couches d'enduits riches en chaux pour décorer ensuite les murs et les supports en pierre. D'autre part, aucune base n'était nécessaire pour la technique secco, qui utilisait de la gomme arabique et de la détrempe à l'œuf pour peindre des détails de finition sur le marbre ou d'autres pierres. Cette technique est illustrée dans les frises de maçonnerie trouvées à Délos. Les deux techniques utilisaient des médiums accessibles localement, tels que des agrégats de terre cuite dans les couches de base et des pigments inorganiques naturels, des pigments inorganiques synthétiques et des substances organiques comme colorants.
Découvertes récentes
Parmi les découvertes récentes, on peut citer celles des tombes à chambre de Vergina (1987) dans l'ancien royaume de Macédoine , où de nombreuses frises ont été exhumées. Par exemple, dans la tombe II, les archéologues ont trouvé une frise de style hellénistique représentant une chasse au lion. Cette frise retrouvée dans la tombe supposée celle de Philippe II est remarquable par sa composition, la disposition des personnages dans l'espace et sa représentation réaliste de la nature. D'autres frises maintiennent un récit réaliste, comme un symposium et un banquet ou une escorte militaire, et racontent éventuellement des événements historiques.
Il y a aussi les fresques du plafond nabatéen du 1er siècle récemment restaurées dans la maison peinte de Little Petra en Jordanie. Comme les Nabatéens commerçaient avec les Romains, les Égyptiens et les Grecs, les insectes et autres animaux observés dans les peintures reflètent l'hellénisme tandis que divers types de vignes sont associés au dieu grec Dionysos .
De récentes découvertes archéologiques au cimetière de Pagasae (proche de l'actuelle Volos ), au bord du golfe Pagasétique ont mis au jour des œuvres originales. Les fouilles de ce site dirigées par le Dr Arvanitopoulos peuvent être liées à divers peintres grecs des IIIe et IVe siècles et représentent des scènes faisant allusion au règne d' Alexandre le Grand .
Dans les années 1960, un groupe de peintures murales a été retrouvé à Délos . Il est évident que les fragments de frises retrouvés ont été créés par une communauté de peintres ayant vécu à la fin de la période hellénistique. Les peintures murales mettaient l'accent sur la décoration domestique, véhiculant la conviction que ces personnes pensaient que l'établissement Delian resterait suffisamment stable et sécurisé pour que cette œuvre d'art puisse être appréciée par les propriétaires pendant de nombreuses années à venir.
Mosaïques
Certaines mosaïques donnent cependant une assez bonne idée de la « grande peinture » de l'époque : ce sont des copies de fresques. Cette forme d'art a été utilisée pour décorer principalement les murs, les sols et les colonnes.
Médiums et technique
Le développement de l'art de la mosaïque pendant la période hellénistique a commencé avec les mosaïques de galets , mieux représentées sur le site d' Olynthos à partir du 5ème siècle avant JC. La technique des Pebble Mosaics consistait à placer des petits cailloux blancs et noirs sans forme particulière, dans un panneau circulaire ou rectangulaire pour illustrer des scènes de la mythologie. Les galets blancs -dans des tons légèrement différents- ont été placés sur un fond noir ou bleu pour créer l'image. Les cailloux noirs servaient à délimiter l'image.
Dans les mosaïques du site de Pella , du IVe siècle av. J.-C., il est possible de voir une forme plus évoluée de l'art. Les mosaïques de ce site montrent l'utilisation de cailloux qui ont été ombragés dans une plus large gamme de couleurs et de tons. Ils montrent également l'utilisation précoce de la terre cuite et du fil de plomb pour créer une meilleure définition des contours et des détails des images des mosaïques.
Suite à cet exemple, plus de matériaux ont été progressivement ajoutés. Des exemples de cette utilisation étendue de matériaux dans les mosaïques du 3ème siècle avant JC comprennent des pierres finement taillées, des cailloux ébréchés, du verre et de l'argile cuite, connus sous le nom de tessarae . Cela a amélioré la technique des mosaïques en aidant les artistes à créer plus de définition, plus de détails, un meilleur ajustement et une gamme encore plus large de couleurs et de tons.
Malgré l'ordre chronologique d'apparition de ces techniques, il n'y a aucune preuve réelle pour suggérer que le pavage nécessairement développé à partir des mosaïques de galets.
Opus vermiculatum et opus tessellatum étaient deux techniques différentes utilisées au cours de cette période de fabrication de mosaïques. Opus tessellatum fait référence à une tesselle rédigée ( un petit bloc de pierre, de tuile, de verre ou d'un autre matériau utilisé dans la construction d'une mosaïque) suivie d'une variété accrue de forme, de couleur et de matériau ainsi qu'à l' andamento - ou le motif dans lequel la tesselle a été posée. Opus vermiculatum est souvent associé à cette technique, mais diffère en complexité et est connu pour avoir le plus grand impact visuel.
La majorité des mosaïques ont été réalisées et posées sur place. Cependant, un certain nombre de mosaïques au sol montrent l'utilisation de la technique de l' emblématique , dans laquelle des panneaux de l'image sont créés hors site dans des plateaux de terre cuite ou de pierre. Ces plateaux ont ensuite été placés dans le lit de mise en place sur le site.
A Délos, des coulis colorés ont été utilisés sur les mosaïques d'opus vermiculatum, mais dans d'autres régions, ce n'est pas courant. Il existe un exemple de coulis coloré utilisé à Alexandrie sur la mosaïque Dog and Askos. A Samos, les coulis et les tesselles sont tous deux colorés.
Étudier la couleur ici est difficile car les coulis sont extrêmement fragiles et vulnérables.
La recherche scientifique a été une source d'informations intéressantes en ce qui concerne les coulis et les tesselles utilisés dans les mosaïques hellénistiques. Des bandes de plomb ont été découvertes sur des mosaïques en tant que caractéristique déterminante de la technique de surface. Les bandes de plomb sont absentes des mosaïques ici. A Délos, les bandes de plomb étaient courantes sur les mosaïques de style opus tessellatum. Ces bandes ont été utilisées pour délimiter les bordures décoratives et les motifs décoratifs géométriques. Les bandes étaient extrêmement courantes sur les mosaïques d'opus vermiculatum d'Alexandrie. Étant donné que les bandes de plomb étaient présentes dans les deux styles de types de surface, elles ne peuvent pas être la seule caractéristique d'un type ou de l'autre.
Mosaïque de Tel Dor
Un exemple rare de mosaïque d'images de style hellénistique virtuose trouvé sur la côte levantine. A travers une analyse technique de la mosaïque, les chercheurs suggèrent que cette mosaïque a été réalisée par un artisan itinérant travaillant in situ . Depuis 2000, plus de 200 fragments de la mosaïque ont été découverts au titre de Tel Dor, cependant, la destruction de la mosaïque originale est inconnue. Les excavatrices suggèrent que le tremblement de terre ou la rénovation urbaine en est la cause. Le contexte architectural d'origine est inconnu, mais des comparaisons stylistiques et techniques suggèrent une date de la période hellénistique tardive, estimée autour de la seconde moitié du IIe siècle avant notre ère. En analysant les fragments trouvés sur le site d'origine, les chercheurs ont découvert que la mosaïque originale contenait un rectangle centralisé avec iconographie entourée d'une série de bordures décoratives constituées d'un méandre en perspective suivi d'une bordure en masque et guirlande. Cette mosaïque se compose de deux techniques différentes de fabrication de mosaïque, l' opus vermiculatum et l' opus tessellatum .
Mosaïque Alexandre
Un exemple est la Mosaïque d'Alexandre , montrant la confrontation du jeune conquérant et du Grand Roi Darius III à la bataille d'Issus , une mosaïque d'un sol de la Maison du Faune à Pompéi (maintenant à Naples ). On pense qu'il s'agit d'une copie d'un tableau décrit par Pline qui avait été peint par Philoxène d' Érétrie pour le roi Cassandre de Macédoine à la fin du IVe siècle avant JC, ou même d'un tableau d'Apelle contemporain d'Alexandre lui-même. La mosaïque permet d'admirer le choix des couleurs ainsi que la composition de l'ensemble utilisant le mouvement tournant et l'expression du visage.
Mosaïque de chasse au cerf
La chasse au cerf mosaïque par Gnose est une mosaïque d'une maison riche de la Colombie - Britannique fin du 4ème siècle, le soi-disant « Maison de l'enlèvement d' Hélène » (ou « Maison de l'enlèvement d'Hélène »), à Pella , la signature ( "Gnosis epoesen", c'est-à-dire la Gnose créée) est la première signature connue d'un mosaïste .
L' emblème est bordé d'un motif floral complexe , lui-même bordé de représentations stylisées de vagues . La mosaïque est une mosaïque de galets avec des pierres collectées sur les plages et les berges des rivières qui ont été incrustées dans du ciment. Comme ce fut peut-être souvent le cas, la mosaïque reflète beaucoup les styles de peinture. Les figures claires sur un fond plus sombre peuvent faire allusion à la peinture à figures rouges . La mosaïque utilise également des ombrages , connus des Grecs sous le nom de skiagraphia , dans ses représentations de la musculature et des capes des personnages. Ceci avec son utilisation de figures qui se chevauchent pour créer de la profondeur rend l'image en trois dimensions .
Sosos
La période hellénistique est également l'époque du développement de la mosaïque en tant que telle, notamment avec les œuvres de Sosos de Pergame , actif au IIe siècle av. J.-C. et seul mosaïste cité par Pline. Son goût pour le trompe-l'œil (illusion d'optique) et les effets de médium se retrouvent dans plusieurs oeuvres qui lui sont attribuées comme le "Sol non balayé" du musée du Vatican, représentant les restes d'un repas (arêtes de poisson, arêtes, coquilles vides, etc.) et le "Bassin de la colombe" (fait de petites pierres d' opus vermiculatum tesserae ) au musée du Capitole , connu grâce à une reproduction découverte dans la Villa d'Hadrien . On y voit quatre colombes juchées au bord d'un bassin en bronze doré rempli d'eau. L'une d'elles s'abreuve tandis que les autres semblent se reposer, ce qui crée des effets de reflets et d'ombres parfaitement étudiés par l'artiste. Le panneau de mosaïque "Dove Basin" est un emblème, conçu pour être le point central d'un sol en mosaïque par ailleurs simple. L'emblème était à l'origine une importation de la Méditerranée orientale hellénistique, où, dans des villes comme Pergame , Éphèse et Alexandrie , il y avait des artistes spécialisés dans la mosaïque. L'un d'eux était Sosos de Pergame, le mosaïste le plus célèbre de l'Antiquité qui travailla au IIe siècle av.
Délos
Selon l'archéologue français François Chamoux , les mosaïques de Délos dans les Cyclades représentent l'apogée de l'art de la mosaïque de la période hellénistique utilisant l'utilisation de tesselles pour former des scènes complexes et colorées. Ce style de mosaïque s'est poursuivi jusqu'à la fin de l'Antiquité et a peut-être eu un impact sur l'utilisation généralisée de la mosaïque dans le monde occidental au Moyen Âge .
Mosaïque d'une nymphe du Palais du Grand Maître des Chevaliers de Rhodes , IIe siècle av.
Une mosaïque de sol domestique représentant Athéna , du "quartier des bijoux" de Délos , Grèce, fin du IIe ou début du Ier siècle av.
Panneau central de l'Enlèvement d' Hélène de Troie par Thésée , mosaïque au sol , détail de l' aurige , de la Maison de l'Enlèvement d'Hélène, (vers 300 av. J.-C.), ancienne Pella
Une mosaïque macédonienne du tombeau de Kasta à Amphipolis représentant l'enlèvement de Perséphone par Pluton , IVe siècle av.
Une ancienne fresque de soldats macédoniens de la tombe d' Agios Athanasios, Thessalonique , Grèce, 4ème siècle avant JC
Soldats hellénistiques vers 100 avant notre ère, Royaume ptolémaïque , Égypte ; détail de la mosaïque du Nil de Palestrina .
Une stèle de Dioskourides, datée du IIe siècle av. J.-C., montrant un soldat thureophoros ptolémaïque (maniant le bouclier thureos ). C'est un exemple caractéristique de la « romanisation » de l' armée ptolémaïque .
Le dieu ailé Dionysos chevauchant un tigre, de la maison de Dionysos à Délos , Grèce, IIe siècle av.
Sol non balayé , copie romaine de la mosaïque de Sosus de Pergame , v. 200 avant JC
Motif central de la mosaïque " Medusa ", IIe siècle avant notre ère, de l' île de Kos , dans le palais du Grand Maître des Chevaliers de Rhodes , dans la ville de Rhodes, île de Rhodes , Grèce.
Une peinture murale de Delos , v. 100 avant JC
La tapisserie de Sampul , une tenture murale en laine du comté de Lop , préfecture de Hotan , Xinjiang, Chine , montrant un soldat grec du royaume gréco-bactrien (250-125 av. J.-C.), aux yeux bleus , brandissant une lance et portant ce qui semble être un bandeau diadème ; représenté au-dessus de lui est un centaure , de la mythologie grecque , un motif commun dans l'art hellénistique ; Musée de la région du Xinjiang .
Ptolémaïque mosaïque d'un chien et askos récipient à vin de l' Egypte hellénistique , du 200-150 avant notre ère, Musée gréco-romain d'Alexandrie, Egypte
Une mosaïque de Thmuis ( Mendes ), Egypte, créée par l'artiste hellénistique Sophilos (signature) vers 200 avant JC, maintenant au Musée gréco-romain d'Alexandrie, Egypte ; la femme représentée est la reine ptolémaïque Bérénice II (qui a régné conjointement avec son mari Ptolémée III ) en tant que personnification d'Alexandrie.
Une peinture à l'encaustique grecque hellénistique sur marbre représentant le portrait d'un jeune homme nommé Theodoros sur une pierre tombale, datée du 1er siècle avant J.-C. pendant la période de la Grèce romaine , Musée archéologique de Thèbes
Poterie
L'âge hellénistique vient immédiatement après le grand âge de la poterie grecque antique peinte , peut-être parce qu'une prospérité accrue a conduit à une plus grande utilisation de la métallurgie (très peu survivant maintenant) et au déclin du "vase" peint (le terme utilisé pour toutes les formes de récipients en poterie). La plupart des vases de l'époque sont noirs et uniformes, d'un aspect brillant se rapprochant de celui du vernis, décorés de motifs simples de fleurs ou de festons . Les formes des vases sont souvent basées sur des formes de ferronnerie : ainsi avec le lagynos , une jarre à vin typique de l'époque. Les types de vases peints dont la production s'est poursuivie jusqu'à la période hellénistique comprennent les vases Hadra et les amphores panathénaïques .
Articles mégariens
C'est aussi l'époque de la céramique dite mégarienne : des vases moulés à décor en relief apparaissent, sans doute à l'imitation des vases en métaux précieux. Des couronnes en relief étaient appliquées sur le corps du vase. On trouve aussi des reliefs plus complexes, à base d' animaux ou de créatures légendaires .
Articles de pente ouest
Peinture figure rouge était mort à Athènes d' ici la fin du 4ème siècle avant JC pour être remplacé par ce qu'on appelle Ware versant Ouest , du nom des découvertes sur la pente ouest de l' Acropole d' Athènes . Cela consistait à peindre dans une engobe de couleur beige et de la peinture blanche sur un fond d'engobe noir cuit avec quelques détails incisés.
Les représentations de personnes ont diminué, remplacées par des motifs plus simples tels que des couronnes, des dauphins, des rosettes, etc. Des variations de ce style se sont répandues dans le monde grec avec des centres notables en Crète et dans les Pouilles , où les scènes figuratives ont continué à être demandées.
Pouilles
Vases Gnathia
Les vases Gnathia étaient cependant encore produits non seulement dans les Pouilles , mais aussi dans la peinture sur vase campanienne , paestane et sicilienne .
Articles de canosa
Dans Canosa di Puglia en Italie du Sud, dans des sépultures 3ème siècle de la Colombie - Britannique on pourrait trouver des vases avec des pièces jointes entièrement en trois dimensions. La caractéristique distinctive des vases Canosa sont les peintures solubles dans l'eau. Des peintures bleues, rouges, jaunes, violet clair et marron ont été appliquées sur un fond blanc.
Articles Centuripe
La céramique Centuripe de Sicile, que l'on a appelée "le dernier souffle de la peinture sur vase grec", avait une peinture à la détrempe entièrement colorée comprenant des groupes de figures appliqués après cuisson, contrairement à la pratique traditionnelle. La fragilité des pigments empêchait l'usage fréquent de ces vases ; ils étaient réservés aux funérailles et beaucoup étaient purement destinés à être exposés, par exemple avec des couvercles qui ne se soulevaient pas. La pratique s'est peut-être poursuivie jusqu'au IIe siècle av. Un atelier a été actif jusqu'au moins au 3ème siècle avant JC. Ces vases se caractérisent par une base peinte en rose. Les personnages, souvent féminins, sont représentés en vêtements colorés : chiton bleu-violet , himation jaune , voile blanc. Le style rappelle Pompéi et s'inspire davantage des grandes peintures contemporaines que de l'héritage de la poterie à figures rouges.
Figurines en terre cuite
Les briques et les tuiles étaient utilisées à des fins architecturales et autres. La production de figurines en terre cuite grecque est devenue de plus en plus importante. Des figurines en terre cuite représentaient des divinités ainsi que des sujets de la vie contemporaine. Auparavant réservée à un usage religieux, en Grèce hellénistique, la terre cuite était plus fréquemment utilisée à des fins funéraires et purement décoratives. Le raffinement des techniques de moulage a permis de créer de véritables statues miniatures, d'un haut niveau de détail, typiquement peintes.
Plusieurs styles grecs se sont poursuivis dans la période romaine, et l'influence grecque, en partie transmise via les anciens étrusques , sur la poterie romaine antique était considérable, en particulier dans les figurines.
Figurines Tanagra
Les figurines Tanagra , de Tanagra en Béotie et d'autres centres, pleines de couleurs vives, représentent le plus souvent des femmes élégantes dans des scènes pleines de charme. A Smyrne , en Asie Mineure, se côtoient deux grands styles : tout d'abord, des copies de chefs-d'œuvre de la grande sculpture, comme l' Hercule Farnèse en terre cuite dorée.
Grotesques
Dans un tout autre genre, il y a les « grotesques », qui contrastent violemment avec les canons de la « beauté grecque » : le koroplathos ( fabriquant de figurines) façonne des corps déformés dans des poses tortueuses – bossus , épileptiques , hydrocéphales , femmes obèses , etc. On pouvait donc se demander s'il s'agissait de modèles médicaux, la ville de Smyrne étant réputée pour sa faculté de médecine . Ou ils pourraient simplement être des caricatures, conçues pour provoquer le rire. Les "grotesques" sont également fréquents à Tarse et aussi à Alexandrie .
nègre
Un thème qui émergea fut celui du « nègre », notamment dans l' Égypte ptolémaïque : ces statuettes d'adolescents noirs connurent le succès jusqu'à l'époque romaine. Parfois, elles en étaient réduites à faire écho à une forme des grandes sculptures : ainsi on trouve de nombreuses copies en miniature de la Tyché (Fortune ou Chance) d' Antioche , dont l'original date du début du IIIe siècle av.
Des motifs de poterie hellénistique peuvent être trouvés dans la ville de Taxila au Pakistan moderne , qui a été colonisée par des artisans et des potiers grecs après sa conquête par Alexandre.
Une bouteille ( Lekythos ) de style Gnathia - Eros , avec une peinture représentant un personnage jouant avec un ballon , Pouilles ( Magna Graecia ), Italie, troisième quart du IVe siècle av.
Cratère , peinture de vase des Pouilles avec décorations en relief, 330-320 av.
Un sphageion aux gorgones , du sud de l'Italie , Canosa di Puglia , fin du IVe au début du IIIe siècle av. J.-C., argile, engobe, peinture. Musée Pouchkine , Moscou
Un askos en forme de tête de femme, 270-200 avant JC, de Canosa di Puglia
Tête de femme imitant partiellement un vase ( lekythos ), 325-300 av.
Tête de jeune homme en terre cuite du grec ancien , trouvée à Tarent , ca. 300 avant JC, Antikensammlung Berlin.
Figurine Tanagra jouant un pandura , 200 avant JC
Arts mineurs
Art métallique
En raison de la fonte de tant de statues de bronze, seuls les plus petits objets existent encore. En Grèce hellénistique, les matières premières étaient abondantes suite aux conquêtes orientales.
Le travail des vases métalliques prend une nouvelle ampleur : les artistes rivalisent entre eux avec une grande virtuosité. Le trésor thrace de Panagyurishte (de la Bulgarie moderne ), comprend des objets grecs tels qu'une amphore en or avec deux centaures dressés formant les poignées.
Le Derveni Krater , de près de Thessalonique , est un grand bronze volute Cratère d'environ 320 avant JC, pesant 40 kg, et finement décoré d'une frise de haut de 32 centimètres de figures en relief représentant Dionysus entouré par Ariadne et son cortège de satyres et ménades . Le col est orné de motifs ornementaux tandis que quatre satyres en haut-relief sont assis avec désinvolture sur les épaules du vase.
L'évolution est similaire pour l'art de la joaillerie. Les bijoutiers de l'époque excellaient dans le maniement des détails et des filigranes : ainsi, les couronnes funéraires présentent des feuilles d'arbres ou des tiges de blé très réalistes. A cette époque, le sertissage de pierres précieuses était florissant.
Verre et art glyptique
C'est à l'époque hellénistique que les Grecs, qui ne connaissaient jusqu'alors que le verre moulé, découvrirent la technique du soufflage du verre , permettant ainsi de nouvelles formes . À partir de la Syrie , l'art du verre se développe surtout en Italie. Le verre moulé se poursuit, notamment dans la création de bijoux taille - douce .
L'art de la gravure des pierres précieuses n'avançait guère, se limitant à des pièces de série qui manquaient d'originalité. En guise de compensation, le camée a fait son apparition. Il s'agit de découper en relief sur une pierre composée de plusieurs couches colorées, permettant de présenter l'objet en relief avec plus d'une couleur. La période hellénistique a produit des chefs-d'œuvre comme le camée de Gonzague , aujourd'hui au musée de l' Ermitage , et des sculptures en pierre dure spectaculaires comme la Coupe des Ptolémées à Paris.
Monnaie
La monnaie à l'époque hellénistique utilisait de plus en plus les portraits.
Le larnax d' or de Philippe II de Macédoine qui contenait sa dépouille. Il a été construit en 336 av. Il pèse 11 kilos et est en or 24 carats. Vergina , Grèce.
La couronne d'or de Philippe II trouvée à l'intérieur du larnax d'or. Il pèse 717 grammes.
Bijoux en or à porter comme ornements de cheveux, IIIe siècle av. J.-C., Collection Stathatos, Musée archéologique national d'Athènes .
Le Camée Gonzague IIIe siècle av. J.-C., au Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg
Apollonios d'Athènes, bague en or avec portrait en grenat , c. 220 avant JC
Philippe V , « le chouchou de la Hellas », coiffé du diadème royal
Sardonyx camée d'un ptolémaïque prince comme le dieu grec Hermès , Cabinet des médailles , Paris, 2ème siècle avant JC
Copies romaines postérieures
Stimulés par l'acquisition romaine, la consommation d'élite et la demande d'art grec, les artistes grecs et romains, en particulier après l'établissement de la Grèce romaine , ont cherché à reproduire les œuvres d'art en marbre et en bronze des périodes classique et hellénistique. Ils l'ont fait en créant des moules de sculptures originales, produisant des moulages en plâtre qui pouvaient être envoyés à n'importe quel atelier de sculpteur de la Méditerranée où ces œuvres d'art pouvaient être dupliquées. Il s'agissait souvent de reproductions fidèles d'originaux, mais d'autres fois, ils fusionnaient plusieurs éléments de diverses œuvres d'art en un seul groupe, ou ajoutaient simplement des têtes de portraits romains à des corps grecs athlétiques préexistants.
La Gaule mourante , une copie en marbre romain d'une œuvre hellénistique de la fin du IIIe siècle av. J.-C. Musées du Capitole , Rome.
Copie romaine d'un buste hellénistique original représentant Séleucos I Nicator (fondateur de l' Empire Séleucide ), trouvé à Herculanum , Italie
Une copie romaine d'un original hellénistique perdu (IIe siècle av. J.-C.) représentant Homère , de Baiae , Italie, British Museum
Statue de Mars du Forum de Nerva , IIe siècle après JC, basée sur un original de l' époque d'Auguste qui à son tour utilisait un modèle grec hellénistique du IVe siècle av. J.-C., Musées du Capitole
Réduction romaine en bronze du Discobolos de Myron , IIe siècle après JC
Le Boxer du Quirinal , une sculpture hellénistique au Musée national de Rome .
Démosthène . Marbre, copie romaine d'après un original de Polyeuctos (ca. 280).
Copie romaine en marbre du garçon avec une épine , c.25 - 50 CE,
Le Hercule Farnèse , probablement une copie agrandie faite au début du 3ème siècle après JC et signé par un certain Glykon, d'un original par Lysippe (ou l' un de son entourage) qui aurait été fait dans le 4ème siècle avant JC; la copie a été réalisée pour les thermes de Caracalla à Rome (dédiée en 216 après JC), où elle a été récupérée en 1546
Voir également
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Moyen-Orient |
Asie |
Préhistoire européenne |
Art classique |
- Alexandre le Grand
- civilisation hellénistique
- Grèce hellénistique
- Période hellénistique
- L'art dans la Grèce antique
- Poterie de la Grèce antique
- Peinture de vase grec antique
- sculpture grecque
- Influence hellénistique sur l'art indien
- art parthe
- Art bachique
Références et sources
- Les références
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Grèce moderne |
- Sources
- Cet article s'inspire largement de l'article fr:Art hellénistique de Wikipédia en français, auquel on a accédé dans la version du 10 novembre 2006.
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Lectures complémentaires
- Anderson, Jane EA Le langage corporel dans l'art et la société hellénistique . Première édition. Oxford : Oxford University Press, 2015.
- Stewart, Andrew F. Art dans le monde hellénistique : une introduction . New York : Cambridge University Press, 2014.
- Trofimova, Anna A. Imitatio Alexandri dans l'art hellénistique : portraits d'Alexandre le Grand et images mythologiques . Rome : L'Erma di Bretschneider, 2012.
- Zanker, G. Modes de visualisation dans la poésie et l'art hellénistique . Madison : University of Wisconsin Press, 2004.
Liens externes
- Sélection d'œuvres hellénistiques au British Museum
- Sélection d'œuvres hellénistiques au Louvre
- Art hellénistique , Ancient-Greece.org